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21 nov. 2018

Gadsby & Skol - Gadsby & Skol (2001)

En lo que termino de darle los últimos toques a la recopilación de heavy psych mexicano que estoy preparando, hoy les traigo un disco que salió desde hace ya casi 20 años de este power trio canadiense formado en 1968 bajo la inspiración de los grandes tríos de la época (Blue Cheer, Cream y Hendrix) pero que no grabó su disco hasta fines de los 90's y fue editado en el 2001 con la ayuda de Nick Saloman (alias The Bevis Frond).

En el 68, el canadiense Rick Skol después de haber quedado impresionado con dos presentaciones de Jimi Hendrix en Toronto y también por el Vincebus Eruptum de Blue Cheer, decidió que quería formar una banda y para eso contactó a su amigo Chuck Gadsby, quien es o era un muy buen guitarrista, para formarla y pronto se contactaron con su viejo amigo Drew Tjerstrom quien terminó de bajista.

El grupo tocaba canciones originales y covers de sus ídolos, pero durante sus "años dorados" nunca pudieron grabar un solo disco, después a fines de los 90's, conocieron a Nick Saloman y le dieron su demo, el cual, al parecer, le encantó al músico británico y este se ofreció a editar sus grabaciones, que salieron hasta el 2001.

La música contenida en el disco bebe mayoritariamente de Blue Cheer, aunque jamás con la idea de plagiarlos y aunque las canciones son muy buenas, la producción les resta algunos puntos. De alguna manera me recuerda vagamente al disco de los noruegos Lucifer Was, no tanto por el estilo musical, pero aquí tenemos un caso similar en que las canciones fueron grabadas 30 años después de haber sido compuestas, por lo que la composiciones tienen ese sabor a fines de los 60's, pero el sonido de la grabación es completamente noventero y digital, por lo que esto puede desconcertar a muchos.

Este disco es una rareza de las que son dificilísimas de conseguir, tanto que ni siquiera era posible conseguir este disco vía blogs, torrents, emule, youtube o soulseek, por lo que hoy se los traigo por primera vez y ustedes tendrán la última palabra sobre este.


4 nov. 2018

Los Spiders - Back (1970)

Hoy no postearé el volumen 3 de la recopilación Keep Your Head!, más que nada porque me está costando un poco de trabajo hacer la reseña del disco 1, por lo que la retrasaré un poco para unos días, pero lo que sí les traigo hoy es uno de los mejores y más grandes discos que ha dado el rock mexicano y que lamentablemente no se le recuerda como debería, y es que mientras muchos periodistas, críticos, historiadores e inclusos fans, prefieren seguir siendo felatrices de Alex Lora (que si bien, tuvo su gran época entre 1973 y 1984 aproximadamente, ahora da pena ajena, y sin embargo, aunque el Three Souls es el grupo de los hoyos fonkis por excelencia, tampoco son tan maravilloso y lo digo en serio, porque en su momento, existieron bandas que por mucho se comieron al Three Souls In My Mind) o hacerles ruido a grupos que de plano son una porquería (Molotov, Café Tacuba, Zoé, etcétera), y es que finalmente ellos sí se mochan con una lana ya sea con los medios de comunicación o con las empresas para que los promocionen como "los mejores" e incluso la gente de otros países, se va con la finta de que son grandes grupos, y aunque puede que suene medio "hipster" aquí, hay grupos que pocos conocen, que los ningunean, los ignoran o los desprecian, uno de estos son los Spiders, que en su natal Jalisco son una de las bandas más importantes surgidas en su escena, pero en el resto del país, poco se habla de ellos, siendo que ellos estaban a un nivel altísimo en cuestiones artísticas y si existiese la justicia, hoy estarían situados en la cúspide de la psicodelia mexicana junto con los Dug Dug's, el Ritual y la Revolución de Emiliano Zapata.

Los Spiders comenzaron desde 1960, con el auge del rock & roll y los covers en México, ellos durante los 60's fueron un fenómeno de los cafés cantantes de Guadalajara, Jalisco, y en 1966 grabarían su primer EP que contenía un refrito de For Your Love de los Yardbirds cantado en español, pero no sería hasta 1969, cuando surge su primer cambio de alineación en donde entran el excelso tecladista Servando Ayala y el vocalista Antonio Vierling y empiezan a grabar su primer álbum, al que titularon al igual que su canción más conocida que se supone, recibió mucha difusión en las estaciones de radio de todo el país en su año de lanzamiento, 1970. Después sacarían un par de discos más: Nuevas Rutas del Sonido en 1973 y Corre, Corre, Corre en 1980, que a pesar de que no recibieron ni la mitad de la difusión que recibió su debut, debieron haber catapultado a los Spiders como la mejor banda tapatía, hoy siguen vigentes junto con otros grandes como la Revo, la Fachada de Piedra, la Quinta Visión, Pastel Pilatos, Frankie Bizarro y París y el 39.4, aunque con un nuevo guitarrista, ya que el "Tucky" se fue al más acá en Enero del 2008.

Back es un magistral disco de una finísima y bellísima manufactura, con una interpretación verdaderamente excepcional y unos músicos que brillan como pocos, mientras se mueven sin ningún problema entre el rock ácido sanfranciscano y el pop psicodélico, aquí todos los instrumentos toman protagonismo desde el órgano hasta la batería al estar ejecutados de esa forma, sin embargo, por los teclados del gran Servando Ayala y el excelso trabajo guitarrero de Reynaldo Díaz el "Tucky", ambos deberían estar entre los mejores instrumentistas no solo salidos del país, sino que deberían estar entre los mejores instrumentistas del rock mundial, pero como siempre, vivimos en un país surrealista donde a los talentos inmensos no se les da el valor que se les debería dar.

Las influencias que puedo identificar en la música de los Spiders son Procol Harum, H.P. Lovecraft, Traffic, Steppenwolf, los Animals, los Zombies, Country Joe & The Fish y Quicksilver Messenger Service, aunque noto también reminiscencias de Hunger, SRC, Lee Michaels, Crystal Syphon, The Art of Lovin', Reign Ghost y Gandalf.

El disco comienza con una corta introducción acústica llamada Through (a song) que nos recordará un poco a los interludios que acostumbraron a meter los Dug Dug's en sus primeros 2 discos, después al final del disco vuelve a aparecer la misma composición pero con otra letra, pero lo grande llega en Something I Heard (Last Night) y People Deceive, dos temas de una belleza y finura que solo son superadas por Bajo el Sol y Frente a Dios del Ritual.

On The Road es de los más "flojitos" del disco y eso entre comillas, porque solo se queda chico en frente de tanta obra maestra presente aquí, más que nada por ser un tema tan corto, pero de que es muy bueno, lo es, y me recuerda un tanto al Country Joe más humorístico.

Now es otra proeza de tema, con uno de los órganos más psicodélicos jamás registrados en México, a mí me recuerda tanto a Country Joe & The Fish como a los Zombies, y los Spiders no nos dejan descansar, vienen un par de obras maestras más: It's You y Back, que recuerdan tanto a SRC y Procol Harum como a Quicksilver Messenger Service.

You Love Me y Movin' Up suenan a como si John Cipollina hubiese sustituido a Michael Monarch en Steppenwolf y Goldy McJohn estuviese tocando un Farfisa en lugar de su típico Hammond, por lo que no tienen la fiereza del heavy psych de los canadienses, pero sí 

I'm A Man me vuelve a recordar tanto a los Zombies como al sonido de San Francisco, se podría decir que me vienen a la mente Country Joe & The Fish, The Art Of Lovin' y The Peanut Butter Conspiracy (estas dos últimas bandas no eran de San Francisco, pero su estilo correspondía con el de las agrupaciones de la bahía de San Francisco)

En el penúltimo tema (la segunda parte de Through es la que cierra), Love Is The Way es la que suena más parecida a otros grupos mexicanos de la época como los Dug Dug's, el Ritual y Toncho Pilatos, más que nada por la flauta, aunque la diferencia con los Spiders es que estos son aún más ácidos. Aquí Servando Ayala hace unas figuras extremadamente lisérgicas en su órgano y la flauta va repitiendo esas mismas líneas, , de alguna forma esta canción me recuerda muchísimo a los respectivos debuts de Country Joe & The Fish, Mad River y Quicksilver Messenger Service así como a The Corporation (que aquí en México se hicieron bastante conocidos gracias al programa Vibraciones que se transmitía en Radio Capital a fines de los 60's y principios de los 70's, que ponía seguido su versión psicodélica de India de John Coltrane).

Para finalizar, este es un disco absolutamente esencial, no solo para el conocedor y el que quiere profundizar en el rock nacional (mexicano), sino también para el conocedor de la psicodelia.

3 nov. 2018

Nuevos sitios de descargas

Como lo saben, este blog se ha venido abajo desde la caída de Megaupload en enero del 2012, y desde ahí he tenido que buscar alternativas que me ofrezcan servicios buenos y gratuitos, ya que los servidores en la nube ofrecen poquísimo espacio y tienden a borrar todo lo que uno sube, incluyendo MEGA del alemán Kim Dotcom, y muchos de los sitios a los que acostumbraba a subir han muerto y hoy tuve el infortunio de enterarme que diskokosmiko está caído, por lo que me puse a buscar sitios que me ofrecieran un servicio ilimitado de espacio y que además sea gratuito, ya que no tengo el dinero para pagar mensualmente lo que me ofrecen los servicios en la nube como MEGA o Mediafire, es por eso que prefiero las alternativas.

Ahora que encontré estas gracias al buscador anónimo duckduckgo, pronto subiré el material que prometí e intentaré resubir el que fue eliminado ahora con la caída de diskokosmiko.

Estos serán los nuevos sitios donde se subirá el material:
Mirrorace.com
Megaup.net
Uptobox.com
Oceanhost.eu


P.D. Un conocido me dijo que mejor me convirtiera en vlogger, pero me niego a seguir tendencias hipsters, así como aquí nunca verás enlaces a Spotify o algo por el estilo, aquí lo que se intenta es fomentar la cultura musical, por lo que no estoy dispuesto a poner solo lo que las grandes disqueras me digan.

Un saludo a los lectores y pronto me verán por acá.

19 sep. 2018

Hunger - Strictly From Hunger (1969/2018)

Hoy se cumple 1 año del devastador terremoto que vivimos en la Ciudad de México y espero que dentro de mucho tiempo no vuelva a pasar una catástrofe de ese tamaño y mucho menos, hoy mismo, por lo que me pondré a escuchar de nuevo este discazo que les vuelvo a traer desde hace varios años, cuando el blog apenas comenzaba y los posts eran mucho más frecuentes. Por otro lado, espero acabar pronto con el volumen 3 de la recopilación Keep Your Head! que va a estar buenísimo, va a estar dividido en 2 partes: la primera será una recopilación de grupos de Michigan y uno de Nueva York y la segunda será una combinación de temas de heavy psych que antecedieron al punk y otros que se encuentran dentro de la parte más oscura y depresiva del estilo, no diré qué bandas voy a incluir, ustedes ya lo verán cuando sean publicados.

Este disco lo vengo posteando otra vez debido a que lo acabo de comprar vía Discogs y es que se trata de la nueva re-edición que además de estar remasterizada desde los máster análogos (a excepción del primer disco, que fue ripeado desde la copia más limpia en existencia del acetato original de 1968), es la primera vez que una re-edición de este disco está autorizada por los miembros del grupo, por lo que aquí viene todo el material que grabó la banda durante su corta existencia, en total, son 3 discos:

El primero es el disco tal y como el grupo quiso que saliera, pero que al final no salió por varios motivos, esta mezcla se caracteriza por ser más guitarrera y porque aquí, las canciones son más largas, además de incluir las partes de guitarra grabadas por Ed King de Strawberry Alarm Clock en Colors y Open Your Eyes.

El segundo es el disco tal y como salió en la primavera de 1969, esta versión es la que todos conocen y que se podría decir que es más "popera" debido a la duración de las canciones y a la carencia de solos de la mayoría.

El tercer disco es una recopilación de versiones alternas, canciones que salieron en sencillos, entre otras sorpresas.

También viene un libreto con fotos y toda la historia del grupo desde sus comienzos hasta su separación en el verano de 1969.

En fin, hablemos de la banda:

Hunger se forman por allá en la primavera de 1967 en su natal Portland, Oregon, después de que dos bandas locales llamadas los Outcasts y Don Marrs y los Bishops se unieran, ambas bandas eran garajeras, aunque más ambiciosas que otras de la época, sin embargo, L.K. Wright quien fuera representante de los Bishops, los convirtió en un grupo semi-profesional que empezó a tocar en otros lugares fuera de Oregon, durante este tiempo, el grupo ganó una batalla de bandas y fue premiada con amplificadores Fender y pronto, John Crispi, el baterista original se saldría y entrarían Mike Parkison, un tecladista muy talentoso y Don Marrs como baterista.

Parkison desde el principio quiso unirse a los Outcasts, él estaba en un grupo llamado The Courtmen, ellos entraron por recomendación de un amigo de la banda y se los llevó a los Ángeles, California a principios de 1968 y dicen que la vida ahí a fines de los 60's era como una fiesta sin fin, por lo que Don Marrs decidió salirse y regresó a su natal Portland, pero el ex-compañero de Parkison, Bill Daffern tomó su lugar después de que fuese rechazado por el ejército y rápidamente se acomodó a su repertorio inicial de covers y a su vestimenta tipo Paul Revere, pero pronto empezarían a componer su material propio a sugerencia de uno de los miembros de la West Coast Pop Art Experimental Band, pues en los Ángeles la gente ya no estaba interesada en los covers, ahora lo que estaba de moda era la psicodelia, por lo que empezaron a hacer canciones con paisajes largos y muchos solos de órgano y guitarra por parte de Parkison y John Morton, sin embargo, los conciertos no llegaron hasta un poco después, cuando algunos de los miembros del grupo andaban paseando por Sunset Strip y se encontraron con York McGavin, el hijo del actor Darren McGavin y este les ofreció tocar en su fiesta de cumpleaños que fue celebrada en casa de su papá en Beverly Hills y este fue su primer concierto en el sur de California en donde ganaron dinero.

Pronto, dejaron la lujosa casa de la novia del que se iba a convertir en su representante, debido a las presiones de esta y se fueron a vivir a una de las partes menos glamurosas de los Ángeles, además de haber obtenido trabajos aparte para poder sobrevivir, pero pronto lograron obtener un nuevo concierto en un lugar "bohemio" del lugar y ahí conocieron al que se convertiría en su representante, Stan Zipperman, él escribía para revistas y salía en la tele, por lo que conocía a toda la escena de los Ángeles y pronto Hunger empezarían a tener suerte, a pesar del incidente donde perdieron sus guitarras originales, sin embargo, pronto obtendrían nuevos instrumentos, además de escribir la canción No Shame, que fue presentada como un potencial hit.

Hunger aparecerían en la televisión tocando She's Not There de los Zombies (desafortunadamente, no ha salido esa presentación, a pesar de que existe) y pronto serían contratados para hacer el tema de una película de suspenso, esta canción se llamó She Let Him Continue al igual que la película, aunque curiosamente, donde grabaron otras canciones que saldrían en sencillos y finalmente en versiones diferentes en el LP de 1969, uno de los sencillos fue acreditado a The Touch, después la película cambiaría de título, fue editada y finalmente dejaron fuera a la canción del grupo.

Pronto se saldría Bill Daffern del grupo y ocuparía su lugar Gene Gunnels de Thee Sixpence (la banda que después de convertiría en Strawberry Alarm Clock), y el último concierto donde tocó Daffern fue para abrirles a nadie más, ni nadie menos que Cream.

Pronto la nueva alineación, con un sonido aún más psicodélico y potente, empezarían a tocar en otros lugares a parte de los Ángeles, incluyendo dos conciertos en las Vegas, también regresando tocaron en el Whiskey A Go-Go y no tardarían en empezar a grabar su primer álbum en un estudio construido en una base militar localizado en Arcadia, a 20 km de los Ángeles, por lo que no era un buen estudio, ni por el lugar, ni por la tecnología, pero el grupo se las ingeniaría para producir su álbum frente a un ingeniero de sonido bastante incompetente.

El grupo aquí estaba en su mejor momento, su música había evolucionado muchísimo tanto en su forma compositiva como instrumentalmente hablando, pero una vez más, después de 2 veces, les volvieron a robar todo su equipo y tuvieron que grabar con el equipo de Strawberry Alarm Clock, y al estar descontentos con los resultados de la grabación, el representante contrató a Ed King para grabar los solos de un par de canciones y de ahí, las cosas mejoraron muchísimo, el difunto King (un guitarrista muy talentoso que tocó con Strawberry Alarm Clock y Lynyrd Skynyrd) estuvo por días grabando con ellos y finalmente, dos de sus colaboraciones quedarían plasmadas en la mezcla original del disco y serían eliminadas o enterradas en la mezcla que salió en 1969, también el cantante de sesión Greg Munford (quien cantaría en Incense and Peppermints) re-grabaría la voz para Mind Machine y She Let Him Continue.

Después de grabar el disco, el grupo estaba en el limbo, sin instrumentos, ni nada, uno de los roadies fue encarcelado por haber sido cómplice del robo, pero aún así no pudieron recuperar sus instrumentos y por lo tanto, no podían tocar, ni nada, e incluso salieron noticias falsas de que estaban tocando por el norte del país para explicar su ausencia, pronto regresaron a Portland sin nada y rápidamente regresaron a los Ángeles por pedido de su representante que ahora había vendido todo y no les había proporcionado sus nuevos instrumentos, ni nada, y los nuevos representantes de la disquera hicieron lo que quisieron con el nuevo disco, provocando que el grupo terminara rompiendo en el verano de ese año.

Frente a las condiciones en las que estaban en las que estaban con un equipo de mala calidad, un nuevo mal vocalista, un disco que fue editado de acuerdo a una demanda de Strawberry Alarm Clock hacia el primer representante y que los nuevos representantes eran completamente irresponsables, el grupo no pudo hacer más nada que separarse a mediados del 69 y finalmente la mayoría terminarían haciendo carreras individuales o uniéndose a otros grupos, entre ellos Bill Daffern, que terminaría tocando con el grupo de heavy psych Truk, quienes sacarían un solo disco en 1970 y después se iría a tocar a varios proyectos con los que tendría algo de popularidad, también fue vocalista de los sobrevaloradísimos Captain Beyond y finalmente el que sigue activo en la música es el guitarrista John Morton, que se quedó con la marca de guitarras Hallmark y le va bastante bien, incluso tiene una nueva Swept-Wing, Ed King tocaría con Lynyrd Skynyrd y finalmente pasaría a mejor vida el 22 de Agosto de este año, una pena que se pasara un guitarrista tan bueno como él.

Ahora sí, pasemos a hablar del disco:

La música de Hunger se podría definir como un rock psicodélico muy garajero con varias tendencias hacia el pop psicodélico y con un sonido que por momentos se aproxima hacia el freakbeat que se hacía en el Reino Unido en esa época, pero a pesar de sus tendencias poperas, Hunger nunca cae en un barroquismo extremo como muchas otras bandas de pop psicodélico, tampoco en lo demasiado bobalicón, acaramelado, ñoño, infantiloide o inocentón, lo "popero" del grupo contrasta con su mentalidad psicodélica y su bagaje directo del garage que le da un sonido crudo pero a la vez con inusuales habilidades compositivas e instrumentales, dándonos a entender que Hunger eran bastante más talentosos que la banda promedio de garage gringa de mediados de los 60's, pues mientras las composiciones normales de garage eran bastante lineales (Es decir, los grupos de garage eran rocanrol "puro" y es que para ser sinceros y realistas, el rock no es música de conservatorio, uno cuando va a escuchar rock, no espera a escuchar una sinfonía de 15 movimientos, espera escuchar una música basada en el rhythm and blues, con guitarras distorsionadas y una composición sin pretensiones, al menos que lo que quieras escuchar sea rock progresivo o art rock, pero la cosa es que tampoco se les puede exigir tanto a un montón de bandas formadas generalmente por chavitos de entre 13 y 21 años que generalmente tocaban por puro hobby, por eso un académico generalmente nunca podrá entender al rock, ni cual es la magia que pueden tener las composiciones más elementales), las composiciones de Hunger tienden a ser un poco más elaboradas, con más desarrollo instrumental y cierta finura, y aunque se les compare mucho con los Doors, definitivamente pienso que Hunger traían su propio rollo, eran tan buenos que aquí las comparaciones serían ya demasiado ociosas, pues se podría decir que Hunger ya eran una banda con derecho propio, pero que por un mal manejo de los representantes y la mala suerte que les llegó en los Ángeles, no pudieron sacar todo el potencial que tenían, por lo que Hunger es una de esas grandes bandas que no les llegó la buena suerte y terminaron por desaparecer.

Colors (Con su parte inspirada en Happenings Ten Years Ago de los Yardbirds), Workshop, Mind Machine y Open Your Eyes deberían estar entre lo más representativo de los 60's, no solo por su contenido musical, sino por sus letras también, pues esas 4 canciones sintetizan de excelente manera la filosofía y la mentalidad de la contracultura de los 60's, sin embargo, al no haber sido hits, al no ser composiciones de corte académico y que además, Hunger apenas fueron conocidos en su momento, pues no están junto a grandes himnos de la época como All You Need Is Love, Get Together, Give Peace A Chance, San Francisco (Flowers In Your Hair), Monterey, Like A Rolling Stone o San Franciscan Nights, aunque deberían estar, el buen Gustavo, que es fan incondicional de Hunger, seguramente está de acuerdo conmigo.

Sin embargo, esas 4 canciones no son lo único que hay en el disco, también hay un extraordinario tema instrumental en donde la guitarra y el órgano hacen de las suyas llamado Portland 69, No Shame que fue originalmente escrita como un "éxito", es un exquisito rolón de pop psicodélico con clavicordio y unas letras sobre un músico que está cansado de la fama y le está escribiendo a su novia que va a regresar pronto a su casa, esto me recuerda en parte a lo que terminaron haciendo George Harrison y John Lennon en sus días post-Beatles, también Trying To Make The Best, The Truth (con sus partes jazzeras que nos recuerdan a Gold and Silver de Quicksilver Messenger Service) y She Let Him Continue son GRANDES, monumentales temas, que demostraron que Hunger eran una banda con un potencial tremendo como músicos, pero que simplemente el destino no les fue grato.

Sobre las mezclas, yo la verdad es que me voy más con la primera, con la de los temas largos y con más desarrollos instrumentales, aunque bueno, por más que a la banda les haya decepcionado la nueva mezcla, el grupo era tan bueno que incluso con los temas tan "macheteados", sonaban refrescantes y brillantes, también las versiones de los sencillos son grandes trabajos y eso que la producción ahí fue bastante pobre.

En fin, este es un clásico perdido, que merece más reconocimiento del que tiene.


P.D. El disco viene como es usual, en FLAC con las portadas escaneadas, después de salieran errores en los archivos originales, ahora lo he resubido en tres partes, espero que esta vez el internet no suba con errores a los RAR, pero de cualquier forma, avísenme si no les aparece algún error al descomprimir los archivos.
La primera alineación de Hunger en Diciembre de 1967

20 mar. 2018

Grand Funk Railroad - Grand Funk (1969)

Después de más de 4 meses de tener abandonado este espacio, estuve pensando seriamente en cuál disco publicar, pues a pesar de que en Diciembre fueron los 50 años del lanzamiento del Magical Mystery Tour de los Beatles, no me sentí lo suficientemente preparado como para reseñarlo, por lo que lo dejaré para el próximo mes y de mientras nos vamos con un clásico de clásicos que ustedes conocen muy bien, pues Grand Funk es una de las bandas clásicas por excelencia y una de las preferidas de la generación de Avándaro, tanto que hasta surgieron bandas muy influenciadas por ellos como el Amor, el Three Souls In My Mind, el Grupo Ciruela o incluso Enigma.

Por otro lado, también tuve la duda sobre si postear su debut o este, pero terminé decidiéndome por su segunda placa que les traigo hoy aquí, pues para mi gusto es mejor que su debut, a pesar de que el On Time tenga obras maestras como Can't Be Too Long, Anybody's Answer, Into The Sun y Heartbreaker y lo digo por varias cuestiones, entre ellas la producción mejorada, la selección de canciones y que además contiene uno de los mejores bajos que escucharán en toda su vida, de hecho hasta los mismos miembros dirían que On Time era más como un demo mientras que "el rojo" era un disco hecho como debería ser, por todo esto, Grand Funk es una obra maestra del heavy psych (sí, lo leyeron bien), aunque usualmente no se le considere así.

Hay discos que son clásicos por derecho y otros que se han convertido en clásicos gracias al "hype" o publicidad exagerada que les han hecho, ya sea fanáticos, vendedores de discos, músicos o incluso disqueras, algunos ejemplos de esto son los discos de Captain Beyond, Leaf Hound, Budgie y Dust, que hoy gracias a los grupos de stoner rock que los ponen frecuentemente como grandes influencias, que los vendedores de sitios como eBay digan que son una maravilla y finalmente los fanáticos que se tragan todo el cuento y siguen dándoles esa publicidad que no merecen, como por ejemplo, varios bloggeros y a veces también colaboran en esto algunos críticos, como los de la AllMusic Guide, mientras que a álbumes que son clásicos con derecho como es el caso de esta segunda entrega de Grand Funk, casi nunca se les pone la suficiente atención y por lo general son discos ignorados e injustamente incomprendidos por el fan millennial promedio.

Grand Funk a pesar de ser aclamados por el público, fueron destrozados por la crítica en Estados Unidos y hasta la fecha los críticos gringos siguen siendo unos mierdas con ellos, pero pues muy injustamente, porque Grand Funk se consolidaron como los amos del hard rock gringo junto con bandas como Mountain, Cactus y James Gang, las cuales recibieron muy buenas críticas al contrario de este power trio originario de Flint, Michigan.

En octubre de 1969, después del relativo éxito que tuvo su primer álbum junto con su debut escénico en el Festival de Pop de Atlanta en ese mismo año, regresan al estudio y esta vez, el grupo se había esforzado más en cuestiones musicales, Terry Knight produjo mejor el material y Mel Schacher le puso una pastilla humbucker a su bajo Fender, la cual tomó de un viejo bajo Gibson EB-0 para arreglar el problema del volumen que se escucha en On Time, y fue en ese preciso instante cuando regresaron al estudio y el disco salió a finales de diciembre de 1969, como un regalo por parte de la banda para empezar el siguiente año.

Como venía diciendo (valga la redundancia), "el rojo" es un álbum de heavy psych que contiene toda la instrumentación básica del subgénero, incluyendo la guitarra Musicraft Messenger de Mark Farner que tiene un fuzz integrado y además le agregaba un wah-wah en un par de rolas que aumentaba la atmósfera psicodélica presente y el bajo distorsionado de Mel Schacher que seguramente es la envidia de muchos bajistas actuales que dicen tocar "heavy psych", aunque no todo aquí es tocar el rock dentro de la estética pesada y psicodélica, también el grupo bebía fuertemente del blues, el funk y el soul de Motown, dando así una combinación de lo mejor del hard rock psicodélico y la música negra, con melodías un tanto accesibles al público y mucha, pero mucha energía.

El disco abre con Got This Thing On The Move, un excelente golpe de energía y un gran ejemplo de como el rock se debería tocar. comienza con un riff fuzzeado tocado por Farner y poco después lo acompaña Schacher con su bajo distorsionado, mientras que Don Brewer sin ser un baterista excepcional, lleva bastante bien el ritmo y derrocha mucha, pero mucha energía, mientras que la letra seguramente habla de un encuentro sexual y este tipo de letras que fueron bastante comunes en este tiempo y escandalizaban a la gente conservadora y mojigata, hoy asustan a la gente que se dice ser muy "progresista" y "tolerante", pero que en el fondo es tan mojigata como el conservador que odiaba a la juventud de aquellos tiempos, pero bueno, cambiando de tema, un fragmento de la rola saldría en Déjenme Vivir del primer disco del Three Souls In My Mind salido en un lejano 1971.

Después sigue Please Don't Worry, una rola que tocaron poco después en el show nocturno de variedades Playboy After Dark que conducía el difunto Hugh Hefner junto a sus conejitas psicodélicas que bailaban mientras los grupos se presentaban, por ahí en el youtube existen los videos de Deep Purple, Steppenwolf, Iron Butterfly, Grateful Dead y otros grupos de la época, incluyendo a Grand Funk, quienes se presentaron con unos atuendos bastante psicodélicos por allá en Enero de 1970 haciendo playback de las rolas Mr. Limousine Driver y Please Don't Worry, que curiosamente esta última inspiró al grupo yugoslavo para crear su rola Could You Understand Me en su disco con el mismo título salido en el 73.

High Falootin' Woman es puro boogie rock con un piano que aparece casi al final, muy en el estilo de las rolas Time Machine y High On A Horse, salidas en su primer álbum unos meses antes.

Mr. Limousine Driver es otro bombazo de heavy psych que viene equipado con el fuzz de Farner en los solos y el bajo distorsionado de Schacher, además de cierta onda funky que adereza a la rola, uno de los temas que más me gustan de todo el álbum.

Y en el quinto tema viene In Need que también viene como otra sacudida eléctrica con una onda muy pegajosa y con un excelente jam que combina un blues bastante funkeado con los solos fuzzeados de Farner, el bajo solista de Schacher y los respetables solos de bataca de Brewer, que como bien dije atrás, tal vez no es el mejor baterista que podrían escuchar, pero tiene su talento y su mérito.

En el número 6 está Winter And My Soul que para mí es como un descanso después de tanto desmadre y también algo para darle un poco de variedad al álbum, pues comienza como una rola un tanto baladesca, para luego irse a terrenos más enérgicos y hasta tener un breve interludio jazzístico, también cabe destacar que casi al final, Farner usa unas escalas que me suenan sospechosamente un tanto a raga rock.

Paranoid para mí representa el perfecto ejemplo de como se debería tocar y como debería sonar el heavy psych, estoy seguro de que Farner hizo esta rola con el fin de tener un número bien psicodélico en el disco al igual que en el debut (Can't Be Too Long y Anybody's Answer), aunque posiblemente aquí el buen Mark Farner hace uso del wah-wah junto al fuzz integrado en su lira para acentuar ese efecto ácido, después se van hacia terrenos más dramáticos al igual que en las mencionadas rolas, aunque el fuzz está mayormente presente a lo largo de la rola, situándola así firmemente en los mismos terrenos de las bandas de hard rock psicodélico. Temonononón.

Y para cerrar con broche de oro tenemos un refrito de Inside Looking Out de los Animales de Eric Burdon, a la que Grand Funk le hacen unos arreglos en donde combinan el funk, el blues y el heavy psych de manera perfecta, como pocas ocasiones se ha hecho en el rock, esto es oro puro y seguramente el paraíso para los fans del heavy psych, es uno de esos momentos irrepetibles en el rock, con uno de los mejores diálogos que he escuchado entre la guitarra y el bajo, creo que solo Cream y ellos podían hacer algo así, es una lástima que en 1972 Grand Funk optaran por un estilo más complaciente con el público y que se perdiera la mayor parte de la esencia que tenían en sus inicios, incluyendo el fuzz y el excepcional bajo distorsionado.

De temas extra tenemos una primera versión de Nothing Is The Same, rola que después publicarían en su tercer álbum con unos arreglos más funkys, pero esta versión tiene un riff que de alguna manera se asemeja un poco a Sunshine Of Your Love de Cream y tal vez por eso la dejaron afuera del disco, aunque de todas maneras las leves semejanzas no le quitan su mérito a la versión que de hecho es buenísima y también tenemos un remix de Mr. Limousine Driver que en lo personal me latió más por ser más largo que la versión original.

Y pues por ahora no tengo nada más qué decir más que... ¡Buen provecho!