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22 abr 2021

Relatively Clean Rivers - Relatively Clean Rivers (1976)

Esta semana tuve un bloqueo creativo que me impidió tanto elegir un disco como escribir una reseña por acá, por lo que decidí volver a publicar este disco, ya que además de que me sacó de apuros hacerlo, tuvo una acogida tibia por los lectores, llegando apenas a 50 visitas desde hacía 2 semanas que había sido posteado, por lo que en esta actualización tuve que reescribir esta pequeña introducción y platicarles que después de haber salido a un parque hace 2 días, pude confirmar de nuevo que las redes sociales son un lastre que no dejan pensar y que además de todo, acaban con la soledad, por lo que puedo decirles sin ningún tapujo que además de que los parques están bastante solitarios, uno ahí se puede desestresar un poco de la cada vez más aburrida vida en las redes sociales a la que nos hemos tenido que resignar forzosamente con la pandemia. En fin, espero que disfruten esta reseña escrita el 5 de Abril junto con esta extraordinaria obra:

Creo que ya viene siendo buen momento para publicar este discazo que tuve arrumbado por ahí durante mucho tiempo y es que el gran Phil Pearlman no me ha decepcionado con una sola placa de su corta, pero efectiva discografía, sin embargo lo que sí hay que tener en cuenta es que Relatively Clean Rivers es tan diferente y al mismo tiempo tan parecido a sus proyectos anteriores que placerá a cualquiera que le guste el segundo disco de The Beat of The Earth, pero también a quienes les guste Grateful Dead, The Fraternity of Man, CS&N, Blue Mountain Eagle, Christopher, Mountain Bus, Quicksilver Messenger Service (Shady Grove) y otros grupos por el estilo, así como también tiene ciertas cosas que seguro les serán interesantes a los fans del krautrock.

Relatively Clean Rivers básicamente fue el regreso de Phil Pearlman a la música desde 1970 cuando sacó The Electronic Hole que básicamente fue el último disco de The Beat of The Earth y en este regreso, aunque el buen Phil sigue conservando su estilo psicodélico intacto ahora lo que cambia es la instrumentación, el tipo de composición y las influencias, pues aquí hay un evidente alejamiento del ruidismo, las composiciones cuasi-mántricas y las ragas presentes en sus trabajos anteriores y ahora optó por formalizar aún más el aspecto compositivo que ya se veía en The Electronic Hole, pero no solo eso, también se escucha una instrumentación mucho más acústica y limpia donde apenas aparece algún fuzz muy leve en alguna canción, mientras que en el resto hay guitarras limpias que nos recordarán a Jerry García en su punto más alto (el que escuchamos en discos como Anthem of The Sun, Aoxomoxoa y Live/Dead), mientras que las influencias de la música clásica de la India son ahora mínimas y en general son sustituidas por la influencia de la música persa e incluso la música medieval, así como también escuchamos la inclusión de nuevos instrumentos que no estuvieron presentes en sus discos anteriores como el saz iraní, la flauta y los sintetizadores, también escuchamos osciladores, cintas en reversa y otros efectos psicodélicos, aunque de forma más breve y con un uso más decorativo que en The Beat of The Earth (en el que varios efectos se usaron como parte integral de la música), y también se nota que ahora el grupo está reducido en integrantes, pues en The Beat of The Earth tengo entendido que fueron más de 5 miembros los que participaron en los discos, mientras que aquí se reducen a solamente 3 miembros, lo que hace a este disco en cierto sentido más minimalista pero no de menor calidad, y aunque la música del grupo podrá haber sonado anacrónica en 1976, cuando se editó el disco, teniendo en cuenta que en ese año lo que estaba de moda era el punk, la música disco, el funk y comenzaba el metal, sin embargo, nada de eso sonó tan artístico y bello como esto.

El disco fue editado por Pacific Is, una nueva etiqueta formada por Phil Pearlman que solo editó este álbum en 1976. El grupo estaba integrado por Phil Pearlman (Voz, guitarra, bajo, sintetizador, flauta, armónica y saz), Kurt Baker (Guitarra y voz) y Dwight Morouse (Batería y efectos de sonido).

La música de Relatively Clean Rivers se podría describir principalmente como una mezcla entre folk rock psicodélico con algo de country rock que básicamente tiene una instrumentación más acústica que eléctrica, pero con resultados iguales de psicodélicos que si tuviese una instrumentación completamente eléctrica, sin embargo, con la aparición de influencias persas y medievales así como del uso de efectos de estudio, hacen que el grupo también se acerque por momentos a ciertas sensibilidades propias del krautrock alemán, por lo que puedo decir que musicalmente es un álbum muy completo en lo que podría parecer minimalismo para algunos.

El disco inicia con Easy Ride, una canción de country rock psicodélico que recuerda mucho a Grateful Dead, tanto al de la época psicodélica como al de la época country, pues aquí hay ecos del Aoxomoxoa y del American Beauty, pero con la diferencia de que Phil Pearlman no suena tan idiosincráticamente gringo como sí lo hizo el célebre grupo sanfranciscano en sus discos setenteros y más bien Phil Pearlman suena como un hippie casi apátrida que vive en un paisaje bucólico similar a la carretera que va de la Ciudad de México a Huatusco, Veracruz. Y de alguna manera eso es cierto, pues Phil Pearlman de verdad vive casi recluso en una granja aislada de la sociedad en el condado de Orange, por lo que esta canción describe perfectamente su entorno y su estilo de vida. Temazo.

Journey Through The Valley of O es una de las canciones que más recuerdan a The Electronic Hole pero sin el fuzz ruidoso, pues básicamente la composición es casi idéntica, por lo que creo que es probable que la haya sacado del baúl y le haya cambiado la letra o es una variación de ese tema, pero en fin, este es folk rock psicodélico de altos vuelos con una guitarra fuzzeada en plan muy ligero. Temazo.

Babylon tiene ecos del Pájaro Alberto y Sacrosaurio, especialmente de su tema más conocido Seguir al Sol, pues aquí Phil Pearlman incluye armónica, sin embargo también incluye un fuzz muy ligero en el solo de guitarra, sintetizador, cintas en reversa y algún otro efecto psicodélico que lo acerca brevemente al krautrock o incluso a Fifty Foot Hose, The United States of America y los suecos Älgarnas Trädgård. Obra maestra.

Last Flight To Eden es una pieza acústica instrumental con aires medievales en el que se incluye una flauta también y algo que me encantó fue la descripción que el mismo Phil Pearlman dio en la portada de en medio del álbum:

En el comienzo Dios creó todo; al final todas las naciones fueron destruidas; el hecho de que esta información venga directamente del libro más vendido de todos los tiempos, no necesariamente significa que será bien recibida por los gobernantes mojigatos o por entidades nacionalistas-evangelistas en varios países. Se habla mucho del "Reino de Dios" en este libro; nunca vi una "democracia de Dios" o "cualquier cosa unida de Dios"; (nosotros esperamos alguna especie de dictadura absoluta, una monarquía absoluta para ser más precisos en donde no exista gente privilegiada de ningún tipo, a excepción del mismo Dios, quien ni siquiera necesita ver la televisión)

Phil Pearlman parece estar suscrito a alguna especie de comunismo cristiano y eso me hace que lo admire más, porque no solo es un gran músico y compositor, sino una persona pensante que bien hizo en tomarse en serio la filosofía del movimiento hippie y renunciar a los abusos del movimiento que finalmente lo llevaron a las peores perversiones, desde sectas peligrosas hasta volverse tecnócratas completamente totalitarios.

 Otra obra maestra.

Prelude simplemente es un pequeño fragmento de Last Flight To Eden en reversa, por lo que hablaremos de Hello Sunshine, que otra vez tiene ecos del segundo disco de The Beat of The Earth pero con una instrumentación algo country rock, por lo que también se escuchan ecos de Mountain Bus, aquí también aparece la flauta y guitarras en reversa. Obra Maestra.

They Knew What To Say parece una mezcla del Aoxomoxoa de Grateful Dead con The Beat of The Earth, es decir es una psicodelia "countrificada" con muy buenas guitarras (acústica y eléctrica), excelentes armonías vocales y armónica. Excelente.

The Persian Caravan es posiblemente la mayor obra maestra del disco, aquí se muestra lo que podía llegar a hacer Phil Pearlman con su psicodelia y hasta dónde podía llevarla, pues comienza con una introducción de saz para después convertirse en un rock ácido de tendencias orientalista con excelentes solos de guitarra y flauta, recordándonos vagamente a The Freak Scene. Trascendental.

Para cerrar con broche de oro tenemos A Thousand Years (1975) en donde se vuelven a notar ecos de The Beat of The Earth pero en versión más acústica donde se incluye otra vez saz, y Phil Pearlman va haciendo solos con influencia persa e hindú mientras suenan cintas en reversa. Otra obra maestra.

Un disco que nadie debe perderse.

Pintura de Phil Pearlman presente en la portada, cortesía de ThePoodleBites (Thanks a lot!)

14 abr 2021

Ill Wind - Flashes (1968) [Repost]

 
Tengo a mi gato junto espiando por la ventana en una mañana soleada mientras que por el pequeño estéreo que tengo suena la música que escucho todas las mañanas mientras tomo un poco de café y escribo esta reseña, y ver a mi gato espiar para la calle me hace pensar en cómo el confinamiento ha hecho que nuestras vidas se sientan más monótonas y rutinarias, sin embargo, algo que últimamente me ha dado por hacer es subir a la azotea del lugar a donde vivo a pasar el rato mientras uno puede ver edificios, azoteas, pájaros, el cielo o incluso algunos cerros llenos de contaminación, sin embargo, esto me relaja mientras no pueda hacer mis caminatas matutinas que tenía acostumbradas, todo sea por cuidar a los que tengo cerca, sin embargo, estas pequeñas salidas matutinas me dejaron agotado, ya que la contaminación acumulada en la ciudad entró a mi organismo y eso provocó que estuviese un par de días con un cansancio tremendo al punto de quedar tirado en la cama y babear sin que estuviese dormido siquiera, por lo que aquí me atrevo a decir que las típicas críticas del pequeñoburgués promedio que ve sus nimios privilegios amenazados son todas falsas, pero especialmente las que acusan al Peje de "autoritario", pues si este de verdad ejerciera su autoridad, ahorita ni siquiera se hubiesen multiplicado los contagios luego de las estúpidas vacaciones de semana santa de la gente imbécil y al menos la Ciudad de México no hubiese tenido los niveles de contaminación que se fueron acumulando desde que toda la gente llegó de sus vacacioncitas, todo esto último lo tuve que agregar ayer en la noche, ya que esta reseña la empecé a escribir desde el domingo.

Por otro lado, esta obra maestra fue publicada por primera vez en el blog hace 9 años y creo que merecía ser actualizada, ya que estaba inconforme con la reseña que había hecho en ese tiempo y pensé que era oportuno volverlo a reseñar, además de poner mi propio ripeo, ya que en ese tiempo usé el del buen Marios del blog Rockasteria, pero como ya tengo mi copia precisamente desde hace casi 9 años, pues decidí compartirles lo propio.

También les recomiendo mucho visitar la página del difunto Richard Griggs Zvonar, quien subió muchas grabaciones del grupo, tanto demos como temas en vivo grabados entre 1966 y 1971, por lo que se las dejaré al final junto con las descargas para que la visiten.

Los orígenes de Ill Wind se remontan a 1965, cuando el guitarrista Ken Frankel y el bajista Carey Mann se conocieron en el Instituto Tecnológico de Cambridge, Massachusetts, ambos ya tenían como experiencia como músicos y habían tocado en varios grupos de Los Ángeles, San Francisco y Pensilvania, en aquel entonces, Frankel fungía como guitarrista del dúo de folk Norm and Judy en el cual estaba también la cantante Judy Bradbury (con quien se casaría años después), mientras que Mann tocaba en un grupo de jazz como guitarrista y pronto este se uniría al dúo de folk como bajista, pronto Ken y Carey les hablarían a otros de sus compañeros universitarios que también eran músicos para convertirse en un grupo de rock con canciones creativas y originales, lo que les complicó poder conseguir lugares para tocar, ya que en el área de Nueva Inglaterra, los clubes de la época solo buscaban grupos que tocaran los éxitos del momento y se vistiesen de forma "conservadora", mientras que The Prophets/The Blues Crew ya eran hippies desde ese primer momento y su música no se parecía nada a los éxitos de la época. Pronto los primeros integrantes abandonarían el grupo por diferencias creativas con Frankel y Mann, por lo que por medio de un anuncio en una revista, llegaría el guitarrista rítmico Richard Zvonar Griggs que pronto encajó con el grupo y su propuesta así como el baterista Dave Kinsman.

Pronto se cambiarían el nombre a Ill Wind, que era el nombre de una de las canciones de Ken Frankel y comenzaron a ensayar de forma más intensiva, pero aún así los clubes nos los aceptaban porque no tocaban covers, pero en el verano de 1966, los contratarían para un par de conciertos en unos salones de baile con un público conformado por adolescentes donde tuvieron una respuesta tan buena, que pronto se convertirían en uno de los grupos más populares del área, por sus canciones que incluían armonías de tres voces distintas y por sus jams psicodélicos. Y por la demanda que estaban teniendo, decidieron grabar un demo con un pequeño equipo de sonido que compraron, pero Judy Bradbury no estaba contenta con la repentina popularidad del grupo y decidió dejarlos en medio de las grabaciones, por lo que hicieron varias audiciones en donde no consiguieron lo que querían hasta que conocieron a Conny Devanney, una cantante de folk que tenía experiencia con varios grupos, incluyendo algunos de Nueva Jersey, por lo que inmediatamente cuajó con el grupo y terminaron de grabar los demos.
En ese mismo año, el grupo comenzó a tocar en el Boston Tea Party (el equivalente bostoniano al Fillmore West y al Avalon Ballroom de San Francisco), donde obtuvieron tanto éxito que pronto se convertirían en el grupo de la casa. Esto los llevó a hacer giras por toda Nueva Inglaterra, la Costa Este e incluso San Francisco.

Pronto conseguirían el interés de la Capitol por un demo de su canción más "popera", pero ese interés se desvanecería porque la Capitol buscaba algo más pop y no algo psicodélico, por lo que conocerían a Tom Wilson, que había producido a Bob Dylan y a Simon & Garfunkel y en ese entonces había puesto su propia compañía de producción que buscaba nuevos grupos, sin embargo, según los miembros del grupo, la grabación de su disco fue un desastre, ya que Wilson era un productor irresponsable y descuidado que se la pasaba leyendo el periódico o hablando por teléfono, y además los excluyó de las sesiones de mezcla, por lo que el disco no fue del agrado del grupo y también para la decepción de los miembros, no les dejaron poner la portada que querían y tuvieron que aceptar tomarse una foto en un estudio que ellos describieron como "no inspirada", también el disco tuvo una mezcla defectuosa, lo que provocó que la banda exigiera que se corrigieran los defectos y finalmente salió una segunda edición corregida, aún así, el disco Flashes salió en Mayo de 1968 y fue bien recibido en su natal Boston, aunque en el resto del país no, y eso los llevó a abrirles a grupos como los Who, Fleetwood Mac, los Byrds, Mitch Ryder, Moby Grape, entre otros, así como también se convirtieron en la banda de acompañamiento de Chuck Berry mientras hizo algunos conciertos en el Boston Tea Party, también esto los convirtió en uno de los grupos más importantes de la escena, pues la gente los reconocía en la calle y los conciertos tenían gran demanda.

En ese mismo año, Carey Mann abandonó el grupo y fue sustituido por el bajista Michael Walsh, luego cuando Ken Frankel se casó con Judy Bradbury y se fue a vivir a California, el grupo se separó, en 1970 se reunirían sin Frankel y Carey Mann lo sustituiría, pero ya no sería lo mismo y se separarían en 1973.

Antes de pasar a hablar directamente de la música, quiero mencionar que la banda se sintió decepcionada al trabajar con Tom Wilson, pues al igual que muchos otros artistas, los miembros de Ill Wind han llegado a decir que Tom Wilson además de ser un productor negligente, descuidado e irresponsable que no les ponía atención a los artistas que producía por estar hablando por teléfono o leyendo el periódico, ya que a él lo único que le interesaba era ganar la popularidad de productor de grandes nombres de la música popular de la época y así volverse popular, sin embargo, Wilson no era realmente un buen productor y tal vez donde mostró mejor su falta de profesionalidad fue en este disco, pues además de que no dejó que los miembros de Ill Wind estuviesen presentes en las sesiones de mezcla, la primera tirada del disco salió con varios defectos, entre ellos versos que se repetían y una ausencia casi total de producción en la que el grupo sonaba a que estaba tocando en vivo, pero afortunadamente los miembros se dieron cuenta rápido de los errores y exigieron que estos estuviesen corregidos, por lo que tuvo que salir una segunda tirada de 2500 copias corregidas.

Flashes es un disco de folk rock ácido que a pesar de tener ecos del sonido de San Francisco, no se puede decir que Ill Wind hayan sido una copia de aquellos grupos, sino que sus orígenes en el folk y su consecuente electrificación, además de su suscripción a la contracultura de los 60's, es lo que les da la similitud, sin embargo, Ill Wind tenían un aura muy gótica e intimista, además de que sus composiciones rebozan en finura y clase, así como también la performance es perfecta, ya que al mismo tiempo de que suena fina y esmerada, suena contundente y bien posicionada, lo que me hace afirmar sin temor a equivocarme que si Ill Wind hubiesen tenido mucha más publicidad, hubiesen sido incluso más grandes que cualquier grupo sanfranciscano de la época, pero la cosa no termina ahí, las letras de las canciones poseen mucha poesía y filosofía, además de que tocan algunos de los temas que aún siguen siendo escabrosos como el aislamiento, la soledad, las drogas, el desamor, la muerte, la guerra, el egoísmo y la política, así como también la introspección y la felicidad más pueblerina, por lo que podemos decir perfectamente que Ill Wind no era un grupo de hippies cualquiera, sino un grupo de músicos intelectuales.

El álbum comienza con Walkin' and Singin' que es un country rock bastante animado y de letras optimistas que describen la perfecta (o más bien, idealizada) vida pueblerina en una mañana soleada, y aunque se trata de la canción que palidece un poco en comparación a las otras en cuanto a calidad, se puede decir que es un excelente comienzo a un disco en el que abundan las grandes composiciones y además de todo, es mil veces mejor que todo el country rock que saldría un poco después, pues este tema no tiene esa estúpida idiosincrasia gringa, ni el tufo a patrioterismo ridículo que se volvería firma de los grupos de country rock setenteros, además de que hay un aura gótica que acompaña a todo el tema que contrasta ligeramente con la atmósfera alegre y optimista que está presente en toda la canción.

People of The Night se convirtió en el emblema de los conciertos de Ill Wind, pues contiene todos los ingredientes para hacerla la melodía perfecta para los conciertos psicodélicos de la época: es una magistral composición de folk rock psicodélico que tiene una extraordinaria ejecución y unas armonías vocales bellísimas, así como también la interpretación de Conny Devanney es sublime, además de un jam guitarrero con influencias hindúes para recrear toda la experiencia psicodélica y si eso no es suficiente, las letras son muy poéticas e introspectivas y hablan del aislamiento nocturno en las calles solitarias para ponerse a pensar en silencio. Obra maestra.

Little Man es rock ácido con ecos de Big Brother and The Holding Company y Quicksilver Messenger Service y con una letra que cuestiona la idiosincrasia del hombre clasemediero gringo y le hace ver su mediocridad. Hoy posiblemente esto siga aplicando y todavía más de lo que lo hizo en el tiempo en el que fue escrita, lo que hace que Ill Wind tengan la universalidad requerida para ser recordados como uno de los mejores grupos de su momento, pues su letra traspasa el contexto en el que fue escrita y sigue teniendo relevancia en un contexto completamente distinto. Temazo.

Dark World es tal vez la mayor obra maestra del disco. Se trata de una balada semi-acústica de un folk psicodélico un tanto gótico e introspectivo, con una melodía verdaderamente hermosa, además de que la ejecución instrumental del grupo es perfecta, la voz de Conny Devanney suena preciosa (y es por este motivo por el que debió haber sido más popular e importante que Janis Joplin o Grace Slick, pero la justicia no existe), el solo de bajo fuzzeado es bellísimo e íntimo y la letra aunque básicamente se trate de la drogadicción y el ensimismamiento que provoca, está escrita de una forma muy poética e introspectiva, por lo que puedo decir sin temor a equivocarme que es la canción perfecta del grupo y de alguna manera, creo que los hermanos Frankel podrían merecerse ser comparados con otros grandes compositores de la época como la dupla Lennon/McCartney, George Harrison, Arthur Lee, Syd Barrett, Brian Wilson, Tommy Hall, entre otros, pues sus composiciones al mismo tiempo de ser tan psicodélicas, poseen una finura y una clase que definitivamente supera a la mayoría de grupos sanfranciscanos con los que suelen ser comparados frecuentemente.

LAPD básicamente significa "Los Ángeles Police Department" y se trata de una canción de protesta inspirada en una marcha de protesta en contra de la guerra de Vietnam realizada el 23 de Junio de 1967 afuera del hotel Century Plaza de los Ángeles, California, la cual le exigía al presidente Lyndon Johnson parar la guerra de forma pacífica, sin embargo, en su cinismo, Johnson hizo caso omiso y la policía de los Ángeles llegó a violentar a los manifestantes, lo que hizo que Richard Griggs escribiera esta canción que también tiene referencias a la ciencia ficción y a las películas de terror, por lo que se trata de un rock ácido muy ominoso que a la vez de que es un tema completamente psicodélico, tiene un aura bastante macabra y oscura. Espléndido.

High Flying Bird es uno de los temas más emblemáticos de los 60's, pues fue versionado por miles de artistas, entre ellos Judy Henske, Jefferson Airplane, The Wizards from Kansas, Jeremy Dormouse e Ill Wind, que a mi parecer, hizo la mejor interpretación. Por otro lado, esta interpretación me parece interesante ya que Ken Frankel hace algunos fraseos influenciados por Oh, Pretty Woman de Albert King.

Hung Up Chick es posiblemente el tema más "popero" del disco, pues es una psicodelia bastante alegre, pero con letras que hablan del desamor, la traición y el cinismo, por lo que les puedo preguntar, ¿No les suena esto mucho más actual en estos momentos que hace 53 años cuando se grabó este disco? Aquí estamos ante otro tema que tiene mucho mérito, especialmente en la letra, pues lidia con un tema que sobrepasa a su contexto y que de hecho, adquiere mayor sentido muchos años después y no es gratuito que en el cinismo de hoy, ninguna relación romántica se tome seriamente y termine en una promiscuidad horrorosa que termina justificándose con un atroz discurso identitario completamente reaccionario, pero a la vez de que vivimos en una época cínica, también vivimos en una época de totalitarismo en donde la pequeña burguesía funciona de una forma muy similar a la Thinkpol de Orson Wells, por lo que probablemente, este tema sería censurado en este momento y el grupo sería cancelado y acusado de "machista" o "misógino". Obra maestra.

Sleep es un bluegrass ominoso y gótico que vuelve a tocar el tema del desamor y de la vida nocturna, haciendo eco tanto de People of The Night y Walking and Singing, con una interpretación excelente de Conny, Carey y Richard, además de la gran ejecución de banjo de Ken Frankel.

El disco cierra con broche de oro con Full Cycle, canción a la que la banda describe como su intento de hacer un tema con cantos gregorianos y vaya que lo lograron, pues se trata de una composición con una clara tendencia neo-medieval, es decir, el tema está compuesto en un estilo propio de la edad media pero está tocado con instrumentos modernos. Se podría decir que es la canción más oscura del disco, pues no solo la composición es ominosa y un tanto tétrica de una forma similar a The War Goes On de Mad River, sino que también la letra habla del luto por los jóvenes soldados asesinados en la guerra de Vietnam de una forma casi apocalíptica y pesimista, por lo que podemos decir que Ill Wind no eran los típicos hippies que solo pensaban en paz, amor y drogas, sino que podían hacer letras con críticas muy duras y rayar con el pesimismo. Obra maestra.

La reedición de Sunbeam Records trae un disco extra que compila demos grabados entre 1966 y 1968, así como un tema en vivo, pero como son bastantes temas, solo reseñaré mis preferidos y dejaré a la gente, de una forma democrática que se forme una opinión personal de las demás canciones.

Ill Wind es uno de los primeros temas que grabó la banda en 1966 y que finalmente les dio el nombre final, y se trata de un tema de bluegrass gótico con letras bastante ominosas que de nuevo, tienen más sentido en la actualidad que en el contexto en el que fueron escritas, pues básicamente parece que fue escrita como un cuestionamiento a la tecnocracia, la clase media y su terror totalitario que esta genera al querer regular directamente el lenguaje, el pensamiento y el conocimiento, por lo que puedo decir que este grupo me dejó todavía más impresionado de lo que incluso estuve cuando lo descubrí en el 2013 y me enamoré de su música, pues ahora también me siento enamorado de sus letras, pues como lo dije anteriormente, son universalistas y de alguna manera, multiculturalistas en un sentido completamente zizekiano, pues superan a su contexto y toman mucho más sentido en un contexto posterior. Obra maestra y mil aplausos a los hermanos Frankel por ser tan buenos compositores y letristas, además de que Ken es un gran guitarrista (que aquí toca el banjo).

I Can See You, a pesar de tener una letra bastante sencilla en comparación con lo que podía hacer el grupo, es una canción encantadora al igual que I Tell You I Know.

Tomorrow You'll Come Back fue la primera canción que grabaron para su audición para la Capitol en 1967 y aunque los miembros digan que es una canción muy popera en comparación a lo que hacían, es realmente un tema precioso con una interpretación vocal por parte de Conny, Carey y Richard que incluso me ha llegado a sacar las lágrimas. Obra maestra.

Are You Right? es un cuestionamiento directo a la gente que siempre quiere tener la razón no importa si está completamente equivocada, ¿Les suena familiar? Pues sí, parecería que fue escrita para los relativistas posmodernos más vulgares que se justifican por medio de un pseudo-foucaultianismo penoso o de un estilo arrogante derivado del empirismo británico combinado con la vulgaridad relativista del populismo derechista, ambos al final son la misma mierda en diferente presentación y ustedes podrán decir que estoy viendo posmodernos por todos lados, pero como diría John Lennon: No soy el único, es un problema que se vive en carne y hueso, pero volviendo a la canción, el tema está a ritmo de psicodelia muy sesentera con cierta similitud a Out of Limits de los Marketts. Obra maestra.

La primera versión de People of The Night la siento más animada, además de que es más corta y sin el jam que la caracterizaba en los conciertos, sin embargo, la ejecución es magistral como siempre.

It's Your Life es posiblemente el tema más popero que haya escrito el grupo, pues tiene ecos tanto de la primera época de los Beatles así como de Quicksilver Messenger Service, especialmente por la guitarra de Ken, que hace un trabajo muy cipollinesco aquí, sin embargo, el resto del grupo hace su mejor impresión de los Beatles en su época "fresa" e incluso los supera en muchos aspectos.

Flashes es un tema ultra-psicodélico que raya por momento con el heavy psych de una forma similar a The House at Pooneil Corners de Jefferson Airplane, pues hay un bajo repleto de fuzz que hace unos power chords que pondrían a envidiar a cualquier grupo de psicodelia pesada que se les ocurra, mientras que la letra, según su autor Richard Griggs, describe sus primeros tres viajes en LSD, la canción fue grabada en vivo en la secundaria de Westborough, Massachusetts en 1967. Como extra, este fue el tema que le dio título al disco e irónicamente no fue incluído, ya que las tomas del tema no salieron como los miembros del grupo quisieron, pero afortunadamente tenemos esta grabación en vivo que suena excelente. Obra maestra.

Los demos grabados en 1968 incluyen a la tercera alineación del grupo con el bajista Michael Walsh sustituyendo a Carey Mann y son todos obras maestras, sin embargo yo me quedo con la ultra-psicodélica Mauti, el rock ácido con ciertos despliegues de heavy psych de 1 and a 100, el folk rock pastoral de Waking In The Water y el suave folk rock lisérgico de Frosted Summer's Drink.

Si no han escuchado este disco, no sé qué esperan, no se lo deben perder por nada del mundo.

8 abr 2021

Reign Ghost - Reign Ghost (1969) y Reign Ghost Feat. Lynda Squires (1970)

Antes de pasar a hablar del par de discazos que hoy les traigo, creo que de alguna manera la ironía se le suma a este post, ya que el nombre del grupo se traduciría literalmente al español como "reinado fantasma" y algo curioso y que irónicamente coincide es algo que les quiero contar a modo de introducción, pues resulta ser que mi hartazgo por el Facebook llegó a su mayor punto y decidí tomar la medida más apropiada que fue bajar una pequeña extensión para Google Chrome que bloquea sitios, ya que la estupidez de los usuarios que alguna vez toleré, ahora se ha vuelto una especie de martirio, por lo que llegué a una primera conclusión: Cuando uno no está bloqueado de esa red social (o de cualquier otra, llámese Twitter, Instagram, Youtube y demás) uno inconscientemente acepta la abundante estupidez de los usuarios al punto de que esta se vuelve invisible y uno termina contribuyendo a ella quedando inmerso en ese fango, sin embargo, cuando uno queda de simple espectador en donde todas las capacidades importantes para poder interactuar en una red social le son retiradas, uno se puede dar cuenta de que ese lugar es en realidad horroroso y asfixiante, sin embargo, hay una paradoja aún más espantosa, pues aquí cito al filósofo Slavoj Zizek cuando afirmó que lo que han hecho las redes sociales durante la pandemia es disparar a niveles exorbitantes la vida social de la gente, ya que antes, cuando todavía uno podía ver a sus amigos de carne y hueso, uno podía pasar un rato con ellos y luego tener su momento de soledad en su casa haciendo cualquier cosa, y ahora con las redes sociales uno tiene a unos tipos desconocidos que están las 24 horas del dia jodiendo con sus notificaciones y demás, eliminando cualquier soledad que uno puede tener, sin embargo, eso no es lo peor, pues de alguna manera las redes sociales se han convertido en una especie de "Gran Hermano" o peor aún, ahora las viejas supersticiones folclóricas sobre los fantasmas han sido materializadas, pues ¿Quién no ha escuchado alguna vez de sus parientes viejos leyendas de como los fantasmas son capaces de pegársele a alguien para atormentarlo y hacer que su vida sea un fracaso? Bueno, pues aquí esas leyendas están materializadas, ya que las redes sociales nos acompañan a cualquier lado, a cualquier hora, en cualquier momento, es un fantasma que no nos deja vivir tranquilos, por lo que la vieja leyenda folclórica mexicana de "se le subió el muerto" está ahora materializada en un reinado fantasma que nos persigue a donde vayamos sin que nosotros seamos conscientes de ello y así el capitalismo tardío no solo adquiere un funcionamiento improductivo, sino que además de todo es completamente fantasmático y totalitario, tanto que es invisible y se pega a nosotros en la forma de un goce ilimitado.

Antes de pasar a hablar de la música, quiero platicarles como descubrí a este grupo:

Me acuerdo que a principios del 2011 yo estaba ya completamente inmerso en la psicodelia y nada más estaba viendo a ver qué cosa rara encontraba por la red, ya que en ese tiempo los blogs de música abundaban por montones y recuerdo que en uno alojado en ucoz tenía los dos álbumes de Reign Ghost que desde las portadas se me hicieron tremendamente interesantes y al ponerlos fue click inmediato, sin embargo en aquel entonces, al ser un adolescente cuadrado, no acabé de comprenderlo, sin embargo, había algo que me hacía sentir completamente conectado a su música y hasta la fecha es posiblemente mi grupo canadiense preferido junto con los Plastic Cloud y My Indole Ring.

Hacia finales de los 60's en Oshawa, Canadá, había un par de grupos que eran los más importantes del lugar: Christopher Columbus Discovery of New Lands Band y Reign Ghost, ambos solían ser competencia directa en hacer refritos de los éxitos psicodélicos del momento, sin embargo, el vocalista de Reign Ghost se retiró del grupo a principios del 68, dejando el lugar abierto a los adolescentes Bob Bryden (quien fungía como baterista de Christopher Columbus) en la guitarra y a su novia Lynda Squires (quien era cantante del mismo grupo y poseía una voz bellísima), de ahí el grupo prescindió de los covers para comenzar a componer material original, mayormente compuesto por Bryden quien ahora era guitarrista rítmico.

A fines de 1968, el grupo logra grabar su primer disco, el cual estuvo compuesto en su totalidad por material original y salió a principios de 1969, lo que llevó al grupo a tener giras los fines de semana y finalmente disolverse en ese mismo año, aunque al final Bob Bryden y Lynda Squires lo reformaron con nuevos miembros, grabado así su segundo disco que saldría hasta 1970.

El grupo se volvió a separar, ya que Lynda Squires terminó audicionando para el musical Hair y Bob Bryden formó a Christmas, un grupo de psicodelia y progresivo que sacó tres discos durante su existencia.

La música de Reign Ghost a pesar de tomar mayormente influencias gringas, sigue siendo muy original y peculiar, ya que si bien, sus composiciones desprenden una insólita finura pocas veces vista en un grupo de su estilo, al mismo tiempo podían sonar tan crudos y directos como un grupo de garage de mediados de los 60's, por lo que sus canciones pueden ir de lo íntimo, romántico, gótico y sublime a lo naif, circense, inocentón y chistoso sin sonar en lo más mínimo kitsch, bobalicones, toscos o incluso vampíricos, creando así una música que de alguna manera está basada en los contrastes pero que nunca pierde el ingenio, la creatividad y la honestidad, y para que esto haya sido hecho por un grupo conformado por adolescentes que no pasaban los 16-18 años de edad es un GRAN logro, ya que además de que la música ya presenta rasgos de genialidad, la instrumentación es impecable, los arreglos son extraordinarios, la mezcla de influencias es impresionante, pues hay rasgos de folk, sunshine pop, blues, música medieval, música clásica de la India, música clásica occidental, jazz, waltz e incluso algo de bubblegum, todo ello empacado en una psicodelia de altos vuelos y tampoco hay que olvidarnos de la performance de Lynda Squires quien con solo 17 años de edad ya poseía una cualidad casi operática en su voz y eso era porque desde niña comenzó a cantar en los coros infantiles de las iglesias locales de Oshawa, por lo que se podría decir que su entrenamiento vocal vino de la música clásica y al haberle tocado la época de la psicodelia, terminó cantando rock, sin embargo, esto no la colocaría realmente en la misma categoría de Grace Slick y Janis Joplin, sino en la de cantantes como Mary Travers, Judy Collins, Joan Baez o incluso Mercedes Sosa y Violeta Parra, sin embargo en el rock también existieron cantantes que llegaban a esa cualidad operática en el rock como Conny Devanney de Ill Wind, Barbara Hudson de Ultimate Spinach, Patty MacKenzie de la Comuna, Gloria Lambert de Haymarket Square, Patti Curtis de These Vizitors, entre otras, por lo que podríamos decir que Lynda comparte rasgos musicales muy importantes con estas últimas, que además de todo, son cantantes muy olvidadas o desconocidas para el público general, sin embargo son de las mejores cantantes de rock de los 60's.

Reign Ghost (1969)
El disco comienza con Travels of Blue Paradox, que tiene un comienzo un tanto oscuro influenciado por la música de la película 2001: Odisea en el Espacio en donde Bob Bryden va recitando unas palabras en modo muy a la Ultimate Spinach para pronto convertirse en un tema con reminiscencias tanto medievalistas como de la música clásica de la India, es una psicodelia muy viajada pero que raya con lo gótico y lo etéreo mientras que la voz de Lynda Squires realmente brilla, de alguna manera este tema los podría convertir en el equivalente canadiense de Ill Wind, la Comuna o incluso de los Music Emporium. Una de sus mayores obras maestras.

Long Day Journey es una canción romántica que tan solo está acompañada de 2 guitarras -una eléctrica y otra acústica- y un bajo con un arreglo casi folk y otra vez Lynda se encarga de darle ese aspecto angelical con su interpretación. Obra maestra.

Standing Room Only, Mr. Mars se supone que fue la primera canción que compuso Bob Bryden cuando tenía 16 y según su autor, toca temas un tanto escabrosos para la época como la alienación juvenil ante la sociedad. Por otro lado, la canción es bellísima, una de las mayores obras maestras del álbum y la interpretación es verdaderamente sublime.

Eyes Know, So Does Ears and Carolina es psicodelia con bastantes cambios que de alguna manera vuelve a recordar a Ultimate Spinach, aunque con una composición más elaborada, aquí hay una mezcla de partes pausadas con otras más alegres que rayan con el pop psicodélico al igual que en los dos primeros discos del grupo bostoniano. Obra maestra.

Curio Shop es un waltz psicodélico bellísimo que va en el mismo tono que The Masquered Murderer y Janis de Country Joe & The Fish o incluso de Baroque #1 de Ultimate Spinach, pero con la voz de Lynda se vuelve otra obra maestra.

Black Ode ya muestra cierta influencia del blues, que según Bob Bryden suele despreciar por monótono, sin embargo, este tema no es de su autoría, sino del tecladista Dave Hare, aquí también se puede apreciar cierta influencia doorsiana y un fuzz asesino por parte del guitarrista Jim Stright. Temazo.

Gum Wrapper Song es una parodia al bubblegum, por lo que se trata de un tema un tanto bobalicón y naif, pero esa era la intención y es una canción divertida de escuchar si uno tiene la suficiente madurez para aceptar el humor y el sarcasmo en la música, de otra manera, pueden evitarlo si gustan. Por otro lado, este tema muestra también la forma magistral de la banda de contrastar los otros temas que rayan en lo hermoso con algo que suena cursi, infantiloide y hasta menso si ustedes quieren, sin caer en un kitsch fastidioso o en una mofa grosera e insoportable.

Southern Hemisphere Blues Legacy es rock ácido con cierta influencia sanfranciscana y bostoniana, pues se escuchan ecos tanto de Jefferson Airplane, Country Joe & The Fish, Quicksilver Messenger Service y los Animals como de Ultimate Spinach.

Para cerrar con broche de oro tenemos Reaching que de alguna manera vuelve al mismo tipo de composición que Eyes Know pero esta vez con un aspecto menos romántico y más viajado que el anterior, además de que tiene más cambios, en los cuales podremos notar influenciar una especie de deconstrucción estilística en la que encontramos rock ácido, raga rock, blues, música circense y pop psicodélico, además del final con trémolo completamente cipollinesco. Obra maestra.


Reign Ghost Feat. Lynda Squires (1970)
En este segundo disco, con una nueva alineación, el grupo aunque sigue conservando su esencia psicodélica, su música se escucha menos diversa que en su debut, pues hay más enfoque en el rock ácido de reminiscencias sanfranciscanas o incluso algo británicas, teniendo en cuenta que el nuevo guitarrista John Pudlis (quien también llega a cantar en algunos temas) puede imitar casi a la perfección el estilo de Eric Clapton en sus días con Cream, también la producción se escucha menos garagera y así como también se puede escuchar cierta madurez en los temas.

El disco arranca con una re-creación de Long Day Journey, la cual ya no es una canción ejecutada de una forma cuasi-folk, sino que se escucha una instrumentación más cercana al rock ácido sanfranciscano, además de que los solos de Pudlis le aumentan esas reminiscencias. Temazo.

More Than I es una balada muy emotiva escrita por John Pudlis, que suena a medio camino entre el folk rock y la psicodelia pausada tipo Ultimate Spinach (Mind Flowers) o Hindenburg Lyon (Eden) con un guión melódico que raya con el soul. Temazo.

Mother's Got Troubles parece un hijo bastardo de Ill Wind con la Comuna, pues es psicodelia pausada muy emotiva con una performance verdaderamente magistral de Lynda Squires y unos solos de guitarra que recuerdan al mejor Ken Frankel. Obra Maestra.

Pudsy's Parable es una mofa descarada al bubblegum, es deliciosamente ñoña y burlona, sin embargo algo que la hace más interesante es la influencia del soul que se viene notando desde More Than I por parte Pudlis a la hora de cantar. Muy buen tema.

Ain't It Great lleva la voz de Bob Bryden junto con Lynda Squires y John Pudlis y debo decir que Bob suena bastante bien a pesar de sus limitaciones vocales, pues su performance es muy buena y está al nivel del gran Country Joe McDonald o incluso de Marty Balin, mientras que John Pudlis suena un tanto baritonesco y negroide, además de que sus solos hacen eco de Eric Clapton en el Disraeli Gears.

Breast Stroke Blues es rock ácido blusero que se supone que fue hecho en tono de mofa, ya que Bob Bryden es un declarado anti-blues, sin embargo, el tema es excelente y parece una mezcla entre Ill Wind y Cream, por lo que no se me haría nada fuera de lugar que este tema pudiese pasar por un tema inédito del Disraeli Gears, pues tiene incluso los solos que suenan casi idénticos a los de Eric Clapton, pero la única diferencia es que tiene la bellísima voz de Lynda Squires. Temazo.

Solar Nice es tal vez uno de los temas que más recuerdan al primer disco, de hecho podría pasar como un tema inédito, es psicodelia que raya con lo popero sin caer en lo cursi o en lo bobalicón con la bellísima voz de Lynda Squires. Obra maestra.

Breadbox es rock ácido que tiene ecos del After Bathing at Baxter's de Jefferson Airplane, aunque sin lo experimental y lo extraño, la cual cantan Bob Bryden y John Pudlis. Temazo.

Enola Gay es la única composición del bajista Russ Erman y es la que cierra el disco. Se trata de un rock muy ácido acompañado por una guitarra fuzzeada tocada por John Pudlis (quien se supone se inspiró en Erik Brann de Iron Butterfly para este tema) y una con wah-wah tocada por Bob Bryden, después de la psicodelia ácida viene una parte mucho más tranquila y pausada muy al estilo del primer disco donde entra Lynda Squires y vuelve a dejar en claro que ella es una de las mejores cantantes de su tiempo y que no fue gratuito que la eligieran en el casting de la versión canadiense del musical Hair, también Pudlis le hace guiños al estilo de John Cipollina. Obra maestra.

 Ambos discos son joyas, sin embargo, creo que entre los dos, sin pensarlo me quedo con el primero por su diversidad y por su manejo de los contrastes que mencioné al principio de la reseña, lo que para mí lo hace una obra maestra perdida, sin embargo, mi única crítica con el segundo es que las composiciones son menos cerebrales y creativas, con un enfoque más hacia el rock ácido sanfranciscano estándar, por lo que se extrañan esos cambios rarísimos y ese aspecto ligeramente sinfónico presente en el debut, así como también sentí que a Lynda Squires la limitaron mucho y su performance se escucha mucho menos operática y más estándar, lo que a algunos les podrá parecer una ventaja, pero a mí en lo personal me encantan las cantantes con voces operáticas.

Dos discos que no pueden perderse.

P.D. No tengo las versiones remasterizadas por el mismo Bob Bryden, por lo que les dejo un par de viejos ripeos míos de las ediciones de Akarma en lo que puedo conseguir las nuevas versiones.

1 abr 2021

The Fraternity of Man - The Fraternity of Man (1968) [Repost]

Después de 8 meses de inactividad, estoy viendo si puedo devolverle el ritmo de publicaciones al blog que tenía antes del 19 de Enero del 2012, cuando el gobierno gringo cerró megaupload y desde ahí se me ha hecho cada vez más difícil publicar, además de que a diferencia de aquel entonces, me gusta hacer las reseñas más detalladas e informadas, por lo que esto también me ha generado un bloqueo mental en el que se me va la creatividad y no puedo expresar bien mis ideas, sin embargo, ya que llevo 13 días bloqueado del Facebook y ese lugar cada vez se me hace más tedioso por la cantidad de estupideces que abundan, además de que cada día el totalitarismo pequeñoburgués de lo políticamente correcto es cada vez más tajante y ostracista por lo que me estoy cansando de esa falta de libertad de expresión, además de que también me es cada vez más molesto estar socializando con millones de imbéciles a los que ni siquiera conozco en persona, por lo que ahora me gustaría alejarme de ello y rescatar este pequeño espacio, junto con el blog hermano El Jardín del Guajolote, donde intentaré hacer más críticas a la corrección política, el liberalismo, los tecnócratas y de paso hacer algo de propaganda comunista sin tener el yugo del judeonazi Mark Zuckerberg por vía de su "red neuronal" y es que además de todo, algo que hay que tener en cuenta que los blogs que compartimos música, películas, libros y otros bienes comunes intelectuales de forma gratuita somos cada vez más, un elemento subversivo dentro del internet, somos unos comunistas que nos pasamos por las nalgas a la "legalidad", precisamente porque los bloggeros de internet que lo hacemos, somos los que mostramos el potencial subversivo que bien hicieron notar Pascal, Althusser y Hegel con las tautologías: Es común que las leyes reguladoras de los aparatos estatales de la mayor parte del mundo, se opongan al intercambio gratuito e "ilegal" de bienes comunes como la música y que incluso algunos abogaduchos idiotas salgan precisamente con "la ley es la ley" y es aquí donde la tautología adquire un carácter subversivo al ser la sobreidentificación de la ley misma, es decir: la primera "ley" representa a la ley que hace justicia, que nos protege a todos y la segunda "ley" sale a relucir la parte ilegítima e ilegal de esta ley, y precisamente cuando nos cierran blogs o páginas dedicadas a este intercambio, es donde se muestra la ilegitimidad del "imperio de la legalidad" que como podemos ver, suele ser defendido por los tecnócratas, los abogangsters liberales y las escorias defensoras del laissez-faire, así que para bien o mal, aquí seguiremos hasta que la "ley" muera junto con el capitalismo.

Como pueden ver desde el título, este es un repost de un disco que fue publicado por aquí hace 9 años y que básicamente es uno de mis preferidos, sin embargo, me decidí a volverlo a publicar, ya que además de que quiero corregir la vieja reseña que seguramente está llena de errores gramaticales, ortográficos y otras cosas que quiero evitar en esta nueva reseña, pero bueno, en ese tiempo era un adolescente estúpido e intentaba hacer lo mejor que podía, sin embargo, creo que en esto de escribir se puede mejorar mucho y hacer lo más posible por no incluir lenguaje vulgar y tener una redacción lo suficientemente buena. Por otro lado, también quiero mencionarles que les estoy compartiendo el remaster más reciente de este álbum, hecho por la disquera coreana Big Pink en el 2016, el cual viene editado en mini LP, pero para no aburrirlos más, vamos con la reseña:

The Fraternity of Man se formaron en 1967 en los Ángeles, California con las cenizas de The Factory, un grupo de garage psicodélico que encabezaba Lowell George (más conocido por su labor en Little Feat), en donde el bajista Martin Kibee, el guitarrista Warren Klein y el baterista Ritchie Hayward habían tocado, aunque pronto George se iría a las filas de los Standells (otro grupo de garage muy importante) y los tres miembros restantes se unirían con el guitarrista Elliot Ingber, quien había estado en las filas de los Mothers of Invention cuando grabaron su primer álbum en 1966, y en un encuentro casual durante el Verano del Amor en San Francisco, conocieron a Lawrence "Stash" Wagner, quien se les uniría completando así la formación de The Fraternity of Man.

Grabado en la primavera del 68 con el apoyo e interés de gente como Canned Heat, Jimi Hendrix, Jim Morrison y Janis Joplin, quienes se mantenían al tanto de lo que hacía el grupo, su debut salió un 24 de Junio de ese año, el cual estuvo producido por el histórico e importantísimo Tom Wilson, quien produjo los primeros álbumes de los Mothers of Invention, los primeros de Bob Dylan, los 2 primeros de The Velvet Underground y el único disco del quinteto bostoniano Ill Wind Flashes, salido también en 1968.

Aunque el disco en su momento tuvo una respuesta muy tibia por parte del público y esto ayudó a que el grupo terminara tronando en 1969, su tema Don't Bogart Me terminaría siendo usado por Dennis Hopper en la mítica película Easy Rider, salida en el 69 y a pesar de eso, el tema apenas alcanzó el modesto lugar 86 de las listas de popularidad.

El debut homónimo de The Fraternity of Man es básicamente una mezcolanza de géneros, pues aquí hay rock ácido, raga rock, blues, country e incluso rock and roll cincuentero, pero todo bajo la perspectiva influenciada por el consumo de drogas psicodélicas, marihuana y por un ambiente muy hippie en donde se escuchan ecos de Country Joe & The Fish, The Electronic Hole, The Savage Resurrection, los Byrds y el Freak Out de Frank Zappa, ya que hay canciones que hablan abiertamente del consumo de marihuana, otras con tintes humorísticos y otras que son viajes psicodélicos que rayan con lo surrealista y lo místico, ya que además de que hay guitarras cargadas de fuzz, hay efectos psicodélicos, tamburas y arreglos que coquetean con la música clásica de la India, lo que se ve contrastado con canciones de country rock primigenio y de blues.

El disco comienza con In The Morning, que es básicamente una oda al consumo matutino de marihuana en tono de blues psicodélico con las guitarras fuzzeadas de Ingber y Klein, haciéndonos recordar al Country Joe más chistoso o incluso a un tema del grupo mexicano los Spiders.

En el segundo tema tenemos Plastic Rat, que personalmente es uno de mis preferidos del álbum, el cual comienza con unos efectos psicodélicos y a lo largo de la canción, Stash va narrando el autoritarismo que en ese momento se ejercía contra los hippies en los Ángeles, incluyendo una experiencia propia que retomaría para otra canción del mismo disco, mientras que Warren casi al final hace unos pequeños solos psicodélicos de guitarra excelentes. Una de las mayores obras maestras del grupo.

Don't Bogart Me (o Don't Bogart That Joint) es country rock primigenio que tiene ecos de los Byrds en su etapa country que comenzaría precisamente en 1968 con su disco Sweetheart of Rodeo y como decía más arriba, este fue el tema que los catapultó como grupo de culto gracias a la película Easy Rider de 1969, sin embargo, creo que este es uno de los temas más flojitos del disco, teniendo en cuenta que hay canciones que de verdad podrían considerarse obras maestras de la psicodelia gringa y con las que puede entenderse perfectamente el motivo por el cual grandes nombres como Jimi Hendrix, Canned Heat o Jim Morrison se interesaron tanto en su trabajo en estudio e incluso les mostraron apoyo.

Stop Me, Citate Me es básicamente un medio tiempo psicodélico en el que otra vez se vuelven a mostrar ecos de Country Joe McDonald, con una letra que suena entre romántica y cómica. Gran tema.

Bikini Baby es rock and roll cincuentero que básicamente se mofa de Elvis Presley de una forma deliberadamente mala, ya que Stash Warner lo hace a modo de parodia y suena como un imitador malísimo de Elvis que apenas sabe cantar, mostrando así ecos de Frank Zappa y su constante mofa al Doo Wop cincuentero. Sin embargo, no quiero que se me malentienda, ya que si bien la imitación a Elvis es pobre, creo que esa era la idea desde un principio, pues se trata de un tema para divertirse un rato.

Oh No, I Don't Believe It es de la autoría de Frank Zappa y al parecer la trajo Ingber de su estancia con los Mothers of Invention, aunque también se especula que fue por parte de Tom Wilson, quien había producido los primeros discos de dicha agrupación, sin embargo, aquí The Fraternity of Man le agrega su propio sabor en donde mezclan las improvisaciones del rock ácido con la música clásica de la India, en donde también se escuchan una serie de efectos psicodélicos de estudio, con un Warren Klein que se escucha mejor que nunca con su Gibson ES-335 que vomita fuzz y un tablista desconocido. Definitivamente una de las obras maestras del grupo.

Wispy Paisley Skies es una mezcla un tanto extraña de country rock con raga rock y psicodelia ácida, en donde si bien la instrumentación es casi completamente acústica y bastante tradicional para el género, la composición no lo es y también habría que mencionar la incorporación de la tambura hindú y los pequeños arreglos guitarra fuzzeada tocados por Warren Klein que hacen de este tema todo un deleite, por otro lado, a este tema le encuentro ecos de un grupo muy posterior llamado Relatively Clean Rivers, liderado por Phil Pearlman de The Beat of The Earth, pues es básicamente una combinación de country rock con psicodelia orientaloide. Obra maestra.

Field Day es otro tema de protesta, el cual vuelve a tomar el tema de la represión hacia los hippies por parte de los gobiernos autoritarios de todo el mundo, e incluso el último verso de la canción dice "si estás embarazada, te patearé, porque una mujer embarazada cuenta como dos", todo ello acompañado de una música de tipo militar.

Just Doin' Our Job vuelve a tomar la premisa básica de Plastic Rat, esta vez en tono de country rock similar a Don't Bogart Me, donde el cantante vuelve a narrar como los policías de aquel entonces lo sacaron de su casa a golpes con la justificación de "nosotros solo hacemos nuestro trabajo" y también al final se incluyen fragmentos de un discurso de Hitler, sin embargo, creo que esta referencia al nazismo es mucho más vigente en estos tiempos que hace casi 53 años que salió este disco, pues hoy vivimos en un régimen mucho más parecido al de los nazis que el que vivieron los hippies en aquel tiempo o tal vez incluso peor, pues si uno tiene en cuenta que entre el yugo pequeñoburgués de la corrección política que condena a la gente al ostracismo y el cada vez más asfixiante control digital por medio de las redes sociales y demás, el totalitarismo tecnocrático-liberal es mucho más asfixiante y paternalista, además de que se esconde en un discurso pseudo-ascético y new age que llama a la sociedad a la no-involucración y al cinismo, por lo que podemos decir que este paternalismo de derecha (mal llamado "progresismo liberal" o "izquierda liberal") se parece mucho a una distopía huxleyana donde el poder absoluto lo tienen los expertos y estos tienen a una sociedad conformista completamente controlada por la tecnología.

Blue Guitar es básicamente blues psicodélico instrumental tocado por Elliot Ingber y su telecaster fuzzeada, no hay mucho más que decir más que es uno de los mejores temas del disco.

Last Call for Alcohol sigue exactamente la misma fórmula que Don't Bogart Me, country rock con oda a las drogas, esta vez al alcohol, no es el tema que más me gusta del disco, pero tiene su mérito. 

Para cerrar con broche de oro, Candy Striped Lion's Tails es básicamente psicodelia ácida caleidoscópica con influencias hindúes, haciendo eco a The Beat of The Earth de Phil Pearlman, los ingleses Sam Gopal, los Yardbirds o incluso a los Savage Resurrection, ya que aquí Warren Klein se encarga de unos solos de guitarra fuzzeada ultra-psicodélicos que rayan con lo místico y lo surreal, mientras atrás está ese mismo tablista desconocido de Oh No, I Don't Believe It que se encarga de darle más sabor hindú a este temazo que es un viaje de ácido donde los colores verdaderamente se escuchan y colocan a este tema, no solo como la mayor obra maestra del grupo, sino como una de las mejores canciones de toda la historia de la psicodelia.

Si bien The Fraternity of Man no tuvieron el éxito esperado en su momento y la respuesta del público y la prensa fue tibia, sí lograron convertirse en un grupo de culto que sigue siendo muy querido entre los aficionados a la psicodelia, los cuales incluso llegan a comprar copias originales del disco a un precio bastante caro (al menos para mí, ya que tampoco es una super rareza, pero como estoy pobre, el dinero para mí es oro en este momento) y es que es un disco en el que abundan los temas de calidad en los que hay una instrumentación magistral, un vocalista que no es el mejor pero que logra cumplir su papel por medio de la frescura, elocuencia y honestidad. Lamentablemente, el grupo solo sacaría un álbum más el año siguiente, que a pesar de ser muy bueno, no tendría los mismos niveles de lisergia que este tiene y se enfocaría en unos arreglos mucho más básicos de blues rock con tintes psicodélicos y sacarían un EP en los 90's con unas regrabaciones de algunos de sus temas que ya no tienen el mismo brillo que las originales.

Un disco que no pueden perderse.

P.D. En estos días se vienen algunas sorpresas, estén al pendiente.