Estimados lectores, como ya sabrán, he tenido complicaciones con actualizar el blog semanalmente, sin embargo, debo decirles que estoy gratamente impresionado que la publicación anterior haya llegado a más de 500 visitas en un poco más de una semana, por lo que hoy les traigo esta caja de discos que salió a fines del año pasado, la cual tenía pendiente de subir desde que la tuve en las manos, pero decidí posponer su publicación y creo que con el acercamiento del aniversario de Avándaro, es menester publicar parte de mi colección de rock mexicano de la época que incluye tanto a grupos que estuvieron presentes como a los contemporáneos que no estuvieron, uno de ellos son los Dug Dug's, los cuales fueron un grupo fundamental en el movimiento conocido como "la Onda Chicana" y además de todo, fueron los que abrieron el Festival de Avándaro aquel 11 de Septiembre de 1971.
Por otro lado, este post de alguna manera es un repost, pues si tenemos en cuenta que casi todos los discos del grupo ya habían sido publicados por aquí hace un poco más de 10 años, esta entrada también cuenta como una actualización a estos, pues aquellas publicaciones tenían mis propios ripeos de los remasters anteriores que se los compré directamente a Armando Nava en el verano del 2010, los cuales estaban en Mp3 de 320kbps y ahora estos están en FLAC, pero en lo que quiero poner énfasis es que estos remasters tienen dos cosas que me gustaron, la primera es que están editados en Mini-LP y la otra es que el sonido es mejor que el de los anteriores, los cuales sonaban bastante sibilantes, es decir, con una ecualización que tenía exceso de frecuencias agudas que comienzan desde los 4 khz en adelante, mientras que estos suenan más atenuados, algo que me agradó bastante, por lo que espero que disfruten esta caja y ¡Hasta la próxima!
La historia de los Dug Dug's comienza hace 61 años en Durango, Durango, lugar en el que el grupo de covers Xippos Rock le habló a un jovensísimo Armando Nava, que en aquel entonces era conocido como "el Latino" por su gusto por el grupo argentino los 5 Latinos para que colaborara en el recién formado grupo que unos años después se trasladaría a Tijuana, California en búsqueda de la suerte y fue ahí donde descubrieron a los Beatles, grupo que les cambiaría la vida y del que tomarían la vestimenta y repertorio. Después de años de tocar en Tijuana, deciden pasarse al Distrito Federal, en el que adoptarían el nombre de los Dug Dug's (abreviación de DUranGo, DUranGo) y así comenzarían a hacerse de renombre, al punto que fueron contratados para grabar el tema de un programa de televisión infantil, de tocar como grupo de acompañamiento de Roberto Jordán para un sencillo y para salir en la película 5 de fresa y 1 de chocolate en la que colaborarían con Angélica María, grabando una música esta vez influenciada por la psicodelia gringa y la británica, poco después se irían a intentar algún éxito a Nueva York, en donde grabaron algunos demos de las canciones que terminarían en su debut de 1971, pero el éxito no les llegaría hasta que el nuevo movimiento de rock en México ganara popularidad y así su psicodelia con canciones originales se hiciese notar junto con la de otros grupos como la Revolución de Emiliano Zapata, el Ritual, la Fachada de Piedra, la Comuna, la Máquina del Sonido o los Spiders, lo que los llevó a ser contratados para el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, que se celebró el 11 y el 12 de Septiembre de 1971.
Después del Festival, llegó el famoso avandarazo, que fue la prohibición implícita y totalitaria del rock en los medios de comunicación masivos, por lo que al igual que otros de sus contemporáneos, los Dug Dug's se vieron en la necesidad de tocar en los famosos Hoyos Fonquis durante toda la década, sin embargo, el grupo persistió hasta nuestros días, gracias a que también el internet ha ayudado mucho a que su música tenga exposición en otros países como Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Suecia, España, Italia y Japón, de donde también han surgido ediciones piratas de sus discos que aún se pueden encontrar en Discogs o en el Chopo.
Hablar musicalmente de los Dug Dug's es hablar del grupo más variopinto y polifacético que ha tenido el rock mexicano, a pesar de lo que puedan decir muchos, lo que hace a los Dug Dug's merecer ese título es que empezaron justo en la época en la que el rock and roll comenzaba a tener eco en el país para luego adoptar la vestimenta y el sonido de los Beatles, los Kinks y los Yardbirds, aunque con el paso del tiempo también tomaron influencia del garage rock gringo, especialmente de los Seeds y de Tommy James y los Shondells, para finalmente pasar a psicodelizarse y a adoptar la vestimenta hippie proveniente de Estados Unidos lo que finalmente produjo un debut de una diversidad muy psicodélica, sin embargo, con el surgimiento de una nueva alineación, el grupo pasó a convertirse en un power trio que no olvidaba sus raíces psicodélicas y las enriqueció con hard rock, folk, pop y algo de progresivo temprano, cosa que dio como resultado al disco Smog lanzado a principios de 1973, para los siguientes años, el grupo volvió a tomar un sonido más orientado al pop psicodélico sesentero con el fin de entrar a las estaciones de radio y a las listas de popularidad (cosa que solo pasó en algunos estados del pacífico y el norte, debido a que en la capital mexicana todo lo que oliera a psicodelia, hippies o a Avándaro estaba completamente vetado de los medios de comunicación masivos), sacando así Cambia, Cambia en 1975, que según el líder, cantante y guitarrista principal del grupo, estuvo compuesto por temas que había compuesto desde 1967, pero que fueron finalmente grabados hasta 1973-74 y finalmente su último álbum de estudio que sería El Loco de 1978 sería una condensación de todo lo que habían recorrido anteriormente así como también una especie de transición a su nuevo sonido puramente progresivo, que explorarían al máximo con el tema Open Your Mind, que fue grabado en 1978 y lanzado hasta 1985 en la recopilación Abre Tu Mente, que pronto será re-posteada también.
Dug Dug's (1971)
El debut homónimo de los Dug Dug's saldría en Noviembre de 1971, con la estrategia de que después del Festival de Avándaro, el disco se iba a vender como pan caliente, sin embargo, fue algo que al parecer no pasó, ya que con el Avandarazo el rock quedó sepultado en la clandestinidad de los Hoyos Fonquis, lugares en donde el nombre de los Dug Dug's era uno de los principales referentes junto con el Three Souls In My Mind, Enigma, Toncho Pilatos y Vox Populi, pero no nos adelantemos, ya que eso vendrá más adelante y es que este álbum fue grabado un año antes de Avándaro, sin embargo, por decisiones de la disquera, salió hasta después del festival, además de que también la repentina detención de Jorge de la Torre alias "la Borrega", quien estuvo un año y medio en la cárcel por traer un cigarro de marihuana consigo fue algo que hizo que el lanzamiento del disco demorara hasta Noviembre de 1971 junto con un sencillo grabado un poco antes que contenía las canciones Stupid People y Joy To The People, después de re-grabadas para el disco El Loco de 1978.
Dug Dug's (como dice en su logotipo con alguna variación de la tipografía Art Tone de Seymour Chwast) es un disco que yo definiría como una especie de psicodelia ecléctica, pues aquí podemos encontrar temas de rock ácido guitarrero, pop psicodélico colorido, soul, beat beatlesco y bellas baladas pastorales de folk psicodélico jazzeado que ponen al grupo en las mismas ligas que el Ritual, los Spiders, la Comuna, la Verdad Desnuda y la Revolución de Emiliano Zapata, al mismo tiempo que se acercan a grupos como Spirit, los Yardbirds, Country Joe & The Fish, Truth (ex-Them), King Crimson y Jethro Tull, por lo que no solo encontraremos aquí temas genuinamente psicodélicos, sino también aromas de progresivo temprano, aunque no tan aterrizados como en sus siguientes discos.
El disco abre con Lost In My World, todo un viaje en LSD que incluye diversos efectos sonoros, entre ellos explosiones, algún tipo de feedback, cintas en reversa, reverb, etc. Pero por si eso no fuese suficiente, hay una guitarra fuzzeada asesina tocada por Gustavo Garayzar que aumenta aún más el ambiente lisérgico de la canción e igualmente Armando Nava hace un uso muy inteligente de fusionar el rock ácido con el huapango en los estribillos y la parte del solo de guitarra, lo que aumenta toda la experiencia multicolor que su compositor tenía en mente (a pesar de nunca probar ninguna droga), creando así la canción más viajada de toda la historia del rock mexicano que además de todo tiene ecos de Country Joe & The Fish (Grace, Bass Strings) y Cold Sun (Dark Shadows), que tengo entendido, no fueron grupos que escucharan los miembros del grupo, pero las similitudes son muy interesantes. Obra maestra sin lugar a dudas.
Without Thinking es un breve tema de folk psicodélico de tonalidades melancólicas en la que Armando Nava es acompañado únicamente por su guitarra mientras canta sin ninguna palabra. Un temazo a pesar de su cortísima duración.
Eclipse es soul/funk psicodélico con una guitarra fuzzeada matona tocada por Gustavo Garayzar de nuevo y esta vez con la voz de Jorge de la Torre, quien poseía una voz un tanto ronca en contraposición a la voz suave y limpia de Armando Nava. El tema es muy movido, claramente hecho para bailar en una fiesta hippiosa de la época. Temón.
Sometimes es de nuevo folk psicodélico, aunque esta vez está en plan un tanto surrealista y relajado, ya que está impregnado de reverb tanto en la guitarra como en la voz, e igualmente la flauta (instrumento que se convertiría en uno de los sellos más característicos de la psicodelia mexicana) hace su primera incursión en este tema. Espléndido.
Let's Make It Now es rock ácido con un ritmo insistente, una guitarra machacona y unos estribillos muy enérgicos. Según Armando Nava, este fue un tema que los Dug Dug's habían estado tocando desde los 60's y que fue una influencia enorme para la escena de Tijuana en la que también estaban grupos como el Ritual y Peace & Love, por lo que esos grupos también tomaron la idea del doble bombo de los Dug Dug's, y cabría mencionar que por ejemplo, Satanás del Ritual, tuvo toda la influencia de Let's Make It Now, incluyendo su largo solo de batería y su insistente doble bombo (una clara influencia de Iron Butterfly y su icónica In-A-Gadda-Da-Vida, en la que el recién fallecido Ron Bushy -Descanse en paz- hace un solo extendido de batería), igualmente esta fue una de las canciones que tocaron en Avándaro, aunque no fue con la que abrieron como se había venido diciendo una y otra vez. Otra obra maestra.
World of Love es pop psicodélico colorido y florido, lleno de la imaginería del típico "niño de las flores", es decir: flores, arcoiris, mariposas y un ambiente muy alegre que es enfatizado por su clavecín, flauta y su atmósfera contagiosa, que suena tanto a la psicodelia beatlesca como al pop lisérgico gringo de 1967-68. Temazo.
I Got The Feeling suena a una versión popera del rock ácido sanfranciscano, de hecho, no creo que sea coincidencia que aquí Gustavo Garayzar suene similar a Jorma Kaukonen o incluso a Jerry Miller, mientras que las voces de Armando Nava y Jorge de la Torre dan ese toque más propio del pop lisérgico de la época, lo que me hace pensar que esta canción fue también creada para las fiestas hippies en las que solían tocar y no por nada terminó siendo parte del set que tocaron en Avándaro.
It's Over vuelve a sonar a soul psicodélico, aunque esta vez con cierto acento un tanto "latino" que se nota especialmente en el solo de guitarra de Gustavo Garayzar que según Armando Nava, estaba influenciado por la rumba flamenca, mientras que la banda va tocando un ritmo muy pegadizo que trae un órgano matón y la voz de Jorge de la Torre que por su tonalidad ronca le aumenta esa negritud. Muy buen tema.
Going Home es garage/beat sesentero puro que no oculta la importantísima influencia beatlesca que tuvo el grupo, sin embargo, creo que es el tema más flojo del disco en general, ya que claramente es un tema de bajo perfil que nos estaba preparando para algo verdaderamente grande.
El disco cierra con broche de oro con Who Would Look at Me? una bellísima balada de folk psicodélico pastoral bastante jazzeado, que al mismo tiempo que tiene la influencia beatlesca, aunque también noto similitudes con Spirit, Quicksilver Messenger Service, Jethro Tull, King Crimson y Truth (el grupo ex-Them del que ya hablamos hace unos meses por aquí), por lo que aquí prácticamente los Dug Dug's ya entraban en las grandes ligas del rock, pero lamentablemente el contexto que les tocó vivir les impidió gozar de la popularidad que merecieron. Obra maestra.
Si bien este disco tiene aciertos muy importantes, tiene también algún risco muy mínimo que le impide convertirse en un disco que esté al nivel de lo que vendría en años posteriores, sin embargo, lo impresionante de este álbum es que siendo un debut, encontramos a un grupo perfectamente cohesionado en el que todos los miembros cumplen su labor con esmero y dedicación, pero ahí no termina la cosa, pues también algo que vemos es que tanto Armando Nava como Jorge de la Torre y Genaro García ya son desde este momento grandes compositores capaces de crear melodías memorables y universales que se encuentran al nivel de numerosas agrupaciones extranjeras, lo que hace que los coleccionistas de otros países encuentren sumamente interesante la música del grupo a diferencia de otros grupos mexicanos de la época que se quedaron estancados con el público local.
Smog (1973)
A fines de 1971 hasta parte de 1972, la alineación que se había presentado en Avándaro siguió activa por algún tiempo, sin embargo, no fue por mucho tiempo, ya que meses después dejaron a Armando completamente solo y este en algún rato libre terminó colaborando en el disco de Renaissance (proyecto de Alfredo Díaz Borja, el hijo de Díaz Ordaz) en el que también colaboraría Frankie Barreño, otro ex-Dug Dug's y también ex-Ritual, también fue por ese tiempo que Armando se integró a Last Soul Division, con quienes al parecer no grabó nada, sin embargo, terminó llevándose a su guitarrista y fundador Jorge Ahumada para formar una nueva alineación de los Dug Dug's, la cual incluía también al baterista Daniel Tello (quien había tocado en una de las tantas alineaciones anteriores del grupo) y al bajista Jorge Torres Aguayo "Cochona", con quienes empezó a ensayar temas que ya tenía compuestos para la alineación anterior, sin embargo, pronto se salió Jorge Ahumada y el grupo quedó reducido a un power trio, lo cual le permitió también que su sonido se endureciera aún más y durante una buena parte de 1972, se grabó el disco Smog, que originalmente se tenía la intención de grabarlo íntegramente en Inglés, sin embargo, Armando tomó la decisión que iba a reescribir las letras en Español y así fue como salió Smog a principios de 1973.
El disco abre con el tema homónimo, el cual comienza con ruidos de tránsito para finalmente dar paso a la música que suena a una especie de Spirit en esteroides que además incorpora el instrumento por excelencia del hippie mexicano: la flauta transversal, lo cual lleva siempre a comparaciones con Jethro Tull, sin embargo (en esta canción, al menos) el grupo parece beber más de Jimi Hendirx (Fire) o incluso de Grand Funk (Are You Ready, Aimless Lady), igualmente algo que se tiene que decir es que esta canción fue determinante en cómo sonaría el heavy psych mexicano y es que su influencia se nota especialmente en lo que harían un poco después grupos como Ciruela, Toncho Pilatos o incluso Nuevo México (e incluso Carlos Matta se pintaba el pelo de plateado como lo hizo Armando Nava en la portada de este disco), aunque la cosa no se queda ahí, la letra claramente es un bienintencionado y meritorio, pero fallido intento de limpiar la estigmatizada imagen del músico hippie que había sido censurado a raíz de Avándaro con una letra en contra del consumo de marihuana . Espléndido e icónico.
Búscalo es un pequeño interludio similar a los que se encuentran en el primer disco, sin embargo, la novedad aquí es que se trata de un tema acústico de folk psicodélico con tintes de flamenco completamente instrumental. Excelente.
Hagámoslo Ahora IIa Parte es como lo dice el título, la segunda parte de Let's Make It Now, pero aquí está extendida a un popurrí de cinco canciones unidas de una forma que recuerda al Abbey Road de los Beatles (y no dudaría que jugara una influencia importante a la hora de la creación de esta obra), en el que nos encontramos un potente heavy psych guitarrero que parece un cruce entre Deep Purple (Fireball), MC5 (Back In The USA) y extensos jams de rock ácido que no sonarían fuera de lugar en el San Francisco de los 60's (Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead, Moby Grape) y algo de progresivo con flauta, las letras parecen inconexas entre sí, lo que definitivamente me hace pensar que 4 de las cinco canciones se concibieron originalmente como temas separados pero que quedaron inconclusos y finalmente funcionaron como un popurrí. Obra maestra.
Yo no sé es un tema que se encuentra a medio camino entre el heavy psych, el rock latino y el rock experimental, en el que la composición resulta ser menos interesante que las otras, sin embargo, lo peculiar de este tema se encuentra en el uso del bajo fuzzeado, el cual suena casi como un sintetizador Moog e igualmente hay pequeñas partes de Wah-Wah que aumentan la lisergia de este tema.
¿Cuál es tu nombre? Es uno de los temas que más disfruto de todo el disco y es que me recuerda muchísimo a MC5 en la época del Back In The USA, pues lo que encontramos aquí es una sonoridad post-garage rock que suena a un cruce entre el heavy psych más guitarrero y el power pop primigenio, es decir, aquí podemos encontrar un tema con mucha energía que al mismo tiempo de que suena psicodélico y pesado, tiene la melodía y la sensibilidad propia del power pop, en la que la guitarra suena como un cruce entre Wayne Kramer de MC5 y Jerry Miller de Moby Grape, por lo que yo diría que este tema podría considerarse como una especie de proto-punk mexicano. Espléndido.
Meditación es otro interludio acústico, aunque aquí nos encontramos con pausado folk psicodélico arpegiado que nos lleva a una atmósfera de ensueño, lástima que dure tan poco.
No somos malos al igual que Smog, es otro intento de limpiar la imagen del hippie, pero esta vez cuestionando directamente al pútrido conservadurismo mexicano sesentero y su hipocresía que logró estigmatizar al hippie al tildarlo de "vago", "delincuente", "parásito", "greñudo", "mugroso" y "drogadicto". No debería extrañarnos que el cuestionamiento de Armando Nava a la retrógrada sociedad mexicana de ese tiempo resuene en la actualidad con contundencia, y no por las erróneas razones que propone el poptimista/melómano, sino porque precisamente el poptimista/melómano es una prueba irrefutable de lo que Sigmund Freud llamó "el retorno de lo reprimido", porque la posición estigmatizada y marginal del rockero no ha cambiado en nada desde antes de 1973, sino que el rancio conservadurismo del PRI-PAN ha regresado de una forma distorsionada, ahora presentándose como "tolerante", "abierto", "pluralista", "democrático" y demás, pero su funcionamiento sigue estando intacto, y ahora al rockero no se le estigmatiza por ser "greñudo", "mugroso" o "drogadicto", sino por "intolerante", "cerrado", "elitista" y demás, aunque el elitismo moral de la escoria melómana no tenga nada que envidiarle al conservadurismo de aquellos años. Por otro lado, la canción básicamente es una combinación de heavy psych con algo de progresivo al estilo de los alemanes Brainstorm.
El disco cierra con broche de oro con Voy hacia el Cielo (Voy hacia el Sol), tema con el que yo diría que Armando Nava se acaba de consolidar como uno de los músicos y compositores más talentosos que ha dado el país -título que injustificadamente se les suele dar a nombres mucho más populares, pero que jamás hicieron, ni harán obras de este calibre, dígase Alex Lora, Jaime López, Saúl Hernández, Rodrigo González, Fher Olvera y Rubén Albarrán-, pues aquí lo que tenemos es una bellísima obra que se encuentra a medio camino entre el folk psicodélico pastoral y el pop progresivo de aromas sinfónicos, la cual está compuesta e interpretada de una forma finísima, de una forma similar a lo que llegaron a hacer también grupos como el Ritual, los Spiders, la Revolución de Emiliano Zapata, la Comuna y la Verdad Desnuda, por lo que si alguna vez, alguien se hace la pregunta de que si el rock de México alguna vez llegó a tener una finura y sofisticación similar a la que llegaron grupos como Love, los Moody Blues, los Beatles, Ill Wind, The Music Emporium, los Animals o Procol Harum, esta es una de las obras indicadas para responder con un rotundo SÍ. Obra maestra de principio a fin.
Smog, como lo pudieron notar ustedes, es claramente un paso creativo agigantado de un grupo que ya estaba en la cúspide de la psicodelia mexicana, pero con este disco se consolidaron como el mejor grupo mexicano de la época (teniendo en cuenta que su principal competencia, el Ritual, ya estaban separados y que por ejemplo, Servando Ayala se había salido de los Spiders y la primera alineación de la Revolución de Emiliano Zapata se acababa de disolver) y así crearon uno de los clásicos más trascendentes de la psicodelia latinoamericana, y... ¿Por qué no? Uno de los primeros álbumes progresivos hechos en América Latina.
Cambia, Cambia (1975)
Después del Smog, el grupo ya era uno de los más populares en los hoyos fonquis e incluso los llevó a participar en un pequeño festival en Cuernavaca, Morelos en Junio de 1973, sin embargo, la censura implícita que el gobierno junto con los medios de comunicación ejercieron sobre el rock, llevó a los grupos a tenerse que refugiar en la periferia del Valle de México y Guadalajara, cosa que fue muy pesada para muchos grupos, al punto que muchos desaparecieron y otros de plano cambiaron radicalmente de estilo con el fin de no tener que vivir al margen, ni con el terror de las detenciones policiales, por lo que Armando Nava decidió rescatar muchos de los temas que había compuesto desde 1967 para la primera alineación del grupo y durante el lapso de 1973 a 1974 fueron grabando un nuevo disco con esos temas que tenían una clara orientación "comercial", con el fin de que el grupo pudiera sonar en las estaciones de radio de la Ciudad de México y esto los llevó también a que la imagen del grupo se limpiara al cortarse el pelo y rasurarse, aunque conservando parte de la estética hippie de la época, además de que el sonido pasó de un heavy psych con tintes proto-progresivos a un pop psicodélico que coqueteaba abiertamente con el soft rock, el folk psicodélico y el rock and roll cincuentero y que tenía letras más orientadas a temas románticos, aunque sin olvidar la crítica a la hipocresía de la sociedad mexicana que siempre hizo Armando Nava, lo que dio como resultado a Cambia, Cambia, salido en 1975. Otro cambio importante para este disco fue la salida de Jorge Torres Aguayo "Cochona", que fue sustituido por Gabino Araujo en el bajo y por ser el primer disco del grupo con Enrique Nava (hermano de Armando) en la batería.
A pesar de que el intento de limpiar la imagen del grupo (al igual que en un par de canciones del Smog) fue completamente bienintencionado y hasta esmerado, fue de nuevo, fallido, pues para mal, el gobierno totalitario de Luis Echeverría y Octavio Sentíes Gómez claramente era anti-hippie y anti-rock, sin embargo, en algunas estaciones de radio del Bajío y del Norte de México se lograron transmitir canciones como Brillo de Sol, Cambia, Cambia y Al diablo (Con la gente) que se convirtieron en clásicos de la época perdida del rock mexicano y que hasta la fecha el grupo toca en sus conciertos.
Algo que habría que mencionar, es que muchos (correctamente) han dicho que las canciones les suenan anacrónicas para 1975, pero como bien dije, databan de la época de la primera alineación, por lo que la mayoría de las letras originales estuvieron escritas en Inglés, sin embargo, se reescribieron en Español con el fin de seguir la misma tendencia que en Smog, ya que el movimiento de "la onda chicana" estaba muriendo ante la censura gubernamental y la mayor parte de los grupos de la época ya no escribían temas en Inglés.
El disco inicia con No te asustes (Es sólo vivir) el cual está en clave de un festivo y optimista pop psicodélico guitarrero con reminiscencias "latinas", que curiosamente se adelanta a lo que varios años después empezaron a hacer grupos como Ritmo Peligroso, Caifanes/Jaguares y hasta los de Maná, pero con resultados mucho mejores y más cercanos al rock, pues además de que es una melodía muy buena, también incluye un solo bastante cipollinesco que deja bien en claro que los Dug Dug's seguían siendo un grupo de rock en su núcleo.
Tímido es pop psicodélico al más puro estilo de 1967, con un sonido deudor de grupos como los Turtles y los Cowsills o incluso de los grupos de la primera "onda grupera", por lo que aquí los Dug Dug's dejan en claro que no solo eran una enorme banda de rock, sino que también podían hacer un pop fino con resultados de muchísima calidad.
Brillo de Sol es tal vez uno de los temas más cercanos a la balada romántica de todo el disco y que apenas se nota el rock en el solo de guitarra, no obstante, lo que habría que mencionar, es que a diferencia de la mentada "onda grupera" de la época, los Dug Dug's nunca cayeron en los excesos del kitsch -es decir, en lo sentimentalón, vulgar o trillado- y nos sorprenden con una balada de altos vuelos que suena muy suave y delicada que se convierte brevemente en rock psicodélico a la hora del solo de guitarra. Bellísimo.
Te quiero es soft rock al estilo de Bread (Make It With You, If), es decir, es una canción muy suave y tranquila con una letra romántica que suena a que tenía todo el potencial de volverse un éxito, lamentablemente ni así se les dejó salir del confinamiento. Temazo.
Felicidad es otra vuelta por el pop psicodélico, esta vez con un acento más rocanrolero y una composición que me hace recordar al debut de los enormes Moby Grape (Indifference), además de que el estilo de tocar de Armando me suena muy similar a la de Jerry Miller (uno de los grandes guitarristas olvidados de los 60's) en este tema, sin embargo, no todo se termina ahí, ya que también tenemos un drone de una guitarra con un pedal de phaser que simula a la tambura (un instrumento de la música clásica de la India), cosa que me hace recordar también a grupos como The Fraternity of Man (Wispy Paisley Skies, Candy Striped Lion's Tails) y The Beat of The Earth, por lo que puedo decir sin temor a equivocarme que este es uno de los puntos más álgidos del disco en general y también una de las canciones más memorables de los Dug Dug's, pues además de tener una melodía que vomita psicodelia por todos lados, la instrumentación es todo un logro, pues a pesar de que ellos también se tuvieron que atravesar con las mismas limitantes que los grupos mexicanos de la época experimentaron en los estudios de grabación, los Dug Dug's fueron los más ingeniosos y creativos para arreglárselas a la hora de tener que sustituir instrumentos que no tenían a su disposición y hacer sonar sus canciones tan bien como si en verdad los trajeran, como en Voy hacia el Cielo (Voy hacia el Sol) en el que usaron a un cuarteto de cuerdas y Daniel Tello tuvo que imitar a los timbales que no pudieron grabar debido a las limitaciones de los estudios mexicanos de la época y aquí en Felicidad sustituyendo a la tambura hindú con una guitarra con phaser.
Ya te dejé es beatlesco por donde se le vea, por lo que podría contar como el propio homenaje del grupo a su mayor influencia musical y con buena razón se convirtió en otro de los temas clásicos de la banda, pues además de las reminiscencias de los Beatles, tiene un estribillo pegajoso, una buenísima construcción melódica, un buen solo de guitarra acústica de 12 cuerdas, una excelente interpretación vocal y una letra sencilla en su contenido pero concisa y efectiva. Temazo.
No, sí, yo, tú, ya se encuentra a medio camino entre el estilo beatlesco de Ya te dejé y lo latino de No te asustes (Es sólo vivir) y de nuevo encontramos que se adelantaron al sonido que tomarían numerosos grupos mexicanos en los 80's, sin embargo, lo interesante del tema es que aquí introducen también un solo cipollinesco que nos recuerda que a pesar de que los Dug Dug's estuviesen experimentando con lo popero, no se olvidaban de su parte de grupo de rock.
Llegamos a Cambia, Cambia, uno de los mejores y más rocanroleros temas del disco, el cual es básicamente garage psicodélico enérgico, intenso, guitarrero por donde se le vea, con esas clásicas letras de Armando Nava en contra de la hipocresía y la deshonestidad de la gente y el peine con papel que acentúa la atmósfera lisérgica del tema, mientras que el solo no tiene desperdicio alguno y es por eso que esta es una de las canciones que más me gustan del grupo.
¿Dónde está A.N.? Tiene un título misterioso que me costó bastante tiempo descifrar que significaban esas iniciales que por supuesto son las del nombre del compositor y la música es básicamente un folk psicodélico con aires andinos completamente instrumental que incluye una guitarra de 12 cuerdas, percusiones, un bajo que hace unas líneas que huelen a los 60's y efectos de sonido que al parecer fueron generados a partir de unos platillos con phasing o reproducidos en reversa, lo que de nuevo aumenta lo viajado del tema, y algo que debo mencionar es que este es un ejemplo raro de folk psicodélico en tierras aztecas, ya que los cantautores de música de protesta y folk, se dedicaron más al contenido letrístico que a la música, por lo que se perdieron de experimentar con las vanguardias de la época y los Dug Dug's lo hicieron exitosamente. Otro de mis preferidos.
El disco cierra con otro de los clásicos del grupo que aún forma parte de sus conciertos: Al diablo (Con la gente) que es básicamente la primera incursión de los Dug's en el glam rock y en la que se escucha notoriamente la influencia de los británicos Sweet (The Ballroom Blitz). Está ambientado en un concierto imaginario en el que el público pide más rock cuando Armando les grita: ¿QUIEREN ESCUCHAR MÁS ROCK AND ROLL? y el público le contesta con un enfático: ¡SÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍ! Cosa que suena en verdad de ensueño, ya que parecería que estaban tocando en un festival enorme como Woodstock o Avándaro, por otro lado, la canción es pegajosa por sus coros y su interacción con el público, igualmente la letra es una muy buena crítica a la hipocresía de una sociedad profundamente católica, retrógrada y conservadora que se espantaba con unos tipos con ropas psicodélicas y pelo largo, pero que no se espantaba con la desigualdad, la pobreza y el autoritarismo del gobierno, sin embargo, lo irónico de nuestros días es que existe gente que quisiera volver a estas bonitas épocas donde nos podían desaparecer, torturar y hasta matar si decíamos algo que no les gustara a las autoridades. Temazo.
Si bien Cambia, Cambia no es un disco que les guste a todos y que incluso el público de los Hoyos llegó a rechazar por sonar "fresa" y porque el grupo había cambiado su imagen, sigue siendo un discazo por donde se le vea y me sorprende que siendo un disco accesible y popero no tenga grandes defectos, sino canciones que hoy son clásicos por mérito propio y que incluso suelen ser pedidas por el público en las tocadas de la banda, esperemos que para el setlist de los 50 años de Avándaro se introduzcan algunas piezas de este disco.
El Loco (1978)
Era 1976 y Gabino Araujo había abandonado al grupo, por lo que rápidamente Armando Nava reclutó a Miguel "el Gallo" Esparza, quien había estado en las filas de la Verdad Desnuda (otro de los grupos más interesantes que ha dado el rock nacional) y Ciruela, con los que se consolidaría como el mejor bajista de ese entonces y así el grupo entra a una faceta en la que abandona la vestimenta hippie por la del glam rock y su música vuelve a sus raíces rocanroleras en contraposición con el pop del disco anterior, sin embargo, también encontramos a un grupo más ecléctico y versátil que es capaz de combinar su sonido psicodélico con lo progresivo, la balada romántica, el folk rock harrisoniano y también fusionarlo con el Mariachi, pero eso no es todo, también aquí encontramos una mezcla de letras en Inglés con otras en Español, por lo que podemos decir que El Loco de 1978 es una síntesis entre lo que venían haciendo desde otras alineaciones junto con lo que estaba por venir que fue su faceta progresiva que por mala suerte no acabó de grabar un quinto disco.
El disco empieza con Stupid People, uno de los clásicos del grupo que databan de la primera alineación y de la cual existen grabaciones, una en estudio que salió en sencillo junto con el debut y otra que fue grabada en Avándaro, esta versión en comparación con la del sencillo tiene más reminiscencias sanfranciscanas y también trae música de Mariachi (el famoso Mariachi Vargas de Tecatitlán). Por otro lado, la letra es una crítica a la estupidez social y curiosamente hoy cobra más relevancia que nunca al ver como la gente está sumida en su estupidez y lo peor de todo es que es cínica, pues sabe muy bien que lo que hace está mal y aún así lo hace. Mi opinión de la música es que lo más interesante del tema es que a pesar de tener el acompañamiento de Mariachi, no suena ni remotamente a lo que comúnmente se le suele llamar "mexican curious" -o para ponerlo en términos más específicos, el kitsch mexicano-, tendencia que fue empezada en la parte "rockera" por el mentado movimiento rupestre con gente como Rodrigo González y Jaime López y que luego se expandió a grupos como Mamá-Z, Botellita de Jerez y Café Tacuba.
Let Me Breath es progresivo pausado con el sintetizador como instrumento principal en lugar de la guitarra -que solo funge en el papel rítmico-, el cual muestra un gran avance del grupo hacia los territorios progresivo, teniendo en cuenta que en el disco Smog de 1973 ya habían más o menos experimentado con ello, pero sin haber logrado algo que estuviese completamente en ese estilo y que esa experimentación había sido interrumpida por el disco Cambia, Cambia de 1975, aquí se consolidan como un grupo que ya tenía un pie dentro del rock progresivo y que no tardaba en meterse de lleno en el subgénero. Temazo.
Joy To The People es otro tema que data de la época de la primera alineación y que fue el lado B de Stupid People, aunque esta vez, la reinterpretación del tema se acerca mucho más al sonido del Smog que al del debut, pues por un lado están las guitarras semi-pesadas y por el otro está la flauta, igualmente están los solos psicodélicos con el sello de Armando Nava, lo que hace que este tema sea muy disfrutable para los que se quedaron con ganas de más después del segundo disco de la banda.
We Always Hate Your Manners es psicodélica por donde se le vea y de alguna manera marca el único acercamiento que tuvo en la historia un grupo mexicano con el sonido de grupos como Fifty Foot Hose y The United States of America, pero también tenemos un riff claramente inspirado en Fresh Garbage de Spirit (un grupo al que admiraban numerosos músicos mexicanos, entre ellos Armando Nava) y un solo que de nuevo hace eco de John Cipollina e igualmente tenemos otra de las clásicas letras críticas con la hipocresía de la sociedad de la época. Algo que debo mencionar en esta re-edición de la reseña es que el tema también databa de la primera alineación del grupo y de hecho fue una de las canciones que fueron tocadas en Avándaro al igual que Stupid People y Joy To The People. Obra maestra.
Llegamos a uno de los momentos clásicos del grupo y es que este es otro de los temas que suele corear la gente en los conciertos, pues finalmente para eso fue compuesta. Estamos hablando de La Gente, un tema de reminiscencias harrisonianas que incluye slide y guitarra acústica muy en la onda de Give Me Love de 1973, mientras que los coros se asemejan a Hey Jude y a Isn't it a Pity, igualmente la letra, a pesar de su simpleza, muestra un cuestionamiento a la cotidianeidad, en la que el autor se pregunta sobre el destino de la gente, sus problemas y demás. Obra maestra.
El Loco es progresivo desenfrenado con sintetizadores por doquier, con un Armando Nava tomando el papel de un científico loco tipo Frankenstein y una interpretación guitarrera magistral en la que volvemos a ver a unos Dug Dug's que cada vez se despegaban más de la psicodelia y estaban más cerca del progresivo como finalmente lo vimos en Open Your Mind y I've Got To Run Away from Here que fueron también piezas de progresivo puro. Obra maestra.
Quiero Verte (Junto a Mí) es balada romántica que bien podría pasar por un tema perdido del Cambia, Cambia, aunque sin los aspectos psicodélicos de este, sin embargo podemos destacar la delicada interpretación de la guitarra acústica y de nuevo, las reminiscencias beatlescas que nos traen a la mente a I Want To Hold Your Hand, así como también una reminiscencia "grupera", es decir, aquí los Dug Dug's lograron hacer bien lo que grupos tan malos y cursis como los Bukis o los Temerarios jamás pudieron hacer en sus miserables carreras. Temazo.
La Flauta del Fauno es folk progresivo jethrotullesco completamente instrumental en el que encontramos a Armando Nava llevando la melodía con su flauta, dejando en claro que ellos ya habían dado por concluida su etapa psicodélica y que estaban listos para abrazar de lleno al rock progresivo. Obra maestra.
El disco cierra con broche de oro con I Got My Emotion, un reclamo de rebeldía e independencia en el que el autor deja en claro que no le importa lo que diga la gente sobre él, él está en su onda, mientras que la música está en clave de psicodelia enérgica que incluye ese sintetizador viajadísimo que no estaría fuera de lugar en el disco anterior y el solo de guitarra matón como es de costumbre. Temazo de principio a fin y una excelente manera de cerrar un discazo como este.
El Loco es aún tema de debate entre los seguidores de los Dug Dug's, pues aún no nos ponemos de acuerdo si el mayor logro de la banda fue el Smog o este álbum, la respuesta puede ser más ambigua de lo que uno cree, pues ambos trabajos están al mismo nivel, sin embargo, El Loco es un disco que aún se encuentra un tanto en la obscuridad, al menos a nivel internacional, mientras que el Smog ya tiene reseñas en numerosas páginas especializadas tanto en Español como en Inglés, El Loco parece estar completamente ignorado por el público extranjero, sin embargo, esperemos que esta relativa obscuridad pronto cambie y este disco adquiera un mejor lugar en la discografía del grupo porque en efecto, es una obra maestra.
Bueno, este ha sido un recorrido un tanto largo, el cual me costó bastante trabajo escribir y tuve que posponer su fecha de publicación debido a los constantes bajones creativos que tuve a lo largo de Agosto, pero peor es nada y aquí está el segundo post del mes recién salido del horno, por lo que espero que disfruten de esta tan esperada publicación y que estén al pendiente de los nuevos posteos que se vienen en conmemoración de los 50 años de Avándaro. ¡Un abrazo a todos y nos vemos el próximo mes que ya está a la vuelta de la esquina!
