tag:blogger.com,1999:blog-3657217937074514092024-03-07T21:06:30.680-06:00OutsideInside MusicElectric Music for the Mind and BodyEl Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.comBlogger165125tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-48083475147467032512024-01-13T21:32:00.001-06:002024-01-15T20:38:10.816-06:00Listening - Listening (1968)<div style="text-align: center;"> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhX-ZMYJLW0ThKL4Woo0Bd-laJv0rN_K2OpfHpv176UA0aKqWiE5x9xb6NbX3rMI_sPhPOpnOh6MAI-wy5f5qiGXhANhvQ8jhYoY36D1Y-rVlRKiL74wzDof_onnYy8HFD-M6tdiul8l1Xrp_DOXytJg_Aa6EVDcvjyFbhoVv5RY7I3te_BoVm5zwPEcuqL/s2431/Front%20Cover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2399" data-original-width="2431" height="395" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhX-ZMYJLW0ThKL4Woo0Bd-laJv0rN_K2OpfHpv176UA0aKqWiE5x9xb6NbX3rMI_sPhPOpnOh6MAI-wy5f5qiGXhANhvQ8jhYoY36D1Y-rVlRKiL74wzDof_onnYy8HFD-M6tdiul8l1Xrp_DOXytJg_Aa6EVDcvjyFbhoVv5RY7I3te_BoVm5zwPEcuqL/w400-h395/Front%20Cover.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: center;">Tengo una relación bastante antagónica con Rate Your Music, porque si bien, en principio podría parecer una buena idea, no lo es en absoluto y sé que aquí algunos de ustedes me podrían reprochar el hecho de que vaya a decir esto cuando tengo un blog de música, pero lo que está mal con Rate Your Music es precisamente la apertura que tiene el sitio a que cualquier persona pueda dar su opinión, y ustedes se preguntarán ¿Y qué tiene de malo que la gente pueda dar libremente su opinión? ¿No es acaso una democracia en acción? La respuesta es un rotundo NO, de hecho, para parafrasear a Platón en su "alegoría sobre la caverna", la opinión o doxa al estar basada en la creencia, la experiencia y la ilusión, no tiene un fundamento sólido y es precisamente lo que mantiene a los esclavos en su prisión, es decir, el ejercicio de opinar nos hace creer que efectivamente estamos ejerciendo algún tipo de democracia y por lo tanto, nos oculta que estamos siendo presos de creencias, ideas, ilusiones, mentiras y prejuicios sin fundamento alguno que no son más que una forma de reproducir a la ideología dominante y justificarla, y aunque esto les suene demasiado político a algunos de ustedes, la opinión es demagogia pura y no debería sorprendernos que de la opinión nazcan posturas tan despreciables y ruines como la anti-intelectualidad y el anti-intelectualismo, que aunque estén relacionadas, NO son lo mismo, pues por un lado, la anti-intelectualidad es cuando se desconfía y se niega rotundamente el ejercicio intelectual de ponerse a pensar, cuestionar y criticar, y el anti-intelectualismo es la desconfianza y el descrédito a los intelectuales, es decir, es una forma de anti-elitismo asquerosamente demagógica y populista que afirma que los intelectuales son una élite privilegiada que busca limitar nuestra "democracia" con su pensamiento y conocimiento, y es aquí donde uno debe poner a ambos como productos de la demagogia más descarada, así como cuando el escritor Isaac Asimov criticó a la sistémica ola de anti-intelectualismo que empezó en Estados Unidos en el Siglo XX, la cual solía afirmar que "mi ignorancia es igual a tu conocimiento", y la pregunta aquí es: ¿Qué tiene que ver todo esto con Rate Your Music?, la respuesta es bastante larga y compleja, por lo que esta introducción se alargará bastante:</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En una serie de artículos que escribí en mi otro blog En el jardín del Guajolote pude hacer un cuestionamiento directo a los "expertos", a la tecnocratización de la industria musical y a la confianza excesiva que se les da a estos. El problema con el "experto" es que es un fetichista del conocimiento, para él lo que vale es este y nada más, tiene una excesiva confianza en la empiria y la práctica frente a la teoría, y esto le impide pensar y cuestionar tanto a sus conocimientos como a sus saberes y sus prácticas, por lo que el "experto" o "tecnócrata" también suele tener a menudo una postura anti-intelectual, ya que lo suyo no es pensar filosóficamente, sino siempre tener respuestas o en pocas palabras, el "experto" es un pervertido de acuerdo al psicoanálisis, y esto es precisamente lo que sucede con Rate Your Music, al abrir directamente sus puertas a que todo el mundo pueda opinar, dota al usuario de una confianza perversa en que todo lo que sabe y conoce es correcto, es decir, que él tiene la respuesta, entonces no es de extrañar que la misma plataforma brinde a los usuarios toda una experiencia subjetivista y que a la hora de que los usuarios sean cuestionados, justifiquen sus errores con falacias, pseudo-argumentos subjetivistas o relativistas o con la estupidez de "es mi opinión, respétala", no debería sorprendernos que muchas de las reseñas de discos raros, que se supone que están hechas por coleccionistas con amplias colecciones de discos, siempre tengan errores garrafales a la hora de etiquetar la música, ya sea con etiquetas completamente fuera de lugar o con otras basadas en los propios prejuicios de los usuarios, un ejemplo notorio es este disco de los bostonianos Listening, al que en dicha página se le suele etiquetar de "rock progresivo" o "proto-progresivo" y hasta hay gente que atrevidamente lo ha llegado a comparar con los grupos británicos del género, todo esto bajo la excesiva confianza de que sus sentidos les darán la respuesta correcta, y es aquí donde vale la pena citar al filósofo francés Gilles Deleuze cuando dijo que "los argumentos de la propia experiencia privilegiada son argumentos malos y reaccionarios" y esto es precisamente cierto cuando se les da una excesiva confianza a nuestros propios sentidos, como si se tratasen de herramientas infalibles para conocer y entender al mundo, cuando de hecho, son todo lo contrario, y aunque esto suene político, aquí su universalidad es aplicada a la música, pues escuchar música no es simplemente una práctica que implique directamente al oído, sino que implica también hacer un ejercicio intelectual y crítico que va más allá de lo que nuestros sentidos puedan decirnos.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Lamentablemente la información sobre Listening es de escasa a una en la red, lo que sí sé es que se formaron en Boston en 1967 por el virtuoso tecladista, vibrafonista, compositor y cantante Michael Tschudin, el baterista y cantante Ernie Kamanis y el bajista Walter Powers, más tarde completaría la formación el guitarrista Peter Mallick (más conocido por ser un guitarrista de blues que formó parte de la banda de Otis Spann), durante su breve existencia que duró hasta 1969, el grupo fue uno de los más destacados de la escena de Boston junto con Ultimate Spinach, Ill Wind, The Freeborne, Beacon Street Union, Earth Opera, Ford Theatre, entre otros, y en 1968 lanzaron su debut y único disco titulado homónimamente del que hoy estamos hablando.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>Listening</i> es una obra que es uno de los mejores ejemplos de la psicodelia bostoniana, precisamente porque muestra la enorme diferencia que había entre la escena de Boston con las de San Francisco, Los Ángeles, Texas y Detroit, y es que los grupos de Boston se dedicaron más que nada a crear una psicodelia mucho más trabajada y cerebral en cuanto a las melodías y la ejecución, contrastando con lo garagero de Texas, lo crudo y pesado de Detroit y la enorme influencia del folk y el jazz que tuvieron las escenas californianas, y es por eso que Listening suenan tan finos y sesudos al mismo tiempo, igualmente cabe destacar su eclecticismo que iba del heavy psych al pop psicodélico jazzeado y de la psicodelia con tintes latinos al rock ácido, sin tener que caer en barroquismos fuera de lugar o en experimentación excesiva y carente de dirección, igualmente cabe destacar que la ejecución de la banda es magistral, por lo que tenemos un disco muy completo y creativo que definitivamente está entre los mejores que he escuchado de la psicodelia gringa en general.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco comienza con <i><b>You're Not There</b></i>, una canción de heavy psych un tanto dramático muy típico de la época que me trae a la mente a muchas bandas, entre ellas a una rarísima originaria de Indianapolis, Indiana llamada Brand X que solo sacó un sencillo en 1970 con un par de refritos, entre ellos el de <i><b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=cEVq-DjkYfA" target="_blank">Come On Home</a></b></i> del grupo de garage rock pre-Aorta The Exceptions, pero con la diferencia de que Listening sí componían sus propias canciones y además lo hacían de manera extraordinaria, ya que noto bastante elaboración sin caer en ningún vicio de la época, igualmente cabe destacar que el trabajo de órgano es espléndido, la sección rítmica cuadrada y con mucha fuerza, básicamente la encargada de darle la pesadez a la canción y por supuesto no puede faltar la guitarra psicodélica en el solo. Espléndida apertura y como dato extra, esta canción fue versionada por el grupo neoyorkino de heavy psych Odyssey en su debut y único disco de estudio titulado <i>Setting Forth</i>, editado tan solo un año después.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Le sigue <i><b>Laugh At The Stars</b></i>, que contrastando con el heavy psych de la canción anterior, aquí tenemos un delicado y fino pop psicodélico con tintes barrocos, excelentes armonías vocales, enormes cantidades de hammond y clavecín y la guitarra psicodélica obligatoria, esta canción es un excelente ejemplo de cómo la escena de Boston, en contraste con las de San Francisco, Los Ángeles, Texas y Detroit, tuvo un sello mucho más fino y enfocado a la cerebralidad melódica. Extraordinario.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El pop psicodélico fino sigue en <i><b>9/8 Song</b></i>, pero esta vez combinado con algo de cool jazz, y aunque aquí no hay guitarra eléctrica, sí hay acústica, y en lugar de hammond, hay piano y vibráfono. El cruce perfecto entre The Freeborne, los Spiders y Bob Smith. Belleza.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Stoned Is</b></i> es el clásico indiscutible de la banda, ya que se trata de su canción más conocida y además de todo, estamos ante uno de esos temas obligatorios para todo el que se diga fan o hasta "conocedor" de la psicodelia, pues es un tema de rock ácido con una sonoridad exquisitamente "pacheca" como diríamos aquí en México, en donde la mezcla de hammond con guitarra se encargan de darle toda esa sonoridad psicodélica tan especial así como la voz que me recuerda a <i><b>Girl</b></i> de los Beatles por los sonidos de inhalación. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Forget It, Man!</b></i> Es psicodelia más estándar que me recuerda a Lee Michaels (<i>Carnival of Light</i>) en sus momentos más ácidos por su combinación de órgano hammond con clavecín. Excelente.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>I Can Teach You</b></i> es rock ácido souleado con una ocasional sección de metales, un trabajo magistral de teclados y de nuevo, esa infaltable guitarra psicodélica en el solo. Excelente.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Volvemos al pop psicodélico en <i><b>So Happy</b></i>, que a mí en lo personal me suena a una combinación entre The Lovin' Spoonful, Love y los Cowsills que incluye un solo de guitarra que me suena al mejor Armando Nava en el <i>Cambia, cambia</i>. Este es el tema más "comercial" de todo el disco, pero no por eso carente de calidad, ya que este tema es también espléndido.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Cuando</b></i> es un tema muy curioso e interesante que suena muy similar a lo que ya hacían en ese tiempo los angelinos Sweetwater con su combinación de pop psicodélico con elementos latinos y barrocos así como también vuelvo a notar que se adelantan tanto al sonido de Bob Smith en su obra maestra <i>The Visit</i> de 1970 como a la época de War con Eric Burdon y por si no fuera poco, incluyen una pequeña parte de letra en Español, que a pesar de que no está tan bien pronunciado, se agradece que lo hicieran. Espléndido.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Baby: Where Are You?</b></i> Es tal vez el tema que más me recuerda a San Francisco, particularmente a Quicksilver Messenger Service, es decir, es un tema de rock ácido, aunque también cabe destacar que es probablemente una de las más psicodélicas del disco junto con <i><b>Stoned Is</b></i> y <i><b>See You Again</b></i>, porque incluye partes atascadas de phaser, incluyendo un breve solo de batería y por si no fuera poco, también incluye interludios jazzísticos que de nuevo me traen a la mente a sus contemporáneos The Freeborne o a los Spiders de mi país. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Fantasy</b></i> es un breve interludio de teclados con un sonido bastante tenebroso, pero que muestra la maestría de Michael Tschudin como tecladista.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco cierra con broche de oro con <i><b>See You Again</b></i>, un tema de puro rock ácido guitarrero, enérgico hasta la médula y aunque prácticamente no tenga letra alguna, el hecho de que Michael Tschudin esté repitiendo una y otra vez el título de la canción como si se tratase de un mantra, se me hace algo tan bellamente típico de la época y por si no fuera poco, esta canción tiene un solo de bajo y otro de batería. Otra obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Si eres fan de la psicodelia gringa como yo, este disco es de escucha obligatoria, pues junto con los álbumes de Ill Wind, Ultimate Spinach, The Freeborne, Beacon Street Union, The Fort Mudge Memorial Dump, The Art of Lovin', Ford Theatre, Earth Opera, entre otros, este es uno de los mejores trabajos hechos de Boston, Massachusetts y uno de los mejores de toda la psicodelia gringa.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/6rh92" target="_blank">DESCARGA</a></span></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-6909149989883222032024-01-06T00:50:00.000-06:002024-01-06T00:50:53.340-06:00The Conqueroo - From The Vulcan Gas Co. (1987)<div style="text-align: center;"> <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4E0fYjtISWt4R10k4SarNitCPV8qputJ9KSoEuYzserY15mT8Px4Dz1Tj4NgQbDYG7qSCkgN7w0O7HDh8nx-aStsEFqSFqIcS8omasVc8GSAJQFfAjhGh_nTFiiXBQdcENMpETAeKql5Fsr0PgAQFpUDO_OAaV4o8PCdarCmMMTZeCNi2M2bAo3dAVixb/s1048/folder.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1002" data-original-width="1048" height="383" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4E0fYjtISWt4R10k4SarNitCPV8qputJ9KSoEuYzserY15mT8Px4Dz1Tj4NgQbDYG7qSCkgN7w0O7HDh8nx-aStsEFqSFqIcS8omasVc8GSAJQFfAjhGh_nTFiiXBQdcENMpETAeKql5Fsr0PgAQFpUDO_OAaV4o8PCdarCmMMTZeCNi2M2bAo3dAVixb/w400-h383/folder.jpg" width="400" /></a></div><div>Muy feliz y próspero 2024 tengan todos ustedes, la razón por la que no pude actualizar el blog en las últimas semanas del 2023 fue porque intenté aplicar mi viejo modelo de trabajo bloggero en el que solía planificar todo desde una semana antes de publicar algo, y podía hacer eso precisamente porque antes solía invertir bastante tiempo en escuchar música, y por lo tanto, a la hora de seleccionar el disco semanal, podía darme el tiempo de ir escribiendo la reseña en el transcurso de la semana y además, de subir el disco, ahora, lamentablemente eso ya no funciona para mí, porque generalmente estoy ocupado en otra cosa y el tiempo ya no me rinde para trabajar como antes, por lo que hice el intento desesperado de crear dos encuestas para que ustedes, los lectores, votaran el disco de la semana, pero lamentablemente tampoco funcionó para mí, ya que eligieron un disco que no había escuchado lo suficiente como para reseñarlo, por lo que decidí descansar de mis esfuerzos en vano y por lo tanto, si no hubo post navideño, tampoco hubo de fin de año, y ahora que Enero está empezando, una de mis metas es precisamente volver a dedicarle tiempo a la música con el fin de hacer que esto vuelva a funcionar y además, hacer que la bonita tradición bloggera de subir piratería con extensas reseñas no muera.</div><div><br /></div><div>The Conqueroo fue una de las primeras bandas psicodélicas en surgir del estado de Texas junto con los 13th Floor Elevators -que también eran de Austin-. Formados a fines de 1965, tomaron su nombre de una frase de la icónica <i><b>Hootchie Cootchie Man</b></i> del gran Muddy Waters ("<i>John, the conqueror root</i>"), pero con una deformación y su primera alineación estuvo conformada por Powell St. John -un personaje mítico porque justamente también colaboró como compositor con los 13th Floor Elevators- en la voz, armónica y kazoo "electrificado", el bajista Ed Guinn, el guitarrista Bob Brown y el baterista Tom Bright. The Conqueroo serían uno de los 2 grupos que aparecieron en el primer cartel musical psicodélico de Texas que data de Enero de 1966 y pronto el grupo se convertiría en uno de los más destacados e importantes de la escena, al punto que sería también uno de los grupos que inauguraron el Vulcan Gas Company -la primera sala de conciertos psicodélica de Texas- en 1967.</div><div><br /></div><div>A pesar de la importancia capital y su prestigio como grupo, Texas siempre ha sido un estado conservador y retrógrada, y cuando la contracultura llegó a dicho estado, la primera reacción que hubo fue que aquellos greñudos con ropas coloridas, que tocaban música "rara" y consumían sustancias ilícitas, eran una "amenaza comunista en contra de los sagrados valores cristianos", por lo que grupos como los 13th Floor Elevators, The Conqueroo, Shiva's Headband, Red Krayola, The Golden Dawn, Bubble Puppy, entre otros, terminaran siendo perseguidos por la policía local, así como también los hippies locales terminaron siendo perseguidos o en reprimendas policiacas de manera idéntica a lo que sucedió en México después del Festival de Avándaro, cuando llegaba la tira a acabar con las tocadas en los hoyos fonquis y arrestaban a los hippies para raparlos y hasta tirarlos en lugares abandonados o meterlos presos, lo que provocó que The Conqueroo fuese un grupo inestable en cuanto a su alineación, pues por ejemplo, Powell St. John no pudo ser un miembro de tiempo completo y terminó emigrando a San Francisco, California a formar el grupo de blues Mother Earth, por lo que fue reemplazado por el guitarrista Charlie Prichard, igualmente el baterista Tom Bright terminaría saliéndose en el otoño de 1967 y sería reemplazado temporalmente por Daryl Rutherford que se saldría en 1968 para ser reemplazado por el baterista de jazz Gerry Storm -quien había estado con The Blue Crew-, sin embargo, tampoco duraría mucho, pues el grupo estaba cansado y atemorizado de terminar encarcelados o metidos en un hospital psiquiátrico como le pasó a su amigo Roky Erickson, por lo que decidieron partir a San Francisco, California y ahí conocieron al baterista Alvin Sykes, que los acompañó hasta su separación en 1970, y a pesar de que parecía prometedor su futuro ahí, terminó siendo un fiasco, pues lo que pudo haber sido su tocada para darles notoriedad terminó siendo un fiasco que les brindó mala reputación y por si no fuera poco, el grupo fue numerosas veces asaltado por los delincuentes del barrio en el que vivían, robándoles todo su equipo, cosa que finalmente hizo que terminaran separándose en 1970 en términos amigables, no obstante, Bob Brown formaría a una nueva encarnación del grupo en 1973 con la que se regresaría a Austin, Texas, pero de nuevo, la mala suerte les jugó en contra, pues el Vulcan Gas Company no existía más desde Agosto de 1970 y el Armadillo International Headquarters era un recinto más orientado al country rock que a la psicodelia, por lo que el grupo pronto tuvo que cambiar de nombre y de estilo, haciéndose llamar Texoid y tocando un soft rock al estilo de Steely Dan, cosa que no terminaría de cuajar y que finalmente aburriría a Bob Brown, quien terminó dándole fin al grupo a fines de los 70's.</div><div><br /></div><div><i>From The Vulcan Gas Co.</i> es una recopilación editada en 1987 por la disquera 5 Hours Back, la cual está conformada por diversas grabaciones del grupo hechas entre 1967 y 1968, entre ellas las 3 canciones de la autoría del bajista Ed Guinn que se grabaron en los estudios Pacific High Recording de San Francisco, California en 1968 que abren el álbum, el sencillo de 1968 grabado para la disquera texana Sonobeat en vivo desde el Vulcan Gas Company y otras grabaciones en directo que fueron grabadas en distintas fechas, cosa que hace de este disco algo muy completo e interesante para los que en verdad quieran conocer la psicodelia texana y a sus grandes exponentes.</div><div><br /></div><div>El estilo de The Conqueroo se podría definir como un cruce entre el sonido texano y el sanfranciscano, pues por un lado tenemos ese sonido crudo y garagero pero siempre lisérgico que los relaciona con otros grupos texanos de la época como los 13th Floor Elevators, The Golden Dawn, Shiva's Headband, los Moving Sidewalks y American Blues, y por el otro tenemos los largos y ácidos jams guitarreros con bases de blues, folk, rhythm and blues y jazz que los conecta con grupos como Linn County, Mad River, Frumious Bandersnatch y Quicksilver Messenger Service, por lo que podríamos decir que The Conqueroo fue un grupo distintivo para la escena de Austin, Texas y es una lástima que al tener que huir a San Francisco debido al autoritarismo texano, no hayan pegado ahí, teniendo en cuenta que por su estilo, pudieron haberse vuelto muy populares en dicha escena al igual que A.B. Skhy, Linn County, Mad River, Devil's Kitchen o H.P. Lovecraft, grupos que ni siquiera eran originarios de California, pero que una vez que se instalaron en San Francisco, lograron gozar de bastante popularidad local.</div><div><br /></div><div>El disco empieza de manera guitarrera con <i><b>Passenger</b></i>, la cual fue grabada en 1968 en los estudios Pacific High de San Francisco, con el nuevo baterista Alvin Sykes, y es notoria la influencia sanfranciscana, pues la composición me recuerda a Linn County y su rock ácido blueseado y souleado, mientras que la guitarra suena más al gran Stacy Sutherland en su momento más creativo (<i>Easter Everywhere</i>, <i>Bull of The Woods</i>) y la voz es una especie de cruce extraño entre Lawrence Hammond de Mad River y Spencer Perskin de la Shiva's Headband. Temazo.</div><div><br /></div><div>Otro tema grabado en San Francisco es <i><b>Banana and The Cat</b></i> y que de nuevo, suena a cuánto absorbieron la influencia local, pues esta vez suenan a un cruce bastardo entre Mad River, los 13th Floor Elevators y los Mothers of Invention, pues se trata de una composición un tanto sombría y algo disonante que bien pudo haber estado en el primer disco de Mad River o en el <i>Freak Out!</i> de Frank Zappa. Extraordinario.</div><div><br /></div><div><i><b>Words Are Not as Strange</b></i> es otro de los temas grabados en San Francisco, esta vez es un blues lento de corte psicodélico, más deudor del blues de Chicago que del de Texas a mi parecer, pero con una omnipresente guitarra psicodélica.</div><div><br /></div><div><i><b>1 to 3</b></i> vuelve al rock ácido guitarrero, esta vez con una grabación en vivo en el Vulcan Gas Company en 1968, y es un gran ejemplo de la gran energía que tenía la banda en sus directos, donde también hacían largos jams lisérgicos, haciendo eco de grupos sanfranciscanos como Quicksilver Messenger Service, Frumious Bandersnatch, Moby Grape, Jefferson Airplane, entre otros. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>Walking Blues</b></i> de Robert Johnson ha sido versionada por miles de artistas y grupos, pero las versiones más memorables e interesantes son las de la Paul Butterfield Blues Band, Quicksilver Messenger Service y esta de The Conqueroo, que a pesar de que no sonó tan psicodélica como las otras, los arreglos son interesantes y la ejecución excelente.</div><div><br /></div><div><i><b>Midnight Hour</b></i> es una versión de <i><b>In The Midnight Hour</b></i> de Wilson Pickett, la cual es una de las canciones más texanas del disco, curiosamente, porque los arreglos me recuerdan muchísimo a los 13th Floor Elevators y su <i><b>Monkey Island</b></i>, e incluso la guitarra me suena a ese primer Stacy Sutherland tan influenciado por el surf y el rhythm and blues. Espléndida.</div><div><br /></div><div>Con<i style="font-weight: bold;"> I've Got Time</i> de nuevo estamos frente a un tema de rock ácido bastante largo y guitarrero, con una duración de más de 8 minutos, que me recuerda muchísimo a los Them y su obra maestra Time Out, Time In For Them! de 1968, aunque también noto ecos de la ruidosa guitarra de James Gurley de Big Brother and The Holding Company. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>Get Out of My Life, Woman </b></i>es uno de los estándares del rhythm and blues más versionados de la historia y que tuvo un especial cariño entre las bandas psicodélicas gringas, destacando especialmente a Iron Butterfly, quienes versionaron la canción en su debut <i>Heavy</i> de 1968, y aquí The Conqueroo hicieron otra versión, que suena más a rock ácido blueseado. Esta canción fue grabada en el mismo concierto que la anterior. Espléndido.</div><div><br /></div><div><i><b>I Think About It</b></i> se supone que fue grabada en vivo en el Vulcan Gas Company en 1967 o 1968, aunque curiosamente, tiene una mejor calidad de sonido que las anteriores. Aquí el grupo aún no sonaba tan sanfranciscano y más bien sonaba a un típico grupo texano de garage rock psicodélico, aunque con un énfasis mayor en la guitarra que otros de sus contemporáneos. Excelente cierre.</div><div><br /></div><div>En una carpeta extra puse las versiones del sencillo de Junio de 1968 para Sonobeat Records de <i><b>I've Got Time</b></i> y <i><b>1 to 3</b></i>, que según están grabadas en vivo en el Vulcan Gas Company, pero en realidad ese recinto simplemente fue usado como estudio temporal para grabar este sencillo, de ahí que la calidad de sonido sea muy superior a la de las versiones del LP. También cabe destacar que son versiones mucho más cortas que las presentes en el LP, que esas definitivamente sí fueron grabadas en vivo, de ahí que la calidad de sonido deje tanto que desear.</div><div><br /></div><div>Aunque sea un disco un tanto inconsistente en general, ya que se trata de una recopilación construida desde distintas fuentes y por lo tanto, la calidad de audio varíe muchísimo, las canciones en general son excelentes y la interpretación del grupo es enérgica y llena de vida, aunque eso sí, me atrevo a decir que en las cuestiones creativas no lograron estar al mismo nivel que los 13th Floor Elevators o que los grupos sanfranciscanos de la época, no obstante, <i>From The Vulcan Gas Co.</i> es un documento muy interesante y totalmente recomendado para los fanáticos de la psicodelia gringa.</div><div><br /></div><div><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/c9scf" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEeRAHJbNLolpoJTIrRI6otDYeSvnKy4LqqzytDyezexRP391fNkuHiAsb6YaeBaric-PjP9d7sMM4X84s0qfkYyZH7K1RHnABTahmUzv0m8KvbrFpywVWADI_PW_drsu0XPZOeJucwrwBdw6IHtD4oON7vsDTG8xgVoW_3d7tW3Ap3XusV3_8JPvrAikB/s2848/xHOckJA.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2288" data-original-width="2848" height="321" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEeRAHJbNLolpoJTIrRI6otDYeSvnKy4LqqzytDyezexRP391fNkuHiAsb6YaeBaric-PjP9d7sMM4X84s0qfkYyZH7K1RHnABTahmUzv0m8KvbrFpywVWADI_PW_drsu0XPZOeJucwrwBdw6IHtD4oON7vsDTG8xgVoW_3d7tW3Ap3XusV3_8JPvrAikB/w400-h321/xHOckJA.jpeg" width="400" /></a></div></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-15990492029834619152023-12-14T10:37:00.002-06:002023-12-14T11:26:20.870-06:00H.P. Lovecraft - Dreams In The Witch House: The Complete Philips Recordings (2005)<div style="text-align: center;"> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0L9scB2yBuVkqRia0dZbJC9mJpsLDt2S4ERE8c36CT-yC7y-dw78LPsOkEuCutCp6evfCdkW99gZ6vYpcQF-MOJhTqEsUv2jXc2bSC6qD8_VP4e4oRwh36BBumGs43VZ5KmpFi3Yyz2cBeIrkq06woFDXUYshIufo5jfs5aXX9hFJh9JeAy2Cl3ydCEi5/s1435/HP%20Lovecraft%20-%20Front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1413" data-original-width="1435" height="394" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0L9scB2yBuVkqRia0dZbJC9mJpsLDt2S4ERE8c36CT-yC7y-dw78LPsOkEuCutCp6evfCdkW99gZ6vYpcQF-MOJhTqEsUv2jXc2bSC6qD8_VP4e4oRwh36BBumGs43VZ5KmpFi3Yyz2cBeIrkq06woFDXUYshIufo5jfs5aXX9hFJh9JeAy2Cl3ydCEi5/w400-h394/HP%20Lovecraft%20-%20Front.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: center;"><div>Muy buenas tengan todos ustedes, ya ha pasado más de un año que no he publicado nada tanto por la versión original de Blogger como por la extensión de Wix y lamentablemente las circunstancias jugaron más en mi contra que a mi favor y es que por un lado, no pude encontrar la inspiración para ponerme a escribir algo bueno, aunque lo intenté varias veces, siempre con resultados a medio hacer y que no me terminaban de convencer, igualmente a principios de año, mi viejo disco duro dejó de funcionar, por lo que perdí mucha música que hasta la fecha no he podido recuperar del todo, y eso también hizo que el tiempo que solía invertir en escuchar música se redujera considerablemente, además de que con el fin de la pandemia, he tenido la oportunidad de salir más a menudo y eso me ha restado tiempo, pero por si no fuera poco, mi computadora que compré justo antes de que el COVID-19 llegara a México, empezó a fallar y eso se debió a la tarjeta base, cosa que me costará algo de dinero arreglar, ya que las tarjetas base no son precisamente muy baratas que digamos, pero al menos es algo que se puede cambiar, por lo que tengo que usar una MacBook vieja y desactualizada de mi mamá, que sí, a pesar de que me ha complicado ciertas cosas, pues es lo que tengo y con esto estoy trabajando, por lo que a pesar de todo lo que podría tener en contra mía, tendré que ingeniármelas para poder actualizar el blog de manera más constante.</div><div><br /></div><div>Los orígenes de H.P. Lovecraft datan desde 1966, cuando el cantante de folk George Edwards fungía como uno de los cantantes de sesión de la disquera Dunwich, Edwards ya tenía experiencia al ser un trovador bastante nómada al estar rondando por Chicago, California y Florida, y ya había tenido al menos un sencillo que no tuvo ningún éxito, no obstante, grabó un nuevo sencillo con los músicos del grupo de garage rock local The Rovin' Kind y además de todo se le unió su viejo amigo Dave Michaels, un cantante entrenado en bel canto con un poderoso rango de 4 octavas y registro de tenor lírico ligero, a quien conoció mientras tocaba en un trío de jazz y lounge que tocaba en un Holiday Inn de Chicago.</div><div><br /></div><div>El sencillo salió bajo el alias de H.P. Lovecraft en lugar de salir como un sencillo de George Edwards, gracias a que los dueños de la disquera eran admiradores incondicionales del trabajo del escritor de terror Howard Phillips Lovecraft e incluso la disquera Dunwich se llamó así gracias a un cuento de Lovecraft. Edwards y Michaels, entusiasmados por el nombre y porque la familia del escritor autorizó que lo usaran, decidieron formar una banda estable con el nombre y en Marzo de 1967 hicieron las audiciones para reclutar a los miembros, que resultó en el reclutamiento del guitarrista Tony Cavallari, el baterista Mike Tegza y el bajista Tom Skidmore, quien no duró mucho en la alineación y fue sustituido por Jerry McGeorge, quien había sido uno de los guitarristas del grupo de garage rock los Shadows of Knight, por lo que pronto, con George Edwards y Dave Michaels como las fuerzas creativas del grupo, empezaron a desarrollar una mezcla de folk rock con psicodelia, con un repertorio que consistía en composiciones originales y refritos de canciones tradicionales de folk. El sonido de la banda estaba marcado por las armonías vocales de George y Dave, quienes hacían un trabajo que recordaba al de Jefferson Airplane, así como también su folk rock psicodélico recordaba a aquella banda sanfranciscana y fue a mediados de 1967 cuando entraron al estudio a grabar su primer disco de larga duración, que llevaba un título homónimo y salió al mercado hasta Octubre de ese año, y aunque el disco no tuvo gran éxito en las listas de popularidad nacionales o internacionales, sí logró bastante popularidad en Chicago, San Francisco y Los Ángeles, al punto que H.P. Lovecraft tuvieron que hacer una gira por la costa oeste y pronto se convirtieron en uno de los grupos preferidos de los hippies californianos.</div><div><br /></div><div>Una vez bien consolidados como un grupo relativamente popular en la costa oeste de Estados Unidos, también tuvieron que hacer una gira por la costa este, tocando en el Boston Tea Party de Boston, el Electric Factory de Filadelfia y el Café Au Go Go de Nueva York, donde alternaron con Blood, Sweat and Tears. Al cumplir con las giras, se reestablecieron en Marin County, California en Febrero del 68 y pronto tuvieron que seguir tocando en el Fillmore y el Winterland con Traffic, así como también en el coliseo Utah State Fairgrounds de Salt Lake City con los Youngbloods y Buffalo Springfield, en el Whisky A Go-Go con Colors y en Palm Springs con la banda de blues de James Cotton.</div><div><br /></div><div>Después de 8 semanas de haberse mudado a California, Jerry McGeorge se salió del grupo y apareció con ellos por última vez en sus conciertos en el Kaleidoscope de Los Ángeles en los días del 12 al 14 de Abril del 68 y en su lugar entró el bajista Jeffrey Boyan, quien había estado en otra banda de su natal Chicago, Illinois llamada Saturday's Children y eso sirvió como un gran cambio, ya que Boyan era un bajista mucho más completo que McGeorge y además también cantaba, y así H.P. Lovecraft logró alternar con grupos como Jefferson Airplane, y la magia de esta alineación logró capturarse por primera vez en el disco en vivo Live May 11, 1968 que salió hasta 1991 por Sundazed en Estados Unidos y Edsel en Inglaterra.</div><div><br /></div><div>En Junio de 1968 fue hora de grabar un nuevo álbum y para eso se trasladaron a Los Ángeles, para grabarlo en los estudios I.D. Sound, la producción del disco estuvo a cargo de su representante George Badonsky y la ingeniería por el británico Chris Huston, quien fue parte fundamental para el disco, ya que la banda había estado extremadamente ocupada en las giras y no tenían material nuevo para grabar, por lo que Huston les ayudó a componer e improvisar en el estudio, así como también fue quien añadió los efectos psicodélicos al disco, y así el grupo pudo completar <i>H.P. Lovecraft II</i>, salido en Septiembre del 68, disco que mostró una expansión creativa del grupo, no obstante, el disco volvió a tener ventas muy bajas como para entrar en las listas nacionales y eso provocó que Dave Michaels se saliera del grupo a fines de ese año y finalmente H.P. Lovecraft se separaran definitivamente en Enero de 1969.</div><div><br /></div><div>Michael Tegza se fue a tocar con Bangor Flying Circus, grupo con el que logró sacar un disco en 1969 y luego se reunió con George Edwards, quien había vuelto a ser un trovador y además, ya tocaba con su nombre real, Ethan Kenning, y formaron a Lovecraft, quienes sacaron un solo disco en ese año titulado <i>The Valley of The Moon</i>, el cual, suena a una psicodelia más estándar y menos compleja que la de H.P. Lovecraft, además de tener las típicas tendencias al funk y al country rock de la época. Tegza volvería a formar una nueva versión del grupo llamada Love Craft, que sacó un disco en 1976 y esta versión tocaría funk. Igualmente George y Dave se suelen juntar a menudo para tocar juntos.</div><div><br /></div><div><i>Dreams In The Witch House: The Complete Philips Recordings</i> es una recopilación editada por Rev-Ola en el 2005, la cual recopila todas las grabaciones del legendario grupo chicagüense para Dunwich Records, incluyendo el sencillo que grabó George Edwards en 1966 bajo el pseudónimo de H.P. Lovecraft y los dos álbumes lanzados en 1967 y 1968 respectivamente.</div><div><br /></div><div>El disco abre con <i><b>Wayfaring Stranger</b></i>, una canción tradicional de Estados Unidos que data del siglo 19, sobre un alma quejumbrosa hablando sobre su vida, el autor de la letra en Inglés es completamente desconocido, no obstante la melodía data de 1666 y fue compuesta en Alemania con el nombre de <i><b>Ich bin ja nur ein Gast auf Erden</b></i> y su letra original estaba basada en los salmos 39:12 y 119:19 de la Biblia. La letra en Inglés (<i><b>Wayfaring Stranger</b></i>) fue publicada por primera vez en 1858 en una colección de himnos y canciones espirituales de Estados Unidos hecha por Joseph Bever, y un dato curioso es que <i><b>Wayfaring Stranger</b></i> fue conocida como "<i><b>el himno de la prisión Libby</b></i>", ya que un soldado agonizante prisionero en Libby, escribió la letra en la pared de su celda. Por otro lado, la música es folk rock psicodélico, muy similar a lo que ya hacían Jefferson Airplane. Temazo.</div><div><br /></div><div><i><b>Let's Get Together</b></i> es uno de esos himnos hippies de toda la vida... Al menos para los gringos, ya que en México no pegó, pero como sea, Let's Get Together ha sido versionada cientos de veces, pero podemos destacar entre sus versiones a las de los Youngbloods, The Yankee Dollar, los Dave Clark Five, los We Five, Jefferson Airplane, la de su autor Dino Valenti y la de H.P. Lovecraft, quienes grabaron una versión más alegre y con una instrumentación más compleja al incluir flauta, órgano Farfisa y la típica instrumentación de rock, así como las armonías vocales de Edwards y Michaels. Excelente.</div><div><br /></div><div><i><b>I've Been Wrong Before</b></i> es otro cover, esta vez de Randy Newman y está hecho en clave de una refinada y pausada psicodelia que incluye flauta dulce, órgano y un final con timbales, además de las exquisitas armonías vocales. No dudaría que esta fuese una influencia importante en los Spiders. Extraordinaria.</div><div><br /></div><div><i><b>Drifter</b></i> vuelve a sonar a Jefferson Airplane, es decir, es un tema más rocanrolero y enérgico que los anteriores, que además incluye más adornos de guitarra y las armonías vocales recuerdan todavía más a las de Grace Slick, Marty Balin y Paul Kantner, y lo mismo se podría decir de <i><b>The Bag I'm In</b></i>, que cabría destacar que ambas canciones son refritos de los cantantes de folk Travis Edmonson y Fred Neil, admirados por George Edwards y Dave Michaels. Temazos.</div><div><br /></div><div><i><b>The White Ship</b></i> es probablemente la obra maestra del debut y una de las obras más acabadas del grupo, por lo que no es de sorprenderse que esta fuese la canción que cautivó a los hippies californianos en el otoño de 1967, pues se trata de una canción basada en el cuento corto <i><b>el Barco Blanco</b></i> del escritor H.P. Lovecraft y que musicalmente es una exquisitez sonora, pues se trata de un tema compuesto a ritmo de bolero español y lleno de barroquismo, con una rica instrumentación que incluye campanas, órgano, un drone de feedback guitarrero, clarinete y clavicordio, además de las acostumbradas armonías vocales de George y Dave que son oro molido, poniendo a H.P. Lovecraft en el nivel de cualquiera de los grandes grupos de San Francisco y de Boston.</div><div><br /></div><div><i><b>Country Boy & Bleeker Street</b></i> es otro refrito de Fred Neil y que vuelve al rock ácido guitarrero de Jefferson Airplane, aunque esta vez me recuerda más al <i>After Bathing At Baxter's</i> que al <i>Surrealistic Pillow</i> o el <i>Takes Off</i>. Temazo, especialmente por las armonías vocales.</div><div><br /></div><div><i><b>The Time Machine</b></i> es un vaudeville psicodélico con Dave Michaels en la voz principal, la música en general me recuerda a muchas bandas de la época, entre ellas a The United States of America, los Beatles, los Animals, The Freeborne y a Mount Rushmore, quienes grabaron temas de corte similar. Espléndido.</div><div><br /></div><div><i><b>That's How Much I Love You, Baby (More or Less)</b></i> es otro refinado tema de suave psicodelia jazzeada, en el que de nuevo noto ecos de The Freeborne, quienes también tenían mucha influencia del jazz. Extraordinario.</div><div><br /></div><div><i><b>Gloria Patria</b></i> es básicamente un canto gregoriano en Latín y de nuevo, el grupo muestra sus capacidades tanto vocales como musicales, estando por encima del promedio. Excelente cierre.</div><div><br /></div><div><i>H.P. Lovecraft II</i> abre con <i><b>Spin, Spin</b></i>, un tema del cantautor de folk Terry Callier, que parece una combinación entre Jefferson Airplane y Sixto Rodriguez pero con mayor finura por su instrumentación que incluye piano y arreglos de cuerda a cargo de Dave Michaels. Espléndido.</div><div><br /></div><div><i><b>It's About Time</b></i> es otro tema de Terry Callier y al igual que el anterior, el sonido de Jefferson Airplane sigue presente, pero esta vez se hace mucho más complejo y con reminiscencias del Pink Floyd de Syd Barrett (<i><b>Interstellar Overdrive</b></i>) y de los largos jams de Quicksilver Messenger Service (<i><b>The Fool</b></i>, <i><b>Calvary</b></i>), así como también hay arreglos de cuerdas que también recuerdan a los Moody Blues y a The Mandrake Memorial, además de efectos electrónicos, mostrando que el grupo podía hacer cosas bastante complejas pero bien hechas, sin caer en los excesos incoherentes en los que ocasionalmente podían caer grupos como Vanilla Fudge o algunos grupos británicos de rock progresivo. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>Blue Jack o' Diamonds</b></i> es folk psicodélico de la autoría del nuevo bajista Jeff Boyan, quien reusltó ser un excelente bajista, un buen cantante y un excelente compositor también, la canción tiene reminiscencias medievales y un excelente solo de clarinete tocado por Dave Michaels. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>Electrallentando</b></i> es una composición de George Edwards, pero esta vez tiene un caracter más experimental y psicodélico, aunque conservando sus raíces en el folk, por lo que este tema es mayormente acústico, con excepción de los arreglos de órgano, piano, e igualmente tiene campanas tubulares de cristal, timbales y está lleno de efectos psicodélicos que recuerdan a las mejores obras de Ultimate Spinach. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>At The Mountains of Madness</b></i> probablemente sea una de las pocas y primerizas obras del space rock gringo junto con <i><b>May The Circle Remain Unbroken</b></i> de los 13th Floor Elevators, lanzada un año después, además de mostrar una notoria influencia de Syd Barrett (<i><b>Interstellar Overdrive</b></i>, <i><b>Astronomy Domine</b></i>) y del material más psicodélico de Jefferson Airplane (<i><b>The House at Pooneil's Corners</b></i>) con el extenso uso del feedback guitarrero por parte de Tony Cavallari y de los efectos psicodélicos por parte de Chris Huson, igualmente las armonías vocales suenan mejor que nunca y la batería es toda una chingonería. Una obra maestra sin dudarlo y una de las piezas más psicodélicas de toda la historia.</div><div><br /></div><div><i><b>Moebius Trip</b></i> es probablemente la canción que más recuerda al debut, por su fina y sofisticada tendencia jazzística que recuerda a <i><b>That's How Much I Love You, Babe (More or Less)</b></i>, aunque con la diferencia de que suena mucho más psicodélica gracias a Chris Huson. Temazo.</div><div><br /></div><div><i><b>High Flying Bird</b></i> es un clásico sesentero que fue versionado infinidad de veces, pero las versiones que más destaco son las de Ill Wind, Jefferson Airplane, los Wizards from Kansas y la de H.P. Lovecraft, la cual está a cargo de Jeff Boyan en la voz principal, demostrando de nuevo que es un muy buen cantante. Temazo.</div><div><br /></div><div><i><b>Nothing's Boy</b></i> es una pieza experimental y terrorífica muy corta que da paso a <i><b>Keeper of The Keys</b></i>, una canción del dúo de folk rock Brewer & Shipley, la cual está tocada a modo de un medio tiempo muy contundente y aquí Dave Michael es el cantante principal. Temazo y un excelente cierre.</div><div><br /></div><div>De temas extra tenemos el primer sencillo lanzado con el nombre de H.P. Lovecraft, que está lejos de sonar psicodélico, pero definitivamente son canciones de folk rock de muy alto calibre y que ya muestran chispazos de lo que se convertiría el grupo posteriormente, igualmente viene las versiones del sencillo de <i><b>The White Ship</b></i> y <i><b>Keeper of The Keys</b></i>.</div><div><br /></div><div><i>H.P. Lovecraft</i> es un discazo que a pesar de que por momentos suena mucho a Jefferson Airplane al punto de sonar como una copia, lo que irónicamente, los hace más originales de lo que muchos podrían pensar -lo que realmente es la "originalidad" es aquello que se apega a sus orígenes y H.P. Lovecraft definitivamente suenan como Jefferson Airplane, e incluso Dave Michaels tiene un registro muy andrógino que notoriamente suena como Grace Slick por momentos-, es un disco excelente en general y un excelente comienzo para una de las bandas psicodélicas más importantes de Estados Unidos, no obstante, la obra maestra del grupo es su segundo disco, <i>H.P. Lovecraft II</i>, por su experimentalidad y por la calidad de las canciones que definitivamente fueron un avance creativo importante para la banda, creando así uno de los mejores discos psicodélicos de la historia, igualmente cabe destacar que en este segundo disco, Dave Michaels ya no suena tanto a Grace Slick, por lo que ambos están completamente recomendados.</div><div><br /></div><div><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/cvbre" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLRxxyIcpD0jTH1qa59LtHxb4lWeTwJNwlR7qM-fpDJlCcKgEgpAfHfpJGmzpSbkZIzR2x6V4q17x9qr7SuJM-emKytE0GxLsvr5f-c-u79y9tB_HShlSMXP1PHc6wl-JQW8gD_xFPqtJOFm3yjnGYRFLvtw10sklc_YyLHilVpZjk0LDfNMw6vm4kTAsc/s800/02.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="488" data-original-width="800" height="302" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLRxxyIcpD0jTH1qa59LtHxb4lWeTwJNwlR7qM-fpDJlCcKgEgpAfHfpJGmzpSbkZIzR2x6V4q17x9qr7SuJM-emKytE0GxLsvr5f-c-u79y9tB_HShlSMXP1PHc6wl-JQW8gD_xFPqtJOFm3yjnGYRFLvtw10sklc_YyLHilVpZjk0LDfNMw6vm4kTAsc/w497-h302/02.jpeg" width="497" /></a></div></div></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-62762998238964415822023-12-13T01:01:00.001-06:002023-12-13T01:01:24.161-06:00OutsideInside Music en Telegram<div style="text-align: center;">Hace unos días, Uloz, el sitio donde estaban almacenados algunos de los discos publicados por aquí, quedó completamente privatizado gracias al paquete de la Ley de Servicios Digitales de la Unión Europea, que con la excusa de que busca proteger a los usuarios, no es más que la misma cruzada de siempre de los imperios del mal -las corporaciones- en contra de la piratería, que como deberíamos tener en claro: la piratería es una forma de comunismo y en donde se encuentra uno de los potenciales para abolir tanto al capitalismo como a su esquema corporativo/neofeudal y el hecho de que las corporaciones sean en la actualidad feudos digitales, la piratería es aquello que los señores feudales digitales van a querer abolir a toda costa.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">La cruzada contra la piratería no es nueva y empezó con la modernidad misma, cuando se crearon mañosamente las leyes de "propiedad intelectual" y "derechos de autor", que lejos de haberse creado para realmente proteger el trabajo intelectual, más bien se crearon con un fin coercitivo, es decir, de censurar a las voces críticas a cambio de "protección", no obstante, la piratería encontró una forma de hacerse y distribuirse con el surgimiento de los "bootlegs", que generalmente eran grabaciones inéditas o en vivo de grupos populares que no estaban oficialmente disponibles, igualmente en la URSS, existieron los discos grabados en radiografías, como forma de escuchar lo que venía del occidente ante el veto del gobierno a la música occidental, pero la cosa no termina ahí, con la era digital, la piratería encontró la forma de distribuirse de manera mucho más general, ya fuese con el CD o por vía del Internet, de ahí empezaron a surgir las primeras plataformas P2P, entre ellas Napster, que se vió envuelta en una enorme polémica gracias a la desafortunada demanda de Mierdallica hacia la plataforma por haber filtrado un demo de una canción suya y así, Lars Ulrich quedó como un idiota útil de las corporaciones y su cacería de brujas, después el tipo tuvo que retractarse y ver con mejores ojos a las descargas gratuitas de música, pero el daño ya estaba hecho.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Desde finales del 2011, se habló sobre un proyecto de ley llamado Stop Online Piracy Act o más conocido como SOPA, que a pesar de que fue rechazado en el Congreso de Estados Unidos, sí trajo consecuencias catastróficas para la piratería en Internet y es que en Enero del 2012, el FBI cerró Megaupload y gracias a esto, muchos sitios como FileServe, FileSonic, Hotfile, entre otros, también tuvieron que cerrar sus puertas, por lo que inevitablemente, muchos blogs también desaparecieron, ya fuese porque el gobierno gringo los denunció para que los cerraran o porque muchos vieron a los blogs como algo inviable frente a la censura impuesta por el congreso gringo, y esto está lejos de terminar, pues dos trampas que tuvieron que hacer muchos sitios de alojamiento de archivos fue convertirse en almacenamientos en la "nube" y por lo tanto, tuvieron que adoptar un esquema feudal para que los usuarios tengan que pagar con el fin de tener mayor espacio y de que sus archivos no sean borrados en un límite de tiempo, y la otra que hicieron fue crear a las plataformas de streaming como Spotify, Deezer, Tidal, Amazon Music, Apple Music y demás, en donde también existe un esquema feudal de tener que pagar una renta mensual por disfrutar de sus servicios de mierda.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">OutsideInside Music se las ha visto negras desde ese invierno del 2012, ha cambiado una infinidad de veces de sitios de alojamiento, y otra vez se repite la misma historia, por lo que he tenido que buscar nuevos sitios, y a pesar de que he encontrado unos cuantos, la incertidumbre sobre si esos sitios van a mantenerse activos y si no sucumben a la presión de las corporaciones y las industrias sigue intacta, por lo que he decidido abrir un canal de Telegram y ahí he empezado a compartir contenido, no obstante, para poder bajarlo, van a tener que registrarse en Telegram, descargar la aplicación en sus respectivos y después unirse al canal para recibir las actualizaciones, ya que en estos días estaré subiendo bastante contenido.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://t.me/+t5scqDamMA03YzBh" target="_blank">Unirse al canal de Telegram</a></span></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-14887719221337482102022-11-22T02:23:00.003-06:002022-11-22T03:14:21.673-06:00Quicksilver Messenger Service - Quicksilver Messenger Service (1968)<div style="text-align: center;"> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipiWU2vXX0yuISnX4ZVMWgrXK5ce1fqTQ4i_ocUaCmrf0WDn9d1zK7vXHpIIVU9KAOb4uESJOlLgMb_PyRJ-HtdYSlYfg_5P-B3JwrVrqHTPGdwTvYKuL1YRMpRsw5cOjcPMTiWcVlALeyTKbxb2gg3nF12QvB6iR-i-Psz8Vvk-ksPbHr95ojhre1_A/s1452/Quicksilver%20Messenger%20Service.front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1404" data-original-width="1452" height="386" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipiWU2vXX0yuISnX4ZVMWgrXK5ce1fqTQ4i_ocUaCmrf0WDn9d1zK7vXHpIIVU9KAOb4uESJOlLgMb_PyRJ-HtdYSlYfg_5P-B3JwrVrqHTPGdwTvYKuL1YRMpRsw5cOjcPMTiWcVlALeyTKbxb2gg3nF12QvB6iR-i-Psz8Vvk-ksPbHr95ojhre1_A/w400-h386/Quicksilver%20Messenger%20Service.front.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: center;">Muy buenos días tengan, camaradas, antes de empezar la reseña, debo avisarles que he decidido inaugurar una extensión en <a href="https://humbertogillan94.wixsite.com/outsideinsidemusic" target="_blank">Wix</a> de este blog, la cual estaré actualizando, si no me agarra la flojera, semanalmente y los posts que estén allá, también estarán aquí, ya que este blog tiene bastantes años funcionando y pues siendo que ustedes ya están familiarizados con esta versión de Blogger, pues por ahora lo manejaré así, ya después, posiblemente empiece a publicar otras cosas allá y otras acá, aunque no estoy tan seguro, ya que le veo mucho potencial a Wix, ya que me está pareciendo que su interfaz es igual de amigable que la de Blogger, pero tiene bastantes más y mejores funciones, lo que me está empujando a seguir con Wix, no obstante, con lo que sí tengo dudas es de volver a activar la versión de Wordpress, por su interfaz asquerosamente compleja y su nula flexibilidad en cuanto al diseño de las plantillas, pero si gustan que vuelva, díganmelo en los comentarios.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Sin más que agregar por el momento, comencemos:</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><div>Antes de pasar a la historia del grupo, debo platicarles cómo es que descubrí a Quicksilver Messenger Service y resulta ser que la primera vez que escuché algo de su música fue por allá en el 2008, cuando compré un DVD recopilatorio en el tianguis de Tepito de puros grupos californianos, el cual recuerdo que tenía una bonita portada psicodélica y ahí venían un par de canciones de Quicksilver en directo, grabadas en Julio de 1971, cuando el Fillmore West cerró sus puertas para siempre, y esta alineación NO era la clásica, sino una de las alineaciones que encabezaban el guitarrista Gary Duncan y el cantautor Dino Valenti, no obstante, les perdí la pista, aunque no se me olvidaba el nombre del grupo, porque lo solía ver mencionado en posters psicodélicos y en la bibliografía especializada en rock, y fue hasta fines del verano del 2010, cuando opté por buscar sus discos en estudio y la verdad es que no tenía ni la menor idea de qué me iba a encontrar en sus discos, yo lo único que sabía es que Quicksilver Messenger Service era uno de los grupos especializados en el rock psicodélico, particularmente en su variante más viajada y enfocada en los jams, bautizada por el gran Ken Kesey y sus Merry Pranksters como "rock ácido", y desde ese preciso instante que escuché sus primeros dos discos, me empecé a volver fan del grupo y es que uno de los motivos por los que encontré tan fácil escuchar su música era porque ya tenía una buena experiencia escuchando a grupos mexicanos como la Revolución de Emiliano Zapata, el Ritual y los Dug Dug's, que en algún momento, hicieron material de corte similar al de Quicksilver y un tema que particularmente me atrapó fue <i><b>The Fool</b></i>, jam de más de 12 minutos del que ya hablaremos más adelante.</div><div><br /></div><div>En Febrero de 1964, un acontecimiento que cambiaría para siempre el curso de la música popular fue que los Beatles se presentaran en el show de Ed Sullivan en Nueva York, Estados Unidos y los jóvenes músicos gringos que apenas estaban llevando a flote sus carreras solistas como cantautores de folk acústico al tocar en mítines y en universidades de corte izquierdista, enseguida sintieron como los Beatles cambiaron las coordenadas de la música popular, como si se tratara de una especie de repetición de la revolución de Octubre y dos de estos jóvenes músicos -los cuales no se conocían, al parecer- que enseguida entendieron que el futuro estaba en el rock fueron Chet Powers (alias: Dino Valenti) y David Freiberg, y fue Dino Valenti, oriundo de Chicago, Illinois, que al haber estado activo en San Francisco, California, se hizo amigo de un joven guitarrista que llevaba años en el mundo del rock, pero que no la había podido hacer y tenía que vivir en un coche destartalado en el que vendía collares artesanales creados por él mismo, su nombre: John Cipollina, y la idea que Dino tenía en mente cuando formó el grupo era que iba a ser un grupo de rock con guitarras inalámbricas diseñadas para sostener las guitarras, mientras que también iban a tener toda una sección rítmica conformada por mujeres vestidas como indias, cosa que le interesó no solo a John, sino que también a Skip Spence (quien después se convertiría en el primer baterista de Jefferson Airplane y en uno de los guitarristas de Moby Grape), al cantautor David Freiberg y al guitarrista Gary Duncan -quien había estado en el grupo de garage rock The Brogues-, sin embargo, al día siguiente de comentarle la idea a John Cipollina, Dino fue arrestado por posesión de marihuana y la alineación de ese grupo apenas estaba tomando forma cuando Skip Spence y David Freiberg -un viejo amigo de Dino- se unieron y poco después también se uniría Gary Duncan, no obstante, al grupo le faltaba un baterista y por recomendación de Marty Balin, quien era dueño de The Matrix, el club donde ensayaban, le sugirió a Skip Spence pasarse a la batería, aunque al parecer, no duró mucho tiempo como baterista y fue suplido por Greg Elmore -un viejo compañero de Gary Duncan en The Brogues- y pronto también se uniría el guitarrista rítmico Jim Murray -un viejo conocido de John Cipollina-, por lo que la alineación original de Quicksilver Messenger Service quedaría bien formada y el grupo debutaría en Diciembre de ese mismo año en la fiesta de navidad del grupo de comedia The Committee, sin embargo, aún les faltaba algo: Tener un nombre y en una reunión surgió su peculiar nombre en un ejercicio creativo en el que se vió involucrada la astrología:</div><div><br /></div><div><h3><b>A Jim Murray y David Freiberg se les ocurrió el nombre. Yo y Freiberg habíamos nacido el mismo día (24 de Agosto), Gary y Greg habían nacido el mismo día (4 de Septiembre) y Murray era Géminis. Tanto los Virgo como los Géminis son regidos por Mercurio, y otro nombre de Mercurio (en Inglés) es "Quicksilver". Entonces, Mercurio es el mensajero de los dioses y Virgo es el sirviente, así que Freiberg dijo: «Oh, Quicksilver Messenger Service»</b></h3></div><div>-<i>John Cipollina</i></div><div><br /></div><div>Y así, Quicksilver Messenger Service se convirtió en uno de los grupos más populares y más importantes de la naciente escena de San Francisco, la cual se caracterizó por mezclar sus influencias provenientes del rock and roll, el blues, el folk y el jazz dentro de un contexto influenciado por la contracultura creada por los beatniks y el consumo de sustancias psicodélicas como el LSD y la marihuana, y entre sus exponentes más importantes, se encontraban también The Charlatans, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Moby Grape, Big Brother & The Holding Company, Country Joe & The Fish, entre otros, por lo que Quicksilver Messenger Service se volvió en uno de los grupos más recurrentes en los recién creados recintos musicales como el Carousel Ballroom (luego transformado al Fillmore West), el Avalon Ballroom, el Winterland y The Matrix, lugares en los que se acompañaba a la música del grupo con baile y con un show de luces psicodélicas, así como también la publicidad estaba basada en un Art Nouveau visto desde una perspectiva de los viajes de ácido, y tan importantes fueron, que los invitaron a tocar en el Festival Internacional de Pop de Monterey, celebrado en Junio de 1967, justo para darle la bienvenida al "Verano del Amor". En ese mismo año, Jim Murray decidió salirse del grupo para irse a la India a estudiar cítara, por lo que el grupo quedó reducido a cuarteto y algo que le faltaba a la banda para triunfar era un disco, por lo que se vieron finalmente obligados a firmar un contrato con Capitol Records y comenzarían a grabar lo que sería su primer álbum a fines de 1967, completándolo a principios de año y saliendo al mercado en la primavera de 1968, no obstante, el grupo ya había grabado un par de temas para el soundtrack de la película Revolution, el cual fue editado por United Artists.</div><div><br /></div><div>Se podría decir que <i>Quicksilver Messenger Service</i> es el arquetípico disco de rock ácido sanfranciscano, sin embargo, lo que lo hace distinto a otros discos de la misma escena es que mientras Jefferson Airplane y Big Brother & The Holding Company le apostaron a una versión más "domesticada" o "estandarizada" al adaptar sus canciones a la duración estándar y al escribir canciones con estribillos más o menos pegajosos que acercaban a ambos grupos al pop, así como Grateful Dead podían desenvolverse en unos jams de corte muy experimental y que podían acercarse a la música concreta por momentos, Quicksilver Messenger Service solían tener una muy marcada influencia del blues, el jazz y el flamenco, por lo que sus canciones están cubiertas con un aura mística y algo dramática que evocan siempre tanto a las películas del Spaghetti Western como a la arquitectura medieval española, todo esto bajo el influjo de las drogas psicodélicas, igualmente algo que debo mencionar es que los jams de Quicksilver Messenger Service, en comparación con los de Grateful Dead, estaban altamente planeados, es decir, eran casi composiciones.</div><div><br /></div><div>El disco abre con <i><b>Pride of Man</b></i>, una vieja canción de protesta del cantautor Hamilton Camp, que bajo sus metáforas de corte bíblico esconde un mensaje en contra de la guerra y las armas nucleares, y el hecho de que Quicksilver la incluyeran en su primer disco se remonta al hecho de que David Freiberg la solía tocar cuando él aún era un cantante de folk, y Quicksilver Messenger Service supieron darle un tratamiento psicodélico que curiosamente también incluye algunos discretos arreglos de metales muy en la línea de Electric Flag, las excelentes y dramáticas armonías vocales de David Freiberg (baritenor) y Gary Duncan (tenor dramático), la siempre precisa y cuadrada batería de Greg Elmore y por supuesto, la esplendorosa y lisérgica Gibson SG de John Cipollina. Temazo de pies a cabeza.</div><div><br /></div><div>Le sigue <i><b>Light Your Windows</b></i>, una composición propia de David y Gary, que sigue la misma tendencia de ese rock ácido de corte dramático que el corte anterior, aunque esta vez con más influencia del jazz, y de nuevo, todos los integrantes destacan en lo que mejor saben hacer. Espléndido.</div><div><br /></div><div><i><b>Dino's Song</b></i> es como dice el título, una composición de Dino Valenti (quien cabe mencionar, también fue el compositor del himno hippie <i><b>Let's Get Together</b></i>, versionado por una infinidad de grupos y artistas, entre ellos Jefferson Airplane, los Youngbloods y The Yankee Dollar) y es la canción que rompe con el dramatismo de las canciones anteriores y le trae una parte de alegría hippie algo popera al disco, que algo que me extraña es que no la eligieran como tema del primer sencillo del grupo, ya que curiosamente, suena bastante "comercial" y tenía todo para volverse como mínimo, un éxito mediano que pudo haber entrado a las listas de popularidad, pero bueno. Esta canción la interpretaron también en el Festival de Monterey en Junio de 1967, por lo que fue una excelente inclusión en el disco, teniendo en cuenta que tenía menos de un año que el grupo había estado en dicho festival. Excelente.</div><div><br /></div><div>Y por fin llegamos al primer jam del disco, <i><b>Gold and Silver</b></i>, que muestra a un Quicksilver en una faceta más jazzística e influenciada por Dave Brubeck y su icónica <i><b>Take Five</b></i>, aunque cabe destacar que tampoco se olvidan de su característico sello psicodélico y rocanrolero que queda patente en los solos de Gary Duncan y John Cipollina que van avanzando a lo largo de la canción, y es con este tema que dejan bien en claro el motivo por el que sus presentaciones en directo eran tan aclamadas y amadas por los hippies. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>It's Been Too Long</b></i> es de nuevo, rock ácido alegre con una estructura de blues, compuesto por el gran Nick Gravenites, aunque atribuida al representante del grupo Ron Polte por razones contractuales, en donde de nuevo, David Freiberg y Gary Duncan se lucen por sus armonías vocales, Greg Elmore por tocar siempre cuadrado y preciso y John Cipollina con sus arreglos y solos psicodélicos que lo posicionaron como uno de los mejores guitarristas de la escena sanfranciscana y también, como uno de los guitarristas de rock más injustamente olvidados de los 60's. Espléndido.</div><div><br /></div><div>Por fin hemos llegado al final del disco, que no podía cerrar de mejor manera que con un jam de más de 12 minutos que se titula <i><b>The Fool,</b></i> y es aquí donde Quicksilver nos muestran que no simplemente era grandes instrumentistas, sino, grandes improvisadores de una mentalidad altamente psicodélica que lograron mezclar de manera elegante y magistral, lo viajado y lo atmosférico con lo refinado, lo dramático, lo sesudo y lo épico, que curiosamente, esto último es la mejor descripción que encontré para esta magistral obra en la que convergen las influencias del flamenco y de los soundtracks de Ennio Morricone bajo la estética del rock ácido más guitarrero, el cual está comandado por las guitarras de Gary (primera parte) y John (segunda parte), así como también Greg Elmore demuestra ser capaz de hacer patrones rítmicos complejos pero siempre sólidos y precisos sin caer en excesos patéticos, así como también algo a destacar es que David suena muy arabesco en su interpretación vocal y por supuesto, no podemos olvidarnos de la rica instrumentación que tiene este tema, el cual incluye piano, guitarras acústicas, panderos, coros femeninos y un solo de viola tocado por David Freiberg. Y así finaliza uno de los mejores discos de los 60's, con una verdadera joya olvidada. Obra maestra de principio a fin.</div><div><br /></div><div>P.D. Algo que olvidé mencionar es que este disco había sido publicado por primera vez en el blog en Enero del 2011 junto a la mayor parte de la discografía del grupo, no obstante, esta es la primera vez que se publica este disco en un formato sin pérdidas por aquí.</div><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/cnl5y" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjR5Hd4FNi9iJwUo3w1Qums3wchzqEkeTe3QQOcR6pxXRU6AMP8ACbUoCJ8AMwo7jpJ47KSbdAZZlAwPR_Y1XFsB4qcCUTJ5xmt9Y43tPNyx6xnb552FM-kunk-s8JzNeOGkETQg2azstMHsXFcnHSWsk-Pv27MRCR3Bdfv4isMw2DI9rTOvhlBf9QwCA/s960/242065928_4826512620695637_339381008237275334_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="720" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjR5Hd4FNi9iJwUo3w1Qums3wchzqEkeTe3QQOcR6pxXRU6AMP8ACbUoCJ8AMwo7jpJ47KSbdAZZlAwPR_Y1XFsB4qcCUTJ5xmt9Y43tPNyx6xnb552FM-kunk-s8JzNeOGkETQg2azstMHsXFcnHSWsk-Pv27MRCR3Bdfv4isMw2DI9rTOvhlBf9QwCA/w300-h400/242065928_4826512620695637_339381008237275334_n.jpg" width="300" /></a></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-33132489322785972682022-09-21T02:41:00.021-05:002022-11-12T08:43:55.507-06:00Bob Smith - The Visit (1970)<div style="text-align: center;"> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6852a9CCIWiN3mE2w-uEFb0uoZ8-rXSI5SjsDpmcOAd-U9jQO3rfbz3QJZJUCxW7C9HI1N45E-H65kAh5gNPLaM-LSGhHLv796-4n41gqtksXXXirSgsckR8Ij0ghNNeMDgw31CA96ybiAD2LtFdAoQn7Ddidk2bpvTymWBP6WIJJWHPqkG2yftaiaw/s2866/Front%20Cover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2820" data-original-width="2866" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6852a9CCIWiN3mE2w-uEFb0uoZ8-rXSI5SjsDpmcOAd-U9jQO3rfbz3QJZJUCxW7C9HI1N45E-H65kAh5gNPLaM-LSGhHLv796-4n41gqtksXXXirSgsckR8Ij0ghNNeMDgw31CA96ybiAD2LtFdAoQn7Ddidk2bpvTymWBP6WIJJWHPqkG2yftaiaw/w431-h425/Front%20Cover.jpg" width="431" /></a></div><div style="text-align: center;">Muy buenas tardes tengan todos ustedes, antes de comenzar, quisiera hablar sobre el blog y el regreso que ocurrió hace 2 semanas, pues resultó ser que las visitas en el post de Farm no fueron las esperadas en la primera semana, sin embargo, eso no me hizo cambiar de planes con respecto a la actividad del blog, pues entiendo que el simple hecho de que estuvo inactivo durante 11 meses también influyó en ello, pero bueno, no es la primera vez que me ausento durante casi un año, de hecho, desde enero del 2012, cuando el gobierno gringo logró tirar a MegaUpload, la actividad del blog ha sido muy esporádica y errante, y el intento de regresar a la actividad del año pasado, terminó abruptamente el 9 de Octubre y eso hizo que muchos discos que tenía en mente para reseñarlos, quedaran pendientes de reseñar, por lo que el especial de los 50 años de Avándaro en realidad no ha terminado, aunque ahora ya no funcionará como especial, sino que iré publicando los discos posteriormente, ya que muchos de esos álbumes no los he vuelto a escuchar desde hace mucho tiempo y la forma tanto en la que escucho la música como en la que hago mis reseñas es muy distinta a la que tenía en mi adolescencia, pues en aquel entonces, en la época entre cuando inicié el blog en el 2009 y me retiré por un tiempo en el 2013, fueron años de mucho aprendizaje y producción de reseñas, pero lamentablemente me atrevo a decir que no fueron años de mucha calidad que digamos y es que en esa época de mi vida, la costumbre que tenía era la de descargar discos a lo bestia y hacer largas sesiones de escucha de discos, y esto me ayudó mucho, a que por ejemplo, durante el periodo que conformó de Agosto del 2010 a Abril del 2011, el blog tuviera su época más activa y prolífica, sin embargo, lo que critico de esa época es que a pesar de mis escuchar largas de música en la que solía escuchar como 6 discos al día y luego entre esos 6, podía elegir como 4 o 5, para subirlos en la noche y hacer, por lo general, unas reseñas que no solo pecaban por su brevedad, sino por la mala redacción y porque en aquel entonces solía tener opiniones bastante bobaliconas y poco informadas, esas escuchas no fueron lo suficientemente buenas, lamentablemente, pues a pesar de tener el tiempo y la paciencia para pasármela escuchando música sin parar, yo no tenía los recursos teóricos, críticos y de apreciación musical suficientes y también mi redacción era una porquería, no solo por las faltas ortográficas, sino porque además de que mis opiniones eran bastante elementables y subjetivistas, solía recurrir mucho al léxico y a la jerga de mi país (México) -más conocido como "Caliche" o "Caló"- por lo que era común encontrarse con leperadas y otras palabras por el estilo en mis reseñas, y por si no fuera poco, en aquel entonces, al ser un adolescente idiota, también fui demasiado influenciable por las opiniones de otros bloggeros y de la gente con la que me llevaba en aquel entonces, cosa que fue también desastrosa, porque lamentablemente tuve un periodo en el que mis reseñas fueron peores que nunca, ya que en ese momento particular (2011-12) fui muy influenciable por la gente con la que me juntaba, por lo que adquirí ciertas costumbres que fueron más que nada un detrimento creativo en mis reseñas y selección de discos para publicar, cosa que al final terminé agradeciendo, porque su influencia significó un obstáculo creativo y un breve momento de decadencia de este blog y eso hizo que terminara regresando a lo que había dejado inconcluso en el verano del 2011, y a pesar de que ahí fui produciendo cada vez menos reseñas e incluso decidí tomarme un descanso a finales de ese año (2013), mis reseñas empezaron a mejorar y para el 2014 cada vez eran mejores, porque estaban más documentadas y más pensadas y con el paso del tiempo, esas mejorías han ido mejorando también, pues dos cosas que me ayudaron muchísimo fueron que empecé a leer más filosofía -particularmente teoría crítica marxista/hegeliana y psicoanálisis lacaniano- y que empecé a juntarme con gente que pudo aclararme mis propias opiniones sobre la música, y estas mejorías pues también estuvieron acompañadas de cambios en mi vida que me impidieron estar escuchando música todo el tiempo y organizar mejor mis horas de sesiones de escucha de discos, igualmente, algo que sucedió fue que en este proceso tuve que escuchar la música con mucho más detenimiento y en este, hacer un mayor esfuerzo intelectual para entenderla, por lo que mis reseñas ya no pueden ser tan breves, por el contrario, tienen que ser largas y para eso no solo tengo que estar muy inspirado, sino que también es un constante combate conmigo mismo, porque siempre lo que busco es algo que me satisfasca y eso es bastante complicado, es por eso que me tengo que tardar con las reseñas, porque tengo que hacer unas escuchas detalladas y una reseña que me convenza.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Por otro lado, algo que tengo que avisarles es que el diseño del blog cambió otra vez, debido a que había tenido algunas quejas sobre el diseño anterior, que dicho sea de paso, precisamente lo hice con el fin de que los textos no se confundieran y fue por eso que el fondo, a pesar de ser psicodélico, era un fondo oscuro y el texto era blanco, pero aún así seguí recibiendo quejas, por lo que decidí poner un fondo con colores claros y el texto negro, con el fin de que las quejas pararan. Sin más que agregar, comencemos.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Antes de pasar a la parte biográfica y la reseña, quisiera hacer un comentario personal al respecto, y es que el simple hecho de querer hacer que este blog volviera a funcionar, me hizo tener que volver a revisar mi extensa colección de discos que tengo guardada en mi disco duro externo y mi computadora, por lo que me encontré con muchos álbumes que no había escuchado durante años, que tenía a medio escuchar, que no les había puesto la atención necesaria o que de plano no había escuchado para nada, y fue así, que por ejemplo, resurgió el disco de Farm, que fue un álbum que descubrí por allá en el 2013 y que me había gustado mucho por su estilo influenciado por Quicksilver Messenger Service, sin embargo, pasaron años que no lo volví a escuchar de nuevo y ahora en Julio, lo redescubrí, e igual, en Agosto y Septiembre redescubrí otros, como el debut de Moby Grape, una recopilación del grupo texano The Conqueroo y este disco de Bob Smith, el cual ya lo tenía localizado desde el 2012, si no mal recuerdo, sin embargo, nunca pude escucharlo completo, siempre había algo que me impedía hacerlo, por lo que el sábado, ya teniendo casi lista la reseña para la recopilación de The Conqueroo, me puse a escuchar <i>The Visit</i> una vez más y a pesar de que tampoco lo escuché completo, sino que solo escuché la mitad del álbum, quedé tan impresionado por la calidad de la música, que de última hora descarté a The Conqueroo y opté por Bob Smith, y debo decir que no es un disco tan fácil de reseñar, pues es un disco que requiere mucha atención y (aunque suene estúpidamente pretencioso esto que voy a decir) un esfuerzo intelectual importante, porque es un álbum con un material que vale muchísimo la pena de escucharse y ese es el motivo por el que me tardé un poco para publicar esto, así que sin más que decir al respecto, espero que lo disfruten mucho y ¡Buen provecho!</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><div>No hay gran información sobre Bob Smith, pero lo que sí sé, es que estuvo en numerosas agrupaciones angelinas, como The Lid, Silverskin y Laramie, aunque sin estar contento con ninguna de las bandas donde participó, decidió hacer este ambicioso proyecto solista en el que reclutó a los tecladistas Daryl "Captain Keyboard" Dragon -más conocido como "el Capitán" del grupo de pop setentero Captain and Tenille, el cual tendría algunos éxitos importantes- y Don Preston -este último, proveniente de los famosos Mothers of Invention de Frank Zappa-, al baterista John "Skip" Schneider -proveniente de Silverskin-, al bajista John Lantini, al percusionista James Curtis, al flautista Stan Keiser, al violinista Larry Chapman y al guitarrista rítmico Mike Degreve, todos ellos excelentes músicos que pudieron cumplir con lo que Bob necesitaba y así, durante 4 meses pudo por fin grabar todo lo que había estado componiendo durante 3 años consecutivos. Bob seguiría grabando demos que yo no he podido escuchar y se murió en el 2007, según Rate Your Music.</div><div><br /></div><div><i>The Visit</i> fue editado en Septiembre de 1970 por la disquera Kent, que dicho sea de paso, era una disquera dedicada exclusivamente al blues y es de ahí que se puede dar por hecho que ese fue el motivo por el que la producción de este álbum sonase tan lo-fi, pues en aquel entonces, las disqueras de blues y country de Estados Unidos, empezaron a abrir sus puertas a los grupos y/o músicos de rock, ya que vieron un potencial en entrar al mercado del rock al ver que grupos como los Doors, Jefferson Airplane, Cream, Hendrix, entre otros, estaban arrasando en las listas de popularidad y los jóvenes inspirados por estos grupos, formaban a los propios que también tocaban psicodelia, sin embargo, mientras que en las disqueras grandes como EMI, Capitol, RCA, Reprise, Atlantic, ABC, MGM, entre otras, tenían la última tecnología en sus estudios de grabación para grabar toda la música que pudieran, pero los estudios de grabación de blues y country, seguían teniendo una tecnología algo atrasada y los productores tampoco tenían mucha idea de cómo hacer un disco de rock, por lo que la mayor parte de los intentos de estas disqueras por hacer álbumes de rock, tuvieron una producción bastante lo-fi en comparación con las de las disqueras grandes y con las locales que se dedicaron al rock.</div><div><div><br /></div><div><i>The Visit</i> es un álbum ambicioso, novedoso, distintivo, creativo, melódico, cerebral, etéreo, atmosférico, cinematográfico, ecléctico y muy, pero muy psicodélico, en el que convergen de una manera única el rock ácido, el pop psicodélico, el pop barroco, el heavy psych, el folk psicodélico, el blues, el jazz, el rock "latino", la música tribal y el raga rock a través de una instrumentación muy poco usual para la psicodelia gringa, pues además de tener los típicos instrumentos de rock (guitarra, batería, bajo y órgano), hay vibráfono, sintetizador Moog, melotrón, congas, flauta, violín y cítara eléctrica, todo ello acompañado con la voz de tenor y la lisérgica guitarra de Bob Smith, cosas que no solo lo hacen estar adelantado a su tiempo en cierto sentido, sino que muestra que la ambición de Bob no era presumir de virtuosismo alguno, sino que todo aquí es usado como vehículo creativo y eso es lo que hace de <i>The Visit</i> una de las obras maestras perdidas de la psicodelia gringa.</div><div><br /></div><div>El disco comienza con <i><b>Please</b></i>, un tema que combina el estilo doorsiano con algunos tintes de heavy psych, pues por un lado tenemos un clavicémbalo muy a la Ray Manzarek, un batería que recuerda a John Densmore por su precisión jazzera y también la forma en la que canta aquí Bob Smith me suena un tanto morrisoniana, sin embargo, también retiene su propia identidad por medio de unos coros muy etéreos, casi celestiales y una guitarra que por momentos suena cercana al heavy psych por su inclusión de fuzz y wah-wah, aunque en el solo termina sonando más a los solos arpegiados de Robby Krieger. Por otro lado, a pesar de no ser la mejor canción del disco, es una excelente manera de abrirlo.</div><div><br /></div><div><i><b>Don't Tell Lady Tonight</b></i> tiene un comienzo muy a la Fifty Foot Hose o The United States of America pero no nos engañemos, pues se trata de un tema de heavy psych que combina partes más suaves con otras más pesadas y algunas partes más atmosféricas, así como un ácido solo de guitarra con fuzz y wah-wah que curiosamente me recuerda a Martin Weaver de Wicked Lady y Dark, aunque sin la parte depresiva de este, igualmente la voz de Bob Smith tiene aquí mucha reminiscencia de Arthur Lee. Excelente.</div><div><br /></div><div><i><b>Constructive Critique</b></i>, a pesar de sus bobalicones título y letra, musicalmente es un excelente tema que parece un cruce entre los enormes Ill Wind, los texanos Cold Sun y los neoyorkinos Banchee, pues por un lado tenemos ese sabor a la "costa oeste", lo atmosférico de texas y la parte alegre de Ill Wind que se nota particularmente en el solo, que me recuerda muchísimo al gran Ken Frankel. Temazo.</div><div><br /></div><div>Llega <i><b>Ocean Song</b></i>, un tema de jazz psicodélico pausado, místico, etéreo y atmosférico que incluye un bajo gordo, una batería muy sutil, una guitarra fuzzeada con reminiscencias kriegerianas, un vibráfono y poesía recitada por Bob Smith muy en plan Jim Morrison o Bob Bryden. La música es viajada, flotante y cinematográfica, acompañada de sonidos de olas. Por momentos, me pregunto si el supergrupo de grunge Mad Season no tomó influencia de Bob Smith en <i><b>Wake Up</b></i> de su único disco <i>Above</i> de 1996, ya que me suena mucho a él. Obra maestra.</div></div><div><br /></div><div><i><b>The Wishing Song</b></i> es un bello tema que comienza como una mística canción de folk psicodélico acústico que incluye la guitarra y voz de Bob, congas como percusión y un melotrón atmosférico y espacial que va acompañando toda la canción hasta que se convierte en un heavy psych que trae un bajo gordo, una batería bien firme y una guitarra con fuzz y wah-wah que suena como a un Mark Farner más cerebral y melódico, para finalmente regresar a la parte de folk y terminar abruptamente con una pequeña parte de órgano. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>Can You Jump Rope</b></i> es otra obra maestra, esta vez con un estilo de psicodelia medio jazzeada y medio latina que recuerda a los grandes Sweetwater que pronto pasa a una parte de corte medieval para regresar a lo anterior y así dar paso a un solo de guitarra de 12 cuerdas ultra-psicodélico que además incluye wah-wah. La instrumentación también esos coros celestiales, casi monásticos y una flauta omnipresente que definitivamente le da un sabor muy mexicano a la canción, pues precisamente recuerda a grupos como los Dug Dug's y el Ritual, y fue por eso y por tener esa finura durante toda la canción que el buen Adrián Acuario -hijo de Pablo Cáncer- me dijo que este tema bien pudo haber sido firmado por Armando Nava y no puedo estar más de acuerdo.</div><div><br /></div><div><i><b>Latter Days Matter</b></i> sigue ese estilo de rock ácido medio latinizado, aunque esta vez más "rockero" en un sentido más tradicional en cuanto a la instrumentación, pues aquí no hay instrumentos poco comunes, todo es con la instrumentación típica del rock, sin embargo, hay partes de jazz muy a la Quicksilver Messenger Service y una guitarra ultra-psicodélica que trae fuzz y leslie, una excelente combinación, debo decir y que definitivamente aumenta los aspectos psicodélicos de la canción. Excelente.</div><div><br /></div><div>Llega el tema más experimental del disco, <i><b>Indian Slumber</b></i> que suena entre música tribal, raga rock y psicodelia espacial muy en plan Syd Barrett -<i><b>Interstellar Overdrive</b></i>-, el cual incluye una percusión tribal, sintetizador Moog, guitarra eléctrica con wah-wah, vibráfono, cítara eléctrica y violín eléctrico distorsionado. La canción es muy cinematográfica y tiene reminiscencias del krautrock tipo Can, Agitation Free o Faust, pues más que sonar a la India o a algo reminiscente de la música tribal amerindia, más bien suena como si fuese un soundtrack de una película de ciencia-ficción situada en un planeta lejano que en su mayor parte es desértico pero hay una ciudad de extraterrestres tecnológicamente avanzados y si no me lo creen, tendrán que escuchar esto. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>Source You Blues</b></i> fue posiblemente el tema por el que aceptaron a Bob Smith en la disquera Kent, pues se trata de un blues psicodélico lento que parece un cruce entre el gran Otis Rush y The Fraternity of Man, pues por un lado tenemos la parte melódica y sentimental de Otis Rush, pero también lo ácido de The Fraternity of Man -<i><b>Blue Guitar</b></i>-, cosa que muestra que Bob no solo era un gran compositor psicodélico y vanguardista, sino que también era capaz de hacer canciones de corte más "tradicional" sin vampirizar, ni ridiculizar ese tipo de música y eso es de reconocerse, porque eso es también parte de la grandeza de un compositor.</div><div><br /></div><div><i><b>Sunlight Sweet</b></i> empieza como un blues psicodélico folkeado semi-acústico en el que hay una guitarra con slide y un reverb que le aumenta ese efecto lisérgico, igualmente las letras son de ese tipo, para luego convertirse en raga rock. Es una mezcla extraña incluso para su época, ya que nunca he oído a ningún otro grupo hacer una mezcla de estos dos subgéneros de esta manera y es por eso que esta canción es muy distintiva y peculiar, además de ser un experimento exitoso, incluso si no es la mejor canción del disco.</div><div><br /></div><div><i><b>Of She, Of Things</b></i> es pop psicodélico que raya con el folk rock que me recuerda un tanto al Da Capo de Love por su finura muy a la Arthur Lee y Bryan McLean, pero de nuevo, Bob lleva a esta canción más allá al introducir un solo de guitarra propio del heavy psych, cosa que hace de este tema algo muy interesante y peculiar. Espléndido.</div><div><br /></div><div><i><b>Mobeda Dandelions</b></i> es heavy psych funkeado que parece un cruce entre Grand Funk y los Dug Dug's en el que podemos encontrar un solo de guitarra ultra-psicodélico muy a la Gustavo Garayzar y una flauta que inmediatamente recuerda a la de Armando Nava. Si bien este tema no es tampoco el mejor el disco, es muy pegajoso y constrata perfectamente con la canción anterior. Temazo.</div><div><br /></div><div><i><b>The Path Does Have Forks</b></i> es otro bello tema en el que convergen de manera perfecta el folk psicodélico más dulce con flauta y el heavy psych más guitarrero, pues por un lado tenemos una muy dulce y bellísima melodía que bien podría ser tocada de manera acústica o semi-acústica y por el otro, a un grupo que puede sonar todo lo pesado, guitarrero y machacante que quiera, sin necesariamente vampirizar a la parte más dulce y melódica de la canción, y de nuevo, esto es algo muy, pero muy difícil de lograr y aún así, Bob lo logró, y eso lo pone entre los compositores más impresionantes que he escuchado dentro de la psicodelia en general. Por otro lado, los ecos de los Dug Dug's y el Ritual son más que notorios, aunque me atrevo a decir que ellos nunca llegaron a tanto como Bob Smith. Otra obra maestra y una de mis canciones preferidas de todo el disco.</div><div><br /></div><div>El disco cierra con broche de oro con <i><b>Try, Try To Understand</b></i>, en el que de nuevo el eclecticismo cerebral y creativo hace gala, esta vez en una combinación de rock ácido latinizado, psicodelia mística, heavy psych y algo de influencia del cool jazz, en la instrumentación encontramos aparte de la típica instrumentación de rock, esos coros místicos que son sello de Bob y el vibráfono que le da ese toque de finura y sofisticación jazzística que hace que esta canción sea un magistral cierre para un disco tan bueno.</div><div><br /></div><div><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/4dk19" target="_blank">DESCARGA</a></span></div></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-49184806583552841312022-09-07T16:26:00.001-05:002022-09-08T19:07:44.908-05:00Farm - Farm (1971)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsjOIMxB0BB8mJ66OHEN5jfhS-DVF3tTgdE-5x8ZlceEmFfAvtABllqlvNHVzOnYQ3RS9BucNWOd53pNX8s_ARKj8V6iVxxk7Vi9-fs4t0z9ST97r_r35H_FoKkittJ3qiqKKHaJwpAKTSVU7rY_ZhrUr3ymNwV-R75-VGE_gjKT1RAumWzLk1XIL3Uw/s2857/farm.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2811" data-original-width="2857" height="414" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsjOIMxB0BB8mJ66OHEN5jfhS-DVF3tTgdE-5x8ZlceEmFfAvtABllqlvNHVzOnYQ3RS9BucNWOd53pNX8s_ARKj8V6iVxxk7Vi9-fs4t0z9ST97r_r35H_FoKkittJ3qiqKKHaJwpAKTSVU7rY_ZhrUr3ymNwV-R75-VGE_gjKT1RAumWzLk1XIL3Uw/w420-h414/farm.jpg" width="420" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Muy buenas tardes a todos, antes que nada, quisiera decir que espero que este regreso a la actividad bloggera sea más duradero que el del año pasado que abruptamente dejé de publicar, pero en verdad no pude concentrarme durante todo este tiempo para escribir adecuadamente y de hecho para escribir esto me ha costado mucho hacerlo, sin embargo tuve que actuar de manera leninista (es decir, de manera oportunista, como diría Slavoj Zizek), ya que por fin me llegó este disco, el cual compré desde hace tres semanas y por fin me llegó hace 2 días desde Barcelona, España, donde están ubicadas las oficinas de la disquera Guerssen, por lo que ese mismo día lo abrí, ripeé el disco, escaneé todo el arte y lo comprimí en un archivo ZIP para subirlo a la red, que por otro lado, quisiera avisar que he tenido que pagar por una cuenta premium de Mediafire, ya que me ofrecieron 2 TB de espacio por el precio de 1, y al ver que el precio era bajo en relación a otros servidores, decidí subir este disco a Mediafire aparte del ya estándar Ulozto.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Antes de pasar a hablar del grupo y su música, quisiera hablar de cómo descubrí este disco y es que resultó ser de una manera muy inesperada, pues un día vi que en la revista digital eslovena <i>It's Psychedelic Baby</i>, publicaron una entrevista con Gary Gordon y una reseña del disco porque lo había reeditado por primera vez la extinta <i>Shadoks Music</i>, por lo que decidí bajar el álbum de <i>Rutracker</i> y era un ripeo de una edición limitada que vendía el grupo en su página, la cual no sonaba nada mal y esa fue la única manera que tuve de escuchar al grupo desde el 2013, ahora puedo escucharlo en un mejor remaster y además, con mejor empaquetado, cosa que definitivamente me hizo querer compartirles esta pequeña y rara joyita de la psicodelia y el blues de Gringolandia, por lo que lo único que me queda decirles es que espero que disfruten tanto la reseña como el disco.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Farm se formaron en Mount Vernon, Illinois en Julio de 1969, justo cuando sucedió lo del hombre en la luna, de una manera completamente espontánea al ponerse a ensayar los guitarristas Gary Gordon y Del Herbert, el bajista Jim Elwyn, el percusionista Steve Evanchik, y el vocalista Joe Cooper, quién solo estaría un tiempo en el grupo, luego se les uniría el tecladista Roger Greenwalt, y con la alineación ya completada, ensayando, George Leeman -amigo de Gary Gordon y Jim Elwyn- pudo presenciar uno de los primeros ensayos del grupo, por lo que decidió convertirse en su roadie, reparador de amplificadores y representante. Farm influenciados tanto por la psicodelia como por el blues, empezaron a ganarse mucha reputación en su localidad, sin embargo, lo que no acababa de cuajar dentro del grupo y sus ideas era el vocalista Joe Cooper, que en una decisión unánime, decidieron sacarlo del grupo en Mayo de 1971, cuando se trasladaron a la pequeña villa de South Pekin, localizada en Tazewell, Illinois a grabar en los estudios<i> Golden Voice</i>, lo que sería su único disco de larga duración que llevaría un título homónimo, el cual fue editado y distribuido de manera independiente por el grupo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Durante las sesiones de grabación del disco, los miembros no pudieron llevar todo el equipo que usaban en sus conciertos, ya que era muy vasto y potente, por lo que los ingenieros de sonido del Golden Voice, les recomendaron grabar con un equipo reducido y de menor tamaño, ya que los amplificadores grandes son hasta la fecha, un problema enorme para grabarlos. Del Herbert llevó su Gibson SG del 67-69 y la conectó a un Fender Vibrolux Reverb de 1968 -el cual aún contenía el clásico circuito "Blackface" a pesar de la cosmética "Silverface"- en lugar de su Sunn Solos II, mientras que Gary Gordon llevó sus queridas Rickenbacker 335 y lap con su Sunn Sceptre, mientras que Jim Elwyn tocó su Gibson EB-0 de 1966 en un Sunn 200S, Roger Greenwalt tocó su Hammond M3 con su parlante Leslie y unos cuernos Wurlitzer, Steve Evanchik llevó sus congas y timbales Ludwig y sus armónicas Hohner y Mike Young su batería Ludwig.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"> Finalmente, en ese mismo año, Farm tuvo la oportunidad de abrirles a Canned Heat en un concierto en el Illinois State Fair en Springfield, Illinois, el cual fue un concierto muy exitoso para Farm, pues además de entablar una relación con los miembros de Canned Heat, estos les pidieron que los acompañaran en el resto de su gira, cosa que hubiese significado éxito nacional para Farm, sin embargo, Canned Heat se separaron temporalmente y el sueño del grupo terminó abruptamente. En 1972, el grupo tuvo la oportunidad de compartir escenario de nuevo con Canned Heat en el desastroso festival de pop de <i>Erie Canal Soda</i>, celebrado en Bull Island en el río Wabash en el estado de Indiana, el cual terminó en disturbios como incendios, peleas y demás, por la pésima organización que tuvo, además de que no se presentaron la mayoría de los artistas anunciados, dándoles así, un fin catastrófico a los festivales de música al aire libre de los hippies y presagiando que los 60's estaban llegando a su fin (cosa que finalmente pasaría en 1973 con la llegada de la música disco, el punk, el metal, la crisis petrolera y el neoliberalismo), luego en 1973, Del Herbert perdería a un hijo recién nacido, provocando su salida de Farm y la separación del grupo, sin embargo, todos los miembros siguieron colaborando esporádicamente entre ellos y Farm tuvo también dos reuniones esporádicas, una en el 2007 y otra en el 2009. En la actualidad, Gary Gordon sigue activo en la música al tener un dúo de folk con su esposa Roberta, una pequeña disquera llamada <i>Chord Records</i> y una pequeña tienda de instrumentos musicales en su natal Sparta, Illinois.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Ahora sí, a hablar de la música:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Farm</i> es un disco que en sus apenas 28 minutos de duración, podemos encontrar a un grupo con muchísimo talento que no deja espacio para rellenos descarados o excesos que conducen al aburrimiento, por el contrario, aquí lo que podemos encontrar es que el rock ácido sanfranciscano y el blues/boogie rock convergen de manera impecable en unos jams que suenan crudos, grasientos, frescos, cerebrales, melódicos, bluseros y psicodélicos en los que los instrumentos que toman más protagonismo son las guitarras de Gary Gordon y Del Herbert, los cuales tienen una alquimia muy especial que recuerda a los mejores momentos de Quicksilver Messenger Service y de los Allman Brothers, sin embargo, también estuvieron influenciados por Santana, los Beatles, Donovan, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Canned Heat, Ten Years After, Albert King, los Who, entre otros, según cuentan sus miembros, y esto hace que su disco sea muy disfrutable a pesar de que algunos podrían quejarse de que la música de Farm suena algo anticuada para el año en el que salió su único disco y aunque de alguna manera están en lo correcto, algo que debemos tener en cuenta es que en Illinois, la psicodelia sanfranciscana aún estaba vigente, pues por ejemplo, los chicagüenses Mountain Bus sacaron su único disco <i>Sundance</i> en el mismo año que Farm sacó el suyo y los enormes Haymarket Square siguieron activos hasta 1973.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El álbum abre con <i><b>Jungle Song</b></i>, un jam instrumental de casi 8 minutos en el que se combinan de manera puntual las percusiones afro-antillanas de Santana, el blues rock de los Allman Brothers y las guitarras psicodélicas de Quicksilver Messenger Service, pues la dupla conformada por Del Herbert y Gary Gordon tienen esa química que nos recuerda a la dupla Cipollina-Duncan, es decir, su forma de improvisar no suena para nada aleatoria, sino creativa, cerebral, coherente y bien coordinada, igualmente el estilo de tocar de Gary Gordon me recuerda a lo mejor de su tocayo de apellido Duncan, cosa que se me hizo muy interesante, por lo que se puede decir que aquí Farm definitivamente pasaron la prueba sobre si son o no, una buena "jam band". Espléndido</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Le sigue <i><b>Let That Boy Boogie</b></i> que tal y como lo dice su título, es un boogie rock muy movido, enérgico y guitarrero, pues aquí la dupla Herbert-Gordon vuelven a hacer lo que mejor saben y aquí debo decir que las influencias de los Allman Brothers, Canned Heat y Ten Years After se hacen más presentes, sin embargo, su parte psicodélica no la olvidan, pues las guitarras, a pesar de que suenan más veloces y afiladas en este tema, siguen conservando esa esencia psicodélica que caracterizaba al estilo del grupo, y debo decir que esto particularmente me recuerda a un gran grupo de Mansfield, Ohio llamado Top Drawer -del que ya he hecho una reseña por aquí-, cosa que por supuesto, me parece algo muy espléndido y es lo que hace de <i><b>Let That Boy Boogie</b></i> uno de mis temas preferidos del disco.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Y aquí viene mi preferida del disco, <i><b>Sunshine In My Window</b></i>, que como ustedes se habrán dado cuenta, empieza como un jam de rock ácido muy a la usanza de Quicksilver Messenger Service (<i><b>Gold and Silver</b></i>), en el que Del Herbert hace su mejor impresión de John Cipollina, sin embargo, termina convirtiéndose en una balada más lenta, que recuerda simultáneamente a Top Drawer (<i><b>Song of a Sinner</b></i>) y a los Allman Brothers, cosa que se les agradece mucho, pues aquí los contrastes suenan tan bien que es increíble que un grupo de adolescentes pudiera lograr algo tan bien hecho a pesar de su corta edad, mostrándonos así el potencial creativo del grupo que lamentablemente no pudieron explorar más al separarse 2 años después. Magistral.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Cottonfield Woman</b></i> parece que por un momento será una canción de heavy psych, ya que el riff es muy similar al de <i><b>Never In My Life</b></i> de Mountain, sin embargo, el tema termina siendo un blues psicodélico muy guitarrero en el que de nuevo, noto la similitud con Top Drawer -que a pesar de que debutaron un año después, tenían unas guitarras muy similares- aunque también puedo notar que la influencia de QMS y los Allman sigue presente, aunque en menor nivel. Magistral.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco cierra con <i><b>Statesboro Blues</b></i>, un estándar del blues rural de Blind Willie McTell que inmortalizaría por primera vez el gran Taj Mahal en 1968 y que luego de ahí, pasaría a ser un tema grabado tanto por los Allman Brothers como por Farm, y aquí el grupo se olvida por un momento de la psicodelia para meterse de lleno al boogie y es aquí donde Gary Gordon se luce particularmente con su excelente guitarra lap con slide, recordando así no solo a los Allman, sino que también recuerda a los mejores momentos de Canned Heat, al Devil's Kitchen (uno de los grupos olvidados del sonido de San Francisco) y a los grupos de pub rock británicos de la misma época, por lo que lo único que me queda decir es que es una forma impresionante de cerrar un disco tan corto y tan agradable.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">¡Buen provecho!</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/74pok" target="_blank">DESCARGA</a></span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5MENQiZHgOCzNf20HQlImwZehmn7KpKhq8gJbgxV1mk9LsuIibZJKwVckLB3ZpwshaV263FAz5jMYwYKFJ3-5PkqZxT7zMv2dhQ_6-7-uekV2BqZr_quUJHM07KbZvhNyBaojpnHoz4gNlpq70OpVzHFVkwChY56wkJ6g23A5--5L_o2oMIVR4nw5hg/s560/Farm1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="252" data-original-width="560" height="205" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5MENQiZHgOCzNf20HQlImwZehmn7KpKhq8gJbgxV1mk9LsuIibZJKwVckLB3ZpwshaV263FAz5jMYwYKFJ3-5PkqZxT7zMv2dhQ_6-7-uekV2BqZr_quUJHM07KbZvhNyBaojpnHoz4gNlpq70OpVzHFVkwChY56wkJ6g23A5--5L_o2oMIVR4nw5hg/w455-h205/Farm1.jpg" width="455" /></a></div></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-37905594934547704452022-08-04T03:06:00.003-05:002022-10-23T01:07:04.528-05:00Los Dug Dug's en Avándaro, 11 de Septiembre de 1971<p style="text-align: center;"> <iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="311" src="https://www.youtube.com/embed/QFf4PuV6kmI" width="374" youtube-src-id="QFf4PuV6kmI"></iframe></p><p style="text-align: center;">Ray Brazen, un seguidor gringo incondicional de los Dug Dug's, nos hizo el favor de compartir el concierto completo del grupo en el Festival de Avándaro, el día 11 de Septiembre de 1971 y debo decir que estoy impresionado con la interpretación de la banda, porque si bien, en estudio demostraron ser todos unos maestros, en vivo también tocaban de manera excepcional y estoy seguro que haberlos escuchado en alguna tocada tanto en la pista de hielo Insurgentes como en los hoyos debió haber sido toda una experiencia, sin embargo, puedo decir sin temor a equivocarme, que a pesar de que no es lo mismo escuchar un audio de un concierto que estar presente en él, puedo decir que los Dug Dug's han seguido siendo un grupazo a la hora de tocar en vivo de acuerdo a esta grabación, y algo que debo mencionar por aquí es que algo que confirmó mis sospechas fue que en verdad estaban a la altura de muchos grupos anglosajones importantes, pues no es difícil escuchar en Stupid People como Beto Escoto en la batería le da un sonido muy cercano al de los primeros discos de Grateful Dead, así mismo, aquí Armando Nava recuerda simultáneamente a guitarristas como John Cipollina y Jerry García a la hora de solear (él hacía los solos sin fuzz) mientras que Gustavo Garayzar sonaba increíblemente cerca de los guitarristas de heavy psych provenientes de Estados Unidos con su fuzz que en verdad sonaba con mucho carácter, igualmente los jams tienen el mismo efecto que los de los grupos de San Francisco, es decir, están claramente estructurados como melodías largas e instrumentales que recrean la experiencia psicodélica, en lugar de ser ocurrencias aleatorias sin pies ni cabeza, cosa que fue una muy grata sorpresa para mí, por lo que me atrevo a decir que esta es una de las mejores grabaciones en vivo que he escuchado y con este leak, espero que pronto salgan a la luz las demás presentaciones completas del resto de grupos que estuvieron en el festival, aunque siendo sincero, dudo que todas estén al mismo nivel, ya que por ejemplo, pude escuchar algunas grabaciones del Three Souls In My Mind en vivo en una estación de radio, además de su disco en el reclusorio norte de 1978 y siendo honesto, me sonaron a un grupo con un nivel muy mediano tanto en ejecución como en composición, cosa que me hace poner en duda todos los relatos de la gente que los vio en directo que siguen afirmando que eran la octava maravilla del mundo en sus conciertos, ya que me suena más a algo tendencioso que a un hecho y teniendo en cuenta lo manipulable que puede ser el gusto de las personas, peor aún, sin embargo, no estamos para hablar de ello hoy, sino de que por fin podemos escuchar el concierto completo en Avándaro de los Dug Dug's y la verdad es que debe ser escuchado para creerlo.</p><p></p>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-74876982990500581502022-06-08T19:20:00.008-05:002022-06-12T21:25:48.873-05:00Aviso<div style="text-align: center;"> Muy buenas noches a todos, después de tantos meses de inactividad en este blog, creo que merecen una explicación, ya que cuando volvió a dejar de actualizarse, justo estaba intentando que volviese a funcionar, sin embargo, abruptamente dejé de actualizarlo y desde Octubre del año pasado, no he vuelto a actualizarlo, por lo que he decidido hacer este post, en el que intentaré ser breve, pero conciso y es que justo enmedio de querer hacer que volviese a funcionar como lo hacía en su época dorada por allá entre el 2009 y el 2012, la creatividad se vino abajo y es hasta hoy que no he podido escribir una reseña que me plazca, por lo que se me ha hecho extremadamente difícil volver a actualizarlo de manera regular, por lo que les pido disculpas, esperemos que pronto vuelvan las ganas y la creatividad para volver a poner en marcha a este pequeño espacio que prácticamente es un fósil viviente teniendo en cuenta que la caída de Megaupload terminó siendo el principal motivo para que la mayoría de blogs en la red desaparecieran, ya fuese porque el FBI los eliminó o porque sus redactores no se sintieron motivados a seguir con el trabajo, sin embargo, surgió también la moda de los "vlogs" musicales en el Youtube, cosa que en mi opinión, es una pérdida tiempo, porque no obliga a la gente a poner atención a lo que el crítico tiene para decir al respecto de un grupo, disco o canción, mientras que la lectura de un artículo de un blog, requiere atención y es por eso que me he negado a darle fin a esto, por lo que puedo decir que intentaré no tardarme mucho en volver por acá con algunas joyas que quedaron pendientes de reseñar, entre ellas, mucho del material mexicano que había estado publicando por los 50 años de Avándaro y otras más que tengo planeado publicar desde el otoño del año pasado.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Muchas gracias por su comprensión y nos veremos pronto.</div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-8041699032048990382021-10-09T13:25:00.009-05:002023-11-06T14:17:13.284-06:00La Antología del Rock Vol. 3: La Vieja Guardia (2020)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7kAllWu4VvbV2zsKv49K3fBWQw1u9XQTYVlQa8r_PHnHp78Bje97Cb0oxuToJiYQP1av9vCyXgNbC4pLuM3Fw2QfQV4I1-OcMAz5DKeyTAJI9Hpb1z0_0MR6ocUbpqyGlhwun4u0R5hDA/s2048/Antologia+del+rock+001+%25282%2529.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1809" data-original-width="2048" height="383" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7kAllWu4VvbV2zsKv49K3fBWQw1u9XQTYVlQa8r_PHnHp78Bje97Cb0oxuToJiYQP1av9vCyXgNbC4pLuM3Fw2QfQV4I1-OcMAz5DKeyTAJI9Hpb1z0_0MR6ocUbpqyGlhwun4u0R5hDA/w432-h383/Antologia+del+rock+001+%25282%2529.jpg" width="432" /></a></div><div style="text-align: center;"> Muy buenas a todos ustedes, sean bienvenidos a un post más de este especial de psicodelia mexicana con motivo de los 50 años de Avándaro, el cual tenía originalmente planeado publicar el 16 de Septiembre, pero como les venía diciendo anteriormente, no me sentía lo suficientemente lúcido y creativo para escribir, por lo que decidí posponer su publicación hasta hoy, que tuve por fin la lucidez y la energía suficientes para terminar las reseñas, por lo que espero que los que esperaban con ansia una nueva entrega, me disculpen por tardarme tanto y haber dejado la mayor parte del mes de Septiembre vacío, espero que esto se componga ahorita en Octubre. ¡Hasta la próxima!</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Como nota, quiero decir que este post servirá tanto como una actualización de dos discos que ya habían sido publicados por aquí y como nuevo post por uno que nunca se había publicado en el blog. Muchas gracias.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">CD 1: Pájaro Alberto y conjunto Sacrosaurio - Viaje Fantástico (1974)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-wcqQgQomlHg/YUCi6268AHI/AAAAAAAASdQ/pQn1udWYsvE1teVXx4-fOXSKJdagOkahgCLcBGAsYHQ/s1415/Front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1415" data-original-width="1394" height="440" src="https://1.bp.blogspot.com/-wcqQgQomlHg/YUCi6268AHI/AAAAAAAASdQ/pQn1udWYsvE1teVXx4-fOXSKJdagOkahgCLcBGAsYHQ/w434-h440/Front.jpg" width="434" /></a></div><div style="text-align: center;"><div>Alberto Isordia más conocido como el "Pájaro Alberto", es otro de los personajes más celebres del rock mexicano de aquellos años, pues es conocido por su labor con Love Army, uno de los grandes ausentes en Avándaro, grupo que comenzó en Tijuana, Baja California con el nombre de los Tijuana Five y que más tarde con la adición de una sección de metales fue cuando empezó su época dorada en la que mezclaron influencias de jazz rock y soul psicodélico, dando resultado a la icónica <i><b>Caminata Cerebral</b></i>, editada en 1971, la cual fue especialmente conocida por su letra en español que contenía un mensaje político y lo cual significó un motivo para que la censuraran de varias radiodifusoras, sin embargo, también significó que fueran contratados para tocar en Avándaro, sin embargo no pudieron llegar, igualmente se hicieron conocidos por sus enérgicas tocadas en el club Tiberio's en Acapulco, Guerrero.</div><div><br /></div><div>Una vez disueltos, el Pájaro se fue a formar a Sacrosaurio y no tardaron mucho en grabar su único álbum, que tuvo la participación del mismísimo Armando Nava en la producción y dirección artística (esto también fue motivo para que el Pájaro le regresara el favor al participar en el tercer disco de los Dug Dug's), así como la participación de las hermanas Valdez (conocidas por su labor con la Cosa Nostra) y de Carlos "el Nono" Zaldívar del Epílogo en los créditos de una canción, el cual salió en 1974 con el título de <i>Viaje Fantástico</i>.</div><div><br /></div><div>Con un título ultrapsicodélico, el <i>Viaje Fantástico</i> es un disco de lo que yo le llamaría "psicodelia ecléctica", pues lo que tenemos es básicamente una combinación de muchos estilos en los que encontramos folk psicodélico, pop barroco de sabor lisérgico, rock sureño, soul, soft rock, heavy psych, rock ácido y raga rock, en donde podemos notar también ecos británicos, gringos y españoles (sí, lo leyeron bien), por lo que estamos ante un álbum muy completo y diverso que a pesar de que combina muchísimas influencias, todo ello está mezclado de una forma muy fina y artística, e igualmente algo que lo hace único es que está cantado en Español en su totalidad, por lo que (al menos en mi opinión) es completamente correcto que esté considerado entre los mejores discos mexicanos de la historia.</div><div><br /></div><div>El disco comienza con la icónica <i><b>Seguir al Sol</b></i>, canción que por su letra partidaria del hippismo se podría decir que es uno de los himnos de la contracultura en México, pero además de la letra, la música ejemplifica a la perfección lo que podríamos etiquetar como folk rock psicodélico por excelencia, por su mezcla de instrumentos eléctricos y acústicos, en el que yo noto también ecos del enorme Phil Pearlman y Relatively Clean Rivers, no solo en lo musical, sino por la letra, pues precisamente este se fue a vivir al campo y hasta la fecha se dedica a la ganadería. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>Giselle</b></i> es un tema en el que podemos notar una influencia muy marcada tanto de los Beatles en su época psicodélica (<i><b>Blue Jay Way</b></i>) como de Paul McCartney solista y por si no fuera poco, noto ecos del pop fino de Gilbert O'Sullivan, aunque en un plan mucho más psicodélico, pues por un lado tenemos la interpretación vocal del Pájaro que me suena muy a George Harrison, la cual incluye un parlante leslie (algo muy beatlesco) y el sintetizador que le da una atmósfera muy viajada (un recurso que retomaría Armando Nava para el <i><b>Cambia, Cambia</b></i>). Espléndido.</div><div><br /></div><div><i><b>Vida</b></i> es otro de los temas célebres del Pájaro y de hecho fue el lado B del sencillo de 1974 que incluía también <i><b>Seguir al Sol</b></i>, y de nuevo tenemos pop psicodélico beatlesco, aunque esta vez con adornos barrocos hechos por el clavecín, igualmente la letra es muy poética y espiritual, por lo que me veo tentado a decir que el Pájaro Alberto es uno de los mejores letristas del rock mexicano de la época junto con los de Antorcha (que se jodan los rupestres y su defensa del kitsch mexicano). Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>Amor Libre</b></i>, otra alusión a la filosofía del movimiento hippie como lo dice su título, en la que la música suena mucho a Grateful Dead, lo que me parece muy interesante, teniendo en cuenta que aquí en México ese grupo no generó mucho revuelo, pero posiblemente en Tijuana sí. Temazo.</div><div><br /></div><div><i><b>Ven a verme</b></i> es un cruce entre el folk psicodélico de la Revolución de Emiliano Zapata (<i><b>So Long Ago</b></i>) o The Yankee Dollar (Good Old Friends) con alguna especie de rock sureño souleado (el soul queda enfatizado en los coros de las hermanas Norma y Rubí Valdez) en el que destaco especialmente el violín, que me parece excelente. Temazo.</div><div><br /></div><div><i><b>No pudo ser</b></i> muestra que el Pájaro Alberto no es únicamente un maestro en distintas vertientes de la psicodelia, pues aquí nos muestra que también puede manejar de forma excelente el soft rock al estilo de Todd Rundgren (uno de los mayores íconos del rock y el pop de Estados Unidos) en el que también se incluyen unos arreglos muy refinados de cuerdas que quita el aliento. Espléndido.</div><div><br /></div><div><i><b>La Isla</b></i> en su letra vuelve a reiterar el hippismo del Pájaro Alberto, sin embargo, musicalmente lo encontramos en su faceta más cercana al heavy psych en el que podemos notar ecos de la Verdad Desnuda (<i><b>Illusive World</b></i>), el Amor (<i><b>On The Midnight Bus</b></i>), Deep Purple (<i><b>The Painter</b></i>), Vanilla Fudge (<i><b>Shotgun</b></i>), The Corporation (<i><b>I Want To Get Out of My Grave</b></i>) y Elderberry Jak (<i><b>Vance's Blues</b></i>), pues básicamente es un tema sumamente guitarrero en el que también podemos notar un órgano hammond y cierta influencia del soul que también nos hace recordar a su anterior agrupación Love Army. Espléndido.</div><div><br /></div><div>Y llegamos al tema homónimo del disco: <b><i>Viaje Fantástico</i></b>, el cual es un rock ácido muy guitarrero en el que otra vez se notan ecos del <i>Shady Grove</i> de Quicksilver Messenger Service, por la inclusión del piano y por los solos de guitarra que de alguna manera recuerdan al gran John Cipollina, por otro lado, la letra es sobre una experiencia espiritual. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>A donde tú vayas</b></i> vuelve el pop refinado al estilo de Gilbert O'Sullivan o de Bread, pero con cierta influencia beatlesca y con algunos arreglos que podrían considerarse como "proto-progresivos". Temazo.</div><div><br /></div><div>Y el disco cierra con broche de oro con <i><b>Raga</b></i>, probablemente uno de los pocos acercamientos hubo en el rock mexicano con el raga rock junto con la peculiar versión del <i><b>Matarilerilerón</b></i> del Huevo Blues y <b><i>Love Don't Go Away</i></b> del Love Sindicate, en el que encontramos un ¿sintetizador? que imita a una tambura, guitarra acústica, tambores, cítara eléctrica y bajo en la instrumentación, mientras que el Pájaro Alberto vuelve a sonar reminiscente del gigantesco George Harrison, por lo que creo que podemos dar por sentado que el Pájaro es su fan, igualmente la letra es muy poética y hippie. Obra maestra y el mejor momento del disco sin duda alguna, belleza total.</div></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El <i>Viaje Fantástico</i> es un discazo por donde se le vea, los temas brillan por su combinación de finura, eclecticismo y potencial comercial pasada por el filtro de la psicodelia y la reivindicación del hippismo en una época donde ya nadie hablaba de la mentada "era de acuario", pero que supo condensar perfectamente la filosofía que se vivió en la época de Avándaro.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-F8nHQtqqYTA/W-1MiWjty7I/AAAAAAAAQe8/-2guJmOC6as0C7EX19dhdCT1lZvaGFE6ACPcBGAYYCw/s960/23795747_10155823679509631_7484564588751866348_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="908" data-original-width="960" height="402" src="https://1.bp.blogspot.com/-F8nHQtqqYTA/W-1MiWjty7I/AAAAAAAAQe8/-2guJmOC6as0C7EX19dhdCT1lZvaGFE6ACPcBGAYYCw/w424-h402/23795747_10155823679509631_7484564588751866348_n.jpg" width="424" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">CD 2: Los Spiders - Back (1970)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-LQpfsibeDho/W9tfcq16PII/AAAAAAAAQcY/56sRzD-s0gsr1auHco3yazVsqnUYsDiggCPcBGAYYCw/s1413/Spiders%252C%2BThe%2B-%2BBack.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1413" data-original-width="1396" height="440" src="https://1.bp.blogspot.com/-LQpfsibeDho/W9tfcq16PII/AAAAAAAAQcY/56sRzD-s0gsr1auHco3yazVsqnUYsDiggCPcBGAYYCw/w435-h440/Spiders%252C%2BThe%2B-%2BBack.jpg" width="435" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div><div class="separator" style="clear: both;">Los Spiders comenzaron desde 1960, con el auge del rock & roll y los covers en México, ellos durante los 60's fueron un fenómeno de los cafés cantantes de Guadalajara, Jalisco, y en 1966 grabarían su primer EP que contenía un refrito de <i><b>For Your Love</b></i> de los Yardbirds cantado en español, pero no sería hasta 1969, cuando surge su primer cambio de alineación en donde entran el excelso tecladista Servando Ayala y el vocalista Antonio Vierling y así comienzan a grabar su primer sencillo de música original, el cual tenía la canción <i><b>Back</b></i>, la cual recibió mucha difusión en las radiodifusoras de todo el país en 1970, lo que históricamente nos haría cuestionar sobre quiénes realmente popularizaron el movimiento conocido como "la Onda Chicana", si ellos o los también tapatíos la Revolución de Emiliano Zapata. Después sacarían un par de discos más: <i>Nuevas Rutas del Sonido</i> en 1973 y <i>Corre, Corre, Corre</i> en 1980, que a pesar de que no recibieron ni la mitad de la difusión que recibió su debut, estos debieron haber catapultado a los Spiders como la mejor banda tapatía. Hoy siguen vigentes junto con otros grandes como la Revo, la Fachada de Piedra, la Quinta Visión, Pastel Pilatos, Frankie Bizarro y Pelé y el 39.4, aunque con un nuevo guitarrista, ya que el "Tucky" se murió en Enero del 2008.</div><div><br /></div></div><div><i>Back</i> es un álbum de excepcional manufactura en el que podemos encontrar un rock ácido finísimo interpretado por unos músicos que brillan como pocos lo han hecho en este país, pues absolutamente todos los miembros del grupo destacan por su maestría en sus respectivos instrumentos, pero no solo eso, las canciones brillan por su insólita finura (como diría el buen Gus), delicadeza y precisión melódica, mostrándonos una vez más que fue esta época donde precisamente los músicos roqueros mexicanos estuvieron al nivel de los mayores exponentes extranjeros, cosa que no se volvió a repetir en otras épocas, lamentablemente. Por otro lado, la música de los Spiders muestra reminiscencias de grupos como Quicksilver Messenger Service, Country Joe & The Fish, H.P. Lovecraft, SRC, Hunger, The Fraternity of Man, los Them, Procol Harum, Love, los Zombies y Reign Ghost, pues por un lado el trabajo guitarrero de Reynaldo Díaz suena muy influenciado por John Cipollina y Barry "The Fish" Melton simultáneamente, mientras que Servando Ayala nos hace recordar al mejor trabajo de David Cohen, Matthew Fisher, Rod Argent (con los Zombies) y Dave Hair, igualmente podremos encontrar algo de flauta transversal (el instrumento omnipresente en la psicodelia mexicana) que recuerda a los Them y a Mad River tocada también por el "Tucky", un bajo que suena a contrabajo tocado por Manuel Olivera (hermano de Guillermo Olivera, bajista de la Fachada de Piedra), una batería precisa tocada por Enrique Chaurand, quien también contribuye en una canción junto con Antonio Vierling en las tablas (tambores hindúes) y por fin tenemos a Antonio, quien con su voz de tenor lírico muy expresiva hace su mejor trabajo.</div><div><br /></div><div>El disco comienza con <i><b>Thought</b></i>, que es una canción que está dividida en dos partes, la primera es <i><b>(A Song)</b></i> que es la que abre y la segunda es <i><b>(Prayer)</b></i>, la mayor diferencia es que la primera está cantada y la segunda está hablada, sin embargo ambas parecen ser exactamente la misma composición con la misma instrumentación y básicamente lo que nos encontramos es una canción acústica con tintes nostálgicos y melancólicos que incluye únicamente como instrumentación guitarra acústica, armónica y voz, haciendo eco de dos grupos mexicanos contemporáneos: los Dug Dug's y la Revolución de Emiliano Zapata. Espléndido tema para abrir y cerrar un discazo como este.</div><div><br /></div><div>En el segundo tema ya comienza lo que yo digo que es el oro puro con <i><b>Something I Heard (Last Night)</b></i>, compuesto por el enorme Reynaldo Díaz, y es que nos encontramos ante un tema bellísimo de una finura que nadie creería que se trata de un grupo mexicano, lo que me hace remitirme a lo que he venido diciendo en las reseñas anteriores y es que mientras que el común de la gente cree que el rock en México ha llegado tan solo a un nivel de aficionado por la pobrísima calidad tanto compositiva como interpretativa de los grupos y solistas de la mayoría que han surgido de 1984 a la actualidad, sin embargo, esta es otra muestra junto con <i><b>Bajo el Sol y frente a Dios</b></i> del Ritual, <i><b>Voy hacia el Cielo (Voy hacia el Sol)</b></i> de los Dug Dug's, <i><b>Again</b></i> de la Revolución de Emiliano Zapata, <i><b>For Those Who Love</b></i> de la Comuna, <i><b>Hallelujah Everywhere</b></i> de la Verdad Desnuda y <i><b>Faith</b></i> del 39.4 de que el rock mexicano sí se acercó alguna vez a la finura de numerosos grupos extranjeros. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>People Deceive</b></i> es rock ácido de tintes melancólicos que evoca al <i>Shady Grove</i> de Quicksilver Messenger Service pero sin el piano de Nicky Hopkins, el cual es sustituido por el órgano de inspiración barroca (Bach y Pachelbel como influencias principales) de Servando Ayala, en el que Antonio Vierling hace una interpretación vocal especialmente expresiva y poderosa que va en excelente conjunción con el resto de la música, mientras que el "Tucky" nos trae a la mente al mejor John Cipollina y el bajo suena con muchísima clase. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>On The Road</b></i> es probablemente el tema menos interesante del disco, pero eso no significa que no sea bueno, pues aquí nos encontramos con una canción con bastante humor que recuerda a los momentos más divertidos de Country Joe & The Fish y The Fraternity of Man, incluso la voz de Antonio me recuerda mucho a la de Lawrence "Stash" Wagner.</div><div><i><b><br /></b></i></div><div><i><b>Now</b></i> es otro de los mejores momentos del disco y es que nos encontramos con una pieza perfecta de psicodelia ácida en la que la guitarra se hace ausente para dar paso a una superlisérgica excursión de órgano Farfisa y piano eléctrico, ambos tocados por Servando Ayala, en la que recuerda tanto a Country Joe & The Fish como a los Zombies y a Hunger, haciendo de esta pieza una de las mejores y más psicodélicas que se hayan hecho en la historia del rock mexicano. Obra maestra de principio a fin.</div><div><br /></div><div><i><b>It's You</b></i> es otra balada de tintes melancólicos que vuelve a remitirnos a Quicksilver Messenger Service al igual que a Procol Harum, pues por un lado tenemos el órgano de Servando Ayala que aquí parece haber conectado su Farfisa a un Leslie para imitar el sonido llenador del Hammond y así darles más clase a sus barroquismos, mientras que Reynaldo Díaz nos vuelve a mostrar lo influenciado que estaba por John Cipollina, con sus melódicos solos de guitarra aderezados por el uso del trémolo, mientras que la interpretación de Antonio Vierling de alguna manera me recuerda al enorme Arthur Lee. Otra obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>Back</b></i> es una canción icónica, una proeza como pocas, una auténtica obra cumbre de la psicodelia en México, en la cual encontramos una finura indescriptible guiada por el gariboleo barroco de Servando Ayala, la expresiva y poderosa voz de Antonio Vierling (su compositor, quien afirma haberla compuesto a los 14 años), el bajeo con muchísima clase de Enrique Chaurand y la extraordinaria guitarra melódica de Reynaldo Díaz Vélez el "Tucky", y es que si algo hay que mencionar es que esta fue la primera canción original de un grupo mexicano en ser un éxito al haber entrado a la mayor parte de las radiodifusoras del país, seguida de <i><b>Nasty Sex</b></i> de la Revolución de Emiliano Zapata, pero esa es otra historia que ya contamos. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>You Love Me</b></i> de alguna manera suena como si Steppenwolf hubiese contratado a John Cipollina en el lugar de Michael Monarch, la canción tiene un ritmo prendido y mucha energía, a pesar de quedar opacada por tanta obra maestra aquí presente.</div><div><br /></div><div><i><b>I'm A Man</b></i> es una dulce e introspectiva balada de folk psicodélico con ecos del grupo hippie canadiense The Perth County Conspiracy, con una instrumentación tranquila que incluye guitarra eléctrica con efecto de vibrato, percusiones, órgano Hammond, piano y una interpretación vocal muy suave, en la que la letra va narrando la madurez y la toma de responsabilidad de un joven dispuesto a emanciparse de su familia (algo que hoy muchos anhelamos y que cada vez se hace más improbable debido a que el sistema cada vez hace más grande la brecha entre los ricos y los pobres), hacia el final Servando Ayala hace lo que mejor sabe hacer, llevarnos al edén psicodélico con sus solos de órgano. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>Movin' Up</b></i> vuelve a recordarnos a Steppenwolf, y de nuevo encontramos un tema que a pesar de que tiene mucha energía y suena hasta bailable, queda un tanto opacado por tanta proeza creativa que está presente en este disco, pero podría decirse que es históricamente importante al igual que <i><b>You Love Me</b></i> por ser parte del heavy psych mexicano primigenio. Muy buen tema.</div><div><br /></div><div><i><b>Love Is The Way</b></i> es otra proeza, otro tema descomunal el cual pudo haber sido un cierre de broche de oro si no estuviese la segunda parte de <i><b>Thought</b></i>, sin embargo, eso no le quita ser una de las más bellas y mejor elaboradas piezas de la psicodelia mexicana, pues estamos ante una obra del nivel de <i><b>Square Room</b></i> de los Them, <i><b>The Fool</b></i> de Quicksilver Messenger Service, <i><b>Workshop</b></i> de Hunger y <i><b>Grace</b></i> de Country Joe & The Fish, en el que encontramos una parte de psicodelia jazzeada con flauta y piano claramente inspirada por <i><b>Take Five</b></i> de Dave Brubeck mientras que la flauta transversal va soleando de la forma más psicodélica posible, luego tenemos más rock ácido de tintes melancólicos que evoca a Quicksilver Messenger Service y a Hunger, para terminar volviendo a la psicodelia ácida jazzeada en donde encontramos unos de los paisajes musicales más lisérgicos jamás escuchados en la historia del rock mexicano, el cual de alguna manera recuerda tanto a QMS como a los Them y a Mad River (<i><b>Wind Chimes</b></i>), pues tanto Servando Ayala en el Farfisa como el "Tucky" en la flauta van improvisando con un aspecto al que yo situaría en un rock ácido de inspiración hindú, mientras que el bajo de Enrique Chaurand como siempre, sonando con muchísima clase y sumamente llenador, como si fuese un contrabajo, y para finalizar tenemos la guitarra Cipollinesca reafirmando la grandeza de este tema.</div><div><br /></div><div><i>Back</i> es una obra maestra sin lugar a dudas, un disco que no tiene temas de relleno y que muestra a un grupo dando lo mejor de sí, explotando su creatividad para crear obras que después de 51 años de haber sido lanzadas al mercado, se siguen escuchando y que indudablemente es parte de lo mejor en la historia del rock nacional.</div><div><br /></div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ucqOk3n9c6E/W94vAw_ZmMI/AAAAAAAAQc8/Lu9MKYo88kAB6jQQGkiIWNZghHB_oLJTgCPcBGAYYCw/s681/1526136_727152810630558_850487517_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="434" data-original-width="681" height="295" src="https://1.bp.blogspot.com/-ucqOk3n9c6E/W94vAw_ZmMI/AAAAAAAAQc8/Lu9MKYo88kAB6jQQGkiIWNZghHB_oLJTgCPcBGAYYCw/w462-h295/1526136_727152810630558_850487517_n.jpg" width="462" /></a></div><br /><div><br /></div></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">CD 3: Enigma - Enigma (1972)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-tx-zDd4LGq8/YUXOxhx7ULI/AAAAAAAASdg/cOrX66HdRNE_E5Wvr8khooZHca4CO0QBgCLcBGAsYHQ/s2048/frente.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="2045" height="434" src="https://1.bp.blogspot.com/-tx-zDd4LGq8/YUXOxhx7ULI/AAAAAAAASdg/cOrX66HdRNE_E5Wvr8khooZHca4CO0QBgCLcBGAsYHQ/w434-h434/frente.jpg" width="434" /></a></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;">Los orígenes de Enigma se remontan a un grupo llamado las Ventanas, el cual tocaba una especie de bubblegum pop psicodélico a fines de los 60's, lo cual les trajo bastante popularidad, al punto de tocar en giras organizadas por la CBS -disquera en la que habían firmado- alrededor de todo el país, las cuales, irónicamente, estaban acompañadas por bandas y cantantes de música tropical, rancheras, boleros y demás, y según las anécdotas de los mismísimos miembros de las Ventanas como Pablo González y Héctor Zenil -quien entró en 1970-, la gente se prendía mucho más con los grupos de rock como ellos que con los de los otros géneros, lo cual -por supuesto- dejaba opacados a estos últimos, cosa que debería hacer que nos planteemos la pregunta: ¿Esto habrá sido un motivo oculto para que el gobierno implementara el infame Avandarazo? No podemos asegurarlo, sin embargo, no hay que descartarlo como una probabilidad, ya que en México se tiene la bonita costumbre de crear mafias y de que estas controlen de forma monopólica y criminal los medios de comunicación, el gobierno y las industrias, y aunque a muchos les suene a pura teoría de conspiración, esto último es un hecho y que el simple hecho de que unos grupos de jóvenes con ropas psicodélicas, pelos largos e instrumentos eléctricos los opacaran de esa manera, puede ser un motivo para que gente como Vicente Fernández, la Sonora Santanera o Armando Manzanero (que digan lo que digan, su música pecaba de kitsch) intentaran por todos los medios desaparecer al rock y con Avándaro finalmente vieron la oportunidad de lograrlo, al fin el gobierno veía a los hippies con desprecio, por lo que la propuesta de usar a Avándaro como motivo para acabar con el rock fue bien recibida tanto por el gobierno como por la mayor mafia de los medios de comunicación que ha tenido México, Telesistema Mexicano (luego conocida como Televisa), pero bueno, regresando a la historia de Enigma, el grupo había tenido mucha popularidad con el nombre de las Ventanas, sin embargo, se encontraban inconformes con el pop psicodélico que habían venido tocando en años previos, por lo que en 1970, cuando la Revolución de Emiliano Zapata lograron tener una fama sin precedentes con <i><b>Nasty Sex</b></i>, el grupo decidió cambiar radicalmente de estilo, pasando del pop a un hard rock de raíces bluseras y elementos psicodélicos, el cual estaba fuertemente influenciado por grupos anglosajones como Steppenwolf, Led Zeppelin, Deep Purple, Grand Funk Railroad y Ten Years After, sin embargo, algo que también cambió fue su nombre, pues sabían que si su nuevo disco salía con su antiguo nombre, probablemente no hubiese sido tan bien recibido por el público que ya escuchaba a los grupos de la llamada "Onda Chicana", por lo que se hicieron llamar Enigma y los miembros que estuvieron conformados en ese momento por los hermanos Carlos, Pablo y Sergio González más Héctor Zenil, se cambiaron los apellidos por signos zodiacales, por lo que en 1971 salió el primer sencillo de Enigma con la icónica <i><b>Bajo el Signo de Acuario</b></i>, que fue un éxito inmediato y fueron contratados para tocar en Avándaro, pero Armando Molina no los dejó por considerarlos "fresas" e hizo todo por sabotear su turno para tocar en dicho festival, aunque existen relatos de otros asistentes que afirman que esto no es cierto y que nunca fueron contratados para tocar en el festival, los cuales puedo constatar que son completamente falsos, ya que el ex-baterista Héctor Zenil/Virgo hace poco publicó todo un reportaje de la revista Pop en donde se mencionó que Enigma tocarían el 12 de Septiembre justo después de que el Three Souls lo hiciera e igualmente existe publicidad de su disquera (CBS) en la cual se promocionaba a Enigma como uno de los grupos que iba a tocar en el festival, por lo que el cuento de que nunca habían sido contratados y demás ha quedado desacreditado, pero bueno, en ese momento Enigma era uno de los grupos más populares y su debut, salido en 1972, resultó ser un trancazo.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Enigma es probablemente uno de los primeros discos pesados hechos en México junto con el disco <i><b>En Vivo</b></i> del Amor, lanzado poco antes en 1971, por lo que es un disco fundamental para rastrear los orígenes del rock pesado en el país. Por otro lado, musicalmente con lo que nos encontramos es básicamente una combinación de hard rock, heavy psych y boogie rock, en la que la ejecución suena cruda, directa y potente, la música es guitarrera a más no poder y la peculiarísima voz de Pablo Cáncer, a pesar de que no era una maravilla, cumple con su función, por lo que puedo decir que tenemos todos los elementos necesarios para que este disco esté al nivel de cualquier disco ultra-underground de heavy psych hecho en Estados Unidos en ese mismo tiempo, por lo que creo que ningún fan del Buster Browns, Bolder Damn, Top Drawer, Mariani, Bob Seger, Jamul, Grand Funk, Euclid, Mountain o Steppenwolf querrá perdérselo por nada del mundo, e igual, a pesar de que el estilo de Enigma era mucho más sencillo tanto compositiva como instrumentalmente hablando que el de otros de sus contemporáneos, eso no quita que podamos hablar de un disco que ya tiene el nivel que uno podría esperar de un grupo extranjero, cosa que lamentablemente no se volvió a ver hacia la siguiente década en adelante, y que igualmente afectó a Enigma, pues para sobrevivir a la época en la que el rock urbano comandado por el infame Alex Lora tuvo su apogeo, tuvieron que cambiarse a tan feo subgénero musical, sacando discos de una calidad muy variable, sin embargo, esto no duró tanto y en los últimos años en los que siguió comandando al grupo el fallecido Pablo Cáncer, este se tornó hacia un estilo más orientado al blues eléctrico, cosa que se agradece especialmente cuando uno tuvo la oportunidad de verlos en vivo al menos tres veces, no obstante, ahora el nombre de Enigma es cargado por los sobrinos de este y les queda muy grande, al punto de que han alejado a los seguidores del grupo que los habían estado acompañando desde antes de los Hoyos Fonquis.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">El disco empieza con el icónico <i><b>Under The Sign of Aquarius</b></i>, un potente y espeso tema de heavy psych guitarrero, con un riff pegajoso y reminiscencias bluseras que bien podría pasar por ser un tema inédito del Buster Browns o hasta de los grandes Steppenwolf, cosa que convierte a este tema como uno de los más importantes de esa época por derecho propio, pues la composición es excelente y la ejecución es perfecta para el contexto de la canción, por lo que esta rola bien podría pasar a ser parte de numerosas recopilaciones de rarezas de heavy psych, si los pseudoarqueólogos que abundan se dedicaran más a investigar el género fuera de sus pretensiones de encontrar a alguna especie de Black Sabbath perdido en el basurero de la historia. Espléndido.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Save My Soul</b></i> es más un boogie rock estándar, sin embargo, la canción es pegajosa y tiene un riff memorable, por lo que funcionó como el lado B del tema anterior, igualmente el trabajo guitarrero de Pablo Cáncer es admirable al igual que el de Sergio Acuario en el bajo y el de Héctor Virgo en la batería. Muy buen tema.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>69</b></i> es de mis temas preferidos del disco, pues otra vez nos encontramos con heavy psych clásico, la cual recuerda bastante a Steppenwolf, pero al mismo tiempo noto ecos del sonido de Detroit, especialmente de Bob Seger, Savage Grace, MC5 y los Stooges, cosa que también me hace considerarla junto con <i><b>¿Cuál es tu Nombre?</b></i> de los Dug Dug's y parte del material de Antorcha como proto-punk, igualmente la ejecución del grupo es excelente, por un lado tenemos la batería de Héctor Virgo que suena reminiscente de su ídolo Ian Paice, el bajo de Sergio Acuario que suena llenador y pesado y la guitarra de Pablo Cáncer que es la que toma la batuta de instrumento melódico y recuerda a Michael Monarch. Espléndido.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Simón</b></i> en mi opinión es uno de los temas más flojos del disco, y es que de nuevo nos encontramos con un boogie rock algo genérico, pero esta vez creo que este tema fue hecho más que nada para rellenar el disco, por lo que no lo destaco gran cosa, sin embargo, a pesar de que no esté al nivel de los temas anteriores, esto es a lo que mínimo muchos grupos actuales quisieran llegar en cuanto a nivel musical.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Live It Up, Mama</b></i> es más boogie rock, pero aquí, a diferencia de la canción anterior, noto más ganas, por lo que supongo que este tema no fue escrito como relleno, igualmente los integrantes del grupo muestran una excelente ejecución, por lo que se puede decir que tiene su mérito. Muy bueno.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>The Call of The Woman</b></i> es tal vez el otro tema icónico del grupo, especialmente porque luego en los 80's, los de Transmetal hicieron una versión que a mí en lo personal no me gusta y mejor no hablaré de la calidad de esa versión para no perder rumbo, pero igualmente aquí nos encontramos con otro puñetazo de heavy psych, esta vez más lento y con ecos de los grandes Mountain, pues es un tema más lento que <i><b>Bajo el Signo de Acuario</b></i> y <i><b>69</b></i>, pero igual de guitarrero y pesado, en el que incluso la voz de Pablo Cáncer me recuerda de cierta forma a la del gran Leslie West. Con muy buena razón, este tema es icónico. Espléndido.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Interwine</b></i> y <i><b>Sunday's Coming</b></i> suenan al mejor Grand Funk, es decir, al de los primeros discos en los que fueron un power trio, y es por eso que las disfruto muchísimo, todo en ellas me parece interesante. Temazos.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Para cerrar tenemos a <i><b>Count Down</b></i>, la cual es probablemente el tema más cercano al proto-progresivo que ha hecho el grupo en toda su carrera, pues encontramos ciertos cambios de ritmo con cierta influencia jazzera que de alguna manera me recuerdan un tanto a algunos de los grupos contemporáneos como los Dug Dug's, el Ritual o incluso a Nuevo México en sus inicios, cosa que hace a este tema muy meritorio, pues muestra que Enigma era un grupo con músicos excelentes que además podían hacer cosas con mucho nivel como esta canción. Espléndido.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">El debut de Enigma no es simplemente un disco importante para la época de Avándaro, sino que es un álbum que tiene importancia por ser primerizo en su estilo y por tener temas que son de interés para cualquiera que se diga fan del heavy psych, pues además de mostrar mucha calidad, los temas son exactamente lo que los seguidores de dicho estilo buscamos, por lo que si eres de los nuestros, no esperes a bajarlo.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-wI1DpV--Vmk/YWB5Eo947vI/AAAAAAAASeU/9XI2pH6Eep0SvBNAvWcwsdJ6ilnyFNB4wCLcBGAsYHQ/s960/10514484_10202317016238752_6536578373737098174_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="748" data-original-width="960" height="363" src="https://1.bp.blogspot.com/-wI1DpV--Vmk/YWB5Eo947vI/AAAAAAAASeU/9XI2pH6Eep0SvBNAvWcwsdJ6ilnyFNB4wCLcBGAsYHQ/w467-h363/10514484_10202317016238752_6536578373737098174_n.jpg" width="467" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/9kgsi" target="_blank">DESCARGA</a></span></div></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-86316138467505468912021-09-27T22:46:00.003-05:002021-09-27T22:46:27.518-05:00Sobre las reseñas pendientes<div style="text-align: center;"> Buenas noches, hoy decidí comunicarme con ustedes, ya que les prometí desde la semana antepasada la nueva reseña, sin embargo, he tenido un bajón creativo importante debido a que desde el verano no he tenido un descanso de calidad y ahorita estoy intentando volver a dormir a mis horas, sin embargo, aún no me acabo de sentir tan lúcido como debería y eso me ha provocado que me esté tardando en escribir las nuevas reseñas, pero esperemos que para mañana o pasado ya estén, por otro lado, sigan al pendiente porque habrá más cosas durante todo Octubre y Noviembre con respecto a los 50 años de Avándaro.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">¡Hasta la próxima!</div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-65160766071055208922021-09-09T21:43:00.004-05:002022-09-22T07:24:05.462-05:00La Revolución de Emiliano Zapata - La Revolución de Emiliano Zapata (1971) y Hoy (1972) [Repost]<div style="text-align: center;"> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi75TXVsL5NQuECnMuh21_fTdKO7G4PEYJD5e9_Q_8TH5qDIEQR_Ki-rJKqQGlH4bNlbsoK4shAAsifCVoi8ZVaWmPsrBZwEt-abiIJTdvRj5WSOrGjrGdMdOnIFXWAkvL3XUAWr02QPwY7/s1600/327755_231424916921639_74130444_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1066" data-original-width="1600" height="301" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi75TXVsL5NQuECnMuh21_fTdKO7G4PEYJD5e9_Q_8TH5qDIEQR_Ki-rJKqQGlH4bNlbsoK4shAAsifCVoi8ZVaWmPsrBZwEt-abiIJTdvRj5WSOrGjrGdMdOnIFXWAkvL3XUAWr02QPwY7/w453-h301/327755_231424916921639_74130444_o.jpg" width="453" /></a><br />Hola de nuevo a todos, sean bienvenidos a este nuevo post del especial de psicodelia mexicana en conmemoración de los 50 años del Festival de Avándaro, esta vez tuve que apurarme en hacer esta reseña y en subir el disco, ya que resulta ser que el especial fue un éxito inesperado, pues por ejemplo, la entrada del Ritual en una semana llegó a más de 500 visitas e igualmente la publicación de los Dug Dug's llegó a un número lo suficientemente grande en un poco más de una semana, cosa que me dejó contento, pues cuando el blog regresó a la actividad constante en Abril, yo esperaba que las entradas de grupos gringos e ingleses levantaran al blog, sin embargo, todas lograron tener un número de visitas mediano en un transcurso de 1 a 2 semanas e incluso a algunas publicaciones tuve que hacerles doble publicidad para que llegaran a un número decente de visitas e incluso algunas tuviesen comentarios, por lo que tuve que llegar a la conclusión de que la mayor parte del público de OutsideInside Music no viene tanto por los grupos extranjeros, sino esperando a que aquellos discos de rock mexicano que alguna vez publiqué por allá entre el 2010 y el 2012 estuviesen actualizados, por lo que les tengo buenas noticias, el especial se extenderá hasta Octubre y si ustedes lo piden, es posible que lo pueda extender hasta Noviembre, por lo que espero que comenten su parecer e incluso que hagan sus proposiciones para publicar aquí, cosa que me ayudará muchísimo para hacer al especial más completo, por otro lado, no tengo más que decir al respecto y ¡Hasta la próxima!</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Estos discos de la Revolución de Emiliano Zapata fueron publicados en el blog por primera vez en el otoño del 2010, cuando este blog comenzaba a hacerse un nombre, aunque estaban en unos ripeos en Mp3 bastante malos y sin el arte completo, luego el debut lo volví a publicar en el verano del 2012, esta vez siendo mi propio ripeo en FLAC y con el arte completo, después en Enero del 2013 volví a postear el segundo, igualmente con mi ripeo y el arte completo, debo mencionar que ambos son los remasters en Mini-LP que sacó la Universal en el 2009, después se pasaron años hasta que ahorita decidí volverlos a publicar, pero esta vez decidí hacer un post más o menos completo, ya que además de incluir los ripeos que hice, decidí incluir varias versiones que me he encontrado, entre ellas: las primeras ediciones en CD de ambos discos, un bootleg mexicano del debut ripeado por Carmor de Viaje al Espacio Visceral, otro que es un ripeo de una remasterización en vinilo en 24/96 que me encontré en Rutracker y finalmente un bootleg ruso del 2017 que también me encontré en esa página, todo esto para comparar la calidad de cada uno.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">La Revolución de Emiliano Zapata se formaron en 1969, cuando la influencia de la contracultura proveniente de los anglosajones se estaba haciendo latente en México y ellos querían hacer un grupo que sonara similar a sus ídolos (Quicksilver Messenger Service, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Jeff Beck, entre otros), por lo que pronto, después de haber estado ensayando con guitarras acústicas, se compraron su equipo que constaba de guitarras Gibson, Rickenbacker, Vox y Fender junto con amplificadores Kustom (que en aquel entonces eran muy baratos por ser de transistores) y pronto comenzarían a tocar en fiestas, lugares nocturnos y escuelas, por lo que en 1970 comenzaron a escribir canciones originales, entre ellas la icónica <i><b>Nasty Sex</b></i> que básicamente fue compuesta para un concurso de la estación de radio Ondas de Alegría en el que terminaron ganando frente a los Papos (otro grupo popular de la escena de Guadalajara) y así firmaron un contrato con la Polydor que resultó en la grabación de su primer sencillo, que marcaría un antes y un después en la historia del rock nacional y así junto con los Spiders, ellos serían los principales impulsores del movimiento conocido como "la Onda Chicana" y así este tuviera una explosión importantísima que marcaría el rompimiento definitivo con los refritos y así comenzaría una época muy promisoria dentro del rock mexicano que finalmente terminaría siendo truncada por el Avandarazo y a unos de los primeros en afectarle esto fue a la Revolución de Emiliano Zapata, quienes en 1972 seguían siendo el grupo más popular del país y repentinamente se vieron reprimidos hasta tal punto que ya no podían tocar en los lugares donde solían hacerlo y esto dio paso a que cambiaran de estilo en 1975.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">La Revolución de Emiliano Zapata (1971)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzwMMIk0Jt13hR8sXXQKvCPC-yh7otP1YcsSuTol7lO9lQSDzXei3vS5yGGWQMCFaaf59D86On6-Gda-ourd09uwU8FfPNE-a6M1U3QqjKWBi9_Q1n0r_M3PsUIceMKBYwdIfDi33BNXM9/s3212/Revo+001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3212" data-original-width="3162" height="415" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzwMMIk0Jt13hR8sXXQKvCPC-yh7otP1YcsSuTol7lO9lQSDzXei3vS5yGGWQMCFaaf59D86On6-Gda-ourd09uwU8FfPNE-a6M1U3QqjKWBi9_Q1n0r_M3PsUIceMKBYwdIfDi33BNXM9/w409-h415/Revo+001.jpg" width="409" /></a></div><div style="text-align: center;">En Abril de 1971 salió su primer disco de larga duración también bajo el sello de Polydor, en el que básicamente podemos encontrar la fórmula que los hizo conocidos, por un lado está el rock ácido guitarrero influenciado por el sonido de San Francisco y por el otro está el folk rock psicodélico que incluye guitarra acústica, flauta transversal y armónica, sin embargo, habría que mencionar que aquí el grupo todavía suena algo inmaduro, pues a pesar de que sus canciones muestran muchísimo potencial, ya que la mayoría son grandes melodías, la ejecución del grupo muestra algunos riscos importantes que desbalancean un poco al álbum en general, como por ejemplo, cierta descoordinación entre los instrumentos, la producción un tanto rudimentaria -aunque muestre mucha mejoría en relación al sencillo original de 1970- y el inglés malísimo de Oscar Rojas y los demás integrantes que le hacen coros, sin embargo no todo está perdido, pues tenemos a un grupo capaz de componer melodías memorables y que a pesar de sus carencias, su ejecución desborda de honestidad y pasión, cosa que definitivamente los llevó a estar en un lugar muy alto dentro de la psicodelia mexicana, algo que incluso para muchos contemporáneos suyos fue una tarea imposible, teniendo en cuenta que en ese momento estaban en la cúspide grupos como el Ritual, los Dug Dug's, los Spiders, la Comuna, Antorcha, la Verdad Desnuda, la Fachada de Piedra, el 39.4 y Love Army, todos ellos músicos de primera.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco inicia con la icónica <i><b>Nasty Sex</b></i>, la canción más importante y trascendente de la psicodelia mexicana, pues fue tanta su magnitud cuando salió por primera vez en 1970, que su éxito no fue simplemente algo regional, sino que entró en las listas de popularidad de Estados Unidos y de Europa, cosa que ningún otro grupo mexicano de aquel entonces logró, lo que les hizo ganar 5 medallas por haber hecho tal logro. Ahora, hablamos más propiamente de la música, estamos ante un tema con una composición extremadamente sencilla en la que apenas se conjugan tres acordes y en la que su mayor base melódica son las canciones<i><b> Born on The Bayou</b></i> de los Creedence y <i><b>Honky Tonk Women</b></i> de los Rolling, sin embargo es en la guitarra solista de Javier Martín del Campo donde se encuentra el aspecto psicodélico que la sitúa dentro del rock ácido, pues aquí encontramos a un virtuoso que se encuentra en la escuela que dejó la escena de San Francisco, especialmente John Cipollina, pero igualmente se encuentra situado en la escuela que dejaron guitarristas como Jeff Beck y Alvin Lee y por otro lado, la letra ha sido motivo de controversia, por ejemplo esto hizo que Parménides García Saldaña los tildara de "fresas" y que el intento fallido de periodista y trovador lumpenburgués Hugo García Michel los llame "conservadores y retrógradas", pues básicamente lo que la letra nos relata es un regaño a una chava que anda teniendo sexo casual con hombres irresponsables para que se enfoque en el amor real, cosa que curiosamente hoy no suena nada retrógrada o conservadora, sino que al contrario, hoy resulta ser algo completamente honesto, especialmente en la actualidad donde las relaciones con otras personas ya no tienen ningún cimiento y esta carencia se ve reflejada en la promiscuidad y esta termina siendo justificada por el discurso identitario y políticamente correcto. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Melynda</b></i> es tal vez la canción que más se acerca al garage rock sesentero, por su relativa simpleza estructural, su ritmo algo veloz, sus acentos marcados por un bajo fuzzeado y su ataque guitarrero que de nuevo es lo que otorga el aspecto psicodélico a la canción. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>I Wanna Know</b></i> es folk rock psicodélico garajero de tonos melancólicos que recuerda a los gringos Negative Space (<i><b>The Long Hair</b></i>) o a sus contemporáneos, también jaliscienses la Quinta Visión (<i><b>Suddenly</b></i>) y es que estamos ante un tema bastante tranquilo y melancólico en el que los instrumentos que toman protagonismo son la flauta transversal y la armónica. Muy bueno.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>If You Want It</b></i> es rock ácido al más puro estilo de Quicksilver Messenger Service, pues aquí encontramos esa atmósfera melodramática tan propia de aquel cuarteto sanfranciscano, así como también a Javier Martín del Campo haciendo su mejor impresión del estilo de John Cipollina e igualmente algo que se me hizo sumamente interesante fue la inclusión de un solo de bajo con fuzz, un recurso relativamente poco común que solo se los he escuchado a muy pocos grupos, entre ellos a los enormes Ill Wind (<i><b>Dark World</b></i>) y a unos cuantos grupos más. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Shit City</b></i> o <i><b>Ciudad Perdida</b></i> es un tema completamente instrumental de rock ácido, en donde los ecos del sonido de San Francisco se vuelven a hacer patentes pero igualmente la influencia del surf, cosa que me parece sumamente interesante teniendo en cuenta que México no había tenido a grupos de surf durante principios y mediados de los 60's, y no fue hasta relativamente hace poco tiempo que surgieron grupos del estilo, por lo que estamos ante un tema que curiosamente se adelanta al surgimiento de ese subgénero en México y al mismo tiempo es una de las pocas canciones instrumentales del rock mexicano de aquella época, por eso es que también se convirtió en otro tema icónico del grupo. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>A King's Talk</b></i> o como la tradujeron en su momento, <i><b>Pláticas de un Rey</b></i>, es un rock ácido que de nuevo tiene tintes melancólicos, pero con la novedad de introducir la influencia de la música medieval, cosa que me parece también sumamente interesante, teniendo en cuenta que como he venido diciendo anteriormente, el rock mexicano tiene la mala fama de ser paupérrimo tanto en ejecución como compositivamente hablando, al punto de que un buen amigo de Tamaulipas dijo correctamente que en su mayoría está al nivel de aficionado, sin embargo, lo que notamos aquí, es que a pesar de que al grupo le faltaba pulir su ejecución y sus composiciones, aquí ya estamos hablando de una melodía magistral y que muestra un refinamiento que generalmente solo podríamos atribuirle a un grupo extranjero y que definitivamente pone a la Revo en un lugar muy alto dentro del rock mexicano de la época como venía diciendo más arriba e igualmente se incluye una sección que hace eco de <i><b>The Fool</b></i> de Quicksilver Messenger Service. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Still Not, Not Yet</b></i> vuelve al rock ácido guitarrero, de nuevo con ecos de San Francisco aunque esta vez más garajero y más crudo, en el que de nuevo la guitarra hace gala. Muy bueno.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>At the Foot of the Mountain</b></i> recuerda a Phil Pearlman en su época con Relatively Clean Rivers o al Pájaro Alberto con Sacrosaurio, es decir, es folk rock psicodélico algo campestre y con un sabor muy hippie que incluye guitarra acústica y flauta transversal, de nuevo, la melodía está en tono melancólico. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco cierra con<i><b> Under Heavens</b></i>, un tema que suelo disfrutar mucho por su combinación del tono melancólico que venían manejando en algunos de los temas anteriores junto con lo guitarrero y me parece un excelente cierre para un disco que si bien no llega a ser una obra maestra absoluta a pesar de incluir tres temas que sí llegan a serlo, ya es un excelente comienzo para un grupo que de otra manera sí terminaría creando uno de los mejores discos hechos en México que curiosamente fue el soundtrack de la película la Verdadera vocación de Magdalena, pero aquí ya se nota a un grupo con mucho potencial artístico pero que todavía no pulía por completo sus ideas.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Hoy (1972)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYu0sKK4yx1EZ-OSMuNUTGgRAZ9-v4X1U_O8mST-R9FuARf04afaoPCCTyLHOTp2-IkLCC6gKq9ToCeBqdmNZT_-lT49W3tRMTd6SRb90b8sFn_DhP0q7y1AWJcyD_Ceng1_FRnaXR1H2m/s2525/Booklet01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1245" data-original-width="2525" height="252" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYu0sKK4yx1EZ-OSMuNUTGgRAZ9-v4X1U_O8mST-R9FuARf04afaoPCCTyLHOTp2-IkLCC6gKq9ToCeBqdmNZT_-lT49W3tRMTd6SRb90b8sFn_DhP0q7y1AWJcyD_Ceng1_FRnaXR1H2m/w510-h252/Booklet01.jpg" width="510" /></a></div><div style="text-align: center;">A finales de 1971, la Revolución de Emiliano Zapata seguían siendo el grupo más popular de México, al punto de que la gente podía amontonarse en gran cantidad con tal de estar en uno de sus conciertos e incluso si no mal recuerdo (espero que alguien me lo confirme) incluso la gente llegó a romper algo en un salón de Veracruz por la cantidad inmensa de gente en un espacio relativamente reducido, por lo que estaban considerados en el plan original del Festival de Avándaro, en el que iba a haber una carrera de coches y una noche mexicana amenizada por los músicos jóvenes más importantes de ese momento: Javier Bátiz y la Revolución de Emiliano Zapata, cosa que finalmente terminó siendo descartada, debido a que Javier Bátiz se sentía una diva y quiso que le cubrieran todo, incluyendo una habitación en el hotel Avándaro y la Revo tuvieron que rechazar la propuesta porque tenían su agenda cubierta para Septiembre de 1971, por lo que no estuvieron en Avándaro. En ese mismo tiempo, el grupo se había mudado al Distrito Federal y empezaron las tensiones entre los miembros, sin embargo su popularidad era tan alta en ese momento, que fueron elegidos para que fuesen el grupo que saliera en el debut como guionista de Jaime Humberto Hermosillo <i>La verdadera vocación de Magdalena</i> que estaría protagonizada por Angélica María y nadie más, ni nadie menos que Javier Martín del Campo, guitarrista del grupo, en la cual el grupo hace una aparición ficticia en el Festival de Avándaro y ellos son los que hacen la mayor parte de la música del filme, igualmente la película aborda un tema espinoso en su tiempo, el de como la juventud de aquel entonces era reprimida por su familia y la sociedad.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El segundo disco de la Revo, que según el mismo "Javis" fue también homónimo, pero se le suele conocer con títulos como <i>Hoy</i>, <i>Nada del hombre me es ajeno</i> o <i>Tema de la película...</i>, salido en noviembre de 1972 a la par de la película (que se había filmado un año antes), muestra a un grupo maduro tanto en cuestiones compositivas como en la ejecución, pues se escucha mucho más esmero en ambas, pero también encontramos a un grupo con un sonido enriquecido, pues además de su firma que era el rock ácido combinado con momentos de folk psicodélico, encontramos más elementos de soul, blues, balada romántica, música de protesta latinoamericana, algunos elementos "latinos" y hasta algo de progresivo temprano, por lo que podemos decir que estamos ante un disco muy completo, diverso y que reboza en calidad, al punto de que definitivamente se encuentra entre lo más alto a lo que el rock nacional pudo alcanzar y es por eso que vale decir que es en pocas palabras, una obra maestra, igualmente la portada es una belleza de arte psicodélico que hace eco tanto del debut de Kaleidoscope como del <i>Disraeli Gears</i> de Cream.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El álbum inicia con <i><b>In The Middle of The Rain</b></i>, la cual comienza con unos cantos cuasi-gregorianos que bien podrían recordar a los enormes Ill Wind (<i><b>Full Cycle</b></i>) o a los Yardbirds (<i><b>Still I'm Sad</b></i>), para luego convertirse en un tema de psicodelia ácida frenética e intensa, con una pasión y una energía desbordantes y contagiosas, en el que el grupo suena completamente cohesionado y su ejecución es magistral en cada momento e incluso Oscar Rojas se escucha mucho mejor aquí, pues por un lado su voz se escucha más expresiva y su Inglés muestra mucha mejoría al punto de no sonrojar tanto como lo hacía en el debut, igualmente los solos del "Javis" ya no suenan tanto como intentos de clonar el estilo de John Cipollina, Jeff Beck o Alvin Lee, aunque aún se puede notar la influencia hasta cierto punto, sin embargo, aquí suena más psicodélico que nunca, igualmente la inclusión de las coristas Marylú Bano y Patricia McLean funciona de forma excelente en la canción, pues ambas contaban con unas voces muy dulces y bellas que quedaban perfectas para lo que estaban haciendo en este tema. Obra maestra de principio a fin.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En el segundo tema viene <i><b>Now Listen This Song</b></i>, que a diferencia del tema anterior, aquí estamos ante un sereno y delicado tema de folk psicodélico que incluye guitarra acústica arpegiada, una batería muy suave, bajo y flauta transversal, mientras que de la voz principal se hace cargo ahora Carlos Valle Ramos, quien posee un tono más delicado y limpio que Oscar Rojas, aunque también en el registro de tenor lírico, igualmente los coros de Marylú y Pati son bellísimos aquí también. Otra obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Ahora le toca el turno al "Javis" de cantar en <i><b>Petra y sus Camaradas</b></i>, un tema de blues souleado y pesado con tintes "latinos" y cierto tufo de rock ácido hendrixiano que es guitarrero por donde se le vea y que hace eco de lo que habían venido haciendo sus también contemporáneos la Fachada de Pïedra, con quienes más tarde compartirían miembros, igualmente la interpretación vocal de Javier Martín del Campo, a diferencia de la de Oscar Rojas y la de Carlos Valle, suena más agresiva y blueseada, en la que puedo escuchar la influencia de John Fogerty, además del mismo peso de voz, por lo que yo supongo que en ese preciso momento, el "Javis" tenía el registro de tenor dramático o tal vez de tenor spinto. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Again</b></i> es otra de las grandes obras maestras del grupo, pues aquí estamos hablando de uno de los temas más hermosos que se hayan compuesto en toda la historia del rock mexicano, dejando en claro que fue en este preciso momento cuando el rock estaba en su punto más álgido en cuanto a creatividad y ejecución, algo que finalmente se probó irrepetible en los años venideros en los que el rock se vulgarizó a tal punto que la mayor parte del material resultó de mediano a patético. El tema en cuestión es también folk psicodélico, esta vez con algunos tintes de progresivo también, lo que lo enriquece aún más. Por otro lado, la instrumentación consiste en guitarra acústica arpegiada, piano, maracas, bajo, batería y flauta transversal y la interpretación de Oscar Rojas es muy expresiva, cosa que me hace preferirla sobre la de Angélica María, para la incomodidad de otros, pues a pesar de que Angélica María hizo una muy buena interpretación que lamentablemente solo salió en la película, creo que pudo haber dado mucho más, teniendo en cuenta que poseía una muy buena voz y que ella cantaba muy bien incluso en las baladas y los temas de pop que solía cantar por su lado, sin embargo, lo que me gusta de la interpretación de Oscar Rojas es que le dio la expresividad que va de acuerdo con la composición, además de darle ese aspecto psicodélico en algunas partes donde su voz se escucha empapada de eco. Por otro lado, este tema es una de las mayores (y de las más olvidadas, también) obras maestras del rock mexicano, pues está en un nivel que la mayoría de los grupos y cantautores (especialmente los penosos troveros del "movimiento rupestre") que vendrían especialmente hacia los 80's no lograrían alcanzar.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Preludio a la Felicidad</b></i> es básicamente una balada de tonos melancólicos con una letra contrastantemente optimista y esperanzadora que para muchos pecará de empalagosa, la cual incluye instrumentos como violoncelo, violines, guitarra acústica y batería, por otro lado, es la única canción de la alineación original de la Revo que está cantada en Español en lugar del típico Inglés, lo que la hace muy interesante en su especie y musicalmente es excelente aunque poco tenga que ver con el rock, pero es una muestra de lo grandes que eran como banda y que podían darse el lujo de salirse brevemente de la rutina del rock para hacer cosas como esta. Espléndido tema.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Fatman</b></i> o <i><b>el Kuino</b></i>, es tal vez el tema más flojo del disco y que posiblemente se conecta más estilísticamente con el debut, y es que es un tema enérgico, directo y guitarrero, pero tiene unos detalles muy puntuales que de algún modo la arruinan, pues por un lado tenemos la soberbia interpretación instrumental del grupo pero por el otro, la composición no es tan buena, pues por un lado tenemos un estribillo un poco molesto, a un vocalista que en temas anteriores había mejorado muchísimo en su labor que ahora muestra un retroceso al cantar bastante gangoso y forzado y por si no fuera poco, tenemos a unas coristas que tienen unas voces hermosas haciendo una infumable imitación de Janis Joplin (una vaca sagrada, temo decir), por lo que se podría decir que es un intento de alguna manera fallido de imitar el sonido de Big Brother & The Holding Company (<i><b>Combination of The Two</b></i>) y también uno de no querer alienar al público que se habían ganado con el disco anterior. Bueno a secas.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Las cosas se vuelven a componer con <i><b>So Long Ago</b></i>, que es una bellísima canción de folk psicodélico hippioso y campestre en el que se incluyen bongós, pandero, violín, flauta transversal, guitarra acústica rítmica y con slide, que guarda una muy sospechosa similitud con <i><b>How Do You Feel?</b></i> de Jefferson Airplane y <i><b>Good Old Friends</b></i> de The Yankee Dollar. Por otro lado, la interpretación vocal de Carlos Valle me recuerda al inmenso George Harrison, pues a pesar de que no fuese un cantante super entrenado, canta con mucha pasión y sentimiento lo cual inevitablemente se termina reflejando en la interpretación y los coros de Pati y Marylú son especialmente hermosos, lo que me hace compararlas aquí con la enorme Conny Devanney de Ill Wind o incluso con la gran Lynda Squires de Reign Ghost, pues sus interpretaciones realmente son para quitarse el sombrero, contrario a la que hicieron en el tema anterior. Otra obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco cierra con broche oro con <i><b>I Dig It</b></i>, tema que suena a rock ácido con tintes "latinos" que parece una mezcla entre Santana, Big Brother and The Holding Company y hasta algo de Frijid Pink por su acercamiento momentáneo al heavy psych ocasionado por la guitarra del "Javis" que aquí parecería como si a Gary Ray Thompson le hubiese dado por tocar temas de Santana, lo que me parece algo sumamente interesante e igualmente se agradece que esto no haya sido breve y se haya convertido en un jam que dura más de 10 minutos que incluye el solo extendido de guitarra, percusiones, bajo y timbales, por otro lado, Oscar Rojas vuelve a sonar bastante bien aquí y la imitación de Janis de las coristas Marylú y Pati no suena forzada y molesta como en <i><b>Fatman</b></i>, lo que me parece una mejoría muy considerable, ya que aquí suenan mucho mejor y me recuerdan a Ruth Copeland. Extraordinario cierre.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Este disco es definitivamente es la joya perdida del rock mexicano de la época de Avándaro y es sorprendente que no suela ser mencionado entre los mejores discos de la época en las listas especializadas, pues es un álbum que reboza en calidad y que está en un nivel en el que muy pocos pudieron entrar, por lo que si alguien no lo ha escuchado, lo recomiendo ampliamente, es una obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Ahora vamos a hablar de los temas extra incluidos en los remasters:</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">La versión del sencillo de <i><b>Nasty Sex</b></i> suena como un demo de audición, pues la producción es nula, sin embargo lo que podemos destacar aquí es la inclusión de congas que le dan un aire más "latino", aunque la versión del LP me sigue pareciendo superior.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Gonna Leave</b></i> salió en un EP en 1973 y está interpretada por la segunda alineación del grupo que consistía en Javier Martín del Campo de la guitarra, Antonio Cruz en la batería, Adrián Cuevas en el bajo, Jorge Gamiz en la voz y Tomás Yoakum de la Fachada de Piedra en las congas y la segunda voz, y básicamente a lo que estamos enfrente es a un rock latino bastante genérico que deja escuchar, pero que no presenta ningún avance artístico para el grupo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Pigs</b></i> es todo lo contrario, pues es básicamente una combinación entre el heavy psych blusero de la Fachada de Piedra con el sonido de la Revo de este tiempo, lo que lo hace un tema muy bueno.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Congore Tumbero a la Mar</b></i> salió en otro EP salido también en 1973, el cual concluiría la discografía rockera del grupo hasta el 2009, pero esa es otra historia. La música tiene esta vez ecos de la época de Quicksilver Messenger Service liderada por Dino Valenti y de Santana, es decir, es rock latino medio funkeado con algo de psicodelia con letra en Español.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Bad Dreams</b></i> es más rock latino genérico en la línea de <i><b>Gonna Leave</b></i>, aunque de mejor calidad en mi opinión.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Mr. Jones</b></i> vuelve a tener ecos del QMS de Dino Valenti al mismo tiempo de que <i><b>Sympathy for The Devil</b></i> de los Rolling, es decir, es psicodelia funkeada con elementos latinos, con percusiones pegajosas y un "Javis" que vuelve a sonar cipollinesco e incluso esta vez usa un echoplex que me recuerda a los jams extendidos de la canción <i><b>Mojo</b></i> de QMS en el que John Cipollina lo utilizaba extensamente. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/4xm0e" target="_blank">DESCARGA</a></span></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-87172270493970449932021-08-30T07:37:00.012-05:002023-12-12T01:17:51.945-06:00Los Dug Dug's - Antología del Rock Vol.1: De Durango al Sonido Tijuana (2020)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgn_0j0jwOR9ioz1zF1eiDt50BZDxN7Zp2DcUMkvNC9oDPJD2yQPzmdDRDowQ8yDA-eUu2BOR9YEoTzMR6PACnrEPCVNUGF3Sf-6e3lJgzn_kgYgnIizzaXre_x3tL1x_ntIy_z0S66AWuc/s2048/Dug+Dug%2527s+001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="2018" height="422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgn_0j0jwOR9ioz1zF1eiDt50BZDxN7Zp2DcUMkvNC9oDPJD2yQPzmdDRDowQ8yDA-eUu2BOR9YEoTzMR6PACnrEPCVNUGF3Sf-6e3lJgzn_kgYgnIizzaXre_x3tL1x_ntIy_z0S66AWuc/w416-h422/Dug+Dug%2527s+001.jpg" width="416" /></a></div><div style="text-align: center;">Estimados lectores, como ya sabrán, he tenido complicaciones con actualizar el blog semanalmente, sin embargo, debo decirles que estoy gratamente impresionado que la publicación anterior haya llegado a más de 500 visitas en un poco más de una semana, por lo que hoy les traigo esta caja de discos que salió a fines del año pasado, la cual tenía pendiente de subir desde que la tuve en las manos, pero decidí posponer su publicación y creo que con el acercamiento del aniversario de Avándaro, es menester publicar parte de mi colección de rock mexicano de la época que incluye tanto a grupos que estuvieron presentes como a los contemporáneos que no estuvieron, uno de ellos son los Dug Dug's, los cuales fueron un grupo fundamental en el movimiento conocido como "la Onda Chicana" y además de todo, fueron los que abrieron el Festival de Avándaro aquel 11 de Septiembre de 1971.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Por otro lado, este post de alguna manera es un repost, pues si tenemos en cuenta que casi todos los discos del grupo ya habían sido publicados por aquí hace un poco más de 10 años, esta entrada también cuenta como una actualización a estos, pues aquellas publicaciones tenían mis propios ripeos de los remasters anteriores que se los compré directamente a Armando Nava en el verano del 2010, los cuales estaban en Mp3 de 320kbps y ahora estos están en FLAC, pero en lo que quiero poner énfasis es que estos remasters tienen dos cosas que me gustaron, la primera es que están editados en Mini-LP y la otra es que el sonido es mejor que el de los anteriores, los cuales sonaban bastante sibilantes, es decir, con una ecualización que tenía exceso de frecuencias agudas que comienzan desde los 4 khz en adelante, mientras que estos suenan más atenuados, algo que me agradó bastante, por lo que espero que disfruten esta caja y ¡Hasta la próxima!</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">La historia de los Dug Dug's comienza hace 61 años en Durango, Durango, lugar en el que el grupo de covers Xippos Rock le habló a un jovensísimo Armando Nava, que en aquel entonces era conocido como "el Latino" por su gusto por el grupo argentino los 5 Latinos para que colaborara en el recién formado grupo que unos años después se trasladaría a Tijuana, California en búsqueda de la suerte y fue ahí donde descubrieron a los Beatles, grupo que les cambiaría la vida y del que tomarían la vestimenta y repertorio. Después de años de tocar en Tijuana, deciden pasarse al Distrito Federal, en el que adoptarían el nombre de los Dug Dug's (abreviación de DUranGo, DUranGo) y así comenzarían a hacerse de renombre, al punto que fueron contratados para grabar el tema de un programa de televisión infantil, de tocar como grupo de acompañamiento de Roberto Jordán para un sencillo y para salir en la película 5 de fresa y 1 de chocolate en la que colaborarían con Angélica María, grabando una música esta vez influenciada por la psicodelia gringa y la británica, poco después se irían a intentar algún éxito a Nueva York, en donde grabaron algunos demos de las canciones que terminarían en su debut de 1971, pero el éxito no les llegaría hasta que el nuevo movimiento de rock en México ganara popularidad y así su psicodelia con canciones originales se hiciese notar junto con la de otros grupos como la Revolución de Emiliano Zapata, el Ritual, la Fachada de Piedra, la Comuna, la Máquina del Sonido o los Spiders, lo que los llevó a ser contratados para el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, que se celebró el 11 y el 12 de Septiembre de 1971.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Después del Festival, llegó el famoso avandarazo, que fue la prohibición implícita y totalitaria del rock en los medios de comunicación masivos, por lo que al igual que otros de sus contemporáneos, los Dug Dug's se vieron en la necesidad de tocar en los famosos Hoyos Fonquis durante toda la década, sin embargo, el grupo persistió hasta nuestros días, gracias a que también el internet ha ayudado mucho a que su música tenga exposición en otros países como Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Suecia, España, Italia y Japón, de donde también han surgido ediciones piratas de sus discos que aún se pueden encontrar en Discogs o en el Chopo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Hablar musicalmente de los Dug Dug's es hablar del grupo más variopinto y polifacético que ha tenido el rock mexicano, a pesar de lo que puedan decir muchos, lo que hace a los Dug Dug's merecer ese título es que empezaron justo en la época en la que el rock and roll comenzaba a tener eco en el país para luego adoptar la vestimenta y el sonido de los Beatles, los Kinks y los Yardbirds, aunque con el paso del tiempo también tomaron influencia del garage rock gringo, especialmente de los Seeds y de Tommy James y los Shondells, para finalmente pasar a psicodelizarse y a adoptar la vestimenta hippie proveniente de Estados Unidos lo que finalmente produjo un debut de una diversidad muy psicodélica, sin embargo, con el surgimiento de una nueva alineación, el grupo pasó a convertirse en un power trio que no olvidaba sus raíces psicodélicas y las enriqueció con hard rock, folk, pop y algo de progresivo temprano, cosa que dio como resultado al disco <i>Smog</i> lanzado a principios de 1973, para los siguientes años, el grupo volvió a tomar un sonido más orientado al pop psicodélico sesentero con el fin de entrar a las estaciones de radio y a las listas de popularidad (cosa que solo pasó en algunos estados del pacífico y el norte, debido a que en la capital mexicana todo lo que oliera a psicodelia, hippies o a Avándaro estaba completamente vetado de los medios de comunicación masivos), sacando así <i>Cambia, Cambia</i> en 1975, que según el líder, cantante y guitarrista principal del grupo, estuvo compuesto por temas que había compuesto desde 1967, pero que fueron finalmente grabados hasta 1973-74 y finalmente su último álbum de estudio que sería <i>El Loco</i> de 1978 sería una condensación de todo lo que habían recorrido anteriormente así como también una especie de transición a su nuevo sonido puramente progresivo, que explorarían al máximo con el tema <b>Open Your Mind</b>, que fue grabado en 1978 y lanzado hasta 1985 en la recopilación <i>Abre Tu Mente</i>, que pronto será re-posteada también.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Dug Dug's (1971)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaLoWnaSQBLJkhVT9zkdbHf5KLPMIN_-g-JItv_D0pUAHPmD29ZkmI-ILCVr-tK2T8BFqtixLVvwsNh6eZh6UmNYDbd8fQ3Vp0A5vrRDaFQ2VO74x3I76yv8NoeeZKYt8kAySKlz4SszjS/s2048/Dug+Dug%2527s+001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1996" data-original-width="2048" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaLoWnaSQBLJkhVT9zkdbHf5KLPMIN_-g-JItv_D0pUAHPmD29ZkmI-ILCVr-tK2T8BFqtixLVvwsNh6eZh6UmNYDbd8fQ3Vp0A5vrRDaFQ2VO74x3I76yv8NoeeZKYt8kAySKlz4SszjS/w435-h424/Dug+Dug%2527s+001.jpg" width="435" /></a></div><div style="text-align: center;">El debut homónimo de los Dug Dug's saldría en Noviembre de 1971, con la estrategia de que después del Festival de Avándaro, el disco se iba a vender como pan caliente, sin embargo, fue algo que al parecer no pasó, ya que con el Avandarazo el rock quedó sepultado en la clandestinidad de los Hoyos Fonquis, lugares en donde el nombre de los Dug Dug's era uno de los principales referentes junto con el Three Souls In My Mind, Enigma, Toncho Pilatos y Vox Populi, pero no nos adelantemos, ya que eso vendrá más adelante y es que este álbum fue grabado un año antes de Avándaro, sin embargo, por decisiones de la disquera, salió hasta después del festival, además de que también la repentina detención de Jorge de la Torre alias "la Borrega", quien estuvo un año y medio en la cárcel por traer un cigarro de marihuana consigo fue algo que hizo que el lanzamiento del disco demorara hasta Noviembre de 1971 junto con un sencillo grabado un poco antes que contenía las canciones <i><b>Stupid People</b></i> y <i><b>Joy To The People</b></i>, después de re-grabadas para el disco <i>El Loco</i> de 1978.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>Dug Dug's</i> (como dice en su logotipo con alguna variación de la tipografía Art Tone de Seymour Chwast) es un disco que yo definiría como una especie de psicodelia ecléctica, pues aquí podemos encontrar temas de rock ácido guitarrero, pop psicodélico colorido, soul, beat beatlesco y bellas baladas pastorales de folk psicodélico jazzeado que ponen al grupo en las mismas ligas que el Ritual, los Spiders, la Comuna, la Verdad Desnuda y la Revolución de Emiliano Zapata, al mismo tiempo que se acercan a grupos como Spirit, los Yardbirds, Country Joe & The Fish, Truth (ex-Them), King Crimson y Jethro Tull, por lo que no solo encontraremos aquí temas genuinamente psicodélicos, sino también aromas de progresivo temprano, aunque no tan aterrizados como en sus siguientes discos.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco abre con <i><b>Lost In My World</b></i>, todo un viaje en LSD que incluye diversos efectos sonoros, entre ellos explosiones, algún tipo de feedback, cintas en reversa, reverb, etc. Pero por si eso no fuese suficiente, hay una guitarra fuzzeada asesina tocada por Gustavo Garayzar que aumenta aún más el ambiente lisérgico de la canción e igualmente Armando Nava hace un uso muy inteligente de fusionar el rock ácido con el huapango en los estribillos y la parte del solo de guitarra, lo que aumenta toda la experiencia multicolor que su compositor tenía en mente (a pesar de nunca probar ninguna droga), creando así la canción más viajada de toda la historia del rock mexicano que además de todo tiene ecos de Country Joe & The Fish (<i><b>Grace</b></i>, <i><b>Bass Strings</b></i>) y Cold Sun (<i>Dark Shadows</i>), que tengo entendido, no fueron grupos que escucharan los miembros del grupo, pero las similitudes son muy interesantes. Obra maestra sin lugar a dudas.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Without Thinking</b></i> es un breve tema de folk psicodélico de tonalidades melancólicas en la que Armando Nava es acompañado únicamente por su guitarra mientras canta sin ninguna palabra. Un temazo a pesar de su cortísima duración.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Eclipse</b></i> es soul/funk psicodélico con una guitarra fuzzeada matona tocada por Gustavo Garayzar de nuevo y esta vez con la voz de Jorge de la Torre, quien poseía una voz un tanto ronca en contraposición a la voz suave y limpia de Armando Nava. El tema es muy movido, claramente hecho para bailar en una fiesta hippiosa de la época. Temón.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Sometimes</b></i> es de nuevo folk psicodélico, aunque esta vez está en plan un tanto surrealista y relajado, ya que está impregnado de reverb tanto en la guitarra como en la voz, e igualmente la flauta (instrumento que se convertiría en uno de los sellos más característicos de la psicodelia mexicana) hace su primera incursión en este tema. Espléndido.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Let's Make It Now</b></i> es rock ácido con un ritmo insistente, una guitarra machacona y unos estribillos muy enérgicos. Según Armando Nava, este fue un tema que los Dug Dug's habían estado tocando desde los 60's y que fue una influencia enorme para la escena de Tijuana en la que también estaban grupos como el Ritual y Peace & Love, por lo que esos grupos también tomaron la idea del doble bombo de los Dug Dug's, y cabría mencionar que por ejemplo, <i><b>Satanás</b></i> del Ritual, tuvo toda la influencia de <i><b>Let's Make It Now</b></i>, incluyendo su largo solo de batería y su insistente doble bombo (una clara influencia de Iron Butterfly y su icónica <i><b>In-A-Gadda-Da-Vida</b></i>, en la que el recién fallecido Ron Bushy -Descanse en paz- hace un solo extendido de batería), igualmente esta fue una de las canciones que tocaron en Avándaro, aunque no fue con la que abrieron como se había venido diciendo una y otra vez. Otra obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>World of Love</b></i> es pop psicodélico colorido y florido, lleno de la imaginería del típico "niño de las flores", es decir: flores, arcoiris, mariposas y un ambiente muy alegre que es enfatizado por su clavecín, flauta y su atmósfera contagiosa, que suena tanto a la psicodelia beatlesca como al pop lisérgico gringo de 1967-68. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>I Got The Feeling</b></i> suena a una versión popera del rock ácido sanfranciscano, de hecho, no creo que sea coincidencia que aquí Gustavo Garayzar suene similar a Jorma Kaukonen o incluso a Jerry Miller, mientras que las voces de Armando Nava y Jorge de la Torre dan ese toque más propio del pop lisérgico de la época, lo que me hace pensar que esta canción fue también creada para las fiestas hippies en las que solían tocar y no por nada terminó siendo parte del set que tocaron en Avándaro.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>It's Over</b></i> vuelve a sonar a soul psicodélico, aunque esta vez con cierto acento un tanto "latino" que se nota especialmente en el solo de guitarra de Gustavo Garayzar que según Armando Nava, estaba influenciado por la rumba flamenca, mientras que la banda va tocando un ritmo muy pegadizo que trae un órgano matón y la voz de Jorge de la Torre que por su tonalidad ronca le aumenta esa negritud. Muy buen tema.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Going Home</b></i> es garage/beat sesentero puro que no oculta la importantísima influencia beatlesca que tuvo el grupo, sin embargo, creo que es el tema más flojo del disco en general, ya que claramente es un tema de bajo perfil que nos estaba preparando para algo verdaderamente grande.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco cierra con broche de oro con <i><b>Who Would Look at Me?</b></i> una bellísima balada de folk psicodélico pastoral bastante jazzeado, que al mismo tiempo que tiene la influencia beatlesca, aunque también noto similitudes con Spirit, Quicksilver Messenger Service, Jethro Tull, King Crimson y Truth (el grupo ex-Them del que ya hablamos hace unos meses por aquí), por lo que aquí prácticamente los Dug Dug's ya entraban en las grandes ligas del rock, pero lamentablemente el contexto que les tocó vivir les impidió gozar de la popularidad que merecieron. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Si bien este disco tiene aciertos muy importantes, tiene también algún risco muy mínimo que le impide convertirse en un disco que esté al nivel de lo que vendría en años posteriores, sin embargo, lo impresionante de este álbum es que siendo un debut, encontramos a un grupo perfectamente cohesionado en el que todos los miembros cumplen su labor con esmero y dedicación, pero ahí no termina la cosa, pues también algo que vemos es que tanto Armando Nava como Jorge de la Torre y Genaro García ya son desde este momento grandes compositores capaces de crear melodías memorables y universales que se encuentran al nivel de numerosas agrupaciones extranjeras, lo que hace que los coleccionistas de otros países encuentren sumamente interesante la música del grupo a diferencia de otros grupos mexicanos de la época que se quedaron estancados con el público local.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Smog (1973)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-a-q8znLU5WQ/X7DOVF3T9SI/AAAAAAAAR1o/7cnFqwZ1qps8SPzFPxoiCdrRReYB0CmWACPcBGAYYCw/s2048/Dug%2BDug%2527s%2B004.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2008" data-original-width="2048" height="428" src="https://1.bp.blogspot.com/-a-q8znLU5WQ/X7DOVF3T9SI/AAAAAAAAR1o/7cnFqwZ1qps8SPzFPxoiCdrRReYB0CmWACPcBGAYYCw/w436-h428/Dug%2BDug%2527s%2B004.jpg" width="436" /></a></div><div style="text-align: center;">A fines de 1971 hasta parte de 1972, la alineación que se había presentado en Avándaro siguió activa por algún tiempo, sin embargo, no fue por mucho tiempo, ya que meses después dejaron a Armando completamente solo y este en algún rato libre terminó colaborando en el disco de Renaissance (proyecto de Alfredo Díaz Borja, el hijo de Díaz Ordaz) en el que también colaboraría Frankie Barreño, otro ex-Dug Dug's y también ex-Ritual, también fue por ese tiempo que Armando se integró a Last Soul Division, con quienes al parecer no grabó nada, sin embargo, terminó llevándose a su guitarrista y fundador Jorge Ahumada para formar una nueva alineación de los Dug Dug's, la cual incluía también al baterista Daniel Tello (quien había tocado en una de las tantas alineaciones anteriores del grupo) y al bajista Jorge Torres Aguayo "Cochona", con quienes empezó a ensayar temas que ya tenía compuestos para la alineación anterior, sin embargo, pronto se salió Jorge Ahumada y el grupo quedó reducido a un power trio, lo cual le permitió también que su sonido se endureciera aún más y durante una buena parte de 1972, se grabó el disco <i>Smog</i>, que originalmente se tenía la intención de grabarlo íntegramente en Inglés, sin embargo, Armando tomó la decisión que iba a reescribir las letras en Español y así fue como salió <i>Smog</i> a principios de 1973.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco abre con el tema homónimo, el cual comienza con ruidos de tránsito para finalmente dar paso a la música que suena a una especie de Spirit en esteroides que además incorpora el instrumento por excelencia del hippie mexicano: la flauta transversal, lo cual lleva siempre a comparaciones con Jethro Tull, sin embargo (en esta canción, al menos) el grupo parece beber más de Jimi Hendirx (<i><b>Fire</b></i>) o incluso de Grand Funk (<i><b>Are You Ready, Aimless Lady</b></i>), igualmente algo que se tiene que decir es que esta canción fue determinante en cómo sonaría el heavy psych mexicano y es que su influencia se nota especialmente en lo que harían un poco después grupos como Ciruela, Toncho Pilatos o incluso Nuevo México (e incluso Carlos Matta se pintaba el pelo de plateado como lo hizo Armando Nava en la portada de este disco), aunque la cosa no se queda ahí, la letra claramente es un bienintencionado y meritorio, pero fallido intento de limpiar la estigmatizada imagen del músico hippie que había sido censurado a raíz de Avándaro con una letra en contra del consumo de marihuana . Espléndido e icónico.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Búscalo</b></i> es un pequeño interludio similar a los que se encuentran en el primer disco, sin embargo, la novedad aquí es que se trata de un tema acústico de folk psicodélico con tintes de flamenco completamente instrumental. Excelente.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Hagámoslo Ahora IIa Parte</b></i> es como lo dice el título, la segunda parte de <i><b>Let's Make It Now</b></i>, pero aquí está extendida a un popurrí de cinco canciones unidas de una forma que recuerda al Abbey Road de los Beatles (y no dudaría que jugara una influencia importante a la hora de la creación de esta obra), en el que nos encontramos un potente heavy psych guitarrero que parece un cruce entre Deep Purple (<i><b>Fireball</b></i>), MC5 (<i>Back In The USA</i>) y extensos jams de rock ácido que no sonarían fuera de lugar en el San Francisco de los 60's (Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead, Moby Grape) y algo de progresivo con flauta, las letras parecen inconexas entre sí, lo que definitivamente me hace pensar que 4 de las cinco canciones se concibieron originalmente como temas separados pero que quedaron inconclusos y finalmente funcionaron como un popurrí. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Yo no sé</b></i> es un tema que se encuentra a medio camino entre el heavy psych, el rock latino y el rock experimental, en el que la composición resulta ser menos interesante que las otras, sin embargo, lo peculiar de este tema se encuentra en el uso del bajo fuzzeado, el cual suena casi como un sintetizador Moog e igualmente hay pequeñas partes de Wah-Wah que aumentan la lisergia de este tema.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>¿Cuál es tu nombre?</b></i> Es uno de los temas que más disfruto de todo el disco y es que me recuerda muchísimo a MC5 en la época del <i>Back In The USA</i>, pues lo que encontramos aquí es una sonoridad post-garage rock que suena a un cruce entre el heavy psych más guitarrero y el power pop primigenio, es decir, aquí podemos encontrar un tema con mucha energía que al mismo tiempo de que suena psicodélico y pesado, tiene la melodía y la sensibilidad propia del power pop, en la que la guitarra suena como un cruce entre Wayne Kramer de MC5 y Jerry Miller de Moby Grape, por lo que yo diría que este tema podría considerarse como una especie de proto-punk mexicano. Espléndido.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Meditación</b></i> es otro interludio acústico, aunque aquí nos encontramos con pausado folk psicodélico arpegiado que nos lleva a una atmósfera de ensueño, lástima que dure tan poco.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><b><i>No somos malos</i></b> al igual que <i><b>Smog</b></i>, es otro intento de limpiar la imagen del hippie, pero esta vez cuestionando directamente al pútrido conservadurismo mexicano sesentero y su hipocresía que logró estigmatizar al hippie al tildarlo de "vago", "delincuente", "parásito", "greñudo", "mugroso" y "drogadicto". No debería extrañarnos que el cuestionamiento de Armando Nava a la retrógrada sociedad mexicana de ese tiempo resuene en la actualidad con contundencia, y no por las erróneas razones que propone el poptimista/melómano, sino porque precisamente el poptimista/melómano es una prueba irrefutable de lo que Sigmund Freud llamó "el retorno de lo reprimido", porque la posición estigmatizada y marginal del rockero no ha cambiado en nada desde antes de 1973, sino que el rancio conservadurismo del PRI-PAN ha regresado de una forma distorsionada, ahora presentándose como "tolerante", "abierto", "pluralista", "democrático" y demás, pero su funcionamiento sigue estando intacto, y ahora al rockero no se le estigmatiza por ser "greñudo", "mugroso" o "drogadicto", sino por "intolerante", "cerrado", "elitista" y demás, aunque el elitismo moral de la escoria melómana no tenga nada que envidiarle al conservadurismo de aquellos años. Por otro lado, la canción básicamente es una combinación de heavy psych con algo de progresivo al estilo de los alemanes Brainstorm.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco cierra con broche de oro con <i><b>Voy hacia el Cielo (Voy hacia el Sol)</b></i>, tema con el que yo diría que Armando Nava se acaba de consolidar como uno de los músicos y compositores más talentosos que ha dado el país -título que injustificadamente se les suele dar a nombres mucho más populares, pero que jamás hicieron, ni harán obras de este calibre, dígase Alex Lora, Jaime López, Saúl Hernández, Rodrigo González, Fher Olvera y Rubén Albarrán-, pues aquí lo que tenemos es una bellísima obra que se encuentra a medio camino entre el folk psicodélico pastoral y el pop progresivo de aromas sinfónicos, la cual está compuesta e interpretada de una forma finísima, de una forma similar a lo que llegaron a hacer también grupos como el Ritual, los Spiders, la Revolución de Emiliano Zapata, la Comuna y la Verdad Desnuda, por lo que si alguna vez, alguien se hace la pregunta de que si el rock de México alguna vez llegó a tener una finura y sofisticación similar a la que llegaron grupos como Love, los Moody Blues, los Beatles, Ill Wind, The Music Emporium, los Animals o Procol Harum, esta es una de las obras indicadas para responder con un rotundo SÍ. Obra maestra de principio a fin.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>Smog</i>, como lo pudieron notar ustedes, es claramente un paso creativo agigantado de un grupo que ya estaba en la cúspide de la psicodelia mexicana, pero con este disco se consolidaron como el mejor grupo mexicano de la época (teniendo en cuenta que su principal competencia, el Ritual, ya estaban separados y que por ejemplo, Servando Ayala se había salido de los Spiders y la primera alineación de la Revolución de Emiliano Zapata se acababa de disolver) y así crearon uno de los clásicos más trascendentes de la psicodelia latinoamericana, y... ¿Por qué no? Uno de los primeros álbumes progresivos hechos en América Latina.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Cambia, Cambia (1975)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-aUeAb59Y3iA/X7DO-y8nv9I/AAAAAAAAR1w/5-mQQuuqpQAD8z8sKhcHkYrA6KN5S4YMwCPcBGAYYCw/s2048/Dug%2BDug%2527s%2B007.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2019" data-original-width="2048" height="427" src="https://1.bp.blogspot.com/-aUeAb59Y3iA/X7DO-y8nv9I/AAAAAAAAR1w/5-mQQuuqpQAD8z8sKhcHkYrA6KN5S4YMwCPcBGAYYCw/w434-h427/Dug%2BDug%2527s%2B007.jpg" width="434" /></a></div><div style="text-align: center;">Después del <i>Smog</i>, el grupo ya era uno de los más populares en los hoyos fonquis e incluso los llevó a participar en un pequeño festival en Cuernavaca, Morelos en Junio de 1973, sin embargo, la censura implícita que el gobierno junto con los medios de comunicación ejercieron sobre el rock, llevó a los grupos a tenerse que refugiar en la periferia del Valle de México y Guadalajara, cosa que fue muy pesada para muchos grupos, al punto que muchos desaparecieron y otros de plano cambiaron radicalmente de estilo con el fin de no tener que vivir al margen, ni con el terror de las detenciones policiales, por lo que Armando Nava decidió rescatar muchos de los temas que había compuesto desde 1967 para la primera alineación del grupo y durante el lapso de 1973 a 1974 fueron grabando un nuevo disco con esos temas que tenían una clara orientación "comercial", con el fin de que el grupo pudiera sonar en las estaciones de radio de la Ciudad de México y esto los llevó también a que la imagen del grupo se limpiara al cortarse el pelo y rasurarse, aunque conservando parte de la estética hippie de la época, además de que el sonido pasó de un heavy psych con tintes proto-progresivos a un pop psicodélico que coqueteaba abiertamente con el soft rock, el folk psicodélico y el rock and roll cincuentero y que tenía letras más orientadas a temas románticos, aunque sin olvidar la crítica a la hipocresía de la sociedad mexicana que siempre hizo Armando Nava, lo que dio como resultado a <i>Cambia, Cambia</i>, salido en 1975. Otro cambio importante para este disco fue la salida de Jorge Torres Aguayo "Cochona", que fue sustituido por Gabino Araujo en el bajo y por ser el primer disco del grupo con Enrique Nava (hermano de Armando) en la batería.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">A pesar de que el intento de limpiar la imagen del grupo (al igual que en un par de canciones del Smog) fue completamente bienintencionado y hasta esmerado, fue de nuevo, fallido, pues para mal, el gobierno totalitario de Luis Echeverría y Octavio Sentíes Gómez claramente era anti-hippie y anti-rock, sin embargo, en algunas estaciones de radio del Bajío y del Norte de México se lograron transmitir canciones como <i style="font-weight: bold;">Brillo de Sol</i>,<i style="font-weight: bold;"> Cambia, Cambia</i> y <i><b>Al diablo (Con la gente)</b></i> que se convirtieron en clásicos de la época perdida del rock mexicano y que hasta la fecha el grupo toca en sus conciertos.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Algo que habría que mencionar, es que muchos (correctamente) han dicho que las canciones les suenan anacrónicas para 1975, pero como bien dije, databan de la época de la primera alineación, por lo que la mayoría de las letras originales estuvieron escritas en Inglés, sin embargo, se reescribieron en Español con el fin de seguir la misma tendencia que en <i>Smog</i>, ya que el movimiento de "la onda chicana" estaba muriendo ante la censura gubernamental y la mayor parte de los grupos de la época ya no escribían temas en Inglés.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco inicia con <i><b>No te asustes (Es sólo vivir)</b></i> el cual está en clave de un festivo y optimista pop psicodélico guitarrero con reminiscencias "latinas", que curiosamente se adelanta a lo que varios años después empezaron a hacer grupos como Ritmo Peligroso, Caifanes/Jaguares y hasta los de Maná, pero con resultados mucho mejores y más cercanos al rock, pues además de que es una melodía muy buena, también incluye un solo bastante cipollinesco que deja bien en claro que los Dug Dug's seguían siendo un grupo de rock en su núcleo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Tímido</b></i> es pop psicodélico al más puro estilo de 1967, con un sonido deudor de grupos como los Turtles y los Cowsills o incluso de los grupos de la primera "onda grupera", por lo que aquí los Dug Dug's dejan en claro que no solo eran una enorme banda de rock, sino que también podían hacer un pop fino con resultados de muchísima calidad.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Brillo de Sol</b></i> es tal vez uno de los temas más cercanos a la balada romántica de todo el disco y que apenas se nota el rock en el solo de guitarra, no obstante, lo que habría que mencionar, es que a diferencia de la mentada "onda grupera" de la época, los Dug Dug's nunca cayeron en los excesos del kitsch -es decir, en lo sentimentalón, vulgar o trillado- y nos sorprenden con una balada de altos vuelos que suena muy suave y delicada que se convierte brevemente en rock psicodélico a la hora del solo de guitarra. Bellísimo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Te quiero</b></i> es soft rock al estilo de Bread (<i><b>Make It With You, If</b></i>), es decir, es una canción muy suave y tranquila con una letra romántica que suena a que tenía todo el potencial de volverse un éxito, lamentablemente ni así se les dejó salir del confinamiento. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Felicidad</b></i> es otra vuelta por el pop psicodélico, esta vez con un acento más rocanrolero y una composición que me hace recordar al debut de los enormes Moby Grape (<i><b>Indifference</b></i>), además de que el estilo de tocar de Armando me suena muy similar a la de Jerry Miller (uno de los grandes guitarristas olvidados de los 60's) en este tema, sin embargo, no todo se termina ahí, ya que también tenemos un drone de una guitarra con un pedal de phaser que simula a la tambura (un instrumento de la música clásica de la India), cosa que me hace recordar también a grupos como The Fraternity of Man (<i><b>Wispy Paisley Skies</b></i>, <i><b>Candy Striped Lion's Tails</b></i>) y The Beat of The Earth, por lo que puedo decir sin temor a equivocarme que este es uno de los puntos más álgidos del disco en general y también una de las canciones más memorables de los Dug Dug's, pues además de tener una melodía que vomita psicodelia por todos lados, la instrumentación es todo un logro, pues a pesar de que ellos también se tuvieron que atravesar con las mismas limitantes que los grupos mexicanos de la época experimentaron en los estudios de grabación, los Dug Dug's fueron los más ingeniosos y creativos para arreglárselas a la hora de tener que sustituir instrumentos que no tenían a su disposición y hacer sonar sus canciones tan bien como si en verdad los trajeran, como en <i><b>Voy hacia el Cielo (Voy hacia el Sol)</b></i> en el que usaron a un cuarteto de cuerdas y Daniel Tello tuvo que imitar a los timbales que no pudieron grabar debido a las limitaciones de los estudios mexicanos de la época y aquí en <i><b>Felicidad</b></i> sustituyendo a la tambura hindú con una guitarra con phaser.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Ya te dejé</b></i> es beatlesco por donde se le vea, por lo que podría contar como el propio homenaje del grupo a su mayor influencia musical y con buena razón se convirtió en otro de los temas clásicos de la banda, pues además de las reminiscencias de los Beatles, tiene un estribillo pegajoso, una buenísima construcción melódica, un buen solo de guitarra acústica de 12 cuerdas, una excelente interpretación vocal y una letra sencilla en su contenido pero concisa y efectiva. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>No, sí, yo, tú, ya</b></i> se encuentra a medio camino entre el estilo beatlesco de <i><b>Ya te dejé</b></i> y lo latino de <i><b>No te asustes (Es sólo vivir)</b></i> y de nuevo encontramos que se adelantaron al sonido que tomarían numerosos grupos mexicanos en los 80's, sin embargo, lo interesante del tema es que aquí introducen también un solo cipollinesco que nos recuerda que a pesar de que los Dug Dug's estuviesen experimentando con lo popero, no se olvidaban de su parte de grupo de rock.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Llegamos a <i><b>Cambia, Cambia</b></i>, uno de los mejores y más rocanroleros temas del disco, el cual es básicamente garage psicodélico enérgico, intenso, guitarrero por donde se le vea, con esas clásicas letras de Armando Nava en contra de la hipocresía y la deshonestidad de la gente y el peine con papel que acentúa la atmósfera lisérgica del tema, mientras que el solo no tiene desperdicio alguno y es por eso que esta es una de las canciones que más me gustan del grupo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>¿Dónde está A.N.?</b></i> Tiene un título misterioso que me costó bastante tiempo descifrar que significaban esas iniciales que por supuesto son las del nombre del compositor y la música es básicamente un folk psicodélico con aires andinos completamente instrumental que incluye una guitarra de 12 cuerdas, percusiones, un bajo que hace unas líneas que huelen a los 60's y efectos de sonido que al parecer fueron generados a partir de unos platillos con phasing o reproducidos en reversa, lo que de nuevo aumenta lo viajado del tema, y algo que debo mencionar es que este es un ejemplo raro de folk psicodélico en tierras aztecas, ya que los cantautores de música de protesta y folk, se dedicaron más al contenido letrístico que a la música, por lo que se perdieron de experimentar con las vanguardias de la época y los Dug Dug's lo hicieron exitosamente. Otro de mis preferidos.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco cierra con otro de los clásicos del grupo que aún forma parte de sus conciertos: <i><b>Al diablo (Con la gente)</b></i> que es básicamente la primera incursión de los Dug's en el glam rock y en la que se escucha notoriamente la influencia de los británicos Sweet (<i><b>The Ballroom Blitz</b></i>). Está ambientado en un concierto imaginario en el que el público pide más rock cuando Armando les grita: ¿QUIEREN ESCUCHAR MÁS ROCK AND ROLL? y el público le contesta con un enfático: ¡SÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍÍ! Cosa que suena en verdad de ensueño, ya que parecería que estaban tocando en un festival enorme como Woodstock o Avándaro, por otro lado, la canción es pegajosa por sus coros y su interacción con el público, igualmente la letra es una muy buena crítica a la hipocresía de una sociedad profundamente católica, retrógrada y conservadora que se espantaba con unos tipos con ropas psicodélicas y pelo largo, pero que no se espantaba con la desigualdad, la pobreza y el autoritarismo del gobierno, sin embargo, lo irónico de nuestros días es que existe gente que quisiera volver a estas bonitas épocas donde nos podían desaparecer, torturar y hasta matar si decíamos algo que no les gustara a las autoridades. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Si bien <i>Cambia, Cambia</i> no es un disco que les guste a todos y que incluso el público de los Hoyos llegó a rechazar por sonar "fresa" y porque el grupo había cambiado su imagen, sigue siendo un discazo por donde se le vea y me sorprende que siendo un disco accesible y popero no tenga grandes defectos, sino canciones que hoy son clásicos por mérito propio y que incluso suelen ser pedidas por el público en las tocadas de la banda, esperemos que para el setlist de los 50 años de Avándaro se introduzcan algunas piezas de este disco.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">El Loco (1978)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-p-h3zZaGGDg/X7DQDbiDERI/AAAAAAAAR18/aWEr4nVsRsUKyWt3nK8YCpoa8josrFpaQCPcBGAYYCw/s2048/Dug%2BDug%2527s%2B010.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1996" data-original-width="2048" height="407" src="https://1.bp.blogspot.com/-p-h3zZaGGDg/X7DQDbiDERI/AAAAAAAAR18/aWEr4nVsRsUKyWt3nK8YCpoa8josrFpaQCPcBGAYYCw/w418-h407/Dug%2BDug%2527s%2B010.jpg" width="418" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Era 1976 y Gabino Araujo había abandonado al grupo, por lo que rápidamente Armando Nava reclutó a Miguel "el Gallo" Esparza, quien había estado en las filas de la Verdad Desnuda (otro de los grupos más interesantes que ha dado el rock nacional) y Ciruela, con los que se consolidaría como el mejor bajista de ese entonces y así el grupo entra a una faceta en la que abandona la vestimenta hippie por la del glam rock y su música vuelve a sus raíces rocanroleras en contraposición con el pop del disco anterior, sin embargo, también encontramos a un grupo más ecléctico y versátil que es capaz de combinar su sonido psicodélico con lo progresivo, la balada romántica, el folk rock harrisoniano y también fusionarlo con el Mariachi, pero eso no es todo, también aquí encontramos una mezcla de letras en Inglés con otras en Español, por lo que podemos decir que <i>El Loco</i> de 1978 es una síntesis entre lo que venían haciendo desde otras alineaciones junto con lo que estaba por venir que fue su faceta progresiva que por mala suerte no acabó de grabar un quinto disco.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco empieza con <i><b>Stupid People</b></i>, uno de los clásicos del grupo que databan de la primera alineación y de la cual existen grabaciones, una en estudio que salió en sencillo junto con el debut y otra que fue grabada en Avándaro, esta versión en comparación con la del sencillo tiene más reminiscencias sanfranciscanas y también trae música de Mariachi (el famoso Mariachi Vargas de Tecatitlán). Por otro lado, la letra es una crítica a la estupidez social y curiosamente hoy cobra más relevancia que nunca al ver como la gente está sumida en su estupidez y lo peor de todo es que es cínica, pues sabe muy bien que lo que hace está mal y aún así lo hace. Mi opinión de la música es que lo más interesante del tema es que a pesar de tener el acompañamiento de Mariachi, no suena ni remotamente a lo que comúnmente se le suele llamar "mexican curious" -o para ponerlo en términos más específicos, el kitsch mexicano-, tendencia que fue empezada en la parte "rockera" por el mentado movimiento rupestre con gente como Rodrigo González y Jaime López y que luego se expandió a grupos como Mamá-Z, Botellita de Jerez y Café Tacuba.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Let Me Breath</b></i> es progresivo pausado con el sintetizador como instrumento principal en lugar de la guitarra -que solo funge en el papel rítmico-, el cual muestra un gran avance del grupo hacia los territorios progresivo, teniendo en cuenta que en el disco <i>Smog</i> de 1973 ya habían más o menos experimentado con ello, pero sin haber logrado algo que estuviese completamente en ese estilo y que esa experimentación había sido interrumpida por el disco <i>Cambia, Cambia</i> de 1975, aquí se consolidan como un grupo que ya tenía un pie dentro del rock progresivo y que no tardaba en meterse de lleno en el subgénero. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Joy To The People</b></i> es otro tema que data de la época de la primera alineación y que fue el lado B de <i><b>Stupid People</b></i>, aunque esta vez, la reinterpretación del tema se acerca mucho más al sonido del Smog que al del debut, pues por un lado están las guitarras semi-pesadas y por el otro está la flauta, igualmente están los solos psicodélicos con el sello de Armando Nava, lo que hace que este tema sea muy disfrutable para los que se quedaron con ganas de más después del segundo disco de la banda.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>We Always Hate Your Manners</b></i> es psicodélica por donde se le vea y de alguna manera marca el único acercamiento que tuvo en la historia un grupo mexicano con el sonido de grupos como Fifty Foot Hose y The United States of America, pero también tenemos un riff claramente inspirado en <i><b>Fresh Garbage</b></i> de Spirit (un grupo al que admiraban numerosos músicos mexicanos, entre ellos Armando Nava) y un solo que de nuevo hace eco de John Cipollina e igualmente tenemos otra de las clásicas letras críticas con la hipocresía de la sociedad de la época. Algo que debo mencionar en esta re-edición de la reseña es que el tema también databa de la primera alineación del grupo y de hecho fue una de las canciones que fueron tocadas en Avándaro al igual que <i><b>Stupid People</b></i> y <i><b>Joy To The People</b></i>. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Llegamos a uno de los momentos clásicos del grupo y es que este es otro de los temas que suele corear la gente en los conciertos, pues finalmente para eso fue compuesta. Estamos hablando de <i><b>La Gente</b></i>, un tema de reminiscencias harrisonianas que incluye slide y guitarra acústica muy en la onda de <i><b>Give Me Love</b></i> de 1973, mientras que los coros se asemejan a <b><i>Hey Jude</i></b> y a <i><b>Isn't it a Pity</b></i>, igualmente la letra, a pesar de su simpleza, muestra un cuestionamiento a la cotidianeidad, en la que el autor se pregunta sobre el destino de la gente, sus problemas y demás. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>El Loco</b></i> es progresivo desenfrenado con sintetizadores por doquier, con un Armando Nava tomando el papel de un científico loco tipo Frankenstein y una interpretación guitarrera magistral en la que volvemos a ver a unos Dug Dug's que cada vez se despegaban más de la psicodelia y estaban más cerca del progresivo como finalmente lo vimos en <i><b>Open Your Mind</b></i> y <i><b>I've Got To Run Away from Here</b></i> que fueron también piezas de progresivo puro. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Quiero Verte (Junto a Mí)</b></i> es balada romántica que bien podría pasar por un tema perdido del <i>Cambia, Cambia</i>, aunque sin los aspectos psicodélicos de este, sin embargo podemos destacar la delicada interpretación de la guitarra acústica y de nuevo, las reminiscencias beatlescas que nos traen a la mente a <b style="font-style: italic;">I Want To Hold Your Hand</b>, así como también una reminiscencia "grupera", es decir, aquí los Dug Dug's lograron hacer bien lo que grupos tan malos y cursis como los Bukis o los Temerarios jamás pudieron hacer en sus miserables carreras. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>La Flauta del Fauno</b></i> es folk progresivo jethrotullesco completamente instrumental en el que encontramos a Armando Nava llevando la melodía con su flauta, dejando en claro que ellos ya habían dado por concluida su etapa psicodélica y que estaban listos para abrazar de lleno al rock progresivo. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco cierra con broche de oro con <i><b>I Got My Emotion</b></i>, un reclamo de rebeldía e independencia en el que el autor deja en claro que no le importa lo que diga la gente sobre él, él está en su onda, mientras que la música está en clave de psicodelia enérgica que incluye ese sintetizador viajadísimo que no estaría fuera de lugar en el disco anterior y el solo de guitarra matón como es de costumbre. Temazo de principio a fin y una excelente manera de cerrar un discazo como este.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>El Loco</i> es aún tema de debate entre los seguidores de los Dug Dug's, pues aún no nos ponemos de acuerdo si el mayor logro de la banda fue el <i>Smog</i> o este álbum, la respuesta puede ser más ambigua de lo que uno cree, pues ambos trabajos están al mismo nivel, sin embargo, <i>El Loco</i> es un disco que aún se encuentra un tanto en la obscuridad, al menos a nivel internacional, mientras que el <i>Smog</i> ya tiene reseñas en numerosas páginas especializadas tanto en Español como en Inglés, <i>El Loco</i> parece estar completamente ignorado por el público extranjero, sin embargo, esperemos que esta relativa obscuridad pronto cambie y este disco adquiera un mejor lugar en la discografía del grupo porque en efecto, es una obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Bueno, este ha sido un recorrido un tanto largo, el cual me costó bastante trabajo escribir y tuve que posponer su fecha de publicación debido a los constantes bajones creativos que tuve a lo largo de Agosto, pero peor es nada y aquí está el segundo post del mes recién salido del horno, por lo que espero que disfruten de esta tan esperada publicación y que estén al pendiente de los nuevos posteos que se vienen en conmemoración de los 50 años de Avándaro. ¡Un abrazo a todos y nos vemos el próximo mes que ya está a la vuelta de la esquina!</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/36x6x" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Cpt_UkNjsBc/YSy9_236b2I/AAAAAAAASbw/0xCddMHR2O8DnTtjQbu0j6Rhk-sYVkmvQCPcBGAYYCw/s2048/dugdugs1971.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1446" height="521" src="https://1.bp.blogspot.com/-Cpt_UkNjsBc/YSy9_236b2I/AAAAAAAASbw/0xCddMHR2O8DnTtjQbu0j6Rhk-sYVkmvQCPcBGAYYCw/w368-h521/dugdugs1971.jpg" width="368" /></a></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-31663952577775548852021-08-10T11:07:00.005-05:002022-10-23T01:00:48.852-05:00El Ritual - El Ritual (1971) [Repost]<div style="text-align: center;"> <a href="https://1.bp.blogspot.com/-TcHsjUChSLw/YQ-UdAjn9tI/AAAAAAAASaE/flwhJ5sVhOksart3Dwq3kPTJJrNpdnjtgCLcBGAsYHQ/s1603/el%2Britual%2Bfront.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1603" data-original-width="1589" height="444" src="https://1.bp.blogspot.com/-TcHsjUChSLw/YQ-UdAjn9tI/AAAAAAAASaE/flwhJ5sVhOksart3Dwq3kPTJJrNpdnjtgCLcBGAsYHQ/w440-h444/el%2Britual%2Bfront.jpg" width="440" /></a><br />Hola de nuevo a todos los lectores, ya sé que no cumplí con mi meta de tener 4 entradas el mes pasado, pero la verdad no tuve tiempo de ponerme a escribir, así como tampoco inspiración y es que este verano especialmente no he podido descansar adecuadamente, lo que me hace estar particularmente carente de creatividad, sin embargo, cada vez se acerca más el 50 aniversario del histórico Festival de Avándaro y decidí reseñar esta obra maestra del rock mexicano junto con otras que ya vendrán las semanas venideras, que básicamente muchas de estas también serán reposteos y otras estarán posteadas por primera vez en el blog. En fin, ¡Espero que disfruten de esta entrada y nos vemos la semana que entra!</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El Ritual surgieron de las cenizas de un grupo de Tijuana, Baja California llamado Graveyard, quienes ya estaban en las andadas desde 1968 y solían ser uno de los grupos que solían tocar con los Dug Dug's en los clubes nocturnos de la zona, sin embargo, esta primera época del Ritual no duró mucho, ya que en 1969, dos de los miembros de la agrupación terminaron yéndose a las filas de los Dug Dug's, sin embargo, su paso fue breve y dio paso a que el grupo se reformara en el D.F. en 1971, siendo la principal competencia de los Dug Dug's, quienes ya llevaban años siendo uno de los grupos más importantes de los Cafés Cantantes y de la naciente escena psicodélica mexicana que fue bautizada como "la Onda Chicana" -que según algún artículo que leí hace mucho y que lamentablemente perdí, fue a raíz de que el entonces presidente Gustavo Díaz-Ordaz dio un discurso descalificando a los hippies de una forma completamente nacionalista, llamándolos "chicanos" y "sin identidad", aunque otros también dicen que simplemente fue como un chiste de sobreidentificación, ya que la sociedad en ese entonces también pensaba eso al respecto de los "jipitecas"-. El Ritual estaban conformados por Martín Mayo (Órgano y Coros), Abelardo "Lalo" Barceló (Batería), Gonzalo "Chalo" Hernández (Bajo) y Francisco "Frankie" Barreño (Guitarra y Voz) y antes de grabar su primer y único álbum, solían tocar en lugares como la Pista de Hielo Insurgentes y en fiestas de la "alta sociedad" con un repertorio mayormente conformado por covers de Vanilla Fudge, Grand Funk Railroad, Deep Purple y King Crimson, aunque luego comenzaron a escribir su propio material que terminaría en el disco, el cual saldría poco después de la celebración del festival (una medida un tanto oportunista de las mayorías de disqueras, pero inteligente, ya que eso aseguraría las ventas) en Noviembre de 1971 y en 1972, cuando se suponía que iban a grabar un disco conceptual, se separaron, aunque no sé cuando pasó eso y si se reformaron o como pasó, ya que el grupo apareció en la película Bikinis y Rock de ese año, pero con una alineación distinta que incluía a Ricardo Ochoa del Peace & Love.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>El Ritual</i> es fundamentalmente un disco psicodélico pero igualmente incluye ciertos despliegues de progresivo temprano y por si no fuera poco, también hay una mezcla de diversos estilos entre ellos rock ácido, heavy psych, jazz-rock y folk psicodélico, pero esto no es todo, pues además de que estilísticamente es un disco sumamente interesante por toda la combinación de estilos, demuestra ser un disco lleno de melodías bellísimas y con una finura tan insólita que muchos podrían decir que nunca hubo en el rock mexicano, pero este disco es testimonio de que en efecto sí hubo un momento de madurez creativa que dio como resultado a esta obra maestra y a otras que ya reseñaremos las semanas venideras, por lo que podemos decir que este fue exactamente el momento cuando el rock mexicano estuvo realmente cerca o si no es que a la par en cuanto a calidad del rock anglosajón (gringo y británico, principalmente), lo que convierte a <i>El Ritual</i> en un verdadero clásico que mantiene su universalidad por el simple hecho de que en efecto, estos músicos al igual que otros de su época renunciaran abiertamente al fascistoide discurso identitario y nacionalista tan en boga entre la sociedad de ese entonces y abrazaran por completo el rock proveniente de Estados Unidos e Inglaterra, y por si eso no fuera poco, también adoptaron el inglés como idioma en el que sus letras fueron escritas, lo que le garantizó haber sobrevivido (al igual que muchos otros de esta época) al avandarazo, los hoyos fonquis y las épocas más decadentes del rock nacional -los 80's y los 90's-, y así haber llegado a la blogósfera desde hace un par de décadas y a manos de extranjeros coleccionistas quienes en general lo consideran como una de las mayores joyas del rock mexicano junto con Kaleidoscope -que ni mexicanos eran, pero su disco fue grabado aquí-, los Dug Dug's, los Spiders y la Revolución de Emiliano Zapata, por lo que podemos decir sin temor a equivocarnos que este álbum representa en efecto, a la mejor época del rock mexicano.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco abre con <i><b>Easy Woman</b></i> -que su título fue traducido como "<i><b>Prostituta</b></i>", aunque en realidad significa "<i><b>Mujer fácil</b></i>"- que recuerda tanto a los Guess Who como a Grand Funk, pero también a los Dug Dug's y resulta ser que este tema fue tocado durante el corto periodo en el que Frankie Barreño y Lalo Barceló formaron parte de los Dug Dug's, por lo que los arreglos de flauta tocados por Frankie, definitivamente tienen el sabor de Armando Nava, quien fuese el primero en introducir la flauta transversal al rock mexicano en 1967-68. Sin embargo, debo decir que también encuentro ecos de grupos como Zekes, The Corporation, Vanilla Fudge y Elderberry Jak. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En el segundo tema tenemos a <i><b>La Tierra de que te hablé</b></i> que comienza como un tema de folk psicodélico de tintes lúgubres que está acompañado por un violín que me trae a la cabeza al primer disco de Quicksilver Messenger Service y guitarra acústica, para luego convertirse en una especie de jazz-rock al estilo que venían manejando el Peace & Love, el 39.4 o la División del Norte pero sin la sección de metales.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Y aquí viene la primera obra maestra del disco: <i><b>Bajo el Sol y Frente a Dios</b></i>, una balada de folk psicodélico jazzeado de insólita finura que también incluye cierta influencia de King Crimson -la cual les fue introducida a los miembros del grupo por Armando Nava- sin embargo, aquí el Ritual van más allá en cuanto a la melodía, lo que me hace compararlos aquí con los inmensos Love, los Moody Blues, Truth (el grupo ex-Them), los Animals, Dantalian's Chariot, The Music Emporium, Ill Wind o incluso Quicksilver Messenger Service, ya que aquí no solo cuentan las similitudes estilísticas, sino la calidad y finura a la hora de componer melodías, lo que me hace pensar en esta obra como una de las verdaderas cumbres del rock mexicano y como bien dice el buen Gustavo (que fue el que me hizo descubrirlos), si no hubiese sido escrita en inglés, bien podría convertirse en el <i><b>Himno Nacional</b></i> del país, pues es una bellísima obra que además de todo, nos está mostrando el punto más álgido en cuanto al nivel compositivo e instrumental al que pudo llegar el rock nacional.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Satanás</b></i> es rock ácido de tintes ocultistas que de nuevo suena muy similar al estilo que vendrían manejando los Dug Dug's y es que por lo que veo, en la breve estadía de Lalo Barceló y Frankie Barreño en las filas del grupo duranguense, este era uno de los temas que solían tocar en sus conciertos junto con otro tema del mismo estilo llamado <i><b>Let's Make It Now</b></i>, que hasta la fecha es uno de los clásicos de los Dug Dug's, el hecho que las une es que son temas que fueron compuestos en la misma época y con una influencia simultánea entre los miembros de ambos grupos, por lo que guardan muchas similitudes, aunque también habría que mencionar que esta tendencia de hacer solos largos de batería fue herencia, más que nada, de Iron Butterfly y su famosa <i><b>In-A-Gadda-Da-Vida</b></i>, aunque debo decir que estuvo bien que tanto los Dug Dug's como el Ritual no extendiesen tanto los solos, pero que sí conservasen tanto la precisión en el tiempo como la musicalidad de los solos, sin caer en una fanfarronería tecnicista. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Peregrinación Satírica</b></i> es tal vez la canción que más los acerca a los terrenos del progresivo británico, especialmente al sonido de Canterbury, pero sin esos elementos aburridos y excesivos de los grupos de esa escena, e igualmente hay una dosis de humor (de ahí lo de "satírica" y NO "satánica"). Excelente tema.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Conspiración</b></i> es la segunda obra maestra del grupo y se trata de una balada psicodélica un tanto dramática, que tiene un riff de órgano que recuerda tanto a la versión de <i><b>Golden Earrings</b></i> de los gringos Gandalf como al solo de viola de <i><b>The Fool</b></i> de Quicksilver Messenger Service, pero al mismo tiempo parecería que tenemos aquí una combinación entre Vanilla Fudge, los primeros Deep Purple y los Doors, lo que convierte a esta obra en algo muy interesante, al menos para mí.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Groupie</b></i> es rock ácido de tintes guapachosos, algo así como lo de los primeros discos de Santana o <i><b>Fresh Air</b></i> de Quicksilver Messenger Service, tiene un ritmo muy pegadizo, una buena interpretación vocal, buen órgano y buena guitarra. Excelente.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Muerto e Ido</b></i> vuelve a tener ecos del Peace & Love y todos los grupos con secciones de metales del norte del país, aunque aquí eso lo sustituyen por una instrumentación más cercana a la de la psicodelia estándar, por lo que tenemos un híbrido interesante que incluye una guitarra fuzzeada muy buena y un órgano que vuelve a recordar a Jon Lord en la época del Mark I de Deep Purple (<i><b>The Painter</b></i>).</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Tabú</b></i> al parecer fue una de las canciones que se grabaron en las mismas sesiones, pero que solo salió en un Extended Play en Agosto de 1971, y de nuevo hay reminiscencias de Quicksilver Messenger Service y su <i><b>The Fool</b></i> en el riff de órgano, mientras que las voces van cantadas en un falsete que recuerda al mejor Ian Gillan o a David Byron.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En esta subida, decidí incluir las grabaciones de Avándaro, las cuales extraje de la recopilación que hizo el difunto Armando Molina hace años de las grabaciones que existen del Festival, entre ellas quiero destacar a <i><b>Nuestra Gente</b></i>, que es un tema de heavy psych que recuerda a los mejores grupos gringos de la época como Grand Funk pero al mismo tiempo, especialmente por el final, me recuerda a los Them y su obra maestra <i><b>Square Room</b></i>.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/9er29" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-hFjy_g1CMOU/YRKPCZOuJmI/AAAAAAAASac/6EXORl8w1hoKgADWPH_vxHUJ5p5idgKcACLcBGAsYHQ/s960/20376012_10155504852934631_7007952253913452411_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="580" data-original-width="960" height="297" src="https://1.bp.blogspot.com/-hFjy_g1CMOU/YRKPCZOuJmI/AAAAAAAASac/6EXORl8w1hoKgADWPH_vxHUJ5p5idgKcACLcBGAsYHQ/w493-h297/20376012_10155504852934631_7007952253913452411_n.jpg" width="493" /></a></div></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-20095503577746010452021-07-19T13:45:00.000-05:002021-07-19T13:45:08.040-05:00The Freak Scene - Psychedelic Psoul (1967)<div style="text-align: center;"> <a href="https://1.bp.blogspot.com/-QZFtn1FCZrc/YJU7vHfPvoI/AAAAAAAASMs/p3O4HqGyff0EEAHYLmUA4NvUNEt4j9DpgCLcBGAsYHQ/s1535/The%2BFreak%2BScene%2B-%2BFront.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1535" data-original-width="1535" height="462" src="https://1.bp.blogspot.com/-QZFtn1FCZrc/YJU7vHfPvoI/AAAAAAAASMs/p3O4HqGyff0EEAHYLmUA4NvUNEt4j9DpgCLcBGAsYHQ/w462-h462/The%2BFreak%2BScene%2B-%2BFront.jpg" width="462" /></a><br />Han pasado 11 días desde el regreso a la actividad del blog, la demora de la publicación de esta entrada se debe a que no me sentía lo suficientemente lúcido para escribir y por lo que veo es que la humedad del ambiente que viene en el verano es lo problemático, ya que durante los últimos días de la primavera y todo lo que lleva de este verano, no he descansado bien y por lo que veo, es que siempre me pasa lo mismo todas las épocas de lluvias, por lo que puedo decir abiertamente que detesto el verano, los huracanes y los cielos nublados y que por mí estaría perfecto vivir todo el tiempo en un clima otoñal o hasta invernal, ya que no hace calor y el clima se mantiene seco la mayor parte del tiempo, pero bueno, antes de pasar a hablar sobre el disco que está siendo publicado hoy, quiero mencionar que otra de las cosas que me impiden ser puntual con las publicaciones es que soy muy perfeccionista con mis reseñas y es difícil que quede satisfecho con lo que escribo, lo que me hace volverlo a escribir una y otra vez hasta que me agrade lo que escribí. Por otro lado, algo que posiblemente me ayude a ser más puntual es lo que estoy haciendo ahora que es elegir los discos con una semana o de mínimo unos 5 días de anticipación, lo que me complica menos a la hora de escribir una reseña, ya que evito este enfoque pragmático que resulta ser mucho más problemático en la práctica que enfocarme en un solo disco. En fin, espero que disfruten este discazo y espero que este fin de semana, el blog pueda ser actualizado una vez más para cumplir con la meta de 4 entradas mensuales.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Rusty Evans fue una figura muy interesante, ya que los inicios de su carrera se remontan al rockabilly y al folk, sin embargo, poco a poco fue adoptado el discurso contracultural de la época y también fue adoptando un nuevo sonido, que en este caso es la psicodelia y en 1966 sacó su primer disco de larga duración que básicamente fue un álbum conceptual que buscaba recrear la experiencia con el LSD, este disco fue <i>Psychedelic Moods</i> de The Deep, el cual se dice que fue el primer álbum en tener en su título la palabra "psicodélico" (esto puede ser cuestionable hasta cierto punto, pero no quiero ahondar en eso ahora). <i>Psychedelic Moods</i> presentaba un garage rock con muchas tendencias que yo denominaría como "proto-psicodélicas", ya que aún suena primigenio y tanto la ejecución amateur como la producción artesanal le dan un sabor más cercano al garage rock de mediados de los 60's, como sea, a pesar de ser un álbum relativamente ambicioso y experimental para su tiempo, no alcanzó a venderse, ya que además de que la disquera Cameo-Parkway hizo una pésima promoción, The Deep nunca fue un grupo formal, sino un proyecto formado por músicos de estudio, por lo que no hubo tampoco conciertos que lo promocionaran.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En 1967, tanto Rusty Evans como Mark Barkan y los músicos de sesión que habían tocado en el disco de The Deep decidieron firmar un contrato con Columbia para grabar un nuevo disco que sonara más psicodélico y más profesional, y otro de los cambios que acompañarían a este álbum sería el cambio de nombre del "grupo" a The Freak Scene. <i>Psychedelic Psoul</i> saldría justo en la época del Verano del Amor y sería un fracaso comercial al igual que su antecesor, por lo que Rusty terminó perdiendo el interés en el proyecto y relanzaría su carrera como cantautor de folk psicodélico y terminaría renombrándose como Marcus, su verdadero nombre y sacaría un disco en 1970, pero eso es otra historia que será contada en el futuro.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>Psychedelic Psoul</i> es un disco que al mismo tiempo que comparte varios elementos con su antecesor, tiene muchas mejorías importantes y esto lo hace consolidarse como todo un clásico de la psicodelia más subterránea, y es que en este disco no solo vemos a unos The Deep que pasaron de ser un grupo amateur y verde con una producción artesanal a un grupo profesional con una clara postura artística y contracultural que además de todo tiene una excelente producción, sino que estamos ante todo un clásico de la psicodelia más subterránea que presenta una propuesta que yo diría que suena bastante innovadora para su tiempo, teniendo en cuenta que muchos de los elementos presentes en este disco se convertirían en la posteridad como algo recurrente y habitual de escuchar en los discos psicodélicos de 1968 a 1975, por otro lado, algo que se me hizo muy interesante es que Rusty Evans no apostaba simplemente por la psicodelia y el discurso contracultural de la época, sino que miraba sin ningún prejuicio a la world music y al avant-garde, pero al mismo tiempo, las canciones de todo el álbum se mantienen accesibles, inteligentes y coherentes sin caer en ningún cliché estúpido y anticuado o en la masturbación pseudo-artística, lo que me parece un gran logro teniendo en cuenta que muchos discos de corte similar suelen terminar siendo directa o indirectamente parodias molestas de la psicodelia y la contracultura de los 60's, como mucho de lo que hizo Frank Zappa en su momento o incluso The Velvet Underground (aunque estos últimos de manera muy ocasional) o discos con mucha incoherencia de por medio.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco abre con <i><b>A Million Grains of Sand</b></i>, una icónica canción para los entusiastas de la psicodelia más underground de la época, y es que lo tenía todo para ser un gran éxito: era experimental, viajada e innovadora, sin embargo, el hecho de que el grupo no se consolidara como un grupo de conciertos hizo que este disco no entrara a las listas de popularidad, como sea, aquí estamos ante una verdadera obra maestra del estilo, pues aquí notamos que a pesar de ser de 1967, suena totalmente fresca incluso para la actualidad y también podemos notar la tendencia de Rusty Evans de abrazar a la música del mundo como parte esencial de su sonido, pues nos encontramos con una marcadísima influencia árabe que la convierte en una canción extremadamente rítmica y exótica al mismo tiempo que incluye varios efectos sonoros, entre ellos un parlante leslie en la voz (herencia de <i><b>Tomorrow Never Knows</b></i>), delay en la guitarra y cintas en reversa. Luego Rusty Evans, rebautizado como Marcus grabó una versión más pausada y larga que tenía una influencia más hindú e incluía cítara, tablas y tambura, que a mi gusto está al nivel de esta y muestra la adaptabilidad de esta obra a otros estilos, e igualmente el demo de 1966 (que lo pueden encontrar por el Youtube) muestra que originalmente era una obra más "dylanesca" en un principio. Obra maestra de principio a fin.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>...When in the Course of Human Events (Draft Beer, Not Students)</b></i> e<i><b> Interpolitation: We Shall Overcome</b></i> se trata de una sola obra que incluye atrás un ritmo repetitivo con reminiscencias de samba o bossa nova mientras que al frente encontramos todo un collage de consignas de marchas estudiantiles, una conversación sobre los tópicos políticos más importantes de la época y la canción <i><b>We Shall Overcome</b></i> de fondo, y a pesar de que este tema sea de los menos brillan en el disco, me sigue pareciendo un gran logro que un tema de "spoken word" con reminiscencias un tanto "zappianas" no suene aburrido o ridículo, por otro lado, cabe mencionar que la frase "Draft Beer, NOT Students!" fue una de las consignas de la época en contra del reclutamiento de jóvenes para llevarlos a la guerra de Vietnam, sin embargo, la frase se traduciría literalmente como "Cerveza de barril, NO estudiantes", por lo que pierde sentido, sin embargo, "draft" en inglés tiene muchos significados, entre ellos "barril" y "reclutamiento", por lo que es una frase irónica y al mismo tiempo de protesta.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Rose of Smiling Faces</b></i> es otro de los temas que más me gustan de todo el disco y es que si <i><b>A Million Grains of Sand</b></i> resultó ser un experimento exitoso al combinar la psicodelia más viajada y experimental con la música árabe, este otro tema lo hace también de forma exitosa, pero esta vez es la música clásica de la India con una psicodelia hipnótica, lo que me hace pensar seriamente que aquí The Freak Scene suenan como una versión "light" de The Beat of The Earth, pues aquí está esa misma influencia hindú y de las guitarras del surf, pero con la diferencia de que aquí no hay ruidismo, ni sinfonismo, ni temas largos, e incluso creo que hay cierto paralelismo entre Rusty Evans y Phil Pearlman, teniendo en cuenta que ambos comenzaron tocando un derivado del rock and roll cincuentero (Rusty tocaba rockabilly y Phil surf) y terminaron involucrados en la psicodelia más viajada e igualmente ambos abrazaron a la contracultura de los 60's de forma muy seria, aunque con la diferencia de que uno terminó convirtiéndose en pintor y el otro terminó recluido en una granja al sur de California. Otra obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Behind The Mind</b></i> tiene ecos del sonido de San Francisco, especialmente de Jefferson Airplane y Quicksilver Messenger Service, aunque menos enfocado al aspecto guitarrero de la escena y más hacia el experimental, ya que algo que caracteriza a este tema es su uso de las cintas en reversa y el delay. Temazo, lástima que sea muy corto.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>The Subway Ride Thru Inner Space</b></i> suena como a una versión light de Eric Burdon y los Animales en el <i>Winds of Change</i>, ya que está esta composición ultra-psicodélica en el fondo mientras que Rusty Evans está haciendo alguna especie de Spoken Word, mientras que hay detrás una guitarra con influencia del surf que va haciendo unos arreglos muy extraños, lo que me hace pensar que el propósito de Rusty no era hacer solos al nivel de Jorma Kaukonen o de John Cipollina, sino jugar con los arreglos psicodélicos de una forma en que la guitarra sirviese más como un adorno que como un instrumento principal. Muy buen tema.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Butterfly Dream</b></i> suena a Jefferson Airplane más experimental y menos guitarrero o a unos United States of America sin los efectos electrónicos de Joe Byrd. Otro muy buen tema que dura muy poco.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>My Rainbow Life</b></i> fue un tema que grabaron primero The Third Bardo, otro de los grandes grupos de la primera psicodelia o garage psych, el cual fue producido por Rusty Evans, aquí The Freak Scene la reviven aunque con un sonido más limpio, pero no menos viajado e hipnótico que el original, además de conservar esa influencia hindú que de alguna manera recuerda a los sanfranciscanos Mad River, pero sin las atmósferas disonantes y oscuras de estos. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>The Center of My Soul</b></i> suena como unos The Art of Lovin' pasados de ácidos que además incluyen una armónica blusera que suena extremadamente psicodélica, por lo que yo supongo que debe tener algún fuzz o algo por el estilo, ya que suena extraña. Excelente pop psicodélico.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Watered Down Soul</b></i> comienza como un blues rural completamente acústico para convertirse en una especie de soul en ácido con unos melismas de corte hindú que vuelven a remitir al Revolver de los Beatles y de nuevo, la guitarra de Rusty Evans vuelve a imitar de forma muy interesante a la cítara, mientras que también se incluyen una serie de efectos de estudio que no he podido identificar del todo más que algún líquido burbujeante. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Red Roses Will Weep</b></i> tiene cierta sonoridad española combinada con unos cantos medio gregorianos que recuerdan a los mejores Yardbirds pero con más LSD, ya que las voces incluyen un delay y un trémolo ultra-psicodélicos. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Mind Bender</b></i> es otro experimento extraño que vuelve a recordar a The Beat of The Earth, ya que aquí se incluyen unas guitarras que recuerdan a Phil Pearlman y sus ragas, mientras que Rusty Evans va haciendo algún tipo de spoken word mientras que la cantante femenina que ya habíamos escuchado en la mayoría de los temas, va haciendo alguna especie de Grace Slick "hinduizada" (si es que existe esa palabra) y por detrás hay algún ritmo de corte "latino" que se repite una y otra vez. Lástima que dure tan poco tiempo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco cierra con <i><b>Grok!</b></i> un instrumental de un poco más de 1 minuto que otra vez suena a raga rock, pero con un montón de efectos que no puedo identificar, supongo que nunca lo haremos y que es un secreto de Mark Barkan. Temazo y excelente cierre.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Un disco que nadie debe perderse, aunque no lo recomiendo para los que apenas se están iniciando en la psicodelia, pues mientras que la mayoría comienza con lo más "estándar" que por lo general siempre va enfocado, ya sea a la guitarra o al órgano, mientras que aquí no hay un enfoque a un instrumento en específico, sino a la recreación de los viajes psicodélicos a través de la música, a pesar de la cortísima duración de la mayoría de canciones, pero definitivamente su carácter experimental y que tiene cierto "fetiche" por la música del mundo puede resultar un tanto difícil de digerir para algunos.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Postdata: Incluí un ripeo del vinilo original de 1967 que encontré por Soulseek y uno de la reedición en compacto de 1994. Lamentablemente, el ripeo del vinilo está en 16/44, sin embargo, creo que sigue siendo la mejor opción para los audiófilos, ya que la del CD suena un tanto aumentada en los graves y tiene cierta sibilancia en la voz, pero aún así la incluí por motivos más que nada, documentales.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/9pfvx" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-O6wJubq0U_A/YPW8vf9PDwI/AAAAAAAASZM/LY-ae2XAAVgTmcI4KoEFE-XybHOwVd3_QCLcBGAsYHQ/s921/A-1194522-1539497479-1339.jpeg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="921" data-original-width="600" height="529" src="https://1.bp.blogspot.com/-O6wJubq0U_A/YPW8vf9PDwI/AAAAAAAASZM/LY-ae2XAAVgTmcI4KoEFE-XybHOwVd3_QCLcBGAsYHQ/w344-h529/A-1194522-1539497479-1339.jpeg.jpg" width="344" /></a></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-54473723845560819642021-07-09T16:10:00.000-05:002021-07-09T16:10:17.797-05:00The Yardbirds - Roger The Engineer (1966)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ABdFfVZ84LE/YLpmw6PgjvI/AAAAAAAASSg/51uiasLJmUgD801jrtIeaf14jOSp7GxZwCLcBGAsYHQ/s2048/front.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1994" data-original-width="2048" height="423" src="https://1.bp.blogspot.com/-ABdFfVZ84LE/YLpmw6PgjvI/AAAAAAAASSg/51uiasLJmUgD801jrtIeaf14jOSp7GxZwCLcBGAsYHQ/w434-h423/front.JPG" width="434" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div>Después de todo un mes y 8 días de descanso, el blog regresa a sus actividades semanales. Antes de pasar a hablar del disco y el grupo en cuestión, quiero platicarles lo que pasó en el transcurso del mes pasado, pues además de haberme sentido muy agotado (gracias a mis problemas de sueño que sufro desde que tengo memoria) durante la primera mitad de Junio, el día 28 de ese mes fui de nuevo bloqueado por la red neuronal del Facebook por 30 días, lo que me ha hecho volverme a cuestionar seriamente mi estancia ahí, ya que la corrección política ya no solo se aplica para las opiniones que critiquen a alguna minoría estúpida o algo por el estilo, sino que ya hasta para cualquier insulto, por más intrascendente e irrelevante que pueda parecer decirle a un trumpista "pendejo" en inglés británico ("you bloody cunt"), eso hizo que se me volviera a bloquear, por lo que estoy pensando seriamente en abandonar esa red social y tener a mis blogs como únicos medios de expresión, ya que al menos por aquí nunca se me ha censurado por decir alguna leperada o por criticar a la trivialidad pequeñoburguesa de la "izquierda" actual, pero bueno, por si eso no era suficiente terminé con una infección intestinal después de comer algo descompuesto o sucio que me provocó serios malestares el fin de semana pasado y hasta ahorita estoy acabando de recuperarme, lo que me imposibilitó poder ponerme a escribir seriamente e incluso de concentrarme para escuchar música, sin embargo, este blog está de regreso a las actividades y esperemos que esto de para mucho.</div><div><br /></div><div>El disco que les presento hoy fue el que ganó la encuesta publicada a fines de Mayo, por lo que les agradezco a los que hayan votado, sin embargo, lo pospuse debido a que había encontrado una versión en SACD del <i><b>Forever Changes</b></i> y vi que era necesario compartirla por su excelente calidad de sonido, pero como sea, aquí les traigo este disco en su remasterización del 2007, ya que es lo que tengo disponible por ahora, esperemos que en el transcurso de este mes alguien suba la nueva remasterización que salió el 25 de Junio a rutracker o a alguna página rusa por el estilo... En fin, espero que disfruten este nuevo post que es un disco verdaderamente histórico.</div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Los Yardbirds se formaron en los suburbios del sur de Londres en 1963 por el vocalista Keith Relf y el bajista Paul Samwell-Smith, quienes habían estado en un grupo llamado The Metropolitan Blues Band, con el nombre de The Blue-Sounds, poco después se les unirían el guitarrista rítmico Chris Dreja, el baterista Jim McCarty y el guitarrista solista Top Topham. Uno de sus primeros conciertos fue como banda de acompañamiento para el músico de blues Cyril Davies a fines de Mayo de ese año, el cual les ayudó a conseguir más conciertos y sería en este periodo en el que se harían llamar definitivamente los Yardbirds, que según Dreja y Relf, venía de la novela En el Camino de Jack Kerouac, en donde se usa el término para referirse a los vagabundos que merodeaban en las estaciones de tren y Topham dice que se trataba de una referencia a Charlie Parker, a quien apodaban como "Yardbird".</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Cuando Top Topham abandonó al grupo en Octubre de 1963, su puesto fue tomado por Eric Clapton, en aquel entonces, un guitarrista desconocido y fue aquí donde la banda comenzó a volverse cada vez más popular, al punto que al convertirse en el grupo de la casa del Crawdaddy Club, pronto el dueño del lugar Giorgio Gomelsky se convertiría en su representante y productor, lo que los llevó a convertirse brevemente en la banda de acompañamiento para Sonny Boy Williamson, que en ese año estaba de gira por Inglaterra y fue ahí donde se grabaron las canciones que finalmente serían editadas en 1966 en el disco <i>Sonny Boy Williamson and The Yardbirds</i>.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Pronto, en Febrero de 1964 firmarían un contrato con la Columbia, una disquera que en ese momento era subsidiaria de la EMI y en Marzo de ese año, grabarían su histórico <i>Five Live Yardbirds</i>, que consistía básicamente en covers de blues y rhythm and blues tocados en vivo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Los Yardbirds eran cada vez más populares y su primer sencillo grabado profesionales no cumplió con las expectativas del grupo de convertirse en más populares, por lo que finalmente sus líderes Keith y Paul comenzarían a ver un panorama más allá de su blues, y es así como obtienen su primer gran éxito en 1965: <i><b>For Your Love</b></i>, una composición de Graham Gouldman inspirada en el sonido de los Beatles y con un clavecín prominente tocado por un jovensísimo Brian Auger, lo que finalmente tendría el costo de que Eric Clapton -en aquel entonces, un purista recalcitrante del blues- se saliera y en su lugar llegara Jeff Beck, un guitarrista que podía manejar más estilos y es aquí donde comenzaría su época de pioneros y de grandes innovadores.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">A fines de la primavera de 1965, sale <i><b>Heart Full of Soul</b></i>, el gran debut discográfico de Jeff Beck en el grupo, el cual significó una importantísima innovación en el rock, pues por un lado, es la primera canción en insertar elementos propios de la música clásica de la India y por el otro, es el tema que popularizó el uso del fuzz en la guitarra, pues a pesar de que los Ventures ya lo usaran seguido y que Travis Wammack sacara su innovador sencillo <i><b>Scratchy</b></i> en 1964, ninguno había logrado masificar el uso de dicho pedal que hasta ese momento, era visto más que nada como una curiosidad y no como algo con potencial para convertirse en un sonido clave, por lo que es con esta canción que además de que el fuzz se hizo popular e importante, sus elementos exóticos la convirtieron en uno de los temas pioneros de la psicodelia y por si eso no fuera poco, en ese mismo año sacarían <i><b>Still I'm Sad</b></i>, la primera canción escrita por los miembros del grupo, la cual también significaría una gran innovación, pues es el primer tema de música popular moderna en incluir elementos propios de la música medieval, incluyendo cantos gregorianos (lo que finalmente terminaría derivando en el surgimiento del folk rock neo-medieval en años posteriores), además de ser una de las primeras canciones de corte netamente oscuro y depresivo que finalmente se convertiría en el sello de grupos como los Doors y Mad River.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">A principios de 1966, la banda estaba en su punto álgido y era universalmente reconocida como una de las bandas más importantes de la "Ola Inglesa" o "Invasión Británica", y es aquí donde saca su mayor logro compositivo: <i><b>Shapes of Things</b></i>, que se convirtió en uno de los emblemas del grupo y que además de todo, es uno de los temas más importantes e influyentes de los 60's, pues por un lado, es la primera canción psicodélica en volverse popular y esto, finalmente la llevaría a convertirse en un tema extremadamente influyente, pues el solo de Jeff Beck, de nuevo con influencias hindúes, sería una parte fundamental para la construcción del tono quintaesencial de la guitarra psicodélica con su fuzz y su feedback controlado, además de que sus letras también resultaron ser muy relevantes, pues por un lado, fueron las primeras letras anti-guerra y pro-ecología en estar en un disco de rock, pero por otro habría que mencionar que su mensaje es incluso más relevante hoy que hace 54 años, pues es en estos tiempos donde el problema de la catástrofe ecológica está más presente que nunca, pero mientras exista un capitalismo que funcione a través de regímenes tecnocráticos/totalitarios para hacerles el caldo gordo a los lumpenburgueses, el problema crecerá aún más, pero bueno, volviendo a los Yardbirds, <i><b>Shapes of Things</b></i> también fue importantísima en el sentido de que significó la toma de conciencia artística del grupo en cuanto al potencial que existía al comenzar a escribir sus propias canciones y fue con esto que unos meses después de su grabación (que ocurrió entre Noviembre y Diciembre de 1965) y de su lanzamiento (Enero del 66), situándonos en la primavera de 1966, el grupo se metió a grabar <i>Roger The Engineer</i>, disco del que hablaremos más adelante, el cual salió en Julio de ese año, justo cuando el bajista Paul Samwell-Smith había decidido dejar al grupo para dedicarse exclusivamente a la producción musical y en su lugar entró Jimmy Page, que luego se cambiaría a la guitarra rítmica para grabar <i><b>Happenings Ten Years Time Ago</b></i> y <i><b>Psycho Daisies</b></i>, temas de los que también hablaremos más adelante.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Poco tiempo después, Jeff Beck se saldría del grupo y Jimmy Page tomaría su lugar como guitarrista, grabando así el disco<i> Little Games</i>, salido en 1967. En 1968 terminarían separándose y el resto es historia.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div><i>Roger The Engineer</i> es un disco importantísimo, que se podría decir que marcó un antes y un después, pues estamos frente a una de las piedras angulares de lo que vino después y ante un álbum en donde el grupo en cuestión se consolidó como parte de los grandes innovadores no solo del rock, sino de la música popular en un tiempo donde la música académica había tomado el giro masturbatorio e incoherente del avant-garde y el jazz ante su imposibilidad de renovarse melódicamente, había tomado también un giro masturbatorio en la improvisación libre y lo modal, lo que finalmente había dejado a los músicos jóvenes el campo abierto para la innovación y la creatividad en la música popular, lo que finalmente terminó produciendo discazos como el <i>Revolver</i> y el <i>Sargento Pimienta</i> de los Beatles, el <i>Forever Changes</i> de Love, el <i>Days of Future Passed</i> de los Moody Blues, el <i>Piper At The Gates of Dawn</i> de Pink Floyd, el <i>Their Satanic Majesties Request</i> de los Rolling Stones, entre otros, y uno de ellos se podría decir que es <i>Roger The Engineer</i>, que a pesar de ser una obra cumbre que fue extremadamente influyente para todo lo que vendría posteriormente, es una obra incomprendida tanto por los "expertos" como por los que se autonombran "conocedores", quienes la tienen como una obra menor de la época, sin embargo, ya veremos más adelante el motivo de su importancia como obra.</div><div><br /></div><div><i>Roger The Engineer</i> resultó ser la culminación de lo que la banda había venido haciendo desde 1965 y su mayor esfuerzo creativo, pues es con este disco que su mezcla ecléctica de blues, rhythm and blues, rock and roll y rockabilly cincuenteros, folk rock, pop anglófilo, garage rock y raga rock toma la forma de un rock psicodélico diversamente colorido que incluye además de todas las influencias antes mencionadas, elementos de música medieval con cantos gregorianos, gospel, música tribal y freakbeat, haciendo de los Yardbirds, no solo uno de los primeros grupos psicodélicos de la historia, sino que también los hace de alguna manera pioneros del rock ácido en su forma británica, es decir, lo que vendrían a hacer grupos como Cream, la Experiencia de Jimi Hendrix y Ten Years After, pero de una forma menos tecnicista y más coherente, pues aquí se nota que no hay ningún exceso que finalmente se convertiría en la norma para el rock tiempo después (y que finalmente sería la justificación para el surgimiento del pub rock británico y el punk neoyorquino) y se nota un esfuerzo creativo e intelectual importante que finalmente terminó en un disco extraordinariamente compuesto y tocado, y bueno, su importancia radica tanto en la influencia que ejerció en lo posterior como en la calidad general, dejando en claro que los Yardbirds estaban ya en el olimpo del rock.</div><div><br /></div><div><div>El disco inicia con <i><b>Lost Woman</b></i>, un blues psicodélico que estoy seguro de que serviría como plantilla para Cream, pues aquí se notan todos los ingredientes que tomaría aquel power trio para crear su sonido, sin embargo, aquí tenemos a mejores músicos y compositores (a excepción de Jack Bruce, quien era el alma del trío y un GRANDE), e igualmente algo que me llama la atención es como el riff y el tono del bajo de Paul Samwell-Smith evocan a un contrabajo (la magia de la pastilla Sidewinder) y e igual la armónica con fuzz de Keith Relf es también algo muy interesante para la época, ya que en aquel entonces, el fuzz era usado exclusivamente en la guitarra y aquí ya se escucha un uso distintivo del pedal para otro instrumento, mientras que la guitarra está acompañada con un ligero overdrive. Temazo.</div><div><br /></div><div><i><b>Over, Under, Sideways, Down</b></i> es uno de los temas más icónicos del grupo y posiblemente uno de sus mayores logros en combinar la psicodelia de tonos hindúes con una composición evocadora del viejo rock and roll cincuentero, e igualmente, es un tema que marcaría lo que se conocería como "Swinging London", aunque irónicamente, la letra es una crítica al estilo de vida de ese movimiento, por otro lado, tanto la composición como la instrumentación son magistrales y definitivamente merece ser llamada obra maestra, a pesar de que a muchos "listillos" les incomode.</div><div><br /></div><div><i><b>The Nazz are Blue</b></i> es el homenaje de Jeff Beck a Elmore James, por lo que podemos decir que estamos ante a un boogie rock potente que de nuevo remite a Cream o incluso a Ten Years After, pero con una ejecución más interesante e igualmente este fue el tema que le dio nombre a un joven grupo de Filadelfia en el que estaba un puberto Todd Rundgren.</div><div><br /></div><div><i><b>I Can't Make Your Way</b></i> es un tema de base folk, que estoy seguro que está hecho a modo de parodia u homenaje a Bob Dylan, aunque sin la voz aguardentosa y desafinada de este, además de que también tiene ese regusto a psicodelia de tintes hindúes que tanto identificó a los Yardbirds en su periodo con Jeff Beck, pero igualmente algo que quiero destacar son sus letras que otra vez guardan esta tendencia a la crítica social y su abierto rechazo a la superficialidad y al inútil estilo de vida de la clase media, y aquí sucede algo que yo llamo el "Efecto Ill Wind", pues estas letras quedan todavía mejor en el contexto actual que en el particular de su época. Temazo.</div><div><br /></div><div><i><b>Rack My Mind</b></i> es otra vez un homenaje a un viejo blusero, esta vez a Slim Harpo, y de nuevo Jeff Beck se luce en su trabajo de guitarra y otra vez está antecediendo al rock ácido, pues esto es blues psicodelizado completamente guitarrero que pone a Beck al nivel de grandes como Mike Bloomfield, John Cipollina, Jerry García, Jorma Kaukonen o Elliot Ingber y hace trizas a Eric Clapton a la hora de combinar los fraseos bluseros con una postura abiertamente psicodélica. Temazo.</div><div><br /></div><div><i><b>Farewell</b></i> es pop anglófilo de muy corta duración, que pone a los Yardbirds en una postura similar a la que se puede escuchar en grupos como los Kinks, Bulldog Breed, los Dave Clark Five o incluso a la primera época de Pink Floyd.</div><div><br /></div><div><i><b>Hot House of Omagarashid </b></i>es un tema un tanto experimental que incluye percusiones y cantos tribales sin ninguna palabra combinados con diversos efectos de estudio, incluso algo que suena como burbujas que al parecer fue hecho con algún tipo de oscilador.</div><div><br /></div><div><i><b>Jeff's Boogie</b></i> es otro homenaje, esta vez a Chuck Berry y se trata de un tema que está a medio camino entre el boogie guitarrero y el rock and roll cincuentero, mostrando de nuevo que los Yardbirds a pesar de ser ya un grupo pionero de la psicodelia y de haber creado algunas de las innovaciones más importantes de la época, no se olvidan del viejo blues y del rock and roll, pero con la diferencia de que mientras aquí en México se agarran de los patrones más trillados y aburridos que además están mal tocados y que con eso se agarran para decir que son "verdadero rock", los Yardbirds supieron manejar bien esas raíces sin caer en lo repetitivo, aburrido y trillado, por eso es que son un grupo infravalorado por los viejos.</div><div><br /></div><div><i><b>He's Always There</b></i> es psicodelia garagera guiada por el áspero fuzz de Jeff Beck y que tiene una atmósfera un tanto oscura y misteriosa que de alguna manera recuerda a lo que harían finalmente en <i><b>Happenings Ten Years Time Ago</b></i>, pero menos perturbada y de alguna manera me recuerda a los enormes Hunger, de quienes ya hemos hablado en el blog hace unos tres años atrás. Temazo.</div><div><br /></div><div><i><b>Turn Into Earth</b></i> es una especie de música medieval "modernizada" con instrumentación de rock, una atmósfera muy psicodélica y una sección rítmica que por momentos raya con lo jazzero, además de que tiene cantos gregorianos, lo que de alguna manera pone también a los Yardbirds como pioneros en el folk rock neo-medieval/renacentista que finalmente se convertiría en la impronta de Ritchie Blackmore en los últimos años (antes de reformar a Rainbow). Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>What Do You Want?</b></i> es garage psicodélico y uno de los rave-ups tan característicos de los Yardbirds, que los pone también entre los mayores representantes del breve y oscuro garage rock británico junto con los Them, los Troggs, los Sorrows y posiblemente también los Kinks.</div><div><br /></div><div><i><b>Ever Since The World Began</b></i> es el tema que cierra al disco original y este comienza con una introducción de gospel muy pausada y con mínima instrumentación para finalmente convertirse en un tema de rhythm and blues con el típico sello de los Yardbirds. Temazo y excelente cierre.</div><div><br /></div><div><i><b>Happenings Ten Years Time Ago</b></i> es el debut de Jimmy Page en el grupo y aún tiene la presencia del gran Jeff Beck en los solos, y es otra obra maestra, pero esta vez de una psicodelia cargada de oscuridad y paranoia, que por momentos se podría decir que se adelanta a lo que harían grupos como Mad River o incluso los mismos Doors, pero igualmente se adelanta a las sonoridades que agarrarían como sello propio los grupos de rock gótico de los 80's, e igualmente podríamos mencionar que sirvió de inspiración para los gringos Hunger para su temazo Colors de 1969.</div><div><br /></div><div><i><b>Psycho Daisies</b></i> es boogie psicodelizado muy enérgico, esta vez no sé si fue un homenaje, pero suena muy potente y muestra cuanta energía desprendía este grupo incluso en estudio.</div><div><br /></div><div>Si no han escuchado esta joya olvidada, no esperen a hacerlo, es un disco obligatorio en toda colección.</div></div><div><br /></div><div><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/6ht9k" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ARm36XgTHZI/YOi5FN5hJ9I/AAAAAAAASWQ/mac9JWDDkI4G6DOjunZeeLxf64qcINz2QCLcBGAsYHQ/s1600/Yardbirds-Main.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1067" data-original-width="1600" height="308" src="https://1.bp.blogspot.com/-ARm36XgTHZI/YOi5FN5hJ9I/AAAAAAAASWQ/mac9JWDDkI4G6DOjunZeeLxf64qcINz2QCLcBGAsYHQ/w463-h308/Yardbirds-Main.jpg" width="463" /></a></div></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-30778666081147775952021-06-13T20:30:00.003-05:002021-06-13T20:30:45.871-05:00Blog inactivo hasta Julio<div style="text-align: center;">He decidido dejar inactivo el blog hasta Julio, ya que este mes me he sentido mal física y psicológicamente hablando, no puedo concentrarme, no puedo escuchar música, no puedo pensar claramente, me siento agotado, apático y deprimido, lo único que quiero es mantenerme aislado, por lo que el regreso a las actividades será hasta el próximo mes.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Gracias por su comprensión.</div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-1337773255197041412021-05-30T00:11:00.010-05:002021-06-15T18:18:45.614-05:00Love - Forever Changes (1967)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-31k4BQqTmjo/W0eagAx_erI/AAAAAAAAQOk/oSNdeSBuk5Mc4wLb-zL5QGO8SzRpvBMJgCPcBGAYYCw/s1600/Forever%2BChanges%2BBox%2BFront%2Bweb.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="800" height="430" src="https://1.bp.blogspot.com/-31k4BQqTmjo/W0eagAx_erI/AAAAAAAAQOk/oSNdeSBuk5Mc4wLb-zL5QGO8SzRpvBMJgCPcBGAYYCw/w430-h430/Forever%2BChanges%2BBox%2BFront%2Bweb.jpg" width="430" /></a></div>
<div style="text-align: center;">Hola a todos los lectores, me disculpo por la tardanza de no haber publicado ayer como prometí, pero estuve fuera de mi casa y cuando llegué estaba muy agotado para ponerme a escribir, sin embargo, el ganador de la encuesta que hice el Martes lo decidí posponer para la próxima semana, pues resulta ser que ayer encontré la versión SACD de esta obra maestra, y aunque yo no estaba familiarizado con ese formato y tampoco entendía como funcionaba, debo decir que quedé completamente impresionado y me hizo ver que el remaster del 2018 sonaba muy plano y comprimido, al punto de que la separación de los canales no se notaba mucho, por lo que esta versión en SACD me dejó una experiencia muy grata y decidí compartirla con ustedes junto con el mencionado remaster del 2018 como extra, ya que este último, tiene una mezcla alterna del disco y temas extra, igualmente tenía planeado subir el DVD, pero en última instancia decidí sustituirlo por el SACD que viene comprimido en una imagen de disco ISO que pueden reproducir fácilmente por medio de una herramienta para Foobar2000 que les dejaré en el JustPaste de las descargas. ¡Buen provecho!</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Los orígenes de Love se encuentran en cuando el adolescente Arthur Lee (quien ya era un compositor brillante, según fuentes cercanas) fue invitado a ver a una de las bandas de garage de su escuela en la que participaba su vecino Johnny Echols como guitarrista, por lo que pronto se uniría y se harían llaman The American Four, que pronto cambiarían de nombre a The Grass Roots y no tardarían en conocer a Bryan MacLean, quien en ese tiempo fungía como roadie de los Byrds, resultó ser que era un músico y compositor brillante quien había sido un niño prodigio, por lo que Arthur Lee lo invitó a unirse a su nuevo grupo que combinaba tanto el garage como el folk rock, que en ese tiempo marcaban a la escena rockera de los Ángeles, California.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Pronto el grupo quedaría completado por el baterista Don Conka y el bajista Johnny Fleckenstein, sin embargo, no duraron mucho en el grupo y serían sustituidos por Alban "Snoopy" Pfisterer en la batería y Ken Forssi, no obstante, antes de siquiera poder conseguir un contrato discográfico, resultó salir otro grupo con el nombre The Grass Roots, por lo que Arthur Lee le cambiaría el nombre a Love y así, el grupo debutó en 1966 con un disco homónimo que estaba mayormente conformado por temas de garage rock, folk rock y algunos tintes de psicodelia primigenia, logrando tener una popularidad considerable en la escena angelina, y en ese mismo año, el grupo lograría su único sencillo que entró a las listas de popularidad de Estados Unidos en un relativamente modesto lugar número 33 de nombre <i><b>7 and 7 is</b></i>, que terminaría siendo incluido en su segundo disco <i>Da Capo</i>, el cual ya muestra algunos chispazos de la genialidad que vendría para <i>Forever Changes</i> y tendría el debut del baterista Michael Stuart-Ware.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En 1967, el grupo decidió meterse a grabar su tercer disco que a petición del productor Bruce Botnick, tendría un sonido alejado del estridente garage rock de sus primeros 2 álbumes y estaría más orientado al folk rock, este disco se titularía <i>Forever Changes</i> y comenzaría a ser grabado en Agosto de ese año, sin embargo, los miembros del grupo no tenían ensayadas las nuevas canciones de Arthur Lee, por lo que los tuvieron que suplir The Wrecking Crew, el grupo de músicos de sesión más importante de la historia, sin embargo, todos los miembros de este grupo tuvieron que aprender nota por nota la forma de tocar de los miembros de Love, y esto llevó al grupo a irse a ensayar el resto de canciones que conformarían al disco, el cual fue terminado en Septiembre y fue lanzado el 1° de Noviembre de 1967, logrando un modesto número 58 en las listas de popularidad de Estados Unidos y un mucho mejor 24 en las del Reino Unido.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El grupo lanzaría un sencillo más en 1968 y la primera época de Love daría por concluida al separarse, después Arthur Lee encontraría nuevos miembros y grabaría 3 álbumes más, sin embargo, esos discos serán comentados en el futuro.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Love es uno de los grupos más importantes de la historia de la música popular, a pesar de que el reconocimiento les llegó muy tarde, cuando el grupo ya no existía y fue gracias a toda una oleada de jóvenes músicos de origen británico que a finales de los 80's hasta el amanecer de la siguiente década, tenían entre sus discos preferidos al <i>Forever Changes</i>, que había sido un disco que alcanzó a tener bastante éxito en el Reino Unido entre 1967 y 1968, llegando al número 24 de las listas de popularidad, pero el pleno reconocimiento como un clásico llegó hasta las épocas de la neo-psicodelia y el baggy e incluso uno de los grupos icónicos de esta última escena, los Stone Roses llegaron a afirmar que <i>Forever Changes</i> era el mejor disco de la historia (aquí, podemos disentir, pero sea o no el mejor, eso es lo que menos importa) y eso los hizo tener una amistad inmediata con su productor.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Por otro lado, aquí muchos podrán objetarme o incluso regañarme, pero la verdad soy un férreo crítico del purismo intelectual y además de todo, de los arbitrarios y anticuados consensos de los expertos, pues sufren a la hora de hacer un análisis musical sólido, teniendo como bases únicas a los tecnicismos, la popularidad y lo más equivocado de todo, tener solamente en cuenta la impresión que una obra pudo generar en su momento particular, lo que me hace pensar que todo este purismo intelectual posmoderno simplemente termina teniendo este giro elitista y torpe al querer seguir reivindicando lo "auténtico", en este caso, seguir reivindicando esa actitud completamente acrítica y consumista que tuvo la generación de los "Baby Boomers" frente a la música que les vendían las grandes disqueras y los medios de comunicación, sin embargo, yo aquí doy un salto políticamente incorrecto (al menos para el academicismo posmo y su reaccionaria reivindicación de las particularidades) para tomar de Hegel su idea de "universalidad" y de aquí reformular el significado de "obra maestra", pues la semana pasada recibí regaños por parte de una autoridad académica por las reseñas que escribí de los Animals, en donde catalogué al menos 10 temas como "obras maestras", y sus regaños fueron por no tener en cuenta que "lo único que puede hacer a una obra, una "obra maestra" es la popularidad que adquirió en su momento particular", lo que se me hizo que pecaba de insensato y deshonesto, pues si hay algo que debemos tener en cuenta con las grandes "obras maestras" de todas las artes, NO ES su particularidad, sino lo que siguen dejando después de tantos años de haber sido creadas, incluso si en su tiempo, lugar, circunstancia o contexto no se les conoció o se les consideró un trabajo menor, por lo que un grupo como Love nos confirma esta lectura de corte hegeliano, pues su reconocimiento llegó demasiado tarde, cuando la época de la psicodelia, el hippismo, el racismo contra los negros, la guerra de Vietnam, entre otras cosas, ya eran cosa del pasado y <i>Forever Changes</i> resurgió, para decir más de lo que incluso pudo decir en su contexto particular, por lo que aquí la pregunta correcta cuando vamos a analizar una obra, no debería ser la típica: ¿Cuál fue el impacto que generó la obra en su tiempo? Sino, ¿Qué es lo que tiene esta obra para decir después de tanto tiempo de su creación? Solo aceptando el rompimiento que una obra tiene con su particularidad, puede reafirmarse como "obra maestra" y <i>Forever Changes</i> definitivamente lo es.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Aquí una cita del prólogo de <i>La Filosofía del Derecho</i>:</div><div style="text-align: center;"><div></div><blockquote><h3><span style="font-family: Aladin; font-size: x-large;"><span style="font-weight: normal;">"</span><i style="font-weight: normal;">Al decir, aún, una palabra acerca de la teoría de cómo debe ser el mundo, la filosofía, por lo demás, llega siempre demasiado tarde. Como pensar del mundo surge por primera vez en el tiempo, después que la realidad ha cumplido su proceso de formación y está realizada. Esto, que el concepto enseña, la historia lo presenta, justamente, necesario; esto es, que primero aparece lo ideal frente a lo real en la madurez de la realidad, y después él crea a este mismo mundo, gestado en su sustancia, en forma de reino intelectual. Cuando la filosofía pinta el claroscuro, ya un aspecto de la vida ha envejecido y en la penumbra no se le puede rejuvenecer, sino sólo reconocer: el búho de Minerva inicia su vuelo al caer el crepúsculo.</i><span style="font-weight: normal;">"</span></span> </h3></blockquote><blockquote><h3><span style="font-family: Aladin; font-size: x-large;"><span style="font-weight: normal;">-Georg Wilhelm Friedrich Hegel</span></span></h3></blockquote><div> Como dice el buen Slavoj Žižek, Hegel es un filósofo muy abierto y universal para leer, pues prácticamente su pensamiento se puede aplicar incluso a otras disciplinas que no son filosofía o política, como en este caso: la música, y es que si hay algo que puede explicar el resurgimiento de grupos y discos raros o que quedaron opacados por conjuntos mucho más populares en su tiempo es precisamente esta cita de Hegel, pues esos discos llegaron a la gente cuando la psicodelia, el movimiento hippie, el verano del amor, los movimientos estudiantiles del 68, los primeros festivales de música, la guerra de Vietnam, entre otros sucesos, ya estaban realizados y por lo tanto, ya eran historia, y estos discos, incluso si muchos no llegan a ser "obras maestras", con el resurgimiento que tuvieron y con que sigan dando de qué hablar, es afirmativo que han reafirmado su universalidad.</div><div><br /></div><div>Por si no fuera poco, algo que también es muestra de su universalidad y que incluso dejó a Arthur Lee atónito fue que en el 2002, el parlamento británico reconoció a <i>Forever Changes</i> como uno de los mejores discos de la historia, por lo que podemos decir que el gran Arthur pudo morir con una sonrisa en la boca sabiendo que había creado un disco casi tan importante como el <i>Sargento Pimienta </i>en el 2005.</div><div><br /></div><div>Procedamos con la reseña:</div><div><br /></div><div>El disco comienza con la magistral <i><b>Alone Again Or</b></i>, tema compuesto por Bryan MacLean, el cual resultó ser un niño prodigio que empezó a componer sus propias canciones desde una tempranísima edad por medio de un piano de juguete. <i><b>Alone Again Or</b></i> fue originalmente compuesta como una canción de country, pero ante la imposibilidad de que ninguno de los integrantes sabía tocar el banjo y que el músico de sesión se estaba tardando muchísimo por cuestiones de tráfico para llegar a la sesión, Bruce Botnick (el productor) decidió ponerle atención a lo que estaba tocando el gran Johnny Echols y resultó ser que eran unas figuras de flamenco, por lo que Bryan terminó cediendo a que la canción tuviese un distintivo sabor español y para que este aumentara, Botnick terminó llamándole al trompetista de sesión Bud Brisbois -quien ya era conocido por haber colaborado en una infinidad de discos y además de todo, por haber colaborado con Herb Alpert y la Tijuana Brass- para que hiciese un solo al estilo del pasodoble taurino, por lo que podemos decir que estamos ante una de las primeras canciones de la música popular en la que se volteó a ver a la música española como influencia principal. Magnum opus.</div><div><br /></div><div><i><b>A House Is Not a Motel</b></i> es un tema que fue compuesto por Arthur Lee, el cual parece ser que tiene la inspiración de Burt Bacharach y Hal David, dos de los compositores preferidos de Arthur, especialmente en una canción que tiene un título similar (<i><b>A House Is Not a Home</b></i>), aunque honestamente no me suena muy similar, por lo que supongo que la influencia de ese tema se limita al título, sin embargo, la música está compuesta a medio camino del folk psicodélico y el rock ácido con un ligero tinte español, mientras que las letras van narrando desde una especie de fantasía psicodélica que al parecer se refieren a The Castle, la casa en donde vivía el grupo en sus inicios, situada en los Ángeles, California y además también incluye referencias a la guerra de Vietnam, las cuales están basadas en lo que un veterano le contó a Arthur en un bar de San Francisco y si no fuera poco, termina futurizando al predecir que el tema de la guerra que en ese tiempo era noticia se iba a convertir en un tema recurrente para las películas hollywoodenses. Por otro lado, la interpretación del grupo es magistral, con un Bryan MacLean que muestra maestría en la guitarra de 12 cuerdas y un Johnny Echols verdaderamente impresionante que suena psicodélico, estridente, apocalíptico, fresco y siempre fino y sofisticado. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>Andmoreagain</b></i> es una preciosa balada de folk combinada con la finura del Brill Building, donde la influencia de Burt Bacharach vuelve a aparecer, así como también la de sus colegas Buffalo Springfield y su canción <i><b>Nowadays Clancy Can't Even Sing</b></i>, compuesta por Neil Young (quien también tuvo su colaboración en este disco como arreglista de The Daily Planet), mientras que la interpretación vocal de Arthur Lee suena mucho más cercana a Johnny Mathis que a cualquier cantante de rock de la época, por lo que también se puede decir que esta canción confirma su alejamiento del garage rock de los primeros 2 discos de Love y su envolvimiento completo en un sonido más influenciado por el folk, que básicamente fue resultado de una petición de Botnick al mismo Arthur, igualmente las letras son filosóficas y un tanto espirituales, mientras que en este tema no toca ningún miembro del grupo, sino The Wrecking Crew, el grupo de músicos de sesión más importante de los Ángeles. Obra maestra.</div><div><br /></div><div><i><b>The Daily Planet</b></i> está en el número 4 y se podría decir que estilísticamente se encuentra dentro de un pop psicodélico "más estándar" en comparación con los primeros tres temas, sin embargo, empiezo a notar aquí reminiscencias del gran Syd Barrett en la forma en la que Arthur Lee va describiendo su vida cotidiana en la ciudad de los Ángeles combinando imágenes perturbadoras con otras más naif y otras más rutinarias, en las que se incluyen accidentes de tránsito, ambulancias, una madre comprándoles a sus hijos soldaditos de juguete, comer chicle, comer helado, hacer juegos de palabras un tanto infantiles o las más rutinarias que uno se puede imaginar, como despertarse de la cama en un día más en el que te esfuerzas por hacer lo mejor posible, lo que convierte a Arthur en el equivalente gringo de Syd Barrett, pues ambos son grandes compositores y ambos usan al menos de forma parcial los mismos recursos literarios para sus letras, aunque Arthur Lee puede llegar a ser más oscuro y perturbador. Por otro lado, la música incluye algunas ligeras influencias hindúes en algunas partes e incluso las partes de guitarra que están tocadas por Johnny Echols llegan a sonar parecidas a una cítara, mientras que los que están tocando son The Wrecking Crew de nuevo. Extraordinario tema.</div><div><br /></div><div>Llega otro tema de Bryan MacLean, esta vez <i><b>Old Man</b></i>, una preciosa balada romántica de folk con una de las letras más poéticas que he leído, en la que Bryan toca la guitarra acústica y canta con su voz de tenor lírico-ligero, la cual también es una voz más cercana a un crooner que a un cantante promedio de rock o folk, mientra que lo acompañan Ken Forssi en el bajo y Michael Stuart-Ware en un suave acompañamiento de hi-hat, mientras que atrás hay una orquesta que adorna a este Magnum opus que me ha llegado a sacar las lágrimas.</div><div><br /></div><div>Para este grupo es muy poco tener ya 4 obras maestras en un solo lado y Arthur Lee nos trae tal vez el tema más icónico del disco junto con <i><b>Alone Again Or</b></i>, <i><b>The Red Telephone</b></i>, el cual es un tema verdaderamente precioso de pop barroco que incluye, guitarra de 12 cuerdas y clavecín, mientras que Arthur Lee nos muestra su faceta más politizada e histérica (en un sentido totalmente psicoanalítico) en la que usa su usual mezcla de imaginería naif con otra perturbadora en la que menciona temas escabrosos para su época y él termina definiéndose como un ferviente crítico con los nacientes movimientos estudiantiles que alcanzarían su auge en 1968, especialmente en Francia y lo que se conoció como "Mayo Francés", por su reivindicación de la perversión (que finalmente derivó en una tecnocracia distópica y totalitaria de una pequeña burguesía pervertida, lumpenizada e híper-moralista) y con el movimiento hippie también, así como también muestra su inconformidad con la guerra de Vietnam y la segregación racial que se vivía en su país natal, así como también muestra al final un excelente guiño a la lucha de clases marxista al citar la frase de la obra teatro de Peter Weiss Marat/Sade de 1963 "¡Somos todos normales y queremos nuestra libertad!" y a la Biblia con "¡Todos los hijos de Dios tendrán su libertad!". Obra maestra.</div><div><br /></div><div>El lado B abre con <i><b>Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale</b></i> que contrasta con la ominosidad y el escepticismo de <i><b>The Red Telephone</b></i>, con una tonada alegre y movida de tintes flamencos con una letra críptica sobre las calles que fueron de alguna manera, una especie de equivalente angelino a las calles de Haight y Ashbury en San Francisco o a la calle de Carnaby en Londres, Inglaterra, pues era el lugar donde se expresaba la contracultura en los Ángeles y donde también estaba localizado el famosísimo Whiskey A Go-Go, también debo decir que una de las frases finales de la canción (que además tiene una estructura rarísima que la hace aún más críptica) me sonó sospechosamente hegeliana, pues básicamente lo que dice es: "La luna es una escena común en mi pueblo, aquí donde todos tienen la cara pintada de café y si no sentimos que esa no es la forma correcta, entonces vamos a pintar a todos de gris". Mientras que la interpretación del grupo es excelente y me llama la atención como Arthur Lee en su tendencia a cantar como crooner, termina acompañando a la trompeta en su solo. Excelente tema.</div><div><br /></div><div><i><b>Live and Let Live</b></i> es más pop psicodélico con letras que por momentos son perturbadoras y en otras muestran gran conciencia política por parte de Arthur Lee, pues aquí se podría decir que a pesar de que usa toda una imaginería naif para narrar una letra perturbadora que al mismo tiempo de hacer referencia a los colonos europeos vestidos de azul, hace también referencia al reclamo de los Indios por formar parte de la universalidad (o como dice Zizek, "nosotros también tenemos el derecho a ser malvados"), por lo que de alguna forma hace una especie de profecía sobre cómo los descendientes de los movimientos políticos de esa época agarrarían una actitud paternalista y políticamente correcta que básicamente ejerce un totalitarismo paralizante para que esas "minorías" que aparentan defender, no puedan entrar a su propia universalidad e igualmente Arthur llama a cuestionar el motivo por el que los líderes quieren escribir sus reglas en el cielo". Por otro lado, la música es de nuevo, magistral y tenemos a un Johnny Echols que suena mejor que nunca. Obra maestra.</div><div><br /></div><div>En el número 9 tenemos a <i><b>The Good Humor Man He Sees Everything Like This</b></i>, que sigue la misma tendencia de Arthur Lee a escribir canciones con influencia de Burt Bacharach, por lo que esta es otra balada pausada y de aires románticos que va describiendo toda una imaginería colorida que incluye colibríes cantando, niñas peinadas de colas, carruseles y campos floridos en el verano, cuando termina la canción de forma perturbadora, mostrando algo horroroso que nadie podía ver: El Verano del Amor estaba podrido y pronto el movimiento hippie iba a sacar lo peor de sí, otra vez una especie de pensamiento hegeliano en donde todo lo que tiene el potencial de volverse algo excelente termina convirtiéndose en una pesadilla. Magistralmente enfermo.</div><div><br /></div><div><i><b>Bummer In The Summer</b></i> es tal vez el tema más estándar en su composición de todo el disco, pues es un tema de psicodelia un tanto "countryficada" similar a <i><b>Plastic Fantastic Lover</b></i> de Jefferson Airplane en el que también se incluye influencia del talking blues, y de nuevo Arthur Lee muestra su escepticismo con el movimiento hippie y el Verano del Amor: ¡No hay nada de emancipador en ello, lárguense con sus perversiones a otro lugar, escorias totalitarias!</div><div><br /></div><div>Para cerrar con broche de otro tenemos uno de los mejores cierres de la historia de la música popular, <i><b>You Set The Scene</b></i>, un tema que de nuevo tiene la influencia de Bacharach presente y también es aquí donde escucho algo reminiscente a lo que alguna vez dijeron los Beatles que querían que fuese el <i>Sargento Pimienta</i>, pues aquí abundan esas trompetas y orquestaciones que tenía en mente Paul McCartney cuando llegó a los estudios Abbey Road con el concepto del <i>Sargento Pimienta</i>, por otro lado, la canción está compuesta como una mini-suite de 4 movimientos, mientras que las letras de nuevo son crípticas y según lo que he leído se tratan de una serie metáforas sobre los viajes de LSD, por lo que es una letra difícil de entender, pero que tiene mucha poesía como es común en las letras de Arthur Lee. Obra maestra sin ninguna duda.</div><div><br /></div><div>Solo quiero comentar un par de temas extra de la edición del 2018 para terminar:</div><div><br /></div><div><i><b>Wonder People (I Do Wonder)</b></i> es otro tema que muestra de nuevo la admiración que tenía Arthur Lee por Burt Bacharach, que incluso los metales incluidos aquí suenan a lo mejor de dicho compositor, esto es pop del brill building del más alto nivel, es una lástima que no se incluyera en el <i>Forever Changes</i>.</div><div><br /></div><div><i><b>Your Mind and We Belong Together</b></i> es pop psicodélico de filigrana con un sonido guitarrero, movido y un tanto rockero, pero con la misma finura y calidad compositiva del <i>Forever Changes</i>, aunque al final termina volcándose al rock ácido más guitarrero en donde Johnny Echols de verdad brilla y es donde uno puede entender como es que terminó convirtiéndose en un guitarrista de jazz justo cuando salió de Love poco después de lanzar este sencillo, por otro lado, es una lástima que esta alineación nunca pudiera juntarse, pero hubiese sido una maravilla que hubiesen acabado de grabar ese cuarto disco que traían en mente. Obra maestra.</div><div><br /></div><div>Este no es solo un disco imperdible, sino que es un álbum obligatorio en cualquier colección de quien tenga las agallas de hacerse llamar "conocedor".</div><div><br /></div><div><br /></div><div><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/1wnwr" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-yyis18EJGco/YLLMeDUDgDI/AAAAAAAASR0/APdTqRbgypcrjJv9ENv73P_6K9PVW3mIwCLcBGAsYHQ/s2048/love1967.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1144" data-original-width="2048" height="265" src="https://1.bp.blogspot.com/-yyis18EJGco/YLLMeDUDgDI/AAAAAAAASR0/APdTqRbgypcrjJv9ENv73P_6K9PVW3mIwCLcBGAsYHQ/w473-h265/love1967.jpg" width="473" /></a></div><div></div></div>
El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-12495710570845896602021-05-21T09:25:00.010-05:002023-09-15T20:41:21.347-06:00Them - Discografía (1968-1970) y Truth - Truth of Them and Other Tales (1969-71)<p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-SMMx5T4GtPw/YHHBAzGbV3I/AAAAAAAASE4/89aWcXZPOFk0NxtjV4WMrBSMYySgWDAxACLcBGAsYHQ/s1600/ThemCheckmateStudio1967.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="359" src="https://1.bp.blogspot.com/-SMMx5T4GtPw/YHHBAzGbV3I/AAAAAAAASE4/89aWcXZPOFk0NxtjV4WMrBSMYySgWDAxACLcBGAsYHQ/w478-h359/ThemCheckmateStudio1967.jpg" width="478" /></a></div><div style="text-align: center;">Hace 10 años y 7 meses, publiqué la discografía de este grupo irlandés en su etapa post-Van Morrison, sin embargo, a este repost se le sustituyó un disco, ya que el álbum Belfast Gypsies, según la información que encontré, fue grabado por un grupo fraudulento que incluso tuvo problemas legales con Van Morrison y Alan Henderson por usar el nombre de "Them" y aún así lograron grabar todo un disco entre 1965 y 1966 que salió hasta el verano de 1967 exclusivamente en Suecia, cuando este grupo ya estaba disuelto y los Them originales no solo tenían una nueva alineación, sino que ya estaban restablecidos en Estados Unidos y grabando lo que sería su primer disco sin Van Morrison, por lo que decidí sustituir el disco de los Them espurios por el disco de los ex-miembros de la alineación psicodélica que se llamaban Truth y grabaron un disco en 1969.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Todos los discos están en FLAC, el homónimo de 1969 es un ripeo del vinilo original en 24/96, por lo que pesa más, todos los saqué de distintas fuentes que estarán acreditadas en el JustPaste de los enlaces.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En 1967, después de varios fracasos que tuvieron después de sus más grandes éxitos, los Them decidieron separarse pero no por mucho tiempo, pues el bajista Alan Henderson, que co-lideraba al grupo junto con el ahora solista Van Morrison, se quedó con el nombre de "Them" y decide reformarlo junto con el guitarrista Jim Armstrong (quien ya había estado en otra alineación del grupo), el tecladista y flautista Ray Elliot (quien también ya había estado en otra alineación), el baterista Dave Harvey (otro antiguo miembro) y el vocalista Kenny McDowell, esta vez el grupo resurge en el formato de la psicodelia y pronto son invitados a Estados Unidos por el productor Ray Ruff, quien se ofrece a producirles un sencillo a finales de 1967.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En Enero de 1968 sale <i>Now-And "Them"</i>, disco que muestra al grupo en transición de su viejo garage rock y rhythm and blues a la psicodelia y que incluye la obra maestra Square Room, pronto, luego de hacer algunas giras por Texas y otros lugares de Estados Unidos, Ray Elliot decide salirse y regresarse a Irlanda del Norte, donde terminaría formando parte del grupo de folk psicodélico Trader Horne, formado por uno de los ex-miembros de los Them espurios y la primera vocalista de Fairport Convention Judy Dyble, de mientras, los Them hacen su completa transformación a la psicodelia con <i>Time out! Time in for Them</i> que es una mezcla entre rock ácido blusero, pop psicodélico y música clásica de la India.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En 1969, descontentos con la mala administración de Ray Ruff, Armstrong y McDowell se salen del grupo, regresando a Belfast en donde tocarían por un breve tiempo como Sk'Boo, pero pronto regresarían a Chicago y formarían Truth con el bajista Curtis Bachman y el baterista Reno Smith, que básicamente continuaron con el mismo sonido que se escuchó en los discos de los Them, mientras tanto Henderson se quedó con Ruff y recluyó a músicos de sesión, entre ellos al guitarrista Jerry Cole, así como también al guitarrista Jim Parker y al baterista John Stark, con quienes graba un par de álbumes en 1969 y 1970, editados por la disquera angelina Happy Tiger, en los que se muestra ahora a unos Them transformados en un grupo de heavy psych, y al no tener éxito, terminaron separándose en 1973.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Now-And "Them" (1968)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-O8u-2gbKyys/YIGlvlzTB-I/AAAAAAAASJA/otQEjrRecIoVIkApSxDHfJo18BWWq7C1wCLcBGAsYHQ/s2048/Front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2044" data-original-width="2048" height="445" src="https://1.bp.blogspot.com/-O8u-2gbKyys/YIGlvlzTB-I/AAAAAAAASJA/otQEjrRecIoVIkApSxDHfJo18BWWq7C1wCLcBGAsYHQ/w446-h445/Front.jpg" width="446" /></a></div><div style="text-align: center;"><i>Now-and "Them"</i> es el primer disco de los Them sin Van Morrison, sustituído por Kenny McDowell, y el tercero en la discografía oficial del grupo, grabado a finales del 1967 y lanzado en Enero de 1968.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>Now-and "Them"</i> es el disco que da inicio a la etapa psicodélica del grupo, sin embargo, aún sigue siendo un disco transitorio, pues aunque el material está mayormente influenciado por la psicodelia, aún se puede encontrar mucha variedad estilística, además de varios covers, por lo que podremos encontrar temas de pop psicodélico, blues, rhythm and blues, soul, garage rock y raga rock, mostrando un carácter similar a lo que significaron <i>Rubber Soul</i> para los Beatles o <i>Aftermath</i> para los Rolling Stones, sin embargo, hay ciertas irregularidades que impiden que este disco se convierta en una obra maestra completa, sin embargo, es el disco que les abrirá las puertas a algo todavía mejor.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco empieza con <i><b>I'm Your Witch Doctor</b></i>, un clásico tema de John Mayall y los Bluesbreakers el cual es un blues rock bastante movido y al cual el grupo no le hace gran modificación más que el inicio cuasi-tribal y algunas pequeñas partes de fuzz. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><div><br /></div><div><i><b>What's The Matter Baby</b></i> es otro cover, esta vez de la cantante Timi Yuro (quien poseía un registro de contralto bastante andrógino que le hizo ganarse el apodo de "la muchacha chiquita con voz gigante"), que además de todo, también sería grabada por los Small Faces en 1965. Se trata de un tema de soul bastante popero con metales que suena completamente sesentero. Temazo.</div><div><br /></div><div>En el tercer tema tenemos a <i><b>Time Machine</b></i>, que fue escrita por la cantante y compositora de jazz Teri Thornton para el grupo y se trata de otro tema de soul pop con metales aunque con tinte más psicodélico. Muy buen tema.</div><div><br /></div><div>Para el cuarto tema tenemos la obra maestra del disco: <i><b>Square Room</b></i>, un tema de raga rock que está instrumentado en la forma tradicional de una canción de rock con el extra de una flauta y violines, la cual fue inspirada por los Doors, quienes un año antes les habían abierto e incluso un caballeroso y cortés Jim Morrison se subió con ellos a palomear su clásico <i><b>Gloria</b></i> (que después sería grabado por los Doors), por lo que <i><b>Square Room</b></i> guarda muchas similitudes con <i><b>The End</b></i>, sin embargo, no se puede decir que sea copia de ese tema, al contrario, es un tema muy original y una de las mayores obras maestras del género junto con todas las contribuciones al subgénero de George Harrison con los Beatles, los Yardbirds, los Animales, Spirit, The Beat of The Earth, los Byrds, Quintessence, entre otros.</div><div><br /></div><div><i><b>You're Just What I Was Looking For Today</b></i> es una composición de la pareja Gerry Goffin y Carol King, quienes combinaban perfectamente lo comercial con lo refinado, melodioso y de gran calidad. Este tema fue versionado por gente como los Everly Brothers, Status Quo, The Yellow Payges y también los Them. Por otro lado, la canción es un sunshine pop psicodélico con metales que no sonaría completamente fuera de lugar en un disco de los Turtles o algún grupo del estilo. Temazo.</div><div><br /></div><div><i><b>Dirty Old Man (At The Age of Sixteen)</b></i> es un tema compuesto por Tom Lane (conocido por haberles compuesto temas a gente como las Mamás y los Papás, Cass Elliot y demás), la cual está hecha en una especie de mezcla entre garage rock y pop psicodélico sesentero con el riff de <i><b>Gloria</b></i> repetido todo el tiempo, lo que me pareció una medida innecesaria teniendo en cuenta que los Them tenían mucho más que ofrecer que esa canción, pero en fin, muy buen tema.</div><div><br /></div><div><i><b>Nobody Loves You (When You're Down and Out)</b></i> es un estándar del blues escrito por Jimmy Cox en 1923 popularizado por la gran Bessie Smith y versionado por miles de artistas a lo largo de los años, la versión de los Them tiene algunos ligeros cambios en la letra, el más notorio, haber cambiado "knows" por "loves" e igualmente algo que quiero destacar es la emotiva interpretación de Kenny McDowell, el cual le añade mucho carácter con su ronca voz. Extaordinaria.</div><div><br /></div><div><i><b>Walking In The Queens Garden</b></i> es otra de las tres obras originales del grupo presentes en este disco, la cual se podría definir como una canción típica de psicodelia británica primigenia que guarda mucha similitud con las primeras incursiones de los Yardbirds en el estilo e incluye un solo de guitarra fuzzeada con influencia hindú que simplemente suena excelente. Excelente.</div><div><br /></div><div><i><b>I Happen To Love You</b></i> es otra composición de la pareja Goffin/King, la cual fue grabada por numerosos grupos de la época, entre ellas la más destacada es la de los Electric Prunes que incluyeron en su segundo disco de 1967, sin embargo, mientras que originalmente fue concebida como una balada psicodélica, los Them la convierten en un garage al estilo de los Troggs -<i><b>Wild Thing</b></i>- pero con la inclusión de piano, metales y flauta. Temazo.</div><div><br /></div><div>El disco cierra con un casi broche de oro con el medio tiempo <i><b>Come To Me</b></i>, la última de las 3 composiciones originales del grupo presentes en el álbum, que es un tema de pop psicodélico completamente comercial y romántico que incluye órgano, buenos coros, flautas, metales y un Kenny McDowell que suena muy bien. Temazo.</div></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">A pesar de ser un álbum transitorio que todavía incluye reminiscencias de su pasado con Van Morrison, por lo que no es un disco completamente psicodélico, sin embargo, ya se nota en la mayor parte de las canciones esta influencia y eso serviría como la semilla que finalmente daría como fruto lo que vendría después.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Time out! Time in for Them (1968)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-WaegfpjGcDo/YIIsGtXKLOI/AAAAAAAASJM/ICyZy6wanWk5T5QLidFRP9qxvHkEwzbrwCLcBGAsYHQ/s1423/Front.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1406" data-original-width="1423" height="443" src="https://1.bp.blogspot.com/-WaegfpjGcDo/YIIsGtXKLOI/AAAAAAAASJM/ICyZy6wanWk5T5QLidFRP9qxvHkEwzbrwCLcBGAsYHQ/w449-h443/Front.JPG" width="449" /></a></div><div style="text-align: center;"><i>Time out! Time in for Them</i> es el segundo disco de la etapa psicodélica de la banda y el cuarto en la discografía general, aquí quedan reducidos a un cuarteto, ya que el tecladista y flautista Ray Elliot se había salido del grupo para regresar a Belfast, Irlanda del Norte, por lo que los Them toman una postura mucho más guitarrera y psicodélica en la que las canciones de rock ácido de base blusera están adornadas por un fuzz verdaderamente lisérgico, así como también hay canciones de pop psicodélico con influencias de jazz, folk y waltz y canciones de raga rock con cítara, tablas, tambura, címbalos, etc. Lo que hasta la fecha sigue siendo motivo de crítica para los fans puristas del grupo que alguna vez lideró Van Morrison, sin embargo, para los aficionados de la psicodelia, este disco es una de las mayores obras maestras olvidadas del subgénero -incluyéndome-, por otro lado, la mayor parte de las canciones están compuestas por la pareja Tom Lane/Sharyn Pulley, sin embargo, el grupo tiene un par de composiciones, una que comparte con la pareja y otra que está atribuida únicamente a ellos y otra que está compuesta por Don Dunn y Tony McCashen. </div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>Time out! Time in for Them</i> huele a incienso, flores, patchouli y hachís así como también remite a mantas hindúes, luces fluorescentes y estroboscópicas, ropas coloridas y demás, es decir, es un disco que transpira a los 60's en cada uno de sus surcos, lo que a muchos "expertólogos" (les digo así porque en un programa solían burlarse de las secciones de "expertos" de los noticieros o programas de televisión) no les gustará, ya sea por su estúpido intelectualismo que no pueden aceptar nada que no sea "innovador" o "transgresor" o simplemente porque se les hace demasiado viajado y no le entienden, sin embargo, para los que gustamos de la psicodelia más ácida nos será toda una experiencia placentera.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"> El disco abre con el tema casi homónimo <i><b>Time out for Time In</b></i> que es un pop psicodélico waltzeado bastante etéreo que incluye cítara también y unos coros completamente lisérgicos que recuerdan al mejor Strawberry Alarm Clock o incluso a Spirit. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>She Put a Hex on You</b></i> es rock ácido blusero con fuzz omnipresente por parte de Jim Armstrong, una sección rítmica omnipresente, algunos efectos de vibrato extraños y un Kenny McDowell que suena más viajado que nunca, dándonos una buena lección de cómo debieron haber sonado los discos de Cream en estudio sin la blanda producción que tuvieron. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Bent over You</b></i> sigue con la misma línea del anterior, pero esta vez se incluye una guitarra rítmica con wah-wah, armónica y un McDowell que suena entre que está viajando en ácidos y está teniendo un orgasmo e igualmente los ecos de Cream, los Animals o los Yardbirds se hacen notar, este es uno de los dos temas del disco donde aparece el grupo como autor de la canción. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Waltz of The Flies</b></i> es pop psicodélico waltzeado al igual que el tema que abre al álbum pero sin cítara, así como también forma parte de la trilogía de canciones que hablan de artrópodos, esta es la primera que menciona a las moscas desde su título. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Black Widow Spider</b></i> está a medio camino entre el pop psicodélico y el raga rock, el cual incluye un trabajo magistral de cítara por parte de Armstrong y un excelente trabajo vocal de McDowell, y es el segundo tema de la trilogía de los artrópodos, esta vez hablando de la viuda negra. Obra Maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>We've All Agreed To Help</b></i> es un tema de folk pop psicodélico que tiene guitarra rítmica acústica, guitarra de 12 cuerdas eléctrica, piano y buenas armonías vocales. Este tema no quedaría fuera de lugar en un disco de The Yankee Dollar, The Art of Lovin' o incluso de los Morning Glory, pues este era el estilo que manejaban aquellos grupos e incluso esas armonías vocales me recuerdan muchísimo a las de esos grupos, aunque sin las voces femeninas. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Market Place</b></i> suena a los Yardbirds en su periodo psicodélico e incluso el fuzz de Armstrong recuerda muchísimo al de Jeff Beck, por lo que no dudaría que este tema estuviese inspirado totalmente en aquel grupo inglés. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Por fin hemos llegado al mejor tema del disco: <i><b>Just One Conception</b></i>, el cual es un tema completamente hindú incluso en su instrumentación, pues aquí hay cítara, tambura, tablas y címbalos, además de que la composición tiene una estructura de mantra, lo que sin lugar a duda hace de este tema, música de hare krishnas secularizada, ya que en efecto suena a eso, a los mantras de los templos de los krishnas pero con letras en inglés referentes a la experiencia psicodélica, por lo que me atrevo a decir que esta es posiblemente la mejor canción compuesta por los Them por mucho. Obra maestra de principio a fin.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Young Woman</b></i> es psicodelia sesentera a más no poder que incluye un riff de guitarra de 12 cuerdas, fuzz, efectos de estudio y una atmósfera que suena propia de una fiesta hippie. Extraordinario.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>The Moth</b></i> suena al mejor Love combinado con algo de instrumentación griega (¿Bozouki?), algunos arreglos de cuerdas, también algo de guitarra fuzzeada y una composición muy fina y delicada. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>But It's Alright</b></i> cierra con broche de oro este disco, el cual vuelve al rock ácido de base blusera con fuzz asesino, excelente sección rítmica y un vocalista que se desgañita al mejor estilo del soul y el rhythm and blues, además de que este tema está al nivel de lo mejor de Hendrix o Cream. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">De temas extra se incluyen las versiones de los sencillos de <i><b>Square Room</b></i> y <i><b>Dirty Old Man</b></i>, además del sencillo con las canciones <i><b>Corrina</b></i> y <i><b>Dark Are The Shadows</b></i>, por lo que las comentaré a excepción de las versiones recortadas de las mismas que salen en el <i>Now-And Them</i>:</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Dirty Old Man</b></i> suena mejor aquí que en el disco, pues es mucho más cruda, garagera y psicodélica, mientras que la del disco suena más popera y refinada, además de que incluye ciertas partes de guitarra fuzzeada que suenan excelentes y un final que al parecer incluye tablas.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Square Room</b></i> en la primera versión del sencillo suena más orgánicas y los violines suenan mucho más, además de que Jim Armstrong improvisa sus líneas de guitarra y Kenny McDowell suena un poco tímido aquí, por lo que pienso que aquí la versión del LP es mejor, sin embargo, no deja de ser una obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Corrina</b></i> es un cover del clásico del gran Taj Mahal que está tocada en una especie de country blues psicodélico que incluye cítara eléctrica, guitarra eléctrica normal y un solo de guitarra acústica, sobre el que canta no estoy seguro de quién sea, pero cumple bastante bien, aunque a mi gusto no acaba de superar a la versión de Stoned Circus. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Dark Are The Shadows</b></i> suena entre country rock y rock ácido sanfranciscano que incluye guitarra de 12 cuerdas y buenos solos de guitarra. Muy buen tema.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>Time out! Time in for Them</i> es sin duda alguna una obra maestra perdida del rock ácido, un disco que tenía el potencial de convertirse en un clásico, no obstante, los malos manejos que hizo Ray Ruff como representante llevaron al grupo a pasar completamente desapercibido, sin embargo, este álbum ha sobrevivido a su tiempo y ha logrado tener un seguimiento de culto por parte de los aficionados de la psicodelia rara.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Truth - Truth of Them and Other Tales (1969-71)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-izVohc1cr28/YJ7X1EDlCRI/AAAAAAAASO0/gKBGPxZ9074nPXu0aA7Rs6VWsniuyBpRgCLcBGAsYHQ/s2048/Front%2BCover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="2039" height="449" src="https://1.bp.blogspot.com/-izVohc1cr28/YJ7X1EDlCRI/AAAAAAAASO0/gKBGPxZ9074nPXu0aA7Rs6VWsniuyBpRgCLcBGAsYHQ/w448-h449/Front%2BCover.jpg" width="448" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">En 1969, la nueva alineación de los Them se separó gracias a los malos manejos del representante Ray Ruff, por lo que todos regresaron a Irlanda y pronto Ray Ruff le habló al bajista Alan Henderson para que regresara a Estados Unidos para grabar dos nuevos discos bajo el nombre de Them, mientras que Jim Armstrong y Kenny McDowell tocaron por un breve tiempo con el nombre de Sk'Boo, pero pronto recibirían una oferta de un representante de Chicago para que crearan un nuevo grupo al que llamaron Truth, el cual terminó siendo completado por el bajista Curtis Bachman y el baterista Reno Smith, pronto se meterían a grabar una triada de temas para el soundtrack de una película junto con otros tres para un posible disco para Epic Records, pero los planes nunca se concretaron, el grupo terminaría separándose en 1970.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Las canciones de este disco fueron grabadas entre 1969 y 1970, pero las cintas fueron descubiertas hasta 1993 y no fueron editadas hasta 1996 con el nombre de <i>Truth of Them and Other Tales</i>.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El estilo de Truth es el mismo rock ácido que venían practicando los Them antes de su segunda separación, pero enriquecido con más influencias tanto de la costa oeste como el underground británico, por lo que al mismo tiempo que hay influencias de Grateful Dead y Quicksilver Messenger Service, también las hay de Traffic e igualmente noto ecos de Mighty Baby, Spirit, el Ritual y los Dug Dug's, por lo que estamos ante un disco de rock ácido guitarrero, melódico e inteligente que tiene buenos jams e incluye también elementos de raga rock, jazz, blues, por lo que hay flautas, cítaras, tamburas, tablas y demás instrumentos. Por otro lado, a pesar de que aquí estamos con un grupo verdaderamente magistral con canciones sublimes, la producción no me encantó, lo que me hace suponer que estas canciones simplemente fueron grabadas pero nunca recibieron ningún tratamiento apropiado, sin embargo, son las únicas grabaciones disponibles de este grupazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"> </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco empieza con <i><b>Music is Life</b></i> que suena al mejor Grateful Dead, es decir, al de la época psicodélica, incluso la ejecución de cada uno de los integrantes está al nivel de aquel grupo sanfranciscano, por lo que aquí tenemos junto con Mighty Baby, Man, Help Yourself, Crystalline/Axe, Dogfeet, entre otros, otro grupo británico que de verdad interpretó al sonido de San Francisco de forma magistral. Joya.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Le sigue <i><b>6 o' Clock Alarm</b></i> empieza como un tema de pop psicodélico que incluye un poco de guitarra con slide y clavicémbalo que pronto termina derivando en un jam al estilo de Grateful Dead que incluye un solo de bajo ejecutado por Curtis Bachman y una guitarra con wah-wah viajadísima, dejando en claro que eran unos músicos de muchísimo nivel y que debieron haber sido muy populares. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Mysterios</b></i> es la viajada introducción para <i><b>Music from Big Puce</b></i> que es una especie de pop psicodélico con una estructura compleja que incluye un acompañamiento de guitarra psicodélica repetitiva con wah-wah, excelentes armonías vocales y un solo con slide. Extraordinario tema.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Country Funk</b></i> es una breve introducción de bluegrass con armónica que da paso a <i><b>Blackboard Words</b></i> que esta vez suena al Grateful Dead de la época del <i>Workingman's Dead</i> y el <i>American Beauty</i>, lo que me hace estar casi completamente seguro de que este tema fue grabado en 1971, y básicamente se trata de una balada de country rock que curiosamente es muy buena, a pesar de que ese estilo no sea el que especialmente me fascine.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Sonic Sitar</b></i> tal vez no necesita ser explicado, teniendo en cuenta el título, como sea, es un tema de raga rock que suena como una canción descartada del <i>Time out! Time in for Them</i>, sin embargo, tiene 2 diferencias mínimas, pero notorias, una de ellas es que es un tema instrumental y la otra es que aquí no hay tablas, ni tambura, sino algún tambor más común, guitarra y sí, también hay cítara y címbalos. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>High</b></i> suena a otra canción descartada del <i>Time out! Time in for Them</i>, es decir, es un tema que mezcla el pop psicodélico con el rock ácido, el cual incluye excelentes armonías vocales, fuzz asesino, guitarra rítmica acústica y ciertas partes jazzeadas que curiosamente recuerdan a Quicksilver Messenger Service -<i><b>Gold and Silver</b></i>- e igualmente noto ecos de los Yardbirds y de la primera alineación de los Dug Dug's. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Archimed's Pad</b></i> es básicamente una versión instrumental y de jam de <i><b>Square Room</b></i>, que curiosamente suena todavía más parecido a <i><b>The End</b></i> de los Doors o incluso a <i><b>Wind Chimes</b></i> de Mad River que la versión original de los Them.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">En el número 10 tenemos un tema llamado <i><b>Getting Better</b></i>, que por supuesto, nada tiene que ver con el de los Beatles, pero como sea, aquí suenan como una combinación del sonido de los Them con el de Truth, por lo que hay atmósferas de pop psicodélico combinadas con rock ácido sanfranciscano que recuerda a <i><b>China Cat Sunflower</b></i> de Grateful Dead. Excelente.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Circle 'Round The Sun</b></i> es una balada de pop psicodélico que empieza con unas campanas extrañas y que en general tiene una atmósfera muy etérea. Excelente.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Ride The Wind</b></i> es psicodelia jazzeada con la flauta transversa como instrumento principal que si bien recuerda a Traffic, igualmente suena a la psicodelia mexicana de la época de Avándaro, pues bien pudo haber sido firmada por Armando Nava de los Dug Dug's, Frankie Barreño del Ritual, la Revolución de Emiliano Zapata o incluso Manuel Olivera de los Spiders, lo único que no me encanta es que al parecer fue grabada como un demo o en vivo, por lo que la calidad de sonido no es muy buena, sin embargo es toda una obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Castles In The Sand</b></i> suena a lo que estaban haciendo grupos como Bulldog Breed -Austin Osman Spare- o Traffic, es decir, pop psicodélico con flauta, ejecutada por Ray Elliot, también ex-Them, aunque igualmente hay un solo por parte de Jim Armstrong (quien curiosamente fue votado como el tercer mejor guitarrista del mundo justo después de Jimi Hendrix y Frank Zappa y con buenas razones). Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Para cerrar con broche de oro tenemos <i><b>October '68 (The Tears That You Cry) </b></i>el cual tiene una introducción viajada que no sonaría fuera de lugar en los dos primeros discos de Pink Floyd o en el <i>Their Satanic Majesties Request</i> de los Rolling, para después convertirse en otra canción de pop psicodélico con flauta, aunque después termina convirtiéndose en una psicodelia oscura en la parte del solo de guitarra. Joya.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Si les gustaron el <i>Now-and "Them"</i> y el <i>Time out! Time in for Them</i>, no pueden perderse este disco.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Them (1969)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Zwqk1XuCNMQ/YKCQKlEyg-I/AAAAAAAASPY/kitxjzGk6yQ9FDkYo_WHBE4e-M2lKGo9ACLcBGAsYHQ/s2048/Front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="2038" height="439" src="https://1.bp.blogspot.com/-Zwqk1XuCNMQ/YKCQKlEyg-I/AAAAAAAASPY/kitxjzGk6yQ9FDkYo_WHBE4e-M2lKGo9ACLcBGAsYHQ/w437-h439/Front.jpg" width="437" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">En 1969, después de la segunda separación de los Them que fue básicamente consecuencia de la mala administración de Ray Ruff, el bajista y miembro fundador Alan Henderson había regresado a Irlanda y Ray Ruff le pidió que regresara a Estados Unidos para grabar 2 discos bajo el nombre de Them para la pequeña disquera Tiger Lily, ubicada en los Ángeles, California, por lo que Henderson se vió obligado a hacer una alineación provisional con el guitarrista de sesión Jerry Cole -que también se encargó de parte de la voz principal, de algunas composiciones y otros instrumentos durante la grabación-, el baterista y cantante John Stark y el guitarrista Jim Parker -quienes no aparecen acreditados en el disco, pero se cree que participaron-, para grabar la tercera entrega de su periodo psicodélico y el quinto álbum de la discografía general del grupo, el cual salió en ese mismo año y básicamente muestra a los Them convirtiéndose en un potente, crudo y áspero grupo de heavy psych donde la guitarra fuzzeada de Cole cobra protagonismo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Them</i> es en general un disco de heavy psych hecho y derecho, sin embargo, también incluye breves momentos de country rock, algunas ligeras influencias del raga rock de la alineación anterior, algo de garage rock, rhythm and blues y hasta algunas baladas de corte más pop, por lo que a pesar de ser un disco enfocado mayormente en un solo estilo, no está peleado con otros.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco inicia con <i><b>I Keep Singing</b></i>, escrita y cantada por Jerry Cole -quien poseía una voz aguda y rasposa, perfecta para el heavy psych que estaba tocando el grupo en este tiempo-, básicamente es un tema de psicodelia pesada guitarrera que también incluye algunos ligeros elementos santanescos, por lo que es un tema curiosamente muy original para su tiempo y muy prendido que además de todo incluye una letra que llama a la gente a bailar y cantar con su "rock ácido" (sí, así le llamaban de forma genérica a todo lo que no fuera psicodelia estándar, aunque ahora sabemos que el verdadero "rock ácido" es en realidad mucho más cercano a la psicodelia estándar que a este subgénero áspero, sucio y pesado que desde los 90's se conoce como "heavy psych", incluso si la Wikipedia insiste en lo contrario). Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Lonely Weekends</b></i> es una canción del cantante de country y rockabilly Charlie Rich, la cual está interpretada al estilo de <i><b>Gloria</b></i>, sin embargo también escucho cierta influencia de los Rolling Stones cuando volvieron al rhythm and blues -<i><b>Jumpin' Jack Flash</b></i>- y también incluye algo de fuzz en el fondo. Muy buen tema.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Take A Little Time</b></i>, escrita por Roel Johnson de The Collage -un grupo de sunshine pop-, es posiblemente el tema más de relleno de todo el disco, pues básicamente es un country rock muy típico de la época y bastante comercial, lo que me hace tener la impresión de que lo grabaron más que nada para aumentarle la comercialidad al disco y así los <strike>pervertidos</strike> ejecutivos de la industria discográfica aceptaran lanzar el disco del grupo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>You Got Me Good</b></i> es tal vez el tema que más recuerda a la alineación anterior por su coqueteo con el raga rock, pero a pesar de eso, sigue siendo un tema muy original, especialmente porque ese toque exótico se volvió especialmente raro para el heavy psych, que solía tener un mayor énfasis en una estructura mucho más cercana al hard rock que a la psicodelia ácida o a la experimental, además de que el registro de voz de Jerry Cole, que era de tenor lírico-ligero, tiene cierto acento exótico y peculiar que hace que este tema suene aún más original y eso sin mencionar que su uso del fuzz es magistral al igual que en los discos exploitation que grabó antes con The Animated Egg, The Id, The Generation Gap, 101 Strings, entre otros. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Jo Ann suena</b></i> como a una versión más ligera y garagera de Bolder Damn, es decir, esto es heavy psych con cierta influencia del último rock and roll cincuentero -especialmente se escuchan similitudes con temas como <i><b>Oh Charlena</b></i> de The Sevilles, que anacrónicamente aparece en película la Bamba de 1987, ambientada en los 50's-, en el que Henderson hace un gran trabajo en el bajo y Cole suena brutal, casi en los niveles de Blue Cheer o Frijid Pink. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Memphis Lady</b></i> -otra composición de Jerry Cole- suena a una combinación entre los Rolling Stones de 1968-69 con el nuevo sonido de los Them, que es una combinación que no suena para nada mala y funciona excelente, además de que la voz de Jerry Cole combina perfectamente. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>In The Midnight Hour</b></i> de Wilson Pickett sigue sonando a soul pero combinado con los agresivos power chords y solos fuzzeados de Jerry Cole, lo que le da puntos al grupo de nuevo por originalidad y por sus arreglos que no son nada bombásticos, pero sí enérgicos y bailables. Muy buen tema.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Nobody Cares</b></i> es otro tema más o menos flojo, aunque más interesante que <i><b>Take A Little Time</b></i>, ya que también suena a country rock bastante estándar, aunque la destaco por el trabajo de guitarra slide.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>I Am Waiting</b></i> es una canción de la dupla Jagger/Richards (tal vez de lo mejor que hicieron), la cual está interpretada más como una balada de soft rock comercial que estoy seguro que no sonaría fuera de lugar en una estación como la desaparecida Universal Stereo, además de que la interpretación de Jerry Cole en la voz es curiosamente muy buena, mostrando que no solo podía cantar de forma áspera, sino que también podía cantar baladas más suaves. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco cierra con <i><b>Just a Little</b></i> que suena a una combinación del nuevo sonido del grupo con folk pop sesentero (algo así como The Letter de los Box Tops), los arreglos, la guitarra, la sección rítmica y la interpretación vocal son todos excelentes. Excelente cierre.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Aunque no es un disco perfecto y se trata de la primera incursión del grupo en el heavy psych, es un álbum excelente, que gana puntos por el excelente trabajo de Jerry Cole, que además de ser un excelente guitarrista, su uso del fuzz es especialmente interesante e igualmente la originalidad de la ejecución del grupo e incluso de las composiciones hacen que esta placa sea un trabajo esencial.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Them In Reality (1970)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ecwJJm_W8Es/YJ7bWFlZ3eI/AAAAAAAASPM/yYlIKomW2ZsXt9slfEEkaLdNWv3ExLeaACLcBGAsYHQ/s2048/Front%2BCover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2026" data-original-width="2048" height="436" src="https://1.bp.blogspot.com/-ecwJJm_W8Es/YJ7bWFlZ3eI/AAAAAAAASPM/yYlIKomW2ZsXt9slfEEkaLdNWv3ExLeaACLcBGAsYHQ/w440-h436/Front%2BCover.jpg" width="440" /></a></div><div style="text-align: center;">La nueva alineación de los Them ahora sí queda consolidada como un potentísimo power trio de heavy psych. Algo que también hay que notar es que aquí ya no participa Jerry Cole, por lo que ese puesto es tomado por el guitarrista y cantante Jim Parker que junto con el baterista John Stark, quienes venían de un grupo texano relocalizado en los Ángeles, California llamado Armageddon (los cuales sacaron un disco muy interesante a principios de 1970, el cual sonaba como una combinación entre Grateful Dead y Cream), comparten la autoría de la mayoría de las canciones, por lo que estamos ante el primer trabajo del grupo en donde la mayor parte de las composiciones no fueron hechas por algunos compositores externos para que las tocaran ellos, sino que aquí se escucha un disco hecho por un grupo bien cuajado que no solo se dedica a tocar, sino a hacer sus propias composiciones y el único cover que aparece realmente es <i><b>Baby Please Don't Go</b></i>. Una lástima que este fuera el último disco que sacaran hasta 1979, cuando se reformaría el grupo con una combinación de ex-miembros y nuevos integrantes.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>Them In Reality</i> es un disco de heavy psych genuino que a pesar de no tener mucha producción y suene bastante lo-fi, es un álbum muy disfrutable y que muestra a un grupo que aún estaba en forma y tenía potencial de seguir grabando discos interesantes, sin embargo, la falta de ventas los terminó alienando de la industria discográfica y su fijación tecnocrática por el country rock y el rock sureño. Por otro lado, el álbum suena crudo, sucio, áspero y directo, no muy distinto a grupos como Grand Funk (primeros discos), Zekes, Bolder Damn, Morly Grey, Sainte Anthony's Fyre, James Gang (con Joe Walsh) o Frijid Pink, por lo que a pesar de que tiene toda la estética underground que incluye una producción precaria y un sonido más propio del underground gringo de la época, sin duda las canciones tienen ese tinte de "comercialismo", es decir, tienen esa parte pegajoza que bien las pudo haber convertido en hits medianos o al menos en canciones que fácilmente pudieron haber sido reproducidas en las estaciones de radio de FM de la época, ya que incluso se escucha un ligero tinte de country rock al estilo de CSN&Y -que incluye buenas armonías vocales- en algunos temas.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco inicia con una recreación de <i><b>Gloria</b></i> en versión de heavy psych funkeado que incluye fuzz y wah-wah, no muy distinto a lo que estaban haciendo Grand Funk en el Álbum Rojo o al único sencillo de los angelinos Zekes, también hay que mencionar que la voz de John Stark suena igual de áspera que la de Jerry Cole, pero menos aguda y más melódica, además de que la guitarra de Jim Parker suena asesina, como debe sonar la guitarra en el heavy psych. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">La nueva versión de <i><b>Baby Please Don't Go</b></i> me suena mejor aquí, no solo porque suene a heavy psych, sino que incluye un jam guitarrero con wah-wah que suena brutal y extiende al tema a casi 5 minutos, llevándola al paraíso psicodélico, incluso me atrevo a decir que la forma de tocar de Jim Stark me recuerda aquí a la de John Cipollina, por lo que no dudaría que el grupo haya tomado nota de los shows que solía dar el grupo antes de que se saliera Gary Duncan y de los primeros 2 álbumes. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Laugh</b></i> al mismo tiempo de sonar cruda y sucia (o lo que inglés llaman "woolly" y es por este tipo de producción lo-fi que suena así), suena melódica y comercial, lo que me hace pensar que lo que algunos suelen afirmar de que el heavy psych solo pudo quedarse en el underground por falta de "atractivo comercial" en las canciones es una completamente mentira, pues aquí tiene todo lo "amigable" que también tenían James Gang en ese momento, por lo que este tema tiene potencial comercial e igualmente me trae a la mente a los grandes Top Drawer y a Bolder Damn. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Let My Song Through</b></i> tiene aires de country rock e incluso el comienzo sospechosamente me suena a <i><b>Sweet Home Alabama</b></i> de Lynyrd Skynyrd -¿Se habrán inspirado en este tema?- y unas excelentes armonías vocales que comparten John Stark y Alan Henderson que curiosamente me recuerdan a Morly Grey al igual que la guitarra de Jim Parker me suena similar a la de Tim Roller, además de que tiene cierto potencial comercial para que mínimo estuviese en un lugar relativamente alto de las listas de popularidad o fuese puesta en las estaciones de FM. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>California Man</b></i> y <i><b>Lessons of The Sea</b></i> siguen con la misma línea del tema anterior, es decir, heavy psych con tintes de country rock, comercialismo y excelentes melodías, de alguna manera me recuerdan al Strawberry Alarm Clock que grabó dos temas para la película <i>Beyond The Valley of The Dolls</i> en el mismo año que salió este disco de los Them, e igualmente la guitarra de Jim Parker en <i><b>Lessons</b></i> vuelve a recordarme a un John Cipollina versión heavy. Excelentes temas.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Rayn</b></i> vuelve al heavy psych funkeado que incluye buena voz, armonías vocales, gran melodía y un excelente trabajo guitarrero de Parker, aquí vuelven a recordar a Grand Funk, Zekes y James Gang. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Back in The Country</b></i> suena a una versión menos agresiva y underground de Bolder Damn, incluso las armonías recuerdan al debut de aquella banda originaria de Florida o incluso también recuerda al segundo disco de The Damnation of Adam Blessing, pero sin la batería y el bajo tan brutales. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Can You Believe?</b></i> cierra el disco con broche de oro, pues es una canción acústica en la tradición del folk psicodélico sesentero con cierta similitud a los texanos Christopher -<i><b>Magic Cycles</b></i>-, aunque sin la flauta, además de que incluye excelentes armonías vocales que curiosamente recuerdan a los Music Emporium. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>Them In Reality</i> es un disco obligatorio para todo aficionado del heavy psych, especialmente del gringo, pues aquí básicamente tenemos todos los ingredientes importantes para satisfacer a los que les gusta el heavy psych y para que este disco llegase a tener aunque sea un lugar relativamente moderado en las listas de popularidad, no obstante, a este grupo le jugó la mala suerte y tuvieron que vivir bajo la sombra de su ex-vocalista Van Morrison, sin embargo, a pesar de tener una producción de baja fidelidad -cosa que a muchos no les suele gustar-, las canciones son extraordinarias, los músicos son impresionantes y una gran muestra de lo que los "expertos" presentes tanto en la industria musical como en los medios de comunicación se perdieron por no considerarlo "auténtico", por lo que aquí digo en voz alta: ¡LARGA VIDA A LOS THEM!</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/8catu" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><p></p>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-44815336329037206902021-05-14T00:22:00.005-05:002021-05-22T07:56:08.639-05:00Eric Burdon & The Animals - When I Was Young: The MGM Recordings 1967-1968 (2020)<div style="text-align: center;"> <a href="https://1.bp.blogspot.com/-LS-gRkl6RWE/YJwpfmTjOLI/AAAAAAAASOU/-pVLR8AtbOwmynh63c9giLVrfjkpyGTUgCLcBGAsYHQ/s1500/When%2BI%2BWas%2BYoung%2BBox%2BFront%2Bweb.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="438" src="https://1.bp.blogspot.com/-LS-gRkl6RWE/YJwpfmTjOLI/AAAAAAAASOU/-pVLR8AtbOwmynh63c9giLVrfjkpyGTUgCLcBGAsYHQ/w438-h438/When%2BI%2BWas%2BYoung%2BBox%2BFront%2Bweb.jpg" width="438" /></a><br />Elegir un disco no siempre es cuestión fácil, especialmente si se trata de hacerlo desde una semana antes, por lo que tuve varios candidatos en mente e incluso me puse a revisar viejas entradas que alguna vez estuvieron publicadas por aquí y me llevé una nada grata sorpresa de ver que este blog tuvo un periodo decadente por allá entre el 2011 y el 2012 donde tanto mis reseñas como las elecciones iban de regulares a patéticas, y es que la desafortunada influencia que ejercieron un par de metalerdos esnobs del desaparecido sitio Yahoo! Respuestas no se limitó exclusivamente a los discos que publicaba, sino a que las reseñas que hice en aquel entonces eran pésimas y aunque aquí algunos podrán justificar la poca calidad de estas por mi edad o porque aún estaba en un periodo de descubrimiento, lamento decirles que es probable que no sea así y que ahí el factor haya sido la grotesca influencia de los tipejos esos, ya que al igual que las suyas, mis reseñas estaban llenas de mala redacción, faltas de ortografía, vulgaridades, ooparts y demás porquerías, por lo que definitivamente no quise que este blog se resucitara tan vergonzoso periodo, sin embargo, la mayor de candidatos a publicar no me acabaron de convencer del todo, por lo que decidí publicar esta obra maestra aprovechando que el Martes fue el cumpleaños número 80 del gran Eric Burdon, por lo que creo que no hay mejor forma de festejarlo con los enormes e infravalorados álbumes de la etapa psicodélica de los Animales, los cuales en general no son considerados como grandes obras por los extranjeros puristas, los cuales en general comparten un fetichismo consumista totalmente absurdo por las rarezas, pero aquí no compartimos ese esnobismo y reconocemos cuando las obras en cuestión son GRANDES.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Esta caja contiene 5 discos:</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>Winds of Changes</i> (1967) en Estéreo</div><div style="text-align: center;"><i>The Twain Shall Meet</i> (1968)</div><div style="text-align: center;"><i>Every One of Us</i> (1968)</div><div style="text-align: center;"><i>Love is</i> (1968)</div><div style="text-align: center;"><i>Winds of Change</i> (1967) en Mono</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Todos los discos están en FLAC con el arte en PNG.</div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Después de que los Animales originales se separaran en 1966, Eric Burdon grabó el disco <i>Eric Is Here</i> en el otoño del mismo año -y salido hasta la primavera del 67-, no se sabe bien si fue por obligaciones contractuales o si fue un giro completamente comercial para no dejar al nombre del grupo morir, ya que básicamente se trata de un disco solista de música de crooners, con dos orquestas acompañando a Eric, la de Benny Golson y la de Horace Ott, el disco fue producido por Tom Wilson, quien ya había producido dos de los álbumes de la primera época:<i> Animalization</i> y <i>Animalisms/Animalism</i> (y también es el responsable de otras obras maestras como el <i>Freak Out</i> de los Mothers of Invention, el <i>Flashes</i> de Ill Wind y los dos discos de The Fraternity of Man)</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Los nuevos Animales estaban conformados por Vic Briggs (guitarra, piano, cítara y arreglos), John Weider (guitarra y violín), Danny McCulloch (bajo) y Barry Jenkins (batería, el cual ya había colaborado con el primer grupo en sus últimos álbumes), aparte de Eric Burdon, el único integrante original que ha estado en todas las alineaciones del grupo.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">El nuevo grupo después de hacer varias giras, se presentó en el Festival de Monterey en Junio de 1967, donde fueron un éxito.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Las grabaciones para el primer disco de los nuevos Animals <i>Winds of Changes</i> se dieron entre Febrero y Agosto de 1967, de nuevo fue producido por Tom Wilson, el álbum saldría hasta Octubre de ese mismo año.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">En Diciembre de 1967 regresaron a grabar lo que sería su segundo disco <i>The Twain Shall Meet</i> que no saldría hasta Abril de 1968, el cuál sería la epítome psicodélica del grupo.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">En Junio de 1968, regresaron al estudio, esta vez con ciertas tensiones internas, y el producto de eso sería <i>Every One of Us</i> salido en Agosto de ese año, cuando Vic Briggs y Danny McCulloch ya habían salido del grupo, mientras que en las sesiones del álbum se les añadiría Zoot Money del grupo psicodélico inglés Dantalian's Chariot en los teclados.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Para Octubre regresarían de nuevo al estudio, esta vez con el guitarrista Andy Summers de Dantalian's Chariot para grabar lo que sería su último disco, <i>Love Is</i> que saldría en Diciembre de 1968, poco tiempo después se separarían por problemas con su representante y Eric Burdon se iría con el grupo de soul y funk War.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><span font-family:="" font-size:="" large="" shrikhand="" style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Winds of Change (1967)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-X6o5kWRzfoI/YJtCZB8UcLI/AAAAAAAASOI/t5OdHUFCHC0MCIEVgxANeajSXsnmfbL-ACPcBGAYYCw/s2048/windsofchange.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="2030" height="430" src="https://1.bp.blogspot.com/-X6o5kWRzfoI/YJtCZB8UcLI/AAAAAAAASOI/t5OdHUFCHC0MCIEVgxANeajSXsnmfbL-ACPcBGAYYCw/w426-h430/windsofchange.jpg" width="426" /></a></div><div class="separator" style="clear: both;"><i>Winds of Change</i> es el disco que muestra al grupo metido de lleno en la psicodelia, sin embargo, no concuerdo del todo en que este álbum haya sido su primer experimento en el subgénero, contrario a como afirman ciertos "expertos", ya que si tenemos en cuenta que por ejemplo <i><b>I'm Gonna Change The World</b></i> es un experimento primigenio del subgénero y que por ejemplo, varios de los temas que lanzaron en 1966 ya tenían una acentuada influencia psicodélica como <i><b>Outcast</b></i>, <i><b>Shake</b></i>, <i><b>Inside Looking Out</b></i> (después inmortalizada por Grand Funk Railroad en su segundo álbum de 1969) y <i><b>Don't Bring Me Down</b></i>, sin embargo, este álbum muestra un completo desenvolvimiento de Eric Burdon en el estilo e incluso para completarlo se mudó a San Francisco, California, donde también adoptó la filosofía de los hippies.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">La música presentada aquí tiene una postura ecléctica, creativa y de raigambre intelectual en donde encontramos una combinación de raga rock, spoken word, pop barroco nostálgico, música medieval, pop psicodélico españolizado -muy similar a lo que estaban haciendo en aquel entonces los enormes Love de Arthur Lee-, soul, folk psicodélico y rock ácido, por lo que estamos frente a un álbum que podría ser considerado de las grandes ligas, sin embargo, llegó su siguiente disco que incluso superó a este.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">El disco abre con un popurrí completamente lisérgico de tres canciones:</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Winds of Change</b></i>, la que le da nombre al disco, es un homenaje a los ídolos de Eric Burdon que está narrado como poesía lisérgica, nombrando a gente como Elmore James, Duke Ellington, Bessie Smith, B.B. King, Elvis, Chuck Berry, los Beatles, los Rolling Stones, Bob Dylan, Frank Zappa, entre otros, mientras que el grupo acompaña a Eric con una música que se mueve entre el raga rock y la psicodelia ácida que incluye cítara y violín, para así pasar a <i><b>Poem by The Sea</b></i>, una balada lisérgica con diversos efectos de estudio que finalmente da paso a <i><b>Paint It, Black</b></i>, cover de los Rolling, pero hecho en un formato de un raga rock completamente oscuro, al punto de que raya con lo gótico, el cual está acompañado por el violín de John Weider, quien hace unas figuras completamente psicodélicas y la guitarra de Vic Briggs que guarda paralelismos con <i><b>Square Room</b></i> de los Them, <i><b>The End</b></i> de los Doors y <i><b>Wind Chimes</b></i> de Mad River, por lo que podemos decir que estamos frente a una obra maestra como pocas.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>The Black Plague</b></i> es un tema de música medieval que incluye cantos gregorianos, órgano y guitarra acústica, mientras que Eric Burdon va narrando en forma de prosa lo que pasó durante la plaga conocida como "la Peste Negra", ocurrida en la europa medieval. De alguna manera recuerda a otra obra maestra que también apuesta por el sonido medievalista-gregoriano: <i><b>Still I'm Sad</b></i> de los Yardbirds o incluso a una obra que es igual de oscura y tétrica: <i><b>Full Cycle</b></i> de Ill Wind.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Por otro lado, para ilustrar esta obra maestra ominosa y macabra, les dejo esta joya de presentación en un programa canadiense en Abril del 68:</div><div class="separator" style="clear: both;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="308" src="https://www.youtube.com/embed/_FfdrVW409I" width="371" youtube-src-id="_FfdrVW409I"></iframe></div><br style="text-align: left;" /><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Yes, I Am Experienced</b></i> es una respuesta y un homenaje a su ídolo y amigo Jimi Hendrix, a quien Burdon estimaba y admiraba muchísimo, y la música pues se trata de un rock ácido a medio tiempo donde igualmente se escuchan referencias a algunos temas del primer disco de Hendrix. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>San Franciscan Nights</b></i> es un tema que tuvo mucha popularidad en varios países, uno de ellos es México, y se trata de nuevo, de un homenaje a la ciudad de San Francisco, California, lugar al que terminó yéndose a habitar Eric, sin embargo, las letras, según los habitantes de la ciudad, tienen errores al describir el clima, pues a los Animales les tocó tocar por 10 días en un tiempo en los que hubo un clima excepcionalmente caluroso, sin embargo, el resto de la letra describe con exactitud lo que estaba pasando en aquella ciudad desde antes del famoso Verano del Amor. Por otro lado, la música es un pop-folk psicodélico de tintes barrocos con ese sello nostálgico que tuvo Burdon durante este periodo. Obra Maestra.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Man—Woman</b></i> es básicamente soul al estilo de James Brown, pero completamente psicodelizado, no dudaría que este tema fuese influencia para Bob Seger, quien grabó un tema muy similar llamado <i><b>Cat</b></i>, para su segundo disco de larga duración en 1969 junto con su grupo de aquel entonces, The System.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Hotel Hell</b></i> es un tema melancólico y nostálgico que habla sobre la vida de un músico solitario con insomnio que lleva una vida nomádica y describe todas las escenas citadinas que se pueden presenciar en un hotel, como luces de neón, televisiones silenciadas, sirenas de patrullas, desayunos, cigarros, etc. Mientras extraña su casa y a su novia, lo que me hace recordar a los grandes Hunger con su tema <i><b>No Shame</b></i>, en donde tocan un tema similar, en donde la estrella no aguanta más serlo y solo quiere regresar a su casa. Por otro lado, la música parece una combinación entre el pop psicodélico con tintes de flamenco y pasodoble taurino de Love y el folk pop lisérgico de The Art of Lovin'. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Good Times</b></i> es un tema de folk pop barroco que recuerda a la mejor época de los Rolling Stones (la del pop psicodélico, olvídense de su aburrida época setentera que empezó muy bien y terminó produciendo muchas obras mediocres) o a los Love más barrocos, mientras que va narrando como un tipo se lamenta por haber desperdiciado su tiempo en cosas inútiles como emborracharse y drogarse en lugar de haberse convertido en alguien exitoso y con una vida relativamente buena, por lo que aquí puedo decir que Burdon junto con <i><b>Hotel Hell</b></i>, tocó dos temas escabrosos para la época: la soledad y las adicciones, cosas que terminaron destruyendo a varias grandes celebridades de la época como Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin, Brian Jones, entre otros. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Anything</b></i> es otra balada que sigue el sello nostálgico y romántico del Burdon de la época, sin embargo, según el mismo Eric, uno de los compositores acreditados, afirma que no es simplemente un tema que habla del amor desde una perspectiva romántica, sino desde una perspectiva más abstracta y universal, es decir, desde el ágape, por lo que se podría decir que es un prototípico himno de la "Generación del Amor", mientras que la música vuelve a tener ecos de Arthur Lee. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>It's All Meat</b></i> cierra el disco y se trata de un tema de rock ácido blusero que combina lo mejor de Jimi Hendrix y Cream con lo mejor del sonido de San Francisco (Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead, Moby Grape, etc.), e igualmente recuerda a los Them más psicodélicos del Time Out! Time In For Them!, con su guitarra fuzzeada y sus efectos de estudio. Mientras que las letras vuelven a ser un homenaje a otros de sus ídolos, entre ellos Muddy Waters, Jimmy Reed, Ray Charles, Ravi Shankar, Eric Clapton, entre otros. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">En los temas extra tenemos 4 que solo salieron en sencillos, pero que fueron grabados en las mismas sesiones:</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>When I Was Young</b></i> es pop psicodélico con tintes de raga rock y letras contraculturales que suena un tanto turbia en la producción, pero la canción en general es una obra maestra. Por otro lado, he visto que muchos afirman que se trata de un tema de heavy psych, aunque honestamente yo no le escucho dicha tendencia por ningún lado.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>A Girl Named Sandoz</b></i> es rock ácido blusero que bien pudo haber cabido en el primer disco de Quicksilver Messenger Service o incluso en el <i><b>Wheels of Fire</b></i> de Cream, pues por un lado Vic Briggs hace su mejor impresión de John Cipollina y sus solos con trémolo, mientras que Danny McCulloch imita a la perfección a Jack Bruce, mientras que Eric Burdon va describiendo básicamente su primera experiencia con el LSD pero con el eufemismo de una chava llamada Sandoz, como los laboratorios que crearon el ácido lisérgico.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Ain't That So</b></i> es tal vez el tema que más recuerda a la primera alineación del grupo, pues es rhythm and blues británico, pero psicodelizado.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Gratefully Dead</b></i> es rock ácido al estilo de San Francisco en homenaje a la escena musical de dicha ciudad y el movimiento hippie que la habitaba en aquel entonces. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Un disco que nadie debe perderse.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">The Twain Shall Meet (1968)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-oyHqkSy1xyQ/YJw78hM_o5I/AAAAAAAASOc/1ohbcAdOg8oCLNUvsTwLmq2iizbsms1aQCLcBGAsYHQ/s2048/twainshallmeet.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2021" data-original-width="2048" height="437" src="https://1.bp.blogspot.com/-oyHqkSy1xyQ/YJw78hM_o5I/AAAAAAAASOc/1ohbcAdOg8oCLNUvsTwLmq2iizbsms1aQCLcBGAsYHQ/w442-h437/twainshallmeet.jpg" width="442" /></a></div><div class="separator" style="clear: both;"><i>The Twain Shall Meet</i> de alguna manera continúa con lo que ya venían haciendo en Winds of Change, sin embargo, aquí podemos encontrar que el concepto que tenían en mente de un sonido completamente psicodélico ya está mucho más maduro y pensado, por lo que se escucha a una banda mucho más cohesionada que ya no tiene que experimentar con tantos estilos como en el disco anterior y los aspectos psicodélicos de la música ahora hacen mucha más gala. Este es EL ÁLBUM de los Animales y es aquí donde se podría decir que se consolidan por completo en las grandes ligas de la psicodelia.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Monterey</b></i> es todo un homenaje al histórico Festival de Pop de Monterey, donde los Animales tuvieron una interpretación gloriosa que quedó plasmada en el documental Monterey de 1968, en donde menciona como los hippies disfrutaron de la música y a algunos de los grupos y músicos que estuvieron presentes, como los Byrds, Jefferson Airplane, Ravi Shankar, los Who, Hugh Masakela, Grateful Dead y Jimi Hendrix, así como también a Brian Jones, quien estuvo presente como parte del público. La música por otro lado es soul psicodélico con cítara eléctrica, metales y un Eric Burdon que brilla. Este tema salió en sencillo el 30 de Diciembre de 1967. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Just The Thought</b></i> es una balada romántica de sonido nostálgico muy similar a las que se pueden encontrar en su placa anterior, pero aquí está cantada por el bajista Danny McCulloch, quien posee un timbre ronco y un tanto avejentado que curiosamente queda perfecto para este tipo de canciones. Obra Maestra.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Closer To The Truth</b></i> es una especie de boogie psicodélico que parece una mezcla entre los Doors y Jimi Hendrix que incluye efectos de sonido y una letra extraña.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>No Self Pity</b></i> es una bellísima obra de raga rock compuesta en modo mántrico, la cual contiene cítara eléctrica y clavicémbalo, mientras que la letra es básicamente poesía psicodélica. Obra Maestra.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Orange and Red Beams</b></i> recuerda a lo mejor del <i>Forever Changes</i> de Love, es decir, es una delicada y fina balada romántica que sin lugar a dudas pudo haber sido firmada por el genio Arthur Lee, sin embargo, la voz de Danny McCulloch (también el autor del tema) con su raspor, suena casi como un retrato musical de la Caverna de Platón, además de que está adornada de efectos ultra-psicodélicos que igualmente traen a la mente a lo mejor de los Ultimate Spinach -<i><b>Mind Flowers</b></i>-, mientras que las letras al parecer son una metáfora sobre el nacimiento de la última parte de la Generación del Silencio durante la Segunda Guerra Mundial. Obra Maestra.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Sky Pilot</b></i> no necesita presentación, probablemente sea la obra más importante y significativa de Eric Burdon y los Animales, aunque no necesariamente la más popular, al menos en el resto del mundo, donde llegó a lugares relativamente bajos en las listas de popularidad, pero aquí en México tuvo un éxito radial.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>Sky Pilot</b></i> es un himno anti-guerra que va narrando primero como un capellán bendice al cuerpo de tropas que están apunto de ir a combate, mientras este se retira a esperar su regreso, luego se escucha como se cae el avión y explota, al final canta un Burdon apunto de estallar en lágrimas cuando regresa el cuerpo de tropas glorioso de vencer a sus enemigos pero al mismo tiempo llorando sabiendo que lo que hicieron no estaba bien. El tema se compone por tres movimientos:<br /><br />I. Introducción</div><div class="separator" style="clear: both;">II. Interludio</div><div class="separator" style="clear: both;">III. Conclusión</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Por lo que es una composición que tiene un aspecto muy propio de la música académica, sin embargo, estilísticamente se sigue situando en la psicodelia más ácida e incluye efectos de estudio como phasing, además de efectos pre-grabados de bombas, aviones, balazos, explosiones y demás, y si no era poco, también hay gaitas, flautas, trompetas, violines y demás instrumentos, así como un solo de guitarra con fuzz. Esta es la obra maestra definitiva de Eric Burdon.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>We Love You Lil</b></i> empieza haciendo cita de <i><b>Lili Marleen</b></i> del alemán Norbert Schultze, una canción escrita durante la Primera Guerra Mundial que adquirió popularidad en la Segunda para convertirse en una oscura y bélica pieza de rock ácido guitarrero que recuerda al mejor Quicksilver Messenger Service -<i><b>The Fool</b></i>-. Otra obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><i><b>All Is One</b></i> cierra con broche de oro y es que si bien la letra raya asquerosamente con lo new age, la música es oro puro, pues empieza con una sección de gaitas al más puro estilo escocés para convertirse en un tema de raga rock que incluye cítara, tambura, oboe, metales, violines, chelos y flautas, todo dentro de una atmósfera completamente lisérgica. De alguna manera vuelve a haber ecos de los Them en su periodo psicodélico, The Beat of The Earth del gran Phil Pearlman y a The Fraternity of Man, con los que el grupo comparte afición por la música clásica de la India. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Un álbum que por nada del mundo nadie debe perderse.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Every One of Us (1968)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-cJyhZiECUpU/YJxKVXVkrlI/AAAAAAAASOk/A8hNEWDZ9-8tv4EAZg3JZdkArZBWXTkHgCLcBGAsYHQ/s2048/everyoneofus.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2042" data-original-width="2048" height="441" src="https://1.bp.blogspot.com/-cJyhZiECUpU/YJxKVXVkrlI/AAAAAAAASOk/A8hNEWDZ9-8tv4EAZg3JZdkArZBWXTkHgCLcBGAsYHQ/w442-h441/everyoneofus.jpg" width="442" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Every One of Us</i> es el último disco de la alineación Burdon/Jenkins/Weider/Briggs/McCulloch, a los que se les añade el tecladista Zoot Money, quien en ese tiempo tocaba con Dantalian's Chariot, un grupo psicodélico inglés, por invitación de Eric Burdon.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Aquí tenemos un álbum que a pesar de haber sido despreciado incluso por los propios ex-integrantes del grupo, especialmente por el guitarrista Vic Briggs, quien afirma que básicamente fue un ejercicio egocéntrico de Eric Burdon para reafirmar su papel del líder de facto de la agrupación y que él fue el que básicamente produjo el disco, y aunque yo aquí no diré que esto es la verdad absoluta, si puedo decir que la mayoría de las canciones aparecen atribuidas únicamente a Eric Burdon, por lo que no estoy completamente seguro de qué creer, sin embargo, lo que sí puedo decir es que a pesar de que no todo está perdido, es un álbum que posee bastantes irregulares, además de que el abuso del spoken word es más una traba para que el disco acabe de funcionar, por lo que podemos decir que este álbum es algo así como el equivalente de los Animals al <i>Álbum Blanco</i>.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco comienza con <i><b>White Houses</b></i> un tema bastante relajado con tintes latinos que recuerda a los momentos más ligeros de los californianos Sweetwater o incluso a las últimas grabaciones de Ill Wind, pero sin la voz de Conny Devanney. Muy buen tema.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Uppers and Downers</b></i> es una especie de mini-ópera en a capella que dura apenas 25 segundos.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Serenade To A Sweet Lady</b></i> es un tema instrumental de bossa nova escrito por John Weider para su novia de aquel entonces, el cual tiene una excelente sección rítmica y un excelente trabajo de guitarras acústica y eléctrica que recuerdan al mejor Quicksilver Messenger Service. Obra Maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>The Immigrant Lad</b></i> comienza como una balada de corte medieval que pronto termina siendo una grabación de una conversación. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Year of The Guru</b></i> parece exactamente lo opuesto a <i><b>All Is One</b></i>, pues mientras que aquel tema que cerraba con broche de oro a <i>The Twain Shall Meet</i> tiene una letra con tendencias new age, este parece expresar todo un sentido crítico con la conversión de muchos hippies a las religiones orientales o a sectas de corte new age, lo que me hace recordar a John Lennon cuando dijo que no creía en absolutamente nada por allá en 1970. Por otro lado, la música es rock ácido blusero con fuzz asesino y un Eric Burdon muy influenciado por el talking blues de Bob Dylan -<i><b>Subterranean Homesick Blues</b></i>-.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El cover de <i><b>St. James Infirmary</b></i> se mueve entre el blues psicodélico con cítara eléctrica, el jazz lisérgico tipo Quicksilver Messenger Service -<i><b>Gold and Silver</b></i>- y el bossa nova. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco finaliza con <i><b>New York 1963-America 1968</b></i>, tema que se divide en tres partes:<br /><br />1. Folk de tintes célticos</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">2. Spoken Word</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">3. Rock ácido souleado</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Aunque pudo haber sido una obra maestra, la parte de spoken word hace que se caiga por completo hasta que surge la parte del rock ácido que se acerca muchísimo al heavy psych souleado de The Corporation.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Love Is (1968)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-3wEIPYCcM5A/YJxOgmxiAJI/AAAAAAAASOs/eXB2NEKhtRgmi4CPHeJmaeRXmcCYqY3JACLcBGAsYHQ/s2048/loveis.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2035" data-original-width="2048" height="444" src="https://1.bp.blogspot.com/-3wEIPYCcM5A/YJxOgmxiAJI/AAAAAAAASOs/eXB2NEKhtRgmi4CPHeJmaeRXmcCYqY3JACLcBGAsYHQ/w446-h444/loveis.jpg" width="446" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Último disco de la banda -hasta 1979, cuando se volvió a juntar la alineación original-, el cual también es el único donde colabora Andy Summers, quien también formaba parte de Dantalian's Chariot.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Love Is</i> es de alguna manera, un intento de recuperar al público británico que mayormente los había abandonado con su completa transformación a la psicodelia que al parecer había tenido mejor recepción en Estados Unidos, por lo que aquí hay una especie de retorno a sus raíces, es decir, al rhythm and blues, el blues y el soul, por lo que este álbum está mayormente conformado por covers de Ike y Tina Turner, Sly and The Family Stone, Fenton Robinson y Johnny Carter, e igualmente hay covers de los Bee Gees, Traffic y Dantalian's Chariot junto con una sola composición original de Eric Burdon, sin embargo, todo es pasado por el filtro de la psicodelia, aunque en un estilo más británico y cercano a lo que hacían grupos como Traffic, los Bee Gees, Jimi Hendrix, Cream o incluso los mismos Dantalian's Chariot.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco comienza con <i><b>River Deep, Mountain High</b></i>, que a pesar de que empieza como una versión más (a diferencia de la de Deep Purple que incluye todo un fragmento de <i>Also Sprach Zarathustra</i>), se termina convirtiendo en una especie de jam psicodélico con coros gritando "Tina". Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>I'm An Animal</b></i> es funk psicodélico cachondón que incluye algunas imitaciones bastante bobaliconas del sonido de coito, las cuales suenan más bien como gorilas y a un Eric Burdon que canta de forma cachonda.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>I'm Dying, or Am I?</b></i> es el típico pop psicodélico británico con bellas melodías y excelentes armonías vocales, de hecho, no quedaría fuera de lugar en alguna recopilación de Dantalian's Chariot o en alguno de los primeros discos de Traffic. Temazo</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Ring of Fire</b></i> es una interpretación dramática y psicodelizada del clásico de Johnny Cash, el cual me recuerda a los gringos Gandalf y su interpretación del tema <i><b>Me About You</b></i> de los Turtles, que era un tema muy alegre y Peter Sando la hizo dramática, pues básicamente esta versión es eso y es una obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Coloured Rain</b></i> es un cover de Traffic y está completamente al nivel de la original o tal vez sea incluso mejor, además de que el solo fuzzeado de más de 4 minutos de Andy Summers es excelente, por lo que me atrevo a decir que aquí él muestra más su capacidad como guitarrista que en The Police e igualmente los arreglos de soul con metales son excelentes. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El cover de <i><b>To Love Somebody</b></i> está tocado en modo de soul psicodélico que va deconstruyendo la composición original con los coros al principio y después los versos, además de que las voces negras femeninas son oro puro. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>As The Years Go Passing By</b></i> es blues psicodélico extremadamente elegante con un piano extraordinario por parte de Zoot Money y la guitarra ácida de Andy Summers que en mi opinión es todavía mejor que Eric Clapton o incluso Jimi Hendrix, además de que el barítono de Eric Burdon brilla como nunca, con este tema me atrevo a decir que ni Cream, ni la Experiencia hicieron esta mezcla de blues con psicodelia con tanta finura y clase. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Gemini</b></i> fue un tema de Dantalian's Chariot, el cual era uno de los estelares en sus conciertos, sin embargo, todo parece indicar que nunca lo grabaron o que la grabación se encuentra perdida, sin embargo tenemos como único testimonio disponible grabado de la canción esta versión de los Animales, la cual es una psicodelia muy viajada que incluye fuzz, wah-wah y varios efectos de estudio, mostrando también que Andy Summers es un guitarrista que sabe hacer uso de los efectos sin caer en el exceso o en lo incoherente, y fue por eso que lo terminó eligiendo Sting para The Police, igualmente se incluye algo de spoken word, aunque no de manera excesiva como en <i>Every One of Us</i>. Obra Maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>The Madman (Running Through The Fields)</b></i> es otro tema de Dantalian's Chariot, aunque a diferencia del anterior, este sí fue grabado o al menos eso se cree porque la versión de aquel grupo está disponible en las recopilaciones que han salido. Por otro lado, este tema representa (para mí) parte de lo mejor de la psicodelia británica, con su excelente melodía y armonías vocales, además de su instrumentación que incluye guitarra de 12 cuerdas, órgano, guitarra acústica, flauta, fuzz, reverb, cintas en reversa y otros efectos de estudio. Obra maestra y un cierre de broche de oro.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">En fin, aquí tienen esta caja de este grupazo. ¡Hasta la próxima semana!</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/3wqmx" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://justpaste.it/2rfq5" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1100" data-original-width="1221" height="408" src="https://1.bp.blogspot.com/-5wqUoTZ9KYI/YJwjrNOKOeI/AAAAAAAASOQ/sC9uNqUniNgZUG7EQSAdZLer5QGALvMuQCPcBGAYYCw/w453-h408/tumblr_mx1cxksOPb1so5ik5o1_1280.jpg" width="453" /></a></div></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-41792514442645120902021-05-03T15:08:00.006-05:002021-05-13T14:29:22.206-05:00The Beat of The Earth - Discografía (1967-70) [Repost+Extra]<div style="text-align: center;"> <a href="https://1.bp.blogspot.com/-ygYvDjXUyMY/YIxggK0T1sI/AAAAAAAASLs/9rE0C6GqBnAJA2baiHm3-vODlTBc1zhSwCLcBGAsYHQ/s623/BeatOfTheEarth_pic.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="425" data-original-width="623" height="362" src="https://1.bp.blogspot.com/-ygYvDjXUyMY/YIxggK0T1sI/AAAAAAAASLs/9rE0C6GqBnAJA2baiHm3-vODlTBc1zhSwCLcBGAsYHQ/w532-h362/BeatOfTheEarth_pic.jpg" width="532" /></a><br />Bienvenidos sean a la primera publicación del mes, me esperé casi 2 semanas a volver a publicar algo nuevo para ver si la gente visitaba más la entrada de Relatively Clean Rivers y sí, al menos llegó a 74 visitas, sin embargo, la entrada que tuvo más éxito (hasta ahora) fue la de Ill Wind con más de 200 visitas, por lo que puedo decir que algunas quejas que me han llegado con respecto al fondo del blog y el color de las letras no son del todo acertadas, sin embargo, no sé por qué <i><a href="https://rubber-soul-magazine.blogspot.com/2021/04/relatively-clean-rivers-relatively.html" target="_blank">Relatively Clean Rivers</a></i> no tuvo tanto éxito en este blog, por lo que no me queda de otra que esperar que en el futuro eso cambie.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"> Me es un placer volver a publicar 2 discos predilectos que habían sido publicados por primera vez hace 10 años junto con un extra que por primera vez aparece en el blog, por lo que aquí tendrán la discografía más completa de Phil Pearlman en FLAC, pero no solo eso, antes de empezar a hablar del grupo y su líder creativo, quiero comentarles que un par de álbumes están ripeados por ThePoodleBites, un bloggero gringo que se dedica a ripear vinilos psicodélicos rarísimos en alta calidad, por lo que están en calidad de 24/96 y es por eso que les recomiendo ampliamente visitar su blog, igualmente tengo que decir que tuve que convertir sus escaneos de PNG a JPG, ya que por ahora tengo que tener algo de espacio en mi disco duro y los archivos PNG son muy pesados, además de que tenía que subir estos discos más o menos rápido, sin embargo, para los que tengan más de 1TB de memoria en su computadora, pueden pasar al blog de ThePoodleBites para que bajen los archivos PNG, y además les recomiendo muchísimo visitarlo a todos, ya que tiene verdaderas joyas que no encontrarán en otro lado, por lo que les dejaré el enlace de su blog en el JustPaste junto con los enlaces de descarga.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Cuando comenzó la época psicodélica, Phil Pearlman era estudiante de arte en la Universidad de California en Irvine y también tuvo un breve periodo en el que hizo cierta labor periodística y formó parte de las protestas hippies en contra del entonces gobernador Ronald Reagan, sin embargo también tenía visión como representante y organizador de conciertos con luces psicodélicas, así como también conocía a la mayoría de grupos sanfranciscanos, además de que era músico y tenía un sencillo grabado con el grupo The Flakes, salido en 1964.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En 1967 junto con su novia Karen Darby y otros camaradas músicos como Bill Philips, J.R. Nichols, Morgan Chapman, Ron Collins y Sherry Philips, formó su proyecto The Beat of The Earth, el cual tenía en mente un rock ácido basado en un sonido orgánico, primitivo y ruidista, pero coherente, inteligente y politizado, con este primer grupo, edita su debut homónimo en 1967.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En 1969, cuando la mayoría de músicos de la primera alineación se habían ido, decidió grabar un nuevo disco con otros músicos en forma de demo para atraer a nuevos integrantes y así ganar dinero para crear su club nocturno que iba a tener de nombre<i> The Electronic Hole</i>, el cual iba a funcionar de forma similar al Cheetah Club de los Ángeles o al Avalon Ballroom de San Francisco, pero ese proyecto terminó siendo descartado debido a que las autoridades de los Ángeles se mostraron reacias a darle permiso de ponerlo como se puede ver en los recortes de periódicos que están en la contraportada.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>The Beat of The Earth</i> empezó a hacerse conocido entre los coleccionistas de psicodelia a finales de los 80's, por lo que los discos originalmente editados en 1967 de forma privada por el mismo Phil eran muy codiciados. En ese mismo tiempo, el coleccionista texano Rich Haupt (quien también es fundador de la disquera Rockadelic) se dedicó a rastrear la ubicación de Phil Pearlman, a quien le compró varias copias del disco, sin embargo, Pearlman no hizo ninguna mención de sus demás proyectos y es a principios de la siguiente década cuando se descubre el disco de Relatively Clean Rivers, cuando por fin se hace la conexión de ambos grupos y por fin Phil decidió hablar sobre su involucración en ese grupo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En 1994, Phil Pearlman se dió a la tarea de sacar un álbum recopilatorio titulado <i>Our Standard Three Minute Tune</i> el cual básicamente consiste en unos jams muy similares a los del debut, al parecer grabados un poco después en el mismo año.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Años después en 1999, con los coleccionistas codiciando las copias de sus discos e incluso buscando algún disco que el mismo Phil Pearlman no hubiese mencionado por su extrema introversión, vio que era una pérdida de tiempo esperar a que alguien le preguntara sobre <i>The Electronic Hole</i>, siendo un disco/demo del que solo sus conocidos sabían de su existencia y así decidió sacarlo a la luz después de 29 años de estar guardado, mandándole una caja con varias copias a Rich Haupt para que este lo vendiera, sin embargo, los detalles ambiguos que Phil había dado, dieron paso a que se crearan suposiciones de que en realidad la historia que había contado Pearlman era falsa y que se trataba de un disco recopilatorio de sus demos como solista, sin embargo, esa suposición fue probada como falsa.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En la actualidad, Phil Pearlman tiene el nombre cambiado desde su conversión al cristianismo en 1977 y vive aislado en una granja localizada en Winchester en el condado de Riverside del estado de California, sin embargo, él sigue vendiendo anualmente copias de sus discos, por lo que al parecer no está interesado en las reediciones y espero que en algún momento me pueda contactar con él para hacer una mayor investigación sobre su trayectoria musical y poderle comprar sus discos a un precio mucho más barato que en Discogs o eBay, donde se venden a precios estratosféricos que nunca podré pagar.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">The Beat of The Earth (1967)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-XfXWqaY5JDY/TO8L-swSF5I/AAAAAAAAArs/6OFOfhfN3aY2b_N_aOL3CB6xPRewKoq2gCPcBGAYYCw/s1426/The%2BBeat%2BOf%2BThe%2BEarth%2B-%2BFront.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1426" data-original-width="1426" height="470" src="https://1.bp.blogspot.com/-XfXWqaY5JDY/TO8L-swSF5I/AAAAAAAAArs/6OFOfhfN3aY2b_N_aOL3CB6xPRewKoq2gCPcBGAYYCw/w470-h470/The%2BBeat%2BOf%2BThe%2BEarth%2B-%2BFront.jpg" width="470" /></a></div><div style="text-align: center;">Las raíces de The Beat of The Earth se remontan cuando Phil Pearlman tocaba con su grupo de surf y doo-wop The Flakes -en donde también se encontraban 2 de los futuros miembros del power trio de heavy psych Wildfire- en un pequeño y viejo bar ubicado enfrente del muelle Balboa Pier de la ciudad de Newport Beach en el condado de Orange, California, ahí se conoció con Karen Darby, a quien le fascinaba su música, pronto se harían novios y pasarían el tiempo componiendo música, ya que Darby solía tocar canciones de folk, mientras que al mismo tiempo Phil Pearlman era estudiante de arte en la Universidad de California en Irvine, al suroeste de los Ángeles.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El surf le dejó a Phil Pearlman todo un laboratorio creativo en el que podía echar a andar su imaginación y así poder adentrarse a propuestas más experimentales y artísticas, por lo que después de esa mancuerna amorosa-creativa con Darby, pronto comenzarían un pequeño grupo con pocos integrantes que no tenía nombre, pero que pasaban el tiempo tocando un rock ácido puramente improvisatorio, libre, espontáneo y orgánico que además estaba acompañado por poesía de verso libre que iba de lo político a lo fantástico y a la misma Karen -quien solo acompañaba con las palmas- fue a quien se le ocurrió describir al sonido del grupo/colectivo como una especie de sonido primitivo, como un "ritmo de la tierra", lo que le encantó a Pearlman y terminó siendo el nombre del proyecto, el cual fue ideado al principio como un proyecto escolar artístico.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Pronto el grupo creció por sugerencia de Darby, por lo que Phil se fue a reclutar a más músicos y así el grupo quedó completo con los miembros J.R. Nichols (guitarra), Ron Collins (órgano), Morgan Chapman, Bill y Sherry Phillips, y así el grupo se fue a grabar este debut en el verano del '67 en algún estudio rentado en Hollywood. Phil Pearlman, aunque no era estricto con sus músicos, sí era abiertamente anti-drogas e intentó animar a los demás integrantes a que se expresaran sin necesidad de drogarse e incluso les ponía incienso a lo que llamaba "droga natural", aún así, los integrantes fumaban marihuana o hachís fuera de la vista de Pearlman.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Según Karen Darby, las influencias de ambos fueron los Beatles, los Rolling Stones, Bob Dylan, las Mamás y los Papás, Jefferson Airplane y The Velvet Underground, a los que se la pasaban escuchando diario, sin embargo, yo no solo noto ecos de todos esos grupos y cantantes, sino que también se escuchan similitudes importantes con los Doors, los Red Krayola, The Freak Scene, The Fraternity of Man, The Ceyleib People, US 69, Joe Byrd and The Field Hippies, St. John Green, Fifty Foot Hose, The United States of America, los Spoils of War, Mad River, Quicksilver Messenger Service, los Them o incluso la primera etapa de Pink Floyd, sin embargo, no niego que estas similitudes pudiesen ser más que nada circunstanciales o incluso contextuales, sin embargo, son notorias a lo largo de los dos jams que conforman al álbum, e igualmente se puede decir que de alguna manera, The Beat of The Earth podrían ser sin duda alguna una especie de equivalente al movimiento progg sueco y su psicodelia experimental y minimalista.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Los jams como los describió la misma Karen Darby, son espontáneos, orgánicos y primitivos, de carácter ruidista y cuasi-orquestal donde aparecen muchos instrumentos, entre ellos guitarra eléctrica y acústica, panderos, maracas, bajo, órgano, batería, bongos, armónica, gaitas, flautas e incluso cítaras, pero eso no es todo, también hay voces cantadas y habladas, gritos, cintas en reversa y otros efectos de estudio. Por otro lado, la música del grupo tiene una cualidad muy propia de la música clásica de la India y es una influencia que se siente no solo en este disco, sino igualmente en los siguientes, e igualmente la raigambre del surf es muy notoria a lo largo del disco, lo que convierte a este disco en algo completamente único y hasta un tanto revolucionario, además de ser producto de un genio que fácilmente podría compararse con Arthur Lee, Joe Byrd, Brian Wilson o incluso Syd Barrett, sin embargo, este es un genio de una naturaleza más espontánea y directa, pero eso definitivamente no le quita lo inteligente y coherente.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><b><span style="font-size: large;"><br /></span></b></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Our Standard Three Minute Tune (Grabado en 1967, editado en 1994)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-dPwrKejdnzQ/YJAybzeSo1I/AAAAAAAASL4/V0Pgyz5i3q8drLeflT7mPkwulJhOeJcowCLcBGAsYHQ/s888/Front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="886" data-original-width="888" height="463" src="https://1.bp.blogspot.com/-dPwrKejdnzQ/YJAybzeSo1I/AAAAAAAASL4/V0Pgyz5i3q8drLeflT7mPkwulJhOeJcowCLcBGAsYHQ/w464-h463/Front.jpg" width="464" /></a></div><div style="text-align: center;">Este disco fue hecho por Phil Pearlman para capitalizar el éxito entre los coleccionistas por los discos de Relatively Clean Rivers y The Beat of The Earth que se dio desde fines de los 80's, ahora en 1994 sacaba del baúl unas cintas que también datan de 1967, pero no se sabe a ciencia cierta si son tomas alternas del debut o fue un álbum completamente nuevo que finalmente terminó por descartar el mismo Phil.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">La reseña de este segundo disco será más corta, ya que el lado A parece estar conformado por una versión descartada del lado B del debut, mientras que el lado B es un jam que no fue incluído en el disco del 67, el cual suena todavía más hindú que lo del homónimo e incluso las similitudes con The Velvet Underground, los Red Krayola y el Pink Floyd de Syd Barrett se sienten mucho más acentuadas aquí y de igual manera, no puedo evitar acordarme de los chicaguenses H.P. Lovecraft y sus loquísimas obras maestras <i><b>Electrollentando</b></i> y <i><b>At The Mountains of Madness</b></i> o incluso de los británicos Crystalline/Axe y su magnum opus <i><b>Here from There</b></i>, también habría que mencionar que el sonido de estos jams es mucho más guitarrero y tiene más énfasis en el órgano que los del álbum homónimo, lo que me hace pensar que esto es la transición entre el estilo del grupo original con el que vendría en <i>The Electronic Hole</i>.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">The Electronic Hole (1970)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-SxdGcX_ZNvQ/YIh1OCrhRXI/AAAAAAAASLU/twvRszxxfhkjSAuVdpfsWxXu978ky8e4ACPcBGAYYCw/s892/Front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="892" data-original-width="890" height="466" src="https://1.bp.blogspot.com/-SxdGcX_ZNvQ/YIh1OCrhRXI/AAAAAAAASLU/twvRszxxfhkjSAuVdpfsWxXu978ky8e4ACPcBGAYYCw/w465-h466/Front.jpg" width="465" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Tal vez este sea mi disco preferido de Phil Pearlman, ya que aquí es donde más abundan las influencias de la música clásica de la India, sin embargo, no nos adelantemos y hablemos de las importantes diferencias que hay entre los trabajos anteriores y el posterior que sería el canto del cisne de Pearlman:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Con el cambio de integrantes y la búsqueda de otros nuevos, el grupo parece haber madurado y ahora deja los jams larguísimos ruidistas y primitivos en favor de composiciones más formales que además están acompañadas de una instrumentación más estándar del rock sesentero, es decir: guitarra eléctrica y acústica, bajo, batería y órgano a los que se les suman como extra cítara y armónica, así como también se escucha un esfuerzo más notorio como cantante por parte de Phil Pearlman, por lo que podríamos decir que se trata de un trabajo más minimalista y crudo con una producción más lo-fi donde converge el rock ácido con el raga rock y el folk psicodélico con solo una pequeña dosis de proto-noise rock al final del disco.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Ahora que el sonido del grupo se ajustó a unos estándares más propios del típico rock ácido gringo sesentero, aquí se podría afirmar que los ecos de grupos como The Fraternity of Man, los Savage Resurrection, The Ceyleib People, Love, la West Coast Pop Art Experimental Band, US 69, The Freak Scene, los Plastic Cloud, los Animals y SRC son mucho más notorios e importantes e igualmente se sigue notando la influencia que Phil tomó del primer disco de The Velvet Underground y también de los Mothers of Invention, tanto que terminó incluyendo un cover de <i><b>Trouble Every Day</b></i> del icónico Freak Out! de 1966, sin embargo, habría que mencionar que el paralelismo con los grupos suecos de principios de los 70's es todavía más notorio, ya que las composiciones tienen la misma naturaleza minimalista y experimental, pero melódica de los grupos suecos e igualmente hay paralelismo con la psicodelia japonesa más subterránea por sus aspectos ruidistas y sus arreglos folk, por lo que tenemos a un músico que no solo brillaba por su ingenio, sino por estar a la vanguardia incluso cuando hizo un rock ácido más estándar frente a su primera propuesta de carácter más experimental.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">La propuesta de virar a las composiciones también se podría decir que es transitoria, pues esto es lo que finalmente daría paso a lo que vendría a ser <i><a href="https://rubber-soul-magazine.blogspot.com/2021/04/relatively-clean-rivers-relatively.html" target="_blank">Relatively Clean Rivers</a></i> unos años después, sin embargo, ahí ya se escucha este aspecto mucho más formalizado y maduro.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco comienza con <i><b>The Golden Hill</b></i>, que básicamente va a estar dividida en cuatro partes distintas que suenan más bien suenan a canciones propiamente compuestas que a una composición larga dividida en 4, aquí voy a irlas describiendo y reseñando (valga la redundancia):</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">La primera parte suena a un rock ácido de base folk, por lo que con cierta razón, algunos podrán decir que este disco suena algo anticuado para 1970, sin embargo, la composición brilla por su simplicidad, su instrumentación y los altos niveles de psicodelia que trae que los acompaña un órgano hammond que va guiando la melodía. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">La segunda parte es folk psicodélico puro que raya con lo celestial en sus letras y la música es simple, mántrica, acompañada por guitarra acústica, cítara y bajo mientras que la voz de Phil Pearlman suena mejor que nunca. Obra maestra de nuevo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">La tercera parte es como si un día The Velvet Underground hubiesen decidido dejar de tocar su rock experimental ruidoso en favor de un rock ácido influenciado por el sonido de la costa oeste que además de todo, se le nota una tendencia muy abierta a favor del raga rock, por lo que otra vez aquí se encuentra esa naturaleza mántrica del drone que a través de la repetición uno entra a un estado de consciencia alterado, por lo que aquí le aplaudo y agradezco al gran Phil por hacerme notar abiertamente que no se necesitan drogas para entrar en una experiencia psicodélica. Otro magnum opus.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">La cuarta parte cierra el lado A y la influencia hindú es todavía más notoria aquí, y es que es casi como si un día unos hare krishnas se juntasen a tocar rock psicodélico con mantras, por lo que aquí esa característica mántrica queda aún más acentuada y eso es un pase directo a un viaje psicodélico. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">En el lado B tenemos <i><b>Love Will Find A Way</b></i>, que otra vez sigue esa estructura de dividirse en partes, aunque aquí podemos notar menos cohesión entre las canciones y el aspecto tan mántrico del lado A queda reducido exclusivamente a la primera y tercera parte, aunque ya no en un aspecto tan hindú y de nuevo, describiré las tres canciones de forma individual:<br /><br />La primera parte es folk psicodélico puro con una producción completamente lo-fi que solo está acompañada de una guitarra eléctrica y otra acústica además de la voz de Phil Pearlman. Aquí escucho cierta influencia beatlesca.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">La segunda parte es un cover de <i><b>Trouble Every Day</b></i> de Frank Zappa y los Mothers of Invention que suena completamente subido en psicodelia y va a acompañado solamente de un hi-hat, un bajo eléctrico y la guitarra fuzzeada de Phil Pearlman, que él mismo reportó que el fuzz en realidad era un circuito de un órgano de juguete conectado a su amplificador Fender y que solo funcionó 3 días hasta que explotó.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">La tercera parte que cierra al disco es mi preferida, pues es rock ácido con una composición mántrica, minimalista y que está cargado de una guitarra completamente fuzzeada que acompaña a todo el tema. Esta es una de las canciones más psicodélicas que he escuchado en toda mi vida, definitivamente. Por otro lado, el modo en el que este tema está compuesto se asemeja muchísimo al de la música clásica de la India, pues por un lado la guitarra rítmica está haciendo una progresión repetitiva de acordes arpegiados que de alguna manera emula al drone creado por la tambura y por el otro lado la guitarra líder se asemeja a lo que haría tradicionalmente la cítara, aquí también habría que mencionar que las similitudes con otros grupos de la época como The Fraternity of Man, los Savage Resurrection, los Plastic Cloud, SRC y los Animals son mucho más estrechas, así como también el ruidismo de este tema junto con la tendencia al raga rock se escuchan muy propios de The Velvet Underground con Nico y también el paralelismo con la psicodelia minimalista de los suecos y los japoneses es aún mayor. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Con esta entrada damos por concluída la discografía de Phil Pearlman y sus proyectos, la cual además de que necesitaba actualizarse a mejor formato, también era necesario que estuviesen los discos restantes: <i>Our Standard Three Minute Tune</i> y <i><a href="https://rubber-soul-magazine.blogspot.com/2021/04/relatively-clean-rivers-relatively.html" target="_blank">Relatively Clean Rivers</a></i>. ¡Buen provecho!</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/36zub" target="_blank">DESCARGA</a></span></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-72306121211946104472021-04-22T08:00:00.061-05:002021-05-13T14:29:46.996-05:00Relatively Clean Rivers - Relatively Clean Rivers (1976)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-mwW4yqj3iWc/YGdTwUdv3WI/AAAAAAAAR_E/SabiQ0xbOwc-DUTpVmXvfQjp2huX7oxDgCLcBGAsYHQ/s2048/Front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1995" data-original-width="2048" height="390" src="https://1.bp.blogspot.com/-mwW4yqj3iWc/YGdTwUdv3WI/AAAAAAAAR_E/SabiQ0xbOwc-DUTpVmXvfQjp2huX7oxDgCLcBGAsYHQ/w400-h390/Front.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Esta semana tuve un bloqueo creativo que me impidió tanto elegir un disco como escribir una reseña por acá, por lo que decidí volver a publicar este disco, ya que además de que me sacó de apuros hacerlo, tuvo una acogida tibia por los lectores, llegando apenas a 50 visitas desde hacía 2 semanas que había sido posteado, por lo que en esta actualización tuve que reescribir esta pequeña introducción y platicarles que después de haber salido a un parque hace 2 días, pude confirmar de nuevo que las redes sociales son un lastre que no dejan pensar y que además de todo, acaban con la soledad, por lo que puedo decirles sin ningún tapujo que además de que los parques están bastante solitarios, uno ahí se puede desestresar un poco de la cada vez más aburrida vida en las redes sociales a la que nos hemos tenido que resignar forzosamente con la pandemia. En fin, espero que disfruten esta reseña escrita el 5 de Abril junto con esta extraordinaria obra:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Creo que ya viene siendo buen momento para publicar este discazo que tuve arrumbado por ahí durante mucho tiempo y es que el gran Phil Pearlman no me ha decepcionado con una sola placa de su corta, pero efectiva discografía, sin embargo lo que sí hay que tener en cuenta es que Relatively Clean Rivers es tan diferente y al mismo tiempo tan parecido a sus proyectos anteriores que placerá a cualquiera que le guste el segundo disco de The Beat of The Earth, pero también a quienes les guste Grateful Dead, The Fraternity of Man, CS&N, Blue Mountain Eagle, Christopher, Mountain Bus, Quicksilver Messenger Service (<i>Shady Grove</i>) y otros grupos por el estilo, así como también tiene ciertas cosas que seguro les serán interesantes a los fans del krautrock.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Relatively Clean Rivers básicamente fue el regreso de Phil Pearlman a la música desde 1970 cuando sacó <i>The Electronic Hole</i> que básicamente fue el último disco de The Beat of The Earth y en este regreso, aunque el buen Phil sigue conservando su estilo psicodélico intacto ahora lo que cambia es la instrumentación, el tipo de composición y las influencias, pues aquí hay un evidente alejamiento del ruidismo, las composiciones cuasi-mántricas y las ragas presentes en sus trabajos anteriores y ahora optó por formalizar aún más el aspecto compositivo que ya se veía en <i>The Electronic Hole</i>, pero no solo eso, también se escucha una instrumentación mucho más acústica y limpia donde apenas aparece algún fuzz muy leve en alguna canción, mientras que en el resto hay guitarras limpias que nos recordarán a Jerry García en su punto más alto (el que escuchamos en discos como <i>Anthem of The Sun</i>, <i>Aoxomoxoa</i> y <i>Live/Dead</i>), mientras que las influencias de la música clásica de la India son ahora mínimas y en general son sustituidas por la influencia de la música persa e incluso la música medieval, así como también escuchamos la inclusión de nuevos instrumentos que no estuvieron presentes en sus discos anteriores como el saz iraní, la flauta y los sintetizadores, también escuchamos osciladores, cintas en reversa y otros efectos psicodélicos, aunque de forma más breve y con un uso más decorativo que en The Beat of The Earth (en el que varios efectos se usaron como parte integral de la música), y también se nota que ahora el grupo está reducido en integrantes, pues en The Beat of The Earth tengo entendido que fueron más de 5 miembros los que participaron en los discos, mientras que aquí se reducen a solamente 3 miembros, lo que hace a este disco en cierto sentido más minimalista pero no de menor calidad, y aunque la música del grupo podrá haber sonado anacrónica en 1976, cuando se editó el disco, teniendo en cuenta que en ese año lo que estaba de moda era el punk, la música disco, el funk y comenzaba el metal, sin embargo, nada de eso sonó tan artístico y bello como esto.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco fue editado por Pacific Is, una nueva etiqueta formada por Phil Pearlman que solo editó este álbum en 1976. El grupo estaba integrado por Phil Pearlman (Voz, guitarra, bajo, sintetizador, flauta, armónica y saz), Kurt Baker (Guitarra y voz) y Dwight Morouse (Batería y efectos de sonido).</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">La música de Relatively Clean Rivers se podría describir principalmente como una mezcla entre folk rock psicodélico con algo de country rock que básicamente tiene una instrumentación más acústica que eléctrica, pero con resultados iguales de psicodélicos que si tuviese una instrumentación completamente eléctrica, sin embargo, con la aparición de influencias persas y medievales así como del uso de efectos de estudio, hacen que el grupo también se acerque por momentos a ciertas sensibilidades propias del krautrock alemán, por lo que puedo decir que musicalmente es un álbum muy completo en lo que podría parecer minimalismo para algunos.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco inicia con <i><b>Easy Ride</b></i>, una canción de country rock psicodélico que recuerda mucho a Grateful Dead, tanto al de la época psicodélica como al de la época country, pues aquí hay ecos del <i>Aoxomoxoa</i> y del <i>American Beauty</i>, pero con la diferencia de que Phil Pearlman no suena tan idiosincráticamente gringo como sí lo hizo el célebre grupo sanfranciscano en sus discos setenteros y más bien Phil Pearlman suena como un hippie casi apátrida que vive en un paisaje bucólico similar a la carretera que va de la Ciudad de México a Huatusco, Veracruz. Y de alguna manera eso es cierto, pues Phil Pearlman de verdad vive casi recluso en una granja aislada de la sociedad en el condado de Orange, por lo que esta canción describe perfectamente su entorno y su estilo de vida. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Journey Through The Valley of O</b></i> es una de las canciones que más recuerdan a <i>The Electronic Hole</i> pero sin el fuzz ruidoso, pues básicamente la composición es casi idéntica, por lo que creo que es probable que la haya sacado del baúl y le haya cambiado la letra o es una variación de ese tema, pero en fin, este es folk rock psicodélico de altos vuelos con una guitarra fuzzeada en plan muy ligero. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Babylon</b></i> tiene ecos del Pájaro Alberto y Sacrosaurio, especialmente de su tema más conocido <i><b>Seguir al Sol</b></i>, pues aquí Phil Pearlman incluye armónica, sin embargo también incluye un fuzz muy ligero en el solo de guitarra, sintetizador, cintas en reversa y algún otro efecto psicodélico que lo acerca brevemente al krautrock o incluso a Fifty Foot Hose, The United States of America y los suecos Älgarnas Trädgård. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Last Flight To Eden</b></i> es una pieza acústica instrumental con aires medievales en el que se incluye una flauta también y algo que me encantó fue la descripción que el mismo Phil Pearlman dio en la portada de en medio del álbum:<br /><br /><i>En el comienzo Dios creó todo; al final todas las naciones fueron destruidas; el hecho de que esta información venga directamente del libro más vendido de todos los tiempos, no necesariamente significa que será bien recibida por los gobernantes mojigatos o por entidades nacionalistas-evangelistas en varios países. Se habla mucho del "Reino de Dios" en este libro; nunca vi una "democracia de Dios" o "cualquier cosa unida de Dios"; (nosotros esperamos alguna especie de dictadura absoluta, una monarquía absoluta para ser más precisos en donde no exista gente privilegiada de ningún tipo, a excepción del mismo Dios, quien ni siquiera necesita ver la televisión)</i><br /><br />Phil Pearlman parece estar suscrito a alguna especie de comunismo cristiano y eso me hace que lo admire más, porque no solo es un gran músico y compositor, sino una persona pensante que bien hizo en tomarse en serio la filosofía del movimiento hippie y renunciar a los abusos del movimiento que finalmente lo llevaron a las peores perversiones, desde sectas peligrosas hasta volverse tecnócratas completamente totalitarios.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /> Otra obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Prelude</b></i> simplemente es un pequeño fragmento de <i><b>Last Flight To Eden</b></i> en reversa, por lo que hablaremos de Hello Sunshine, que otra vez tiene ecos del segundo disco de The Beat of The Earth pero con una instrumentación algo country rock, por lo que también se escuchan ecos de Mountain Bus, aquí también aparece la flauta y guitarras en reversa. Obra Maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>They Knew What To Say</b></i> parece una mezcla del Aoxomoxoa de Grateful Dead con The Beat of The Earth, es decir es una psicodelia "countrificada" con muy buenas guitarras (acústica y eléctrica), excelentes armonías vocales y armónica. Excelente.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>The Persian Caravan</b></i> es posiblemente la mayor obra maestra del disco, aquí se muestra lo que podía llegar a hacer Phil Pearlman con su psicodelia y hasta dónde podía llevarla, pues comienza con una introducción de saz para después convertirse en un rock ácido de tendencias orientalista con excelentes solos de guitarra y flauta, recordándonos vagamente a The Freak Scene. Trascendental.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Para cerrar con broche de oro tenemos <i><b>A Thousand Years (1975)</b></i> en donde se vuelven a notar ecos de The Beat of The Earth pero en versión más acústica donde se incluye otra vez saz, y Phil Pearlman va haciendo solos con influencia persa e hindú mientras suenan cintas en reversa. Otra obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Un disco que nadie debe perderse.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/8b5cg" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-k-97jk7x7jo/YGtrqp0K5mI/AAAAAAAASAg/YoJjDLziVfkkxKen6FXGsUOZpbCZQArGwCLcBGAsYHQ/s500/Phil%2BPearlman.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-k-97jk7x7jo/YGtrqp0K5mI/AAAAAAAASAg/YoJjDLziVfkkxKen6FXGsUOZpbCZQArGwCLcBGAsYHQ/w400-h400/Phil%2BPearlman.jpeg" width="400" /></a></div>Pintura de Phil Pearlman presente en la portada, cortesía de <a href="https://upvhq.blogspot.com/" target="_blank">ThePoodleBites</a> (Thanks a lot!)</div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-70928423668508739992021-04-14T11:44:00.014-05:002023-12-28T09:00:54.498-06:00Ill Wind - Flashes (1968) [Repost]<div style="text-align: center;"> <a href="https://1.bp.blogspot.com/-dwMDexj7-qU/YHG2gQF5NjI/AAAAAAAASEs/gSF5kra0tk0-V7_OfZzGYi9vKQR-zGhKQCPcBGAYYCw/s2048/Flashes%2B002%2B%25282%2529.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="2036" height="449" src="https://1.bp.blogspot.com/-dwMDexj7-qU/YHG2gQF5NjI/AAAAAAAASEs/gSF5kra0tk0-V7_OfZzGYi9vKQR-zGhKQCPcBGAYYCw/w447-h449/Flashes%2B002%2B%25282%2529.jpg" width="447" /></a></div><div style="text-align: center;">Tengo a mi gato junto espiando por la ventana en una mañana soleada mientras que por el pequeño estéreo que tengo suena la música que escucho todas las mañanas mientras tomo un poco de café y escribo esta reseña, y ver a mi gato espiar para la calle me hace pensar en cómo el confinamiento ha hecho que nuestras vidas se sientan más monótonas y rutinarias, sin embargo, algo que últimamente me ha dado por hacer es subir a la azotea del lugar a donde vivo a pasar el rato mientras uno puede ver edificios, azoteas, pájaros, el cielo o incluso algunos cerros llenos de contaminación, sin embargo, esto me relaja mientras no pueda hacer mis caminatas matutinas que tenía acostumbradas, todo sea por cuidar a los que tengo cerca, sin embargo, estas pequeñas salidas matutinas me dejaron agotado, ya que la contaminación acumulada en la ciudad entró a mi organismo y eso provocó que estuviese un par de días con un cansancio tremendo al punto de quedar tirado en la cama y babear sin que estuviese dormido siquiera, por lo que aquí me atrevo a decir que las típicas críticas del pequeñoburgués promedio que ve sus nimios privilegios amenazados son todas falsas, pero especialmente las que acusan al Peje de "autoritario", pues si este de verdad ejerciera su autoridad, ahorita ni siquiera se hubiesen multiplicado los contagios luego de las estúpidas vacaciones de semana santa de la gente imbécil y al menos la Ciudad de México no hubiese tenido los niveles de contaminación que se fueron acumulando desde que toda la gente llegó de sus vacacioncitas, todo esto último lo tuve que agregar ayer en la noche, ya que esta reseña la empecé a escribir desde el domingo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Por otro lado, esta obra maestra fue publicada por primera vez en el blog hace 9 años y creo que merecía ser actualizada, ya que estaba inconforme con la reseña que había hecho en ese tiempo y pensé que era oportuno volverlo a reseñar, además de poner mi propio ripeo, ya que en ese tiempo usé el del buen Marios del blog Rockasteria, pero como ya tengo mi copia precisamente desde hace casi 9 años, pues decidí compartirles lo propio.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">También les recomiendo mucho visitar la página del difunto Richard Griggs Zvonar, quien subió muchas grabaciones del grupo, tanto demos como temas en vivo grabados entre 1966 y 1971, por lo que se las dejaré al final junto con las descargas para que la visiten.</div><div style="text-align: center;"><br />Los orígenes de Ill Wind se remontan a 1965, cuando el guitarrista Ken Frankel y el bajista Carey Mann se conocieron en el Instituto Tecnológico de Cambridge, Massachusetts, ambos ya tenían como experiencia como músicos y habían tocado en varios grupos de Los Ángeles, San Francisco y Pensilvania, en aquel entonces, Frankel fungía como guitarrista del dúo de folk Norm and Judy en el cual estaba también la cantante Judy Bradbury (con quien se casaría años después), mientras que Mann tocaba en un grupo de jazz como guitarrista y pronto este se uniría al dúo de folk como bajista, pronto Ken y Carey les hablarían a otros de sus compañeros universitarios que también eran músicos para convertirse en un grupo de rock con canciones creativas y originales, lo que les complicó poder conseguir lugares para tocar, ya que en el área de Nueva Inglaterra, los clubes de la época solo buscaban grupos que tocaran los éxitos del momento y se vistiesen de forma "conservadora", mientras que The Prophets/The Blues Crew ya eran hippies desde ese primer momento y su música no se parecía nada a los éxitos de la época. Pronto los primeros integrantes abandonarían el grupo por diferencias creativas con Frankel y Mann, por lo que por medio de un anuncio en una revista, llegaría el guitarrista rítmico Richard Zvonar Griggs que pronto encajó con el grupo y su propuesta así como el baterista Dave Kinsman.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Pronto se cambiarían el nombre a Ill Wind, que era el nombre de una de las canciones de Ken Frankel y comenzaron a ensayar de forma más intensiva, pero aún así los clubes nos los aceptaban porque no tocaban covers, pero en el verano de 1966, los contratarían para un par de conciertos en unos salones de baile con un público conformado por adolescentes donde tuvieron una respuesta tan buena, que pronto se convertirían en uno de los grupos más populares del área, por sus canciones que incluían armonías de tres voces distintas y por sus jams psicodélicos. Y por la demanda que estaban teniendo, decidieron grabar un demo con un pequeño equipo de sonido que compraron, pero Judy Bradbury no estaba contenta con la repentina popularidad del grupo y decidió dejarlos en medio de las grabaciones, por lo que hicieron varias audiciones en donde no consiguieron lo que querían hasta que conocieron a Conny Devanney, una cantante de folk que tenía experiencia con varios grupos, incluyendo algunos de Nueva Jersey, por lo que inmediatamente cuajó con el grupo y terminaron de grabar los demos.<br />En ese mismo año, el grupo comenzó a tocar en el Boston Tea Party (el equivalente bostoniano al Fillmore West y al Avalon Ballroom de San Francisco), donde obtuvieron tanto éxito que pronto se convertirían en el grupo de la casa. Esto los llevó a hacer giras por toda Nueva Inglaterra, la Costa Este e incluso San Francisco.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Pronto conseguirían el interés de la Capitol por un demo de su canción más "popera", pero ese interés se desvanecería porque la Capitol buscaba algo más pop y no algo psicodélico, por lo que conocerían a Tom Wilson, que había producido a Bob Dylan y a Simon & Garfunkel y en ese entonces había puesto su propia compañía de producción que buscaba nuevos grupos, sin embargo, según los miembros del grupo, la grabación de su disco fue un desastre, ya que Wilson era un productor irresponsable y descuidado que se la pasaba leyendo el periódico o hablando por teléfono, y además los excluyó de las sesiones de mezcla, por lo que el disco no fue del agrado del grupo y también para la decepción de los miembros, no les dejaron poner la portada que querían y tuvieron que aceptar tomarse una foto en un estudio que ellos describieron como "no inspirada", también el disco tuvo una mezcla defectuosa, lo que provocó que la banda exigiera que se corrigieran los defectos y finalmente salió una segunda edición corregida, aún así, el disco <i>Flashes</i> salió en Mayo de 1968 y fue bien recibido en su natal Boston, aunque en el resto del país no, y eso los llevó a abrirles a grupos como los Who, Fleetwood Mac, los Byrds, Mitch Ryder, Moby Grape, entre otros, así como también se convirtieron en la banda de acompañamiento de Chuck Berry mientras hizo algunos conciertos en el Boston Tea Party, también esto los convirtió en uno de los grupos más importantes de la escena, pues la gente los reconocía en la calle y los conciertos tenían gran demanda.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">En ese mismo año, Carey Mann abandonó el grupo y fue sustituido por el bajista Michael Walsh, luego cuando Ken Frankel se casó con Judy Bradbury y se fue a vivir a California, el grupo se separó, en 1970 se reunirían sin Frankel y Carey Mann lo sustituiría, pero ya no sería lo mismo y se separarían en 1973.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Antes de pasar a hablar directamente de la música, quiero mencionar que la banda se sintió decepcionada al trabajar con Tom Wilson, pues al igual que muchos otros artistas, los miembros de Ill Wind han llegado a decir que Tom Wilson además de ser un productor negligente, descuidado e irresponsable que no les ponía atención a los artistas que producía por estar hablando por teléfono o leyendo el periódico, ya que a él lo único que le interesaba era ganar la popularidad de productor de grandes nombres de la música popular de la época y así volverse popular, sin embargo, Wilson no era realmente un buen productor y tal vez donde mostró mejor su falta de profesionalidad fue en este disco, pues además de que no dejó que los miembros de Ill Wind estuviesen presentes en las sesiones de mezcla, la primera tirada del disco salió con varios defectos, entre ellos versos que se repetían y una ausencia casi total de producción en la que el grupo sonaba a que estaba tocando en vivo, pero afortunadamente los miembros se dieron cuenta rápido de los errores y exigieron que estos estuviesen corregidos, por lo que tuvo que salir una segunda tirada de 2500 copias corregidas.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>Flashes</i> es un disco de folk rock ácido que a pesar de tener ecos del sonido de San Francisco, no se puede decir que Ill Wind hayan sido una copia de aquellos grupos, sino que sus orígenes en el folk y su consecuente electrificación, además de su suscripción a la contracultura de los 60's, es lo que les da la similitud, sin embargo, Ill Wind tenían un aura muy gótica e intimista, además de que sus composiciones rebozan en finura y clase, así como también la performance es perfecta, ya que al mismo tiempo de que suena fina y esmerada, suena contundente y bien posicionada, lo que me hace afirmar sin temor a equivocarme que si Ill Wind hubiesen tenido mucha más publicidad, hubiesen sido incluso más grandes que cualquier grupo sanfranciscano de la época, pero la cosa no termina ahí, las letras de las canciones poseen mucha poesía y filosofía, además de que tocan algunos de los temas que aún siguen siendo escabrosos como el aislamiento, la soledad, las drogas, el desamor, la muerte, la guerra, el egoísmo y la política, así como también la introspección y la felicidad más pueblerina, por lo que podemos decir perfectamente que Ill Wind no era un grupo de hippies cualquiera, sino un grupo de músicos intelectuales.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El álbum comienza con <i><b>Walkin' and Singin'</b></i> que es un country rock bastante animado y de letras optimistas que describen la perfecta (o más bien, idealizada) vida pueblerina en una mañana soleada, y aunque se trata de la canción que palidece un poco en comparación a las otras en cuanto a calidad, se puede decir que es un excelente comienzo a un disco en el que abundan las grandes composiciones y además de todo, es mil veces mejor que todo el country rock que saldría un poco después, pues este tema no tiene esa estúpida idiosincrasia gringa, ni el tufo a patrioterismo ridículo que se volvería firma de los grupos de country rock setenteros, además de que hay un aura gótica que acompaña a todo el tema que contrasta ligeramente con la atmósfera alegre y optimista que está presente en toda la canción.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>People of The Night</b></i> se convirtió en el emblema de los conciertos de Ill Wind, pues contiene todos los ingredientes para hacerla la melodía perfecta para los conciertos psicodélicos de la época: es una magistral composición de folk rock psicodélico que tiene una extraordinaria ejecución y unas armonías vocales bellísimas, así como también la interpretación de Conny Devanney es sublime, además de un jam guitarrero con influencias hindúes para recrear toda la experiencia psicodélica y si eso no es suficiente, las letras son muy poéticas e introspectivas y hablan del aislamiento nocturno en las calles solitarias para ponerse a pensar en silencio. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Little Man</b></i> es rock ácido con ecos de Big Brother and The Holding Company y Quicksilver Messenger Service y con una letra que cuestiona la idiosincrasia del hombre clasemediero gringo y le hace ver su mediocridad. Hoy posiblemente esto siga aplicando y todavía más de lo que lo hizo en el tiempo en el que fue escrita, lo que hace que Ill Wind tengan la universalidad requerida para ser recordados como uno de los mejores grupos de su momento, pues su letra traspasa el contexto en el que fue escrita y sigue teniendo relevancia en un contexto completamente distinto. Temazo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Dark World</b></i> es tal vez la mayor obra maestra del disco. Se trata de una balada semi-acústica de un folk psicodélico un tanto gótico e introspectivo, con una melodía verdaderamente hermosa, además de que la ejecución instrumental del grupo es perfecta, la voz de Conny Devanney suena preciosa (y es por este motivo por el que debió haber sido más popular e importante que Janis Joplin o Grace Slick, pero la justicia no existe), el solo de bajo fuzzeado es bellísimo e íntimo y la letra aunque básicamente se trate de la drogadicción y el ensimismamiento que provoca, está escrita de una forma muy poética e introspectiva, por lo que puedo decir sin temor a equivocarme que es la canción perfecta del grupo y de alguna manera, creo que los hermanos Frankel podrían merecerse ser comparados con otros grandes compositores de la época como la dupla Lennon/McCartney, George Harrison, Arthur Lee, Syd Barrett, Brian Wilson, Tommy Hall, entre otros, pues sus composiciones al mismo tiempo de ser tan psicodélicas, poseen una finura y una clase que definitivamente supera a la mayoría de grupos sanfranciscanos con los que suelen ser comparados frecuentemente.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>LAPD</b></i> básicamente significa "Los Ángeles Police Department" y se trata de una canción de protesta inspirada en una marcha de protesta en contra de la guerra de Vietnam realizada el 23 de Junio de 1967 afuera del hotel Century Plaza de los Ángeles, California, la cual le exigía al presidente Lyndon Johnson parar la guerra de forma pacífica, sin embargo, en su cinismo, Johnson hizo caso omiso y la policía de los Ángeles llegó a violentar a los manifestantes, lo que hizo que Richard Griggs escribiera esta canción que también tiene referencias a la ciencia ficción y a las películas de terror, por lo que se trata de un rock ácido muy ominoso que a la vez de que es un tema completamente psicodélico, tiene un aura bastante macabra y oscura. Espléndido.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>High Flying Bird</b></i> es uno de los temas más emblemáticos de los 60's, pues fue versionado por miles de artistas, entre ellos Judy Henske, Jefferson Airplane, The Wizards from Kansas, Jeremy Dormouse e Ill Wind, que a mi parecer, hizo la mejor interpretación. Por otro lado, esta interpretación me parece interesante ya que Ken Frankel hace algunos fraseos influenciados por <i><b>Oh, Pretty Woman</b></i> de Albert King.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Hung Up Chick</b></i> es posiblemente el tema más "popero" del disco, pues es una psicodelia bastante alegre, pero con letras que hablan del desamor, la traición y el cinismo, por lo que les puedo preguntar, ¿No les suena esto mucho más actual en estos momentos que hace 53 años cuando se grabó este disco? Aquí estamos ante otro tema que tiene mucho mérito, especialmente en la letra, pues lidia con un tema que sobrepasa a su contexto y que de hecho, adquiere mayor sentido muchos años después y no es gratuito que en el cinismo de hoy, ninguna relación romántica se tome seriamente y termine en una promiscuidad horrorosa que termina justificándose con un atroz discurso identitario completamente reaccionario, pero a la vez de que vivimos en una época cínica, también vivimos en una época de totalitarismo en donde la pequeña burguesía funciona de una forma muy similar a la Thinkpol de Orson Wells, por lo que probablemente, este tema sería censurado en este momento y el grupo sería cancelado y acusado de "machista" o "misógino". Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Sleep </b></i>es un bluegrass ominoso y gótico que vuelve a tocar el tema del desamor y de la vida nocturna, haciendo eco tanto de <i><b>People of The Night</b></i> y <i><b>Walking and Singing</b></i>, con una interpretación excelente de Conny, Carey y Richard, además de la gran ejecución de banjo de Ken Frankel.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">El disco cierra con broche de oro con <i><b>Full Cycle</b></i>, canción a la que la banda describe como su intento de hacer un tema con cantos gregorianos y vaya que lo lograron, pues se trata de una composición con una clara tendencia neo-medieval, es decir, el tema está compuesto en un estilo propio de la edad media pero está tocado con instrumentos modernos. Se podría decir que es la canción más oscura del disco, pues no solo la composición es ominosa y un tanto tétrica de una forma similar a <i><b>The War Goes On</b></i> de Mad River, sino que también la letra habla del luto por los jóvenes soldados asesinados en la guerra de Vietnam de una forma casi apocalíptica y pesimista, por lo que podemos decir que Ill Wind no eran los típicos hippies que solo pensaban en paz, amor y drogas, sino que podían hacer letras con críticas muy duras y rayar con el pesimismo. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">La reedición de Sunbeam Records trae un disco extra que compila demos grabados entre 1966 y 1968, así como un tema en vivo, pero como son bastantes temas, solo reseñaré mis preferidos y dejaré a la gente, de una forma democrática que se forme una opinión personal de las demás canciones.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Ill Wind</b></i> es uno de los primeros temas que grabó la banda en 1966 y que finalmente les dio el nombre final, y se trata de un tema de bluegrass gótico con letras bastante ominosas que de nuevo, tienen más sentido en la actualidad que en el contexto en el que fueron escritas, pues básicamente parece que fue escrita como un cuestionamiento a la tecnocracia, la clase media y su terror totalitario que esta genera al querer regular directamente el lenguaje, el pensamiento y el conocimiento, por lo que puedo decir que este grupo me dejó todavía más impresionado de lo que incluso estuve cuando lo descubrí en el 2013 y me enamoré de su música, pues ahora también me siento enamorado de sus letras, pues como lo dije anteriormente, son universalistas y de alguna manera, multiculturalistas en un sentido completamente zizekiano, pues superan a su contexto y toman mucho más sentido en un contexto posterior. Obra maestra y mil aplausos a los hermanos Frankel por ser tan buenos compositores y letristas, además de que Ken es un gran guitarrista (que aquí toca el banjo).</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>I Can See You</b></i>, a pesar de tener una letra bastante sencilla en comparación con lo que podía hacer el grupo, es una canción encantadora al igual que <i><b>I Tell You I Know</b></i>.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Tomorrow You'll Come Back</b></i> fue la primera canción que grabaron para su audición para la Capitol en 1967 y aunque los miembros digan que es una canción muy popera en comparación a lo que hacían, es realmente un tema precioso con una interpretación vocal por parte de Conny, Carey y Richard que incluso me ha llegado a sacar las lágrimas. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Are You Right?</b></i> es un cuestionamiento directo a la gente que siempre quiere tener la razón no importa si está completamente equivocada, ¿Les suena familiar? Pues sí, parecería que fue escrita para los relativistas posmodernos más vulgares que se justifican por medio de un pseudo-foucaultianismo penoso o de un estilo arrogante derivado del empirismo británico combinado con la vulgaridad relativista del populismo derechista, ambos al final son la misma mierda en diferente presentación y ustedes podrán decir que estoy viendo posmodernos por todos lados, pero como diría John Lennon: No soy el único, es un problema que se vive en carne y hueso, pero volviendo a la canción, el tema está a ritmo de psicodelia muy sesentera con cierta similitud a <i>Out of Limits</i> de los Marketts. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">La primera versión de <i><b>People of The Night</b></i> la siento más animada, además de que es más corta y sin el jam que la caracterizaba en los conciertos, sin embargo, la ejecución es magistral como siempre.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>It's Your Life</b></i> es posiblemente el tema más popero que haya escrito el grupo, pues tiene ecos tanto de la primera época de los Beatles así como de Quicksilver Messenger Service, especialmente por la guitarra de Ken, que hace un trabajo muy cipollinesco aquí, sin embargo, el resto del grupo hace su mejor impresión de los Beatles en su época "fresa" e incluso los supera en muchos aspectos.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i><b>Flashes</b></i> es un tema ultra-psicodélico que raya por momento con el heavy psych de una forma similar a <i><b>The House at Pooneil Corners</b></i> de Jefferson Airplane, pues hay un bajo repleto de fuzz que hace unos power chords que pondrían a envidiar a cualquier grupo de psicodelia pesada que se les ocurra, mientras que la letra, según su autor Richard Griggs, describe sus primeros tres viajes en LSD, la canción fue grabada en vivo en la secundaria de Westborough, Massachusetts en 1967. Como extra, este fue el tema que le dio título al disco e irónicamente no fue incluído, ya que las tomas del tema no salieron como los miembros del grupo quisieron, pero afortunadamente tenemos esta grabación en vivo que suena excelente. Obra maestra.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Los demos grabados en 1968 incluyen a la tercera alineación del grupo con el bajista Michael Walsh sustituyendo a Carey Mann y son todos obras maestras, sin embargo yo me quedo con la ultra-psicodélica <i style="font-weight: bold;">Mauti</i>,<i style="font-weight: bold;"> </i>el rock ácido con ciertos despliegues de heavy psych de <i style="font-weight: bold;">1 and a 100</i>, el folk rock pastoral de <b><i>Waking In The Water</i></b> y el suave folk rock lisérgico de <b><i>Frosted Summer's Drink</i></b>.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;">Si no han escuchado este disco, no sé qué esperan, no se lo deben perder por nada del mundo.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/1wj6p" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-b8hKDtZBjSI/YHMikPHAceI/AAAAAAAASFc/hTlwQy3PSeADwyqTcoIYKF233KVifg_-QCLcBGAsYHQ/s621/Capitol1.4%2B%25282%2529.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="621" data-original-width="611" height="449" src="https://1.bp.blogspot.com/-b8hKDtZBjSI/YHMikPHAceI/AAAAAAAASFc/hTlwQy3PSeADwyqTcoIYKF233KVifg_-QCLcBGAsYHQ/w442-h449/Capitol1.4%2B%25282%2529.jpg" width="442" /></a></div><p></p>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-55264331561718689422021-04-08T08:12:00.003-05:002021-05-13T14:31:20.507-05:00Reign Ghost - Reign Ghost (1969) y Reign Ghost Feat. Lynda Squires (1970)<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-uXf2cShEHu8/YG0VbS0NdmI/AAAAAAAASBo/Jtd51oUsrwg8KmaRQkYFDU5ZNWjsLnxMACLcBGAsYHQ/s864/Reign-Ghost-6.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="848" data-original-width="864" height="430" src="https://1.bp.blogspot.com/-uXf2cShEHu8/YG0VbS0NdmI/AAAAAAAASBo/Jtd51oUsrwg8KmaRQkYFDU5ZNWjsLnxMACLcBGAsYHQ/w438-h430/Reign-Ghost-6.jpg" width="438" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Antes de pasar a hablar del par de discazos que hoy les traigo, creo que de alguna manera la ironía se le suma a este post, ya que el nombre del grupo se traduciría literalmente al español como "reinado fantasma" y algo curioso y que irónicamente coincide es algo que les quiero contar a modo de introducción, pues resulta ser que mi hartazgo por el Facebook llegó a su mayor punto y decidí tomar la medida más apropiada que fue bajar una pequeña extensión para Google Chrome que bloquea sitios, ya que la estupidez de los usuarios que alguna vez toleré, ahora se ha vuelto una especie de martirio, por lo que llegué a una primera conclusión: Cuando uno no está bloqueado de esa red social (o de cualquier otra, llámese Twitter, Instagram, Youtube y demás) uno inconscientemente acepta la abundante estupidez de los usuarios al punto de que esta se vuelve invisible y uno termina contribuyendo a ella quedando inmerso en ese fango, sin embargo, cuando uno queda de simple espectador en donde todas las capacidades importantes para poder interactuar en una red social le son retiradas, uno se puede dar cuenta de que ese lugar es en realidad horroroso y asfixiante, sin embargo, hay una paradoja aún más espantosa, pues aquí cito al filósofo Slavoj Zizek cuando afirmó que lo que han hecho las redes sociales durante la pandemia es disparar a niveles exorbitantes la vida social de la gente, ya que antes, cuando todavía uno podía ver a sus amigos de carne y hueso, uno podía pasar un rato con ellos y luego tener su momento de soledad en su casa haciendo cualquier cosa, y ahora con las redes sociales uno tiene a unos tipos desconocidos que están las 24 horas del dia jodiendo con sus notificaciones y demás, eliminando cualquier soledad que uno puede tener, sin embargo, eso no es lo peor, pues de alguna manera las redes sociales se han convertido en una especie de "Gran Hermano" o peor aún, ahora las viejas supersticiones folclóricas sobre los fantasmas han sido materializadas, pues ¿Quién no ha escuchado alguna vez de sus parientes viejos leyendas de como los fantasmas son capaces de pegársele a alguien para atormentarlo y hacer que su vida sea un fracaso? Bueno, pues aquí esas leyendas están materializadas, ya que las redes sociales nos acompañan a cualquier lado, a cualquier hora, en cualquier momento, es un fantasma que no nos deja vivir tranquilos, por lo que la vieja leyenda folclórica mexicana de "se le subió el muerto" está ahora materializada en un reinado fantasma que nos persigue a donde vayamos sin que nosotros seamos conscientes de ello y así el capitalismo tardío no solo adquiere un funcionamiento improductivo, sino que además de todo es completamente fantasmático y totalitario, tanto que es invisible y se pega a nosotros en la forma de un goce ilimitado.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Antes de pasar a hablar de la música, quiero platicarles como descubrí a este grupo:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Me acuerdo que a principios del 2011 yo estaba ya completamente inmerso en la psicodelia y nada más estaba viendo a ver qué cosa rara encontraba por la red, ya que en ese tiempo los blogs de música abundaban por montones y recuerdo que en uno alojado en ucoz tenía los dos álbumes de Reign Ghost que desde las portadas se me hicieron tremendamente interesantes y al ponerlos fue click inmediato, sin embargo en aquel entonces, al ser un adolescente cuadrado, no acabé de comprenderlo, sin embargo, había algo que me hacía sentir completamente conectado a su música y hasta la fecha es posiblemente mi grupo canadiense preferido junto con los Plastic Cloud y My Indole Ring.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Hacia finales de los 60's en Oshawa, Canadá, había un par de grupos que eran los más importantes del lugar: Christopher Columbus Discovery of New Lands Band y Reign Ghost, ambos solían ser competencia directa en hacer refritos de los éxitos psicodélicos del momento, sin embargo, el vocalista de Reign Ghost se retiró del grupo a principios del 68, dejando el lugar abierto a los adolescentes Bob Bryden (quien fungía como baterista de Christopher Columbus) en la guitarra y a su novia Lynda Squires (quien era cantante del mismo grupo y poseía una voz bellísima), de ahí el grupo prescindió de los covers para comenzar a componer material original, mayormente compuesto por Bryden quien ahora era guitarrista rítmico.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">A fines de 1968, el grupo logra grabar su primer disco, el cual estuvo compuesto en su totalidad por material original y salió a principios de 1969, lo que llevó al grupo a tener giras los fines de semana y finalmente disolverse en ese mismo año, aunque al final Bob Bryden y Lynda Squires lo reformaron con nuevos miembros, grabado así su segundo disco que saldría hasta 1970.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El grupo se volvió a separar, ya que Lynda Squires terminó audicionando para el musical <i>Hair</i> y Bob Bryden formó a Christmas, un grupo de psicodelia y progresivo que sacó tres discos durante su existencia.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">La música de Reign Ghost a pesar de tomar mayormente influencias gringas, sigue siendo muy original y peculiar, ya que si bien, sus composiciones desprenden una insólita finura pocas veces vista en un grupo de su estilo, al mismo tiempo podían sonar tan crudos y directos como un grupo de garage de mediados de los 60's, por lo que sus canciones pueden ir de lo íntimo, romántico, gótico y sublime a lo naif, circense, inocentón y chistoso sin sonar en lo más mínimo kitsch, bobalicones, toscos o incluso vampíricos, creando así una música que de alguna manera está basada en los contrastes pero que nunca pierde el ingenio, la creatividad y la honestidad, y para que esto haya sido hecho por un grupo conformado por adolescentes que no pasaban los 16-18 años de edad es un GRAN logro, ya que además de que la música ya presenta rasgos de genialidad, la instrumentación es impecable, los arreglos son extraordinarios, la mezcla de influencias es impresionante, pues hay rasgos de folk, sunshine pop, blues, música medieval, música clásica de la India, música clásica occidental, jazz, waltz e incluso algo de bubblegum, todo ello empacado en una psicodelia de altos vuelos y tampoco hay que olvidarnos de la performance de Lynda Squires quien con solo 17 años de edad ya poseía una cualidad casi operática en su voz y eso era porque desde niña comenzó a cantar en los coros infantiles de las iglesias locales de Oshawa, por lo que se podría decir que su entrenamiento vocal vino de la música clásica y al haberle tocado la época de la psicodelia, terminó cantando rock, sin embargo, esto no la colocaría realmente en la misma categoría de Grace Slick y Janis Joplin, sino en la de cantantes como Mary Travers, Judy Collins, Joan Baez o incluso Mercedes Sosa y Violeta Parra, sin embargo en el rock también existieron cantantes que llegaban a esa cualidad operática en el rock como Conny Devanney de Ill Wind, Barbara Hudson de Ultimate Spinach, Patty MacKenzie de la Comuna, Gloria Lambert de Haymarket Square, Patti Curtis de These Vizitors, entre otras, por lo que podríamos decir que Lynda comparte rasgos musicales muy importantes con estas últimas, que además de todo, son cantantes muy olvidadas o desconocidas para el público general, sin embargo son de las mejores cantantes de rock de los 60's.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Reign Ghost (1969)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-MVSrjOlEG6g/UXyqC3M8dHI/AAAAAAAAEPQ/wv0ip1MjTiQwpjAZ9PWCs_JQ2gfkHqp9QCPcBGAYYCw/s2048/Reign%2B001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1877" data-original-width="2048" height="396" src="https://1.bp.blogspot.com/-MVSrjOlEG6g/UXyqC3M8dHI/AAAAAAAAEPQ/wv0ip1MjTiQwpjAZ9PWCs_JQ2gfkHqp9QCPcBGAYYCw/w433-h396/Reign%2B001.jpg" width="433" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco comienza con <b><i>Travels of Blue Paradox</i></b>, que tiene un comienzo un tanto oscuro influenciado por la música de la película <i>2001: Odisea en el Espacio </i>en donde Bob Bryden va recitando unas palabras en modo muy a la Ultimate Spinach para pronto convertirse en un tema con reminiscencias tanto medievalistas como de la música clásica de la India, es una psicodelia muy viajada pero que raya con lo gótico y lo etéreo mientras que la voz de Lynda Squires realmente brilla, de alguna manera este tema los podría convertir en el equivalente canadiense de Ill Wind, la Comuna o incluso de los Music Emporium. Una de sus mayores obras maestras.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Long Day Journey</b></i> es una canción romántica que tan solo está acompañada de 2 guitarras -una eléctrica y otra acústica- y un bajo con un arreglo casi folk y otra vez Lynda se encarga de darle ese aspecto angelical con su interpretación. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Standing Room Only, Mr. Mars</b></i> se supone que fue la primera canción que compuso Bob Bryden cuando tenía 16 y según su autor, toca temas un tanto escabrosos para la época como la alienación juvenil ante la sociedad. Por otro lado, la canción es bellísima, una de las mayores obras maestras del álbum y la interpretación es verdaderamente sublime.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Eyes Know, So Does Ears and Carolina</b></i> es psicodelia con bastantes cambios que de alguna manera vuelve a recordar a Ultimate Spinach, aunque con una composición más elaborada, aquí hay una mezcla de partes pausadas con otras más alegres que rayan con el pop psicodélico al igual que en los dos primeros discos del grupo bostoniano. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Curio Shop</b></i> es un waltz psicodélico bellísimo que va en el mismo tono que <i><b>The Masquered Murderer</b></i> y <i><b>Janis</b></i> de Country Joe & The Fish o incluso de <i><b>Baroque #1</b></i> de Ultimate Spinach, pero con la voz de Lynda se vuelve otra obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Black Ode</b></i> ya muestra cierta influencia del blues, que según Bob Bryden suele despreciar por monótono, sin embargo, este tema no es de su autoría, sino del tecladista Dave Hare, aquí también se puede apreciar cierta influencia doorsiana y un fuzz asesino por parte del guitarrista Jim Stright. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Gum Wrapper Song</b></i> es una parodia al bubblegum, por lo que se trata de un tema un tanto bobalicón y naif, pero esa era la intención y es una canción divertida de escuchar si uno tiene la suficiente madurez para aceptar el humor y el sarcasmo en la música, de otra manera, pueden evitarlo si gustan. Por otro lado, este tema muestra también la forma magistral de la banda de contrastar los otros temas que rayan en lo hermoso con algo que suena cursi, infantiloide y hasta menso si ustedes quieren, sin caer en un kitsch fastidioso o en una mofa grosera e insoportable.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Southern Hemisphere Blues Legacy</b></i> es rock ácido con cierta influencia sanfranciscana y bostoniana, pues se escuchan ecos tanto de Jefferson Airplane, Country Joe & The Fish, Quicksilver Messenger Service y los Animals como de Ultimate Spinach.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Para cerrar con broche de oro tenemos <i><b>Reaching</b></i> que de alguna manera vuelve al mismo tipo de composición que Eyes Know pero esta vez con un aspecto menos romántico y más viajado que el anterior, además de que tiene más cambios, en los cuales podremos notar influenciar una especie de deconstrucción estilística en la que encontramos rock ácido, raga rock, blues, música circense y pop psicodélico, además del final con trémolo completamente cipollinesco. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: large;">Reign Ghost Feat. Lynda Squires (1970)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-dj7esceUxCw/UXyqhyOoC9I/AAAAAAAAEPY/gMyJWbhU9AkX1S7mdmO-s2nHHoySC3ILQCPcBGAYYCw/s2048/Reign%2B002.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1878" data-original-width="2048" height="404" src="https://1.bp.blogspot.com/-dj7esceUxCw/UXyqhyOoC9I/AAAAAAAAEPY/gMyJWbhU9AkX1S7mdmO-s2nHHoySC3ILQCPcBGAYYCw/w441-h404/Reign%2B002.jpg" width="441" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">En este segundo disco, con una nueva alineación, el grupo aunque sigue conservando su esencia psicodélica, su música se escucha menos diversa que en su debut, pues hay más enfoque en el rock ácido de reminiscencias sanfranciscanas o incluso algo británicas, teniendo en cuenta que el nuevo guitarrista John Pudlis (quien también llega a cantar en algunos temas) puede imitar casi a la perfección el estilo de Eric Clapton en sus días con Cream, también la producción se escucha menos garagera y así como también se puede escuchar cierta madurez en los temas.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco arranca con una re-creación de <i><b>Long Day Journey</b></i>, la cual ya no es una canción ejecutada de una forma cuasi-folk, sino que se escucha una instrumentación más cercana al rock ácido sanfranciscano, además de que los solos de Pudlis le aumentan esas reminiscencias. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>More Than I</b></i> es una balada muy emotiva escrita por John Pudlis, que suena a medio camino entre el folk rock y la psicodelia pausada tipo Ultimate Spinach (<i><b>Mind Flowers</b></i>) o Hindenburg Lyon (<i><b>Eden</b></i>) con un guión melódico que raya con el soul. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Mother's Got Troubles</b></i> parece un hijo bastardo de Ill Wind con la Comuna, pues es psicodelia pausada muy emotiva con una performance verdaderamente magistral de Lynda Squires y unos solos de guitarra que recuerdan al mejor Ken Frankel. Obra Maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Pudsy's Parable</b></i> es una mofa descarada al bubblegum, es deliciosamente ñoña y burlona, sin embargo algo que la hace más interesante es la influencia del soul que se viene notando desde <i><b>More Than I</b></i> por parte Pudlis a la hora de cantar. Muy buen tema.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Ain't It Great</b></i> lleva la voz de Bob Bryden junto con Lynda Squires y John Pudlis y debo decir que Bob suena bastante bien a pesar de sus limitaciones vocales, pues su performance es muy buena y está al nivel del gran Country Joe McDonald o incluso de Marty Balin, mientras que John Pudlis suena un tanto baritonesco y negroide, además de que sus solos hacen eco de Eric Clapton en el <i>Disraeli Gears</i>.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Breast Stroke Blues</b></i> es rock ácido blusero que se supone que fue hecho en tono de mofa, ya que Bob Bryden es un declarado anti-blues, sin embargo, el tema es excelente y parece una mezcla entre Ill Wind y Cream, por lo que no se me haría nada fuera de lugar que este tema pudiese pasar por un tema inédito del <i>Disraeli Gears</i>, pues tiene incluso los solos que suenan casi idénticos a los de Eric Clapton, pero la única diferencia es que tiene la bellísima voz de Lynda Squires. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Solar Nice</b></i> es tal vez uno de los temas que más recuerdan al primer disco, de hecho podría pasar como un tema inédito, es psicodelia que raya con lo popero sin caer en lo cursi o en lo bobalicón con la bellísima voz de Lynda Squires. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Breadbox</b></i> es rock ácido que tiene ecos del <i>After Bathing at Baxter's</i> de Jefferson Airplane, aunque sin lo experimental y lo extraño, la cual cantan Bob Bryden y John Pudlis. Temazo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Enola Gay</b></i> es la única composición del bajista Russ Erman y es la que cierra el disco. Se trata de un rock muy ácido acompañado por una guitarra fuzzeada tocada por John Pudlis (quien se supone se inspiró en Erik Brann de Iron Butterfly para este tema) y una con wah-wah tocada por Bob Bryden, después de la psicodelia ácida viene una parte mucho más tranquila y pausada muy al estilo del primer disco donde entra Lynda Squires y vuelve a dejar en claro que ella es una de las mejores cantantes de su tiempo y que no fue gratuito que la eligieran en el casting de la versión canadiense del musical <i>Hair</i>, también Pudlis le hace guiños al estilo de John Cipollina. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"> Ambos discos son joyas, sin embargo, creo que entre los dos, sin pensarlo me quedo con el primero por su diversidad y por su manejo de los contrastes que mencioné al principio de la reseña, lo que para mí lo hace una obra maestra perdida, sin embargo, mi única crítica con el segundo es que las composiciones son menos cerebrales y creativas, con un enfoque más hacia el rock ácido sanfranciscano estándar, por lo que se extrañan esos cambios rarísimos y ese aspecto ligeramente sinfónico presente en el debut, así como también sentí que a Lynda Squires la limitaron mucho y su performance se escucha mucho menos operática y más estándar, lo que a algunos les podrá parecer una ventaja, pero a mí en lo personal me encantan las cantantes con voces operáticas.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Dos discos que no pueden perderse.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">P.D. No tengo las versiones remasterizadas por el mismo Bob Bryden, por lo que les dejo un par de viejos ripeos míos de las ediciones de Akarma en lo que puedo conseguir las nuevas versiones.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/6xedd" target="_blank">DESCARGA</a></span></div>
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El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-365721793707451409.post-67494486486643183672021-04-01T08:34:00.005-06:002022-09-18T16:43:54.611-05:00The Fraternity of Man - The Fraternity of Man (1968) [Repost]<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-hnjlLbZU8mI/YGND7x6irdI/AAAAAAAAR9k/W0hqJkG8nNo-UQA3ACJslNvEhZAyf1D8QCLcBGAsYHQ/s2048/Front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2021" data-original-width="2048" height="395" src="https://1.bp.blogspot.com/-hnjlLbZU8mI/YGND7x6irdI/AAAAAAAAR9k/W0hqJkG8nNo-UQA3ACJslNvEhZAyf1D8QCLcBGAsYHQ/w400-h395/Front.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Después de 8 meses de inactividad, estoy viendo si puedo devolverle el ritmo de publicaciones al blog que tenía antes del 19 de Enero del 2012, cuando el gobierno gringo cerró megaupload y desde ahí se me ha hecho cada vez más difícil publicar, además de que a diferencia de aquel entonces, me gusta hacer las reseñas más detalladas e informadas, por lo que esto también me ha generado un bloqueo mental en el que se me va la creatividad y no puedo expresar bien mis ideas, sin embargo, ya que llevo 13 días bloqueado del Facebook y ese lugar cada vez se me hace más tedioso por la cantidad de estupideces que abundan, además de que cada día el totalitarismo pequeñoburgués de lo políticamente correcto es cada vez más tajante y ostracista por lo que me estoy cansando de esa falta de libertad de expresión, además de que también me es cada vez más molesto estar socializando con millones de imbéciles a los que ni siquiera conozco en persona, por lo que ahora me gustaría alejarme de ello y rescatar este pequeño espacio, junto con el blog hermano El Jardín del Guajolote, donde intentaré hacer más críticas a la corrección política, el liberalismo, los tecnócratas y de paso hacer algo de propaganda comunista sin tener el yugo del judeonazi Mark Zuckerberg por vía de su "red neuronal" y es que además de todo, algo que hay que tener en cuenta que los blogs que compartimos música, películas, libros y otros bienes comunes intelectuales de forma gratuita somos cada vez más, un elemento subversivo dentro del internet, somos unos comunistas que nos pasamos por las nalgas a la "legalidad", precisamente porque los bloggeros de internet que lo hacemos, somos los que mostramos el potencial subversivo que bien hicieron notar Pascal, Althusser y Hegel con las tautologías: Es común que las leyes reguladoras de los aparatos estatales de la mayor parte del mundo, se opongan al intercambio gratuito e "ilegal" de bienes comunes como la música y que incluso algunos abogaduchos idiotas salgan precisamente con "la ley es la ley" y es aquí donde la tautología adquire un carácter subversivo al ser la sobreidentificación de la ley misma, es decir: la primera "ley" representa a la ley que hace justicia, que nos protege a todos y la segunda "ley" sale a relucir la parte ilegítima e ilegal de esta ley, y precisamente cuando nos cierran blogs o páginas dedicadas a este intercambio, es donde se muestra la ilegitimidad del "imperio de la legalidad" que como podemos ver, suele ser defendido por los tecnócratas, los abogangsters liberales y las escorias defensoras del laissez-faire, así que para bien o mal, aquí seguiremos hasta que la "ley" muera junto con el capitalismo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Como pueden ver desde el título, este es un repost de un disco que fue publicado por aquí hace 9 años y que básicamente es uno de mis preferidos, sin embargo, me decidí a volverlo a publicar, ya que además de que quiero corregir la vieja reseña que seguramente está llena de errores gramaticales, ortográficos y otras cosas que quiero evitar en esta nueva reseña, pero bueno, en ese tiempo era un adolescente estúpido e intentaba hacer lo mejor que podía, sin embargo, creo que en esto de escribir se puede mejorar mucho y hacer lo más posible por no incluir lenguaje vulgar y tener una redacción lo suficientemente buena. Por otro lado, también quiero mencionarles que les estoy compartiendo el remaster más reciente de este álbum, hecho por la disquera coreana Big Pink en el 2016, el cual viene editado en mini LP, pero para no aburrirlos más, vamos con la reseña:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">The Fraternity of Man se formaron en 1967 en los Ángeles, California con las cenizas de The Factory, un grupo de garage psicodélico que encabezaba Lowell George (más conocido por su labor en Little Feat), en donde el bajista Martin Kibee, el guitarrista Warren Klein y el baterista Ritchie Hayward habían tocado, aunque pronto George se iría a las filas de los Standells (otro grupo de garage muy importante) y los tres miembros restantes se unirían con el guitarrista Elliot Ingber, quien había estado en las filas de los Mothers of Invention cuando grabaron su primer álbum en 1966, y en un encuentro casual durante el Verano del Amor en San Francisco, conocieron a Lawrence "Stash" Wagner, quien se les uniría completando así la formación de The Fraternity of Man.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Grabado en la primavera del 68 con el apoyo e interés de gente como Canned Heat, Jimi Hendrix, Jim Morrison y Janis Joplin, quienes se mantenían al tanto de lo que hacía el grupo, su debut salió un 24 de Junio de ese año, el cual estuvo producido por el histórico e importantísimo Tom Wilson, quien produjo los primeros álbumes de los Mothers of Invention, los primeros de Bob Dylan, los 2 primeros de The Velvet Underground y el único disco del quinteto bostoniano Ill Wind <i>Flashes</i>, salido también en 1968.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Aunque el disco en su momento tuvo una respuesta muy tibia por parte del público y esto ayudó a que el grupo terminara tronando en 1969, su tema Don't Bogart Me terminaría siendo usado por Dennis Hopper en la mítica película Easy Rider, salida en el 69 y a pesar de eso, el tema apenas alcanzó el modesto lugar 86 de las listas de popularidad.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El debut homónimo de The Fraternity of Man es básicamente una mezcolanza de géneros, pues aquí hay rock ácido, raga rock, blues, country e incluso rock and roll cincuentero, pero todo bajo la perspectiva influenciada por el consumo de drogas psicodélicas, marihuana y por un ambiente muy hippie en donde se escuchan ecos de Country Joe & The Fish, The Electronic Hole, The Savage Resurrection, los Byrds y el Freak Out de Frank Zappa, ya que hay canciones que hablan abiertamente del consumo de marihuana, otras con tintes humorísticos y otras que son viajes psicodélicos que rayan con lo surrealista y lo místico, ya que además de que hay guitarras cargadas de fuzz, hay efectos psicodélicos, tamburas y arreglos que coquetean con la música clásica de la India, lo que se ve contrastado con canciones de country rock primigenio y de blues.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El disco comienza con <i><b>In The Morning</b></i>, que es básicamente una oda al consumo matutino de marihuana en tono de blues psicodélico con las guitarras fuzzeadas de Ingber y Klein, haciéndonos recordar al Country Joe más chistoso o incluso a un tema del grupo mexicano los Spiders.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">En el segundo tema tenemos <i><b>Plastic Rat</b></i>, que personalmente es uno de mis preferidos del álbum, el cual comienza con unos efectos psicodélicos y a lo largo de la canción, Stash va narrando el autoritarismo que en ese momento se ejercía contra los hippies en los Ángeles, incluyendo una experiencia propia que retomaría para otra canción del mismo disco, mientras que Warren casi al final hace unos pequeños solos psicodélicos de guitarra excelentes. Una de las mayores obras maestras del grupo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Don't Bogart Me</b></i> (o <i><b>Don't Bogart That Joint</b></i>) es country rock primigenio que tiene ecos de los Byrds en su etapa country que comenzaría precisamente en 1968 con su disco Sweetheart of Rodeo y como decía más arriba, este fue el tema que los catapultó como grupo de culto gracias a la película Easy Rider de 1969, sin embargo, creo que este es uno de los temas más flojitos del disco, teniendo en cuenta que hay canciones que de verdad podrían considerarse obras maestras de la psicodelia gringa y con las que puede entenderse perfectamente el motivo por el cual grandes nombres como Jimi Hendrix, Canned Heat o Jim Morrison se interesaron tanto en su trabajo en estudio e incluso les mostraron apoyo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Stop Me, Citate Me</b></i> es básicamente un medio tiempo psicodélico en el que otra vez se vuelven a mostrar ecos de Country Joe McDonald, con una letra que suena entre romántica y cómica. Gran tema.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Bikini Baby</b></i> es rock and roll cincuentero que básicamente se mofa de Elvis Presley de una forma deliberadamente mala, ya que Stash Warner lo hace a modo de parodia y suena como un imitador malísimo de Elvis que apenas sabe cantar, mostrando así ecos de Frank Zappa y su constante mofa al Doo Wop cincuentero. Sin embargo, no quiero que se me malentienda, ya que si bien la imitación a Elvis es pobre, creo que esa era la idea desde un principio, pues se trata de un tema para divertirse un rato.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Oh No, I Don't Believe It</b></i> es de la autoría de Frank Zappa y al parecer la trajo Ingber de su estancia con los Mothers of Invention, aunque también se especula que fue por parte de Tom Wilson, quien había producido los primeros discos de dicha agrupación, sin embargo, aquí The Fraternity of Man le agrega su propio sabor en donde mezclan las improvisaciones del rock ácido con la música clásica de la India, en donde también se escuchan una serie de efectos psicodélicos de estudio, con un Warren Klein que se escucha mejor que nunca con su Gibson ES-335 que vomita fuzz y un tablista desconocido. Definitivamente una de las obras maestras del grupo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Wispy Paisley Skies</b></i> es una mezcla un tanto extraña de country rock con raga rock y psicodelia ácida, en donde si bien la instrumentación es casi completamente acústica y bastante tradicional para el género, la composición no lo es y también habría que mencionar la incorporación de la tambura hindú y los pequeños arreglos guitarra fuzzeada tocados por Warren Klein que hacen de este tema todo un deleite, por otro lado, a este tema le encuentro ecos de un grupo muy posterior llamado Relatively Clean Rivers, liderado por Phil Pearlman de The Beat of The Earth, pues es básicamente una combinación de country rock con psicodelia orientaloide. Obra maestra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Field Day</b></i> es otro tema de protesta, el cual vuelve a tomar el tema de la represión hacia los hippies por parte de los gobiernos autoritarios de todo el mundo, e incluso el último verso de la canción dice "si estás embarazada, te patearé, porque una mujer embarazada cuenta como dos", todo ello acompañado de una música de tipo militar.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Just Doin' Our Job</b></i> vuelve a tomar la premisa básica de Plastic Rat, esta vez en tono de country rock similar a <i><b>Don't Bogart Me</b></i>, donde el cantante vuelve a narrar como los policías de aquel entonces lo sacaron de su casa a golpes con la justificación de "nosotros solo hacemos nuestro trabajo" y también al final se incluyen fragmentos de un discurso de Hitler, sin embargo, creo que esta referencia al nazismo es mucho más vigente en estos tiempos que hace casi 53 años que salió este disco, pues hoy vivimos en un régimen mucho más parecido al de los nazis que el que vivieron los hippies en aquel tiempo o tal vez incluso peor, pues si uno tiene en cuenta que entre el yugo pequeñoburgués de la corrección política que condena a la gente al ostracismo y el cada vez más asfixiante control digital por medio de las redes sociales y demás, el totalitarismo tecnocrático-liberal es mucho más asfixiante y paternalista, además de que se esconde en un discurso pseudo-ascético y new age que llama a la sociedad a la no-involucración y al cinismo, por lo que podemos decir que este paternalismo de derecha (mal llamado "progresismo liberal" o "izquierda liberal") se parece mucho a una distopía huxleyana donde el poder absoluto lo tienen los expertos y estos tienen a una sociedad conformista completamente controlada por la tecnología.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Blue Guitar</b></i> es básicamente blues psicodélico instrumental tocado por Elliot Ingber y su telecaster fuzzeada, no hay mucho más que decir más que es uno de los mejores temas del disco.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><b>Last Call for Alcohol</b></i> sigue exactamente la misma fórmula que <i><b>Don't Bogart Me</b></i>, country rock con oda a las drogas, esta vez al alcohol, no es el tema que más me gusta del disco, pero tiene su mérito. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Para cerrar con broche de oro, <i><b>Candy Striped Lion's Tails</b></i> es básicamente psicodelia ácida caleidoscópica con influencias hindúes, haciendo eco a The Beat of The Earth de Phil Pearlman, los ingleses Sam Gopal, los Yardbirds o incluso a los Savage Resurrection, ya que aquí Warren Klein se encarga de unos solos de guitarra fuzzeada ultra-psicodélicos que rayan con lo místico y lo surreal, mientras atrás está ese mismo tablista desconocido de <i><b>Oh No, I Don't Believe It</b></i> que se encarga de darle más sabor hindú a este temazo que es un viaje de ácido donde los colores verdaderamente se escuchan y colocan a este tema, no solo como la mayor obra maestra del grupo, sino como una de las mejores canciones de toda la historia de la psicodelia.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Si bien The Fraternity of Man no tuvieron el éxito esperado en su momento y la respuesta del público y la prensa fue tibia, sí lograron convertirse en un grupo de culto que sigue siendo muy querido entre los aficionados a la psicodelia, los cuales incluso llegan a comprar copias originales del disco a un precio bastante caro (al menos para mí, ya que tampoco es una super rareza, pero como estoy pobre, el dinero para mí es oro en este momento) y es que es un disco en el que abundan los temas de calidad en los que hay una instrumentación magistral, un vocalista que no es el mejor pero que logra cumplir su papel por medio de la frescura, elocuencia y honestidad. Lamentablemente, el grupo solo sacaría un álbum más el año siguiente, que a pesar de ser muy bueno, no tendría los mismos niveles de lisergia que este tiene y se enfocaría en unos arreglos mucho más básicos de blues rock con tintes psicodélicos y sacarían un EP en los 90's con unas regrabaciones de algunos de sus temas que ya no tienen el mismo brillo que las originales.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Un disco que no pueden perderse.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">P.D. En estos días se vienen algunas sorpresas, estén al pendiente.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Shrikhand; font-size: x-large;"><a href="https://justpaste.it/1tc1q" target="_blank">DESCARGA</a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYWcnNZtkLL121Vj4FLFqI8Uy4Q1WInjKqUoGVebtZlQknXBilHcNvbi1aWnVoaB7zU59qARkuxVW9h17GNhsRwVsPdoDvFlH3BMJmfiu_uff1LAAD9ij4uHwL7_G8OgmboabjNFSyTUzO/s2048/the+fraternity+of+man.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1484" data-original-width="2048" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYWcnNZtkLL121Vj4FLFqI8Uy4Q1WInjKqUoGVebtZlQknXBilHcNvbi1aWnVoaB7zU59qARkuxVW9h17GNhsRwVsPdoDvFlH3BMJmfiu_uff1LAAD9ij4uHwL7_G8OgmboabjNFSyTUzO/w497-h360/the+fraternity+of+man.jpg" width="497" /></a></div>El Guajolotehttp://www.blogger.com/profile/14414722213020535448noreply@blogger.com0