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23 nov 2019

Mariani - Perpetuum Mobile (1970)

Se nos va el año y ni siquiera tuve tiempo de acabar mi reseña del Forever Changes de Love, también se nos fue Armando Molina de la Máquina del Sonido después de haber estado muy mal de salud y cada vez están más cerca las festividades decembrinas, aunque bueno, al menos pude comprar mi bajo y hacerle una pequeña modificación. Ahora lo único que me queda es hablar de lo que más me gusta: la música.

Hoy les traigo un portento de obra, heavy psych de altos vuelos, que lamentablemente está bastante ignorado por aquellos pseudoarqueólogos del hard rock oscuro, que prefieren seguir viendo a grupos muy sobrevalorados y nada especiales antes que revisar esos discos olvidados que rebozan en calidad musical que curiosamente, abundan y uno de ellos es el debut y único disco de los texanos Mariani, que es una verdadera pasada.

Por otro lado, el disco original no tenía portada, venía en una cubierta completamente blanca al igual que todas las ediciones limitadas de Sonatone, luego en ediciones posteriores (la mayoría no-oficiales) le pusieron distintas portadas y también en la mayoría les cambiaron los títulos a las canciones, por lo que hoy una vez más, el disco recibe nuevas portada y contraportada, con los títulos corregidos, y el rip del disco lo saqué de un extinto sitio donde la gente subía discos vía emule, está sacado de la edición en CD de Akarma.

La historia de Mariani comienza en Austin, Texas, cuando el baterista Vince Mariani estaba haciendo una audición para sustituir a Mitch Mitchell en la Experiencia de Jimi Hendrix, pero los de la disquera Sonobeat lo convencieron de que formara su propio grupo y de que con este iba a triunfar, por lo que Vince puso carteles en donde buscaba a un guitarrista y a un bajista para formar un grupo al estilo de Cream, Jimi Hendrix y Blue Cheer, y es ahí cuando su colega Eric Johnson, quien aún era un puberto de unos escasos 15 años, terminó en las filas del aún sin nombre grupo de Vince Mariani, luego se les agregaría el bajista Bob Trenchard, que tan solo estaría un tiempo breve, pero que alcanzaría a grabar unos demos en 1970 para la disquera local Sonobeat.

Cuando Bob Trenchard se salió del grupo que ya había tomado como nombre el apellido de su fundador y baterista, se les unen el bajista Jimmy Bullock y el vocalista Jay Podolnick, que aunque sí estuvo presente en las sesiones del disco, solo grabó una canción, y lo sustituyeron otros vocalistas, debido a que los de Sonobeat pensaron que la voz de Podolnick no era lo suficientemente buena, aunque yo aquí diría que es una verdad a medias, ya que la voz de Darrell Peal suena muy parecida a la de Podolnick, mientras que Bill Wilson es el que hace el trabajo más destacable en cuanto a la voz, teniendo un rango más diverso, además de sonar con más fuerza.

Antes de lanzar el que sería su único álbum en 1970, sacaron dos sencillos, el primero fue acreditado a Vince Mariani como solista y salió en 1969, mientras que su segundo sencillo que viene con versiones distintas de dos canciones que fueron incluidas en en LP original, las cuales fueron grabadas con Jay Podolnick como vocalista y fueron acreditadas al grupo.

Mariani nunca lograron el triunfo prometido y su disco no tuvo gran repercusión, pero lograron abrirles a monstruos como Deep Purple, ZZ Top, Bloodrock y Johnny Winter entre 1970 y 1972.

Ahora a hablar de la música:

Perpetuum Mobile es un disco donde el rock ácido, el hard rock, el jazz y el blues se mezclan en perfecta armonía, gracias a las excelentes composiciones y a que el grupo estaba conformado por grandes músicos, y aunque si bien es cierto que aquí, Eric Johnson a veces suena a que intenta calcar a Jimi Hendrix, habría que decir que no todo en su forma de tocar es pura imitación como son los casos de Thunder and Roses y Velvert Turner o incluso sus contemporáneos Parish Hall, pues Johnson también tenía el don de crear riffs verdaderamente pesados y estridentes que bien pudieron haberlo consolidado entre los mejores guitarristas del momento y estar al tú por tú con Jimmy Page, Ritchie Blackmore, Tony Iommi, Leslie West, Paul Kossoff o incluso Leigh Stephens, Randy Holden y Jesse Harper, pero aquí a diferencia de otros discos de estilo similar, como el Stoned Guitar de The Human Instinct o incluso en parte Wicked Lady, aquí sí hay composiciones en serio y que no son meros pretextos para que Johnson se luzca, sino que todos los músicos ponen su parte y lo hacen de una manera soberbia, entre ellos Vince Mariani, que tenía toda la precisión jazzística que lo hubiese podido llevar entre los mejores bateristas de fines de los 60's, pero también tenía el plus de sonar tan crudo y potente como John Bonham, también habría que destacar que Jim Bullock, hizo un excelente trabajo como bajista y que los vocalistas que participaron aquí, entre ellos Bill Wilson (poseedor de un ronco y potente tenor dramático muy similar al de Bob Seger) el cual era un cantautor de folk, Darrel Peal (tenor lírico) y Jay Podolnick (que sería bajista un poco antes de que entrara Jim Bullock, después se convertiría en vocalista, el posee un registro de tenor lírico también). Ahora, la producción suena muy estándar para la época, pues básicamente lo que uno esperaría a escuchar en un disco de heavy psych de aquellos años, es decir, una producción cruda y orgánica con poca presencia de adornos, y aunque no sea una producción de George Martin, los instrumentos suenan perfectos para el estilo que manejaba el grupo.

El disco inicia con Last Milestone, que tiene un riff de guitarra, bajo y bataca digno de estar en un disco de Led Zeppelin, pero pronto muestran también el gusto incondicional que los miembros tenían por la música de Hendrix, incluyendo la guitarra de Johnson que incluye fuzz y wah-wah, mientras que la voz de Bill Wilson suena con muchos huevos, haciéndome recordar a Bob Seger, pero sin esa influencia directa del sonido Motown.

Sobre la serie de interludios jazzeros no hablaremos, ya que son muy cortos, pero diré que son interesantes y excelentes, aunque a algunos les podrían parecer un tanto innecesarias y que desestabilizan un poco al disco, pues hay que tener en cuenta que sí podrían sonar un tanto fuera de lugar al estar puestas junto a temas que desbordan energía y que además, son de un estilo completamente distinto, sin embargo, también muestra que el grupo estaba conformado por músicos versátiles y virtuosos que no se conformaban nada más con tocar rock, como ahora lo suelen hacer muchos grupos.

Re-Birth Day me suena un tanto similar a lo que harían un par de años después un grupo de Illinois llamado Hindenburg Lyon, e incluso con ese tipo de arreglos que comienzan de una forma pesadísima, donde destacan las influencias zeppelianas una vez más y luego se van por otra cosa, en este caso, Mariani se van primero por una parte blusera, luego regresan a la primera parte, para ir a un arreglo muy hendrixiano y aterrizar en el pop psicodélico, regresan al arreglo tipo Hendrix que incluye también un solo de Eric Johnson con fuzz y wah-wah, regresan a la parte popera y se termina con el arreglo del medio y un eco muy lisérgico. En esta canción canta Darrell Peal.

Memories Lost and Found empieza tal y como uno podría esperar que empezase una canción del Axis: Bold as Love o del Electric Ladyland, pero después aparecen riffs de guitarra que cabrían más en un disco de Led Zeppelin, para luego irse a uno solo que peca de hendrixiano, aunque aquí podríamos decir que faltó un poco más de diversidad, teniendo en cuenta que Re-Birth Day tiene más de 5 movimientos. En esta canción canta Jay Podolnick.

I Can't Hurt Myself es blues ácido y pesado con una introducción jazzera, que curiosamente ya no suena tan hendrixiano y ya va por caminos más en la línea de Eric Clapton o de Jimmy Page, aunque también recuerda un tanto a Frijid Pink, ya que regresa el vocalista Bill Wilson y aunque esta canción pudo haber sido más larga, teniendo en cuenta que el blues generalmente se cuelga, aun así con esta canción siguen gloriosos.

Mendor y Breaker son jams puramente instrumentales que suenan como una versión light de los Firebirds (aquel grupo de músicos de sesión de los Ángeles que grabó una triada de discos entre 1968 y 1969, que ahora son de culto en el heavy psych), pues a diferencia de estos, Mariani parecen no estar muy interesados en experimentar con las sonoridades oscuras y más bien les interesa crear paisajes sonoros que al mismo tiempo de sonar completamente lisérgicos, también suenan pesados, por lo que podemos decir que Mariani no se conformaban con sonar parecidos a Hendrix y a Cream, sino que también mostraban aprecio por Blue Cheer y Iron Butterfly.

Para finalizar el disco original de 1970, llega un tema que definitivamente no les gustará nada a los que dicen odiar los solos de batería, pues Pulsar es básicamente eso, un solo de batería por parte de Vince Mariani, adornado con diversos efectos psicodélicos, que recuerda tanto a los extendidos solos que solían hacer Mitch Mitchell y Ginger Baker en los directos, como a In-A-Gadda-Vida. Este tema puede que no sea brillante y que para muchos incluso justifique la llegada del punk a mediados de los 70's, pero muestra que Vince Mariani es un baterista muy desconocido por el público general, el cual pudo haber sido igual de grande que muchos otros que hoy gozan de un estatus inmenso en la historia del rock, pero prefirió mantenerse en un bajo perfil.

En los bonus, tenemos el primer sencillo de Vince Mariani con las canciones Pulsar y Boots, que básicamente son solos de batería, y el único sencillo del grupo, que incluye una versión de Re-Birth Day cantada por Jay Podolnick.

El disco fue editado de forma privada con apenas 100 copias impresas, el grupo nunca logró conseguir la popularidad que les prometieron, lo que provocó su separación en 1972.

Y pues para finalizar, si disfrutaste de grupos como Thunder and Roses, Parish Hall, los Firebirds, Sainte Anthony’s Fyre, Led Zeppelin, Zekes y Hindenburg Lyon, este disco es el correcto para ti.

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4 nov 2019

Keep Your Head! Volume 3 (Disco 2): 30 Dark and Evil Heavy Psych and Proto-Punk Monsterpieces from The US 1969-1974

Es 1 de Noviembre y los mexicanos comenzamos a poner nuestras ofrendas a los que se han ido, mientras estoy escribiendo, han dado la 1:41 de la mañana y no puedo conciliar el sueño, a pesar de estar agotado, por lo que me puse aquí a escribir la reseña del segundo disco del volumen 3 de la recopilación Keep Your Head!

Ahora es 4 de Noviembre, son un poco más de las 12 de la noche y contrario a mis planes, apenas estoy terminando esta reseña y pudiendo hacerle unos pequeños ajustes finales al volumen para poderlo compartir con todos ustedes, pues tuve tres días muy agotadores en mi trabajo y uno de descanso.

Este segundo disco está enfocado a tres partes distintas del heavy psych: la primera es la que terminó influenciando a lo que ahora conocemos como punk y que al mismo tiempo bebió de lo que salía de la escena de Detroit (esta es la liga al disco publicado en Julio), la segunda es la que tuvo cierta influencia de Led Zeppelin y que de alguna manera, la encabezó Sir Lord Baltimore y la tercera es la que parió directamente al doom metal a fines de los 70's, que es la más importante en este volumen y que es el motivo por el cual, el segundo disco está siendo publicado hoy.

En el primer tema tenemos a Glory, un extraño grupo de San Diego, California que grabó todo este material en 1970 para una estación de radio, dando como resultado, el disco On The Air, publicado en el 2001 por la disquera texana Rockadelic.
La canción que tocan aquí es Who Do You Love? de Bo Diddley, que curiosamente, también se convertiría en uno de los estándares de Quicksilver Messenger Service, ya que les servía como mero pretexto para improvisar durante varios minutos en sus directos, tal y como lo deja atestiguado el disco Happy Trails de 1969, pero Glory le quita ese carácter propio de la escena de San Francisco y nos entrega una cruda y áspera versión del tema, con ecos de la escena freak proveniente de Inglaterra (también hay que resaltar que existía una en Estados Unidos, aunque ahí estaban más enfocados en hacer música experimental antes que rock), haciéndonos recordar a grupos como los Pink Fairies, Stack Waddy, Hawkwind y Third World War.

Los Dickens fueron punks antes de los punks, pero además de todo, eran burlones y todo su concepto se originó ahí, cuando los roadies del grupo NRBQ, decidieron formar su propio conjunto, el cual se basaba en la actitud DIY (Do It Yourself!, por si las moscas), aunque en realidad no supieran tocar, pero su concepto básico en la música era mofarse del heavy psych y del rock ácido de la época, así como también de los hippies y hacer canciones satíricas al respecto, así como también otras de diverso corte cómico, así como también sus "conciertos" que en realidad fueron más como fiestas privadas, en los que los miembros del grupo salían en cuerdas como Tarzán y luego podían colgarse por varios minutos en los amplificadores Fender de NRBQ a todo volumen, haciendo acople con los instrumentos (también propiedad del grupo al que ayudaban), cosa que terminó molestando seriamente a Jimi Hendrix cuando los vio por primera y única vez por allá en Agosto-Septiembre de 1970 mientras estaba de gira por Nueva York.
La canción que presento aquí se llama Don't Talk About My Music, un tema de corte abiertamente proto-punk, pero con letras chuscas y con una música, que se supone, se hizo para parodiar a los grupos de heavy psych como Blue Cheer, Steppenwolf y Iron Butterfly, aunque más bien suena como una parodia al sonido de Detroit y a gente como MC5 y los Stooges.

Gold fue una de las bandas tardías del sonido de San Francisco, formada en 1967, pero logrando su mayor periodo de actividad hasta la época de declive del hippismo e idealismo del Verano del Amor, su estilo se conformaba por ser una mezcla entre Santana, Quicksilver Messenger Service y Big Brother and The Holding Company, aunque también parece que bebieron de Blue Cheer y de la escena de Detroit, tal y como lo atestigua su único material publicado en su periodo de actividad. No Parking es el lado B de su único sencillo de 1970 y es una canción de heavy psych con un sonido que de alguna manera, predice al punk por unos años, con una asperísima guitarra que vomita fuzz y un ritmo veloz, derivado del garage rock sesentero.


Los Five By Five venían de Magnolia, Arkansas, su labor es más conocida por haber sido un grupo de garage psicodélico de los 60's y por su relativo éxito que tuvieron con su versión de Fire de Jimi Hendrix, con la que llegaron al modesto #52 de las listas de popularidad gringas, pero en 1970 deciden imbuirse en un sonido más pesado y más psicodélico, con este sencillo llamado 15 Going on 20, que es un tema en el que parece ser que absorbieron por completo al sonido de Detroit, aunque también habría que decir que el grupo no se despegó por completo de sus influencias sesenteras, ya que aquí todavía se respira ese olor a incienso y hachís, aunque también nos da un buen indicio que nos traza el camino del garage y la psicodelia rumbo a tendencias que nacerían más adelante, en este caso, el punk.

Los Yesterday's Children al igual que muchos de los casos que veremos a lo largo de los volúmenes de la recopilación, pero especialmente en el 4, que vendrá dividido en 3 discos, empezaron como una banda de garage rock que abiertamente coqueteaba con la psicodelia de tintes "orientales" (seguramente por influencia de los Yardbirds) e incluso dentro de esta faceta, llegaron a sacar un sencillo en 1966. Ellos venían de Cheshire-Prospect, Connecticut y en 1970, al firmar con la reciente disquera llamada Map City, les tocó ser parte de la oleada de bandas de heavy psych proveniente de la costa este de Estados Unidos, en la que también se encontraban Banchee, Sir Lord Baltimore, The Illusion, Morgen, Dust y Euclid, aunque el estilo de Yesterday's Children es muy distinto al de esas bandas, pues al parecer, ellos bebían tanto de Led Zeppelin y Cactus como de Blue Cheer y de los grupos de Michigan, por lo que simultáneamente podían ser crudos, ásperos, bluseros, pesados, garajeros y psicodélicos, con un vocalista que intenta hacer su mejor impresión de Robert Plant, aunque los resultados finales sean más meritorios porque no se trata de una calca, sino de una gran influencia, así mismo, los guitarristas resultan ser excelentes a la hora de construir riffs machacantes y hacer solos estelares, como en esta canción que comienza con un riff que se adelanta al menos unos 7 años a lo que harían Motorhead, pero que rápidamente se mueve a los territorios de MC5, los Stooges y Blue Cheer para que al final terminen entre un heavy blues tipo Led Zeppelin y en una breve parte suavecita. Ahora sí que solo los grandes pueden hacer cosas como estas.

Dust venían de la ciudad de Nueva York y al igual que varios de sus contemporáneos, se dedicaban a los sonidos pesados de la época combinados con algunas influencias de la psicodelia y guiños muy abiertos hacia el rock sureño y el country rock, cosas que explorarían más en su segundo disco (que sería el más irregular de los dos que sacaron), también hay que destacar que entre sus filas se encontraba el baterista Marc Bell, que luego tendría una carrera más exitosa al unirse con los Ramones y sería más conocido como Marky Ramone.
Parece que Dust absorbieron influencias bastante diversas, entre las que escucho en su primer disco son: Led Zeppelin, Black Sabbath, Blue Cheer y los Allman Brothers, y en esta canción hay ecos de todas esas bandas y hay pequeñas partes con cierto aroma a flamenco, hasta con guitarras españolas.

 Kanaan fue en realidad el proyecto de estudio del guitarrista y compositor David Waldon y grabó y editó este sencillo en 1971 (y NO en 1969 como se suele acreditar en diversas fuentes del internet e incluso en la recopilación Brown Acid, pues de acuerdo a David Waldon, las fotos de la grabación fueron tomadas el 24 de Enero de 1971), el grupo se formó en Daingerfield, Texas y nunca tuvo ningún concierto.
Leave It tiene un sonido muy similar a lo que estaban haciendo más o menos por este tiempo el grupo neoyorkino Sir Lord Baltimore, incluso la voz gritona recuerda mucho a la del difunto John Garner, aunque David Waldon en lugar de tocar muy distorsionado, experimentó más con el flanger.



Este es uno de los grupos clásicos que no necesitan presentación, pero de todas maneras hablaré un poco sobre ellos. Sir Lord Baltimore se formaron en 1968 en Brooklyn, Nueva York, justo en la época en la que el guitarrista Louis Dambra también hacía su labor con el grupo de garage psicodélico The Koala, que lanzaría su debut en el tardío 1969. Con influencias de Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Cream, los Who, Blue Cheer y Vanilla Fudge, Sir Lord Baltimore lograron sacar dos discos en su primera etapa, el primero fue Kingdom Come de 1970 y su homónimo de 1971, logrando consolidarse entre la emergente escena del heavy psych de la costa este junto con otras bandas que he mencionado.
El tema que les traigo es el homónimo de su primer disco, la cual es notoria por el bajo distorsionado de Gary Justin, encargado de hacer riffs verdaderamente pesados, mientras que la labor guitarrera de Louis Dambra nos trae a lo mejor del heavy psych de la época, mientras que John Garner además de ser un baterista frenético, fue un vocalista con mucha actitud y una gran voz.

A Euphonious Wail eran originarios de Santa Rosa, California, una ciudad ubicada en la bahía de San Francisco y que al igual que otras ciudades del norte de California, no fueron ajenas al fenómeno contracultural que se dio dentro de San Francisco en los 60's. Logrando abrirles a grupos como Steppenwolf y Black Sabbath, ellos no lograron debutar hasta 1973, cuando el sonido de San Francisco estaba casi muerto y ellos ya habían absorbido influencias provenientes del hard rock, el funk y el rock sureño, por lo que su único disco es una mezcla de todo eso con el moribundo rock ácido sanfranciscano, y en la canción que incluyo aquí, hay mucho paralelismos con Sir Lord Baltimore, pero con órgano incluido.


Masalla fue algún grupo desconocido de Miami, no hay fotos de ellos, ni información al respecto, pero lo que sí se sabe es que este sencillo fue editado en 1970 y es curiosa la introducción, ya que la canción comienza con un viejo espantado mencionando todo lo que hacían los jóvenes en sus fiestas en aquellos años como fumar marihuana, tener sexo y otras cosas que hacían esos horribles greñudos psicodélicos y luego el grupo comienza con un potentísimo heavy psych que nos vuelve a recordar al power trio neoyorkino de Kingdom Come, pero con la diferencia de que son aún más crudos y duros, además de tener una muy mala producción (si es que la tuvo, porque suena a un demo grabado en el garaje de alguno de sus miembros), también habría que mencionar que las letras tienen similitudes con la de American Woman de los Guess Who, pero con la paradoja agregada de que la mujer protagonista es además de todo, lesbiana.

Groundshaker eran de San Francisco, pero se trasladaron a los Ángeles, donde al parecer, tuvieron una mejor aceptación por parte del público. Grabaron todo un demo entre el 71 y el 72, el cual terminó siendo editado en el 2007 por la disquera Red Lounge Records. El sonido de Groundshaker recuerda bastante al de Blue Cheer y al de Sudden Death, aunque tal vez no tan oscuro y además, habría que decir que Groundshaker no eran grandes compositores, ni siquiera para el estilo que manejaban, pero aquí incluyo, la que considero, su mejor composición.



Ya hemos hablado de Sudden Death por aquí, ellos venían de Pasadena, California y con sus influencias de Blue Cheer, Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple, lograron grabar todo un demo en 1972, el cual mandaron a la disquera Epic y fue rechazado por ser considerado "demasiado psicodélico", luego estas grabaciones serían editadas por la disquera Rockadelic en 1995.
El tema que les traigo se llama The Zoo, el cual tiene similitudes tanto con Sir Lord Baltimore como con Bedemon, Stone Garden, Black Sabbath, Led Zeppelin y las bandas de Detroit, además de que las letras hablan de como el narrador de la canción recuerda como en su niñez todo era color de rosa hasta que crece y se da cuenta de que todo es una mierda y que los zoológicos no son más que entretenimiento basura.

Esta canción está extraída del volumen siete de la recopilación Brown Acid de Riding Easy Records. Este extraño grupo llamado Pegasus, originario de Baltimore, Maryland tan solo sacó este sencillo en 1972, con un sonido muy influenciado por Black Sabbath y con un sonido que recuerda al Pentagram setentero, como ya lo veremos más adelante.




Los siguientes temas corresponden a Pentagram y otros grupos relacionados a ellos como Bedemon y Space Meat, así como los mismos Pentagram cuando se hacían llamar Macabre. Pentagram es sin duda, la mayor y más importante banda del doom metal, pero en sus inicios, fueron más bien un grupo de heavy psych influenciado por Black Sabbath y otros grandes de la época, y a pesar de haber grabado varias canciones, al parecer, nunca lograron tener un contrato para publicar un disco en su momento, pero aún así, gracias a varias de las recopilaciones que han salido, hemos podido escuchar todo este material que dejó la banda, así como los demos de Bedemon, Space Meat (o Stone Bunny) y Shades of Darkness. Pentagram es sin duda la prueba histórica de como el heavy psych parió directamente al doom metal.


Arrogance es un grupo originario de Chapel Hill, Carolina del Norte, formado en el 69. Son considerados como antecesores del rock alternativo debido a que el grupo, a pesar de tener considerable popularidad, siempre se mantuvieron en un bajo perfil. En 1970, sacaron su primer sencillo, que muestra al grupo en su faceta de heavy psych (luego cambiarían su estilo por el country rock), en la que también optaban por letras de corte oscuro, como la canción que les presento, que hace referencia a la peste negra, la pandemia de peste que mató a aproximadamente el 40% o más de la población de Europa en la edad media. Musicalmente, me recuerda bastante a los Bulbous Creation, así como al grunge de los 90's, pero más oscuro y psicodélico, mientras que las letras representan a ese pesimismo post-hippie que caracterizaría al heavy psych como el último bastión de la contracultura de los 60's.

De los Bulbous Creation ya hemos hablado, por lo que citaré mi reseña cuando hablo de esta canción:
"Let's Go to The Sea, posiblemente la obra maestra del disco, oscura como pocas. Es aquí en donde les pido que se olviden de falsificaciones como el disco de Jacula. Esta es una música que de verdad no escucharía a altas horas de la madrugada, por su sonido macabro, tétrico y espectral, y por si les quedaba la duda de por qué ingeniosamente los de la Rockadelic pusieron en la portada y la contraportada a esqueletos bastante tétricos, pues escuchen esta rola, estoy convencido que es una de las obras más escalofriantes y macabras que se hayan hecho en esa época, y un gran ejemplo de como los viajes de LSD se pueden convertir en una experiencia aterradora con imágenes atroces. También hay que destacar como Alan Lewis suena extremadamente similar a Stacy Sutherland e incluso en esta canción hace uso de unas reverberaciones muy similares a las que el guitarrista texano usó en el disco Bull of The Woods de 1969, se podría decir que Lewis suena aquí como su gemelo siniestro, también esta es la canción donde más se escuchan similitudes con un grupo llamado Stonehenge, que sacaron un sencillo en ese mismo año (1971, valga la redundancia), con un sonido casi igual de oscuro."


Stonehenge fue un grupo de Clinton, Iowa, el cual empezó sus andanzas en el garage rock, sus conciertos los hacían mayormente en bailes de secundaria y cosas por el estilo, pero a fines de los 60's, al escuchar a Grateful Dead y Jefferson Airplane, cambiaron su estilo al rock ácido pero a diferencia de sus contrapartes sanfranciscanas, lo empezaron a tocar de una forma pesada y oscura, además de incluir en sus letras referencias literarias a J.R.R. Tolkien y a Dante, por lo que es interesante escuchar que a diferencia de muchos de sus contemporáneos, Stonehenge apenas tenían una ligera distorsión en sus guitarras a la hora de hacer solos, el resto de tiempo estaban muy limpias, pero aún así lograron sonar oscuros, macabros, depresivos, nihilistas, pesimistas, pesados y psicodélicos, todo al mismo tiempo, hasta me atrevería a decir que por momentos podrían sonar hasta más macabros que Black Sabbath. Así que aquí hay una gran lección para aquellos grupos que tocan con los amplificadores Orange asquerosamente distorsionados.

Otro grupo que nos da una lección de como sonar oscuros y pesados sin la necesidad de sobresaturar la guitarra.
Stoned Mace, originarios de Attica, Indiana, estaban obsesionados con la edad media y los soldados de ese periodo histórico, aunque al final terminan romantizando mucho a estos (teniendo en cuenta que según los historiadores, los soldados medievales eran bastante patanes y descuidados), así como con el flamenco, la música árabe y la música de los Spaghetti Western, también hay un tufo de Jefferson Airplane en esta canción.



Fraction es otro clásico que no necesita presentación, pero aún así, hablaré de ellos (aunque es cierto que también he publicado este disco por el blog), ellos eran un grupo cristiano, por lo que sus letras pueden demostrar un fanatismo religioso excesivo, tanto que suenan un tanto oscurantistas y fundamentalistas, pero como sea, musicalmente, Fraction se encontraban entre los grandes, con su heavy psych de sonoridades oscuras que bebía principalmente de los Doors, pero a la vez de Black Sabbath, Love y Iron Butterfly, nos trae un tema que suena a todo un malviaje.




Randy Holden es (valga la redundancia), un clásico que no necesita presentación.
Él, acabando de salir de Blue Cheer, se puso a grabar su disco solista que salió en 1970 y es mucho más pesado que cualquier cosa que hayan hecho Black Sabbath en los 70's. Con su muralla de amplificadores Sunn de transistores, él también representa a ese sonido arquetípico del doom metal: lento, pesado y oscuro.





The Flow fue un power trio de trayectoria efímera originario de la ciudad de Nueva York, liderado por el músico Pete Fine, que luego seguiría su trayectoria como solista y sacaría un disco de folk psicodélico/progresivo en 1974. Lograron grabar un solo álbum en 1972, que en su momento fue editado de forma privada y que después, re-editaría la disquera alemana Shadoks Music con el satírico título de "The Flow's Greatest Hits" que podría hacernos pensar que se trata de una recopilación, aunque en realidad se trata de su único álbum. La canción que incluyo aquí es la que abre su único disco de 1972, que comienza de la forma más pesada y oscura posible, con un sonido que les daría envidia a Black Sabbath, después el rumbo de la canción va por un aspecto más "jazzístico", dándole un sabor muy experimental.


Punch fue un raro grupo originario de la ciudad de Nueva York, del cual no tengo más información de que sacaron este sencillo en el 70, del que dicen que tiene un lado A horrible, que yo no he escuchado, pero bueno. Deathhead es una canción tan pesada como tétrica, hasta parecería una especie de versión siniestra del grupo texano SEOMPI, con una guitarra pesadísima que nos brinda uno de los mejores momentos del heavy psych y una composición que da escalofríos escucharla.


SEOMPI es el abreviado de su larguísimo y pretencioso nombre que era "Self Expression On Musically Potential Instruments". Ellos venían de McAllen, Texas y su especialidad era el heavy psych con ciertos tintes de jazz experimental. Se les conoció en su momento como "el Black Sabbath texano" por su sonido pesado, lento y oscuro, similar al del cuarteto británico. En esta canción suenan bastante pesimistas e incluso la voz suena a llanto, mientras uno de los guitarristas hace unos oscuros riffs con un fuzz.


The Fort Mudge Memorial Dump fue uno de los grupos tardíos de la escena de Boston, se formaron en 1968 y su nombre lo tomaron por un cómic que salía en los periódicos, según mi entendimiento. En 1969 firmaron un contrato con la Mercury, que dio como resultado un disco muy diverso y ambicioso que combinaba variopintas influencias como el rock ácido sanfranciscano, el blues, el folk, el jazz y sonidos pesados, oscuros y lúgubres que se adelantan por un año a lo que harían Black Sabbath, pero con un estilo más psicodélico que incluye fuzz, wah-wah y cintas en reversa.


Image fue otro raro grupo del que ni siquiera se sabe su origen exacto, pero lo que sí se sabe es que editaron este sencillo en 1971.
Esta canción no tiene letras, es mayormente instrumental, comienza con un piano muy tétrico y después sigue una variación del riff de la canción homónima de Black Sabbath tocado con guitarra fuzzeada hasta que la canción se vuelve una locura con percusiones africanas, órgano y coros ritualísticos, recordándonos a los rituales de la religión yoruba (que en latinoamérica se fusionó con el catolicismo, dando variaciones como la santería, la macumba y el vudú).


The Purple Sun fue un grupo de League City, Texas que solo sacó este sencillo en 1971, el cual suena muy anticuado para su tiempo, pues tiene ese sonido post-garajero que hubiese encajado mejor en 1968 o 1969, pero como sea, incluyo este tema aquí por sus letras, que sugieren que el grupo fue posiblemente cristiano y que estaba obsesionado con el tema del "día del juicio final".

Para finalizar, tenemos a este grupo de Clinton, Missouri. Parece ser que nunca tuvieron conciertos, pero lograron grabar este sencillo en 1969, que suena a una versión depresiva y pesimista de lo que yo llamo "early heavy psych", pues hay una clara influencia garajera en su sonido, pero sonando ya a heavy psych, y esa atmósfera de llanto es aumentada por el vocalista, que canta como si estuviese apunto de cortarse las venas, aunque curiosamente la letra ni siquiera habla de esos temas, sino de las guerreras amazonas, pero bueno, por momentos, el grupo suena un tanto adelantado a lo que después se le llamaría "rock gótico" o "dark".



Ahora, a hablar de la portada y contraportada, en la portada tenemos una foto tomada por el fotógrafo Joel Brodsky (el mismo que tomó varias fotos históricas a los Doors, Tim Buckley, Van Morrison, entre otros) para la edición estadounidense del disco Kannibal Komix de un grupo alemán llamado Die Anderen, y para mi gusto quedó perfecta para la portada. En la contraportada tenemos una foto de un cráneo que me encontré por ahí en la red, no recuerdo donde, la cual edité con Corel.

Con esto, el volumen 3 concluye y esperemos que para la primavera del año que viene, se estrene el primer disco del volumen 4.


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21 jul 2019

Keep Your Head! Volume 3 (Disco 1): 30 Mindblowing Detroit Styled Heavy Psych and Protopunk Crushers from The US 1968-1975

En la portada, Brigitte Bardot en los 50's.

Por fin el tercer volumen de la recopilación, que se había estado cocinando desde hace un año, pero por fin llegó a su forma final (este no sufrirá más ediciones como los primeros volúmenes, que por cierto, tienen nuevas ediciones que espero sean las definitivas y que están disponibles para descarga), tenía planeado publicarlo en el otoño del año pasado junto con el segundo disco (sí, está divido en dos discos de 30 canciones cada uno, pero el otro será publicado hasta fines de Octubre), luego pospuse los planes para la primavera de este año, pero por una u otra razón, tampoco lo publiqué, pero por fin, después de un arduo trabajo en recopilar las canciones además de secuenciarlas de la forma más coherente posible y crear las portadas yo solo, está disponible para descarga, y pues espero que les guste mucho y les abra el panorama de esta (un tanto) olvidada escena que dio a grupazos que ya veremos abajo.

Estas son las influencias de la portada:





Ahora que ya expliqué con imágenes, la portada, hay que empezar a hablar de la escena de Detroit y sus alrededores, que tuvo muchísima presencia desde mediados de los 60's hasta principios de la siguiente década, cayendo en decadencia con el surgimiento del punk (que de alguna manera es producto de la de Detroit) y la música disco, ambas surgidas principalmente en Nueva York.

Detroit, fue la capital de dos prolíficas escenas musicales, por un lado estaba la Tamla/Motown, disquera que se dedicó a producir a miles de cantantes y grupos de soul en los 60's, convirtiéndose en la mayor y más importante productora de música negra de la época, y por el otro estaba el rock, el cual se manifestó con un sello musical crudo, directo y potente, con melodías descendientes del garage rock sesentero y con el sonido psicodélico de la época, y también habría que decir, que otro de sus sellos principales fue el de mostrarse altamente politizado, gracias a la influencia que tuvo el partido Panteras Negras en la juventud de Michigan de los 60's, por lo que se podría decir que en contraposición al hedonismo y la ingenuidad hippie que se vivía en San Francisco, los Ángeles (que no duró por tanto tiempo) o Boston, Detroit fue una ciudad de contestación y disturbios y la que provocó miedo en la conservadora sociedad gringa de la época, por lo que yo diría que Detroit fue el lado oscuro de la contracultura sesentera.

El mayor recinto musical de la escena fue el salón de bailes Grande, el cual, al igual que los auditorios Fillmore, también tuvo a su principal promotor: Russ Gibb, que además de ser organizador de conciertos, también era Disc Jockey en una estación de Michigan. Él fue el que además de darle promoción a toda la escena de Detroit, también llevó a los grupos más populares del momento al Grande, incluyendo a Cream, Deep Purple, Vanilla Fudge, Quicksilver Messenger Service, Traffic, Blue Cheer, Jefferson Airplane, Grateful Dead, los Who, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Love, Black Sabbath, entre otros, por lo que dejó un grandísimo legado en la música de Detroit de los últimos 100 años.

Ahora que ya intenté poner un pequeño (aunque incompleto y seguramente con muchos errores) contexto histórico, empecemos a hablar de la música.

Para abrir el disco tenemos a Frijid Pink, un clásico del blog que muchos recordarán. Ellos se formaron a mediados de los 60's, en la ciudad de Brighton, situada en el área metropolitana de Detroit, cuando el baterista Rick Stevers junto con el bajista Tom "Satch" Harris se unen para crear a The Detroit Vibrations, un grupo de garage que versionaba principalmente las canciones más populares de soul, rock y pop del momento, pero pronto llega la época psicodélica y en ese periodo se unen el vocalista Tom Beaudry (también conocido como Kelly Green) y el guitarrista Gary Ray Thompson, quienes venían más de un contexto rocanrolero, en contraposición de Stevers y Harris que venían del soul y el rhythm and blues, y fue durante este tiempo que cambiaron su nombre a Frijid Pink, debido a sus trajes rosados que usaban en sus inicios y su repertorio cambia a empezar a interpretar las canciones psicodélicas más populares del momento, pero se hicieron más conocidos por sus potentes interpretaciones de You Keep Me Hang In On, tema grabado primero por las Supremes y luego psicodelizado por Vanilla Fudge en su debut de 1967, después poco a poco irían incorporando su material original, haciéndose bastante populares en Detroit, incluso participando en el Festival de Pop de Detroit, celebrado el 7 de Abril de 1969 y esto llevándolos a firmar un contrato con la disquera Parrot, subsidiaria de London Records (conocida por editar el material de la Decca en Estados Unidos), sacando varios sencillos a lo largo del año que pasaron sin pena, ni gloria, hasta que deciden grabar el estándar del folk gringo The House of The Rising Sun, que se convertiría en un número uno en varios países del mundo, y esto llevándolos a sacar su debut en 1970, que era más bien, una recopilación de todos esos sencillos que no alcanzaron a tener ningún éxito. El tema que les presento es Crying Shame, que por excelencia, es uno de los que mejor representan a lo que en esencia es el heavy psych, con su guitarra fuzzeada hasta el máximo y su melodía con inspiración en Tales of Brave Ulysses de Cream.

En el segundo tema hacemos una breve excepción con el grupo neoyorkino Stonewall (que ya ha sido publicado por aquí). Ellos eran originarios de Queens, y grabaron este disco en 1972 (según uno de sus miembros), pero las grabaciones fueron editada de forma no oficial por la disquera fraudulenta Tiger Lily hasta 1976.
El grupo estaba influenciado por Led Zeppelin, aunque no dudaría que también por la escena de Detroit, pues su sonido crudo y ruidoso se asemeja muchísimo al de Frijid Pink, solo que sin el colosal fuzz de Gary Ray Thompson y unas composiciones todavía más bluseras, por lo que yo diría que es la versión limpia del Rosa Frígido. El tema que les dejo se llama Bloody Mary y aquí ustedes verán por qué incluí la canción en esta recopilación.

Glass Sun eran originarios de Ypsilanti, otra ciudad del área metropolitana de Detroit, se formaron a mediados de los 60's bajo el nombre de The Cyclones, pero luego de que los hermanos Rick y Bruce Roll regresaran de su servicio en la guerra de Vietnam, se cambiaron el nombre a Glass Sun para ajustarse al sonido psicodélico y pesado de la época, tomando influencia de Iron Butterfly, Cream y Led Zeppelin.
Silence of The Morning está inspirada en las vivencias de los hermanos durante su estancia en Vietnam, mientras que la música tiene muchas similitudes con grupos contemporáneos como Frijid Pink, The Maxx y The Bob Seger System, con un pesadísimo y dramático riff de guitarra fuzzeado.

The Jagged Edge fue uno de los grupos más populares de su localidad a fines de los 60's. Contemporáneos a MC5 y seguramente una de las más grandes influencias de los Stooges, ellos se especializaban en tocar un rock ácido extremadamente sucio y durísimo, con casi la misma actitud de los futuros grupos de Grunge, que tendrían sus orígenes de la ciudad de Seattle, Washington. El sonido del grupo se podría decir que es una combinación de Jimi Hendrix con MC5 y Blue Cheer. El guitarrista tenía como sello personal tocar su Gibson SG a través de un Fender Twin Reverb (según una foto que vi del grupo tocando en vivo), un fuzz y un wah-wah, mientras llevaba a la música del grupo a los viajes psicodélicos más extremos mientras lo acompañaba una sección rítmica machacante, que tenía tanto la energía de MC5 como la brutalidad de Blue Cheer. El tema Crystal Rain lo resume todo.

 The Maxx venían de Lansing, la capital de Michigan, y eran un power trio que tomó escuela de los grandes de la época (Cream, Hendrix y Blue Cheer) y se dedicó a tocar un heavy psych muy sucio, pero también algo melódico, sin caer en la visceralidad de The Jagged Edge o en la dureza extrema de Frijid Pink, Dick Rabbit o Attack, tanto que hasta la canción 200 Years, que es la que se incluye aquí, fue incluida en una recopilación de pop psicodélico, sin realmente serlo.


Dick Rabbit eran originarios de Saginaw, una ciudad situada en el centro de Michigan, y al igual que los grupos de tres componentes de la época, se especializaban en hacer una música muy poderosa, potente y directa al mismo tiempo que viajada. No dudaría que una de las mayores influencias que tuvo este trío de poder fue Blue Cheer y su titánico debut Vincebus Eruptum salido en Enero del 68, pues esta canción titulada You Come On Like A Train tiene el mismo espíritu visceral y altisonante que la banda sanfranciscana y es por eso que está incluida aquí.


Con una etiqueta muy psicodélica y que hace oda a las cajitas de distorsión primitivas, The Attack era un grupo originario de St. Claire Shores, tuvo conexiones con otro conjunto llamado The Illusions, que sacaron algunos sencillos de garage a mediados de los 60's, pero en 1969, The Attack llevó a la psicodelia al mayor de sus extremos, con una melodía derivada de Deserted Cities of The Heart de Cream y con un sonido todavía más pesado que el de Blue Cheer y que fácilmente podía competir con el de Stone Garden u otros grupos por el estilo en niveles de potencia, sino es que The Attack eran aún más potentes, las dos canciones de este sencillo son dignas de ser dos de los mejores y más genuinos ejemplos de heavy psych.

The Index eran un grupo de garage originario de Grosse Pointe, otra ciudad del área metropolitana de Detroit, que venía de una profunda herencia del surf, pero al ir adaptando su sonido a la nueva época, tomaron influencias de los Byrds y de Jimi Hendrix, para crear un par de discos rarísimos entre 1967 y 1968, donde hay una mezcla de todas sus influencias, pero la canción que les traigo es interesante, ya que suena a una especie de power trio garajero intentando interpretar alguna canción de Blue Cheer.





Alice Cooper realmente no eran un grupo de Detroit, Michigan, ni de su área metropolitana, sino que venían de Phoenix, Arizona, pero su vocalista Vincent Furnier (que luego tomaría el nombre del grupo como artístico), sí era originario de esa ciudad, pero como sea, habría que aclarar que sus andanzas comienzan como un grupo de garage rock llamado The Spiders (que no tiene nada que ver con el grupazo mexicano de principios de los 70's) que luego cambia el nombre a The Nazz (nada que ver con el grupo de Todd Rundgren) con el que se trasladan a los Ángeles, California, donde fueron bastante bien acogidos y hasta grabaron unos sencillos, luego se cambiarían el nombre a Alice Cooper, ya que el grupo del jovensísimo Rundgren ya estaba dando de qué hablar. El nombre, según, el mismo Alice, fue producto de pura broma, ya que sonaba inocente y bonito en contraposición a la apariencia del grupo. Pronto serían acogidos por el representante Shep Gordon, que después de una horrible tocada en el club Cheetah de Venice, California en el 68, donde todo el público abandonó el recinto después de 10 minutos de tocada, y fueron presentados por Frank Zappa, que en ese tiempo estaba en búsqueda de grupos extraños y freaks, y en la primera audición a la que los citó, que erróneamente pensaron que se trata de las 7 de la mañana, Zappa los acogió con calidez y los mandó con su banda de groupies las GTO's a que les diseñara la vestimenta y pronto grabaron su primer disco, salido en 1969, que básicamente era una mezcla entre el pop psicodélico británico con influencia directa de Syd Barrett y el heavy psych que se estaba cosechando en la escena subterránea angelina, y aunque su disco Pretties for You pasaría desapercibido en el panorama musical gringo, el grupo daría de qué hablar en su actuación en el Festival de Rock and Roll de Toronto, Canadá en ese mismo año, donde el público mataría a un pollo, y el resto es historia. La canción que incluyo aquí es Refleted, una que después se haría conocida cuando la regrabó y la retituló como Elected.

Esta es una curiosidad muy interesante encontrada en el blog Purepop, se trata de un oscuro y desconocido grupo originario de Ann Arbor, que sacó este sencillo en 1973, pero con un sonido que remite directamente a la Londres de fines de los 60's, pues su sonido recuerda las bandas del freakbeat tardío como The Open Mind, Bulldog Breed, Horse, Little Free Rock o Dark, con sus guitarras distorsionadas, la atmósfera psicodélica y unas voces que recordarán seguramente al gran Ray Davies, por lo que podríamos decir que es un grupo bastante anticuado para su tiempo y además único en su especie, teniendo en cuenta su procedencia.


The Unrelated Segments eran una banda de la ciudad de Taylor, ubicada también en el área metropolitana de Detroit, ellos se especializaron principalmente en el garage rock, aunque en esta grabación ya se empieza a notar que estaban transitando hacia el heavy psych. Luego su guitarrista Ron Stults, se iría a formar un grupo llamado Lost Nation (que será incluida en un futuro volumen), el cual tocaba un heavy psych combinado con tendencias proto-progresivas e incluía al tecladista Larry Zelanka, que después tocaría con Frijid Pink en su tercer disco, y aquí en este volumen también incluí una canción de Ron Stults como solista llamada Wait, que es un tema que se mueve entre el hard rock y el heavy psych, con una guitarra crudísima y enérgicos riffs.

The Third Power venían de Troy, Michigan, inspirados por sus ídolos Cream, Jimi Hendrix y MC5, decidieron crear un sonido psicodélico y pesado que pronto empezó a dar mucho de qué hablar en Detroit, donde se harían muy grandes e incluso se les consideró como la respuesta de Michigan hacia Cream, grabaron un sencillo en 1968, que pasó sin pena, ni gloria, pero aún así, eran extremadamente populares por ser unos músicos muy talentosos y por sus enérgicas presentaciones en vivo, y en 1970 logran firmar un contrato con la disquera Vanguard (quienes tenían en sus filas a sus colegas The Frost, otro grupo popularísimo en Detroit, además de numerosos grupos psicodélicos como Country Joe & The Fish, siendo el más popular), pero al ser una disquera mayormente dedicada al folk, grabaron también bellos y refinados temas de pop psicodélico, sin dejar a lado su heavy psych que tanto los caracterizó, su primer y único disco Believe (ya reseñado en el blog), aunque fue un tremendo éxito en Detroit y otras ciudades del estado de Michigan, fracasó en otras partes de Estados Unidos e incluso una revista los calificó muy mal, tachándolos de "iguales malos que Grand Funk Railroad", aunque bueno, eso resultó ser toda una mentira, pues Grand Funk lograron ser un grupo extraordinario entre 1969 y 1971, con composiciones excelentes y The Third Power también resultaron ser unos grandes, y esta canción que les incluyo, lo demuestra.

Hoy todo el mundo conoce al gran Sixto Rodriguez gracias al documental Buscando a Sugar Man, hecho por unos sudáfricanos hace algunos años. Todos sabemos la historia, como mientras en su natal Estados Unidos prácticamente pasó desapercibido, terminó siendo un albañil pobrísimo, pero de gran cultura, tanto que hasta hizo una licenciatura en filosofía y que hasta se postuló alguna vez como candidato a Alcalde de su natal Detroit, obviamente perdiendo. Pero no nos enfoquemos en lo que ya sabemos, vamos a hablar de su música. Él como buen músico de folk, es comunista hasta la médula, siempre tocando en sus temas, la extrema marginalización, la pobreza y la alienación de su ciudad, mientras su música se adereza de bellos y rebosantes elementos psicodélicos, pero en esta canción, se acerca abiertamente al sonido creado por bandas como Frijid Pink, Grand Funk y The Frost, con un colosal riff de guitarra fuzzeada y un bajo (seguramente Gibson) distorsionado, mientras él sigue sus características líneas de folk tardosesentero (sí, no me maten, ya sé que no existe la palabra) que recuerdan a otro grande llamado Jim Croce.

Sí, sí... Yo conozco en lo que se convirtió Bob Seger a fines de los 70's, y que irónicamente es uno de los mayores ídolos de la "White Trash" (los nacos gringos, pues, conocidos por ser de ultraderecha y extremadamente imbéciles), siendo que Seger es un fan de Bernie Sanders, pero no juzguemos su obra por lo comercial y por su fanaticada estúpida (el fanático siempre es estúpido), pues en sus inicios, Bob Seger fue un respetadísimo músico de garage psicodélico, empezando con su grupo The Last Heard, que en el 68 terminó cambiando de nombre a The System, sacando tres excelentes discos entre 1969 y 1970, que se podría decir que suenan a una especie de versión light y garajera de Frijid Pink, pero con excelentes composiciones, como es este caso. Death Row del 68, es un oscuro y desesperante tema que habla sobre las últimas horas de un preso antes de ser ejecutado, en un acto de plena desesperación y tormento.

 Para este grupo de Flint, Michigan no hay presentación, todos sabemos lo grandes que son. Pero como sea, aquí les traigo un demo de principios del 69, en la que tocan la canción que después se titularía Can't Be Too Long, incluida en el disco On Time, en el momento de grabación, aún no entraba Mel Schacher y aparece el tecladista Bobby Caldwell, y aún se hacían llamar The Pack, pero también incluyo Sin's A Good Man's Brother de su tercer disco, Closer To Home de 1970, que es una de las canciones más contundentes y genuinas de heavy psych que he escuchado, con su masivo riff de fuzz y el bajo distorsionado tan característico del grupo.


Master Danse es un grupo completamente desconocido para mí, lo más que sé es que eran de Detroit y que grabaron esta canción en 1974. Claramente se escucha que era un grupo influenciado por Grand Funk, e incluso se escuchan varias referencias a Heartbreaker, una de las canciones más icónicas del grupo. A falta de fotografía, pongo la ilustración de una calavera con flores.






The Frost era uno de los grupos más populares de Detroit, empezaron sus andanzas en el garage rock, luego con la expansión de la psicodelia, cambiaron su estilo, pero su etapa dorada se caracterizó por un sonido endurecido, enérgico y guitarrero, en el que la guitarra del gran Dick Wagner se hacía destacar por su destreza y rapidez. De alguna manera, The Frost se asemejaban a Grand Funk, aunque ellos habían sido anteriores a ellos y de hecho, no dudaría que Mark Farner haya tomado nota de ellos para esculpir el sonido de su power trio que curiosamente se haría tremendamente popular a principios de los 70's, pero como sea, The Frost eran unos verdaderos chingonazos y esta canción lo demuestra, y pues no es gratuito que Wagner terminara de guitarrista de Alice Cooper, Lou Reed y Kiss en la siguientes décadas. También hay que destacar que es muy probable que The Frost terminaran influyendo a Bolder Damn (un grupo del que ya se ha hablado aquí).

Savage Grace fueron otra de las grandes bandas de Detroit, en su debut de 1970 demuestran lo excelentes que eran en su titánica versión de All Along The Watchtower de Bob Dylan, donde se atreven a sonar como un Frijid Pink completamente abarrocado, pero su segundo disco de 1971 demuestra que el grupo aún podía llegar a más, pues bien pudieron dárselas al tú por tú con las más grandes agrupaciones de la época como Led Zeppelin, Grand Funk, Deep Purple o Mountain, y es que podían mezclar perfectamente un sonido descendiente de Frijid Pink con la energía de Grand Funk y The Frost, y con ese aspecto machante de Led Zeppelin, eso lo demuestran en la colosal Mother's Son, incluida en este volumen.

Half-Life fueron un extrañísimo grupo de Saginaw (misma tierra de Dick Rabbit), pero que llegaron a grabar una sola canción en 1970, con toda la parafernalia que terminaría influenciado al punk que nacería unos años después en Nueva York, y también muchas similitudes con Paranoid de Black Sabbath, aunque dudo que Black Sabbath se inspiraran en esta canción como muchos usuarios del internet afirman, este grupo ni siquiera sacó su grabación en aquel momento, así que todo se trata de una extraña coincidencia.

No hay mejor grupo que pueda definir con precisión lo que significó el rock de Detroit a lo largo de los 60's que MC5, influencia innegable del punk y uno de los mayores grupos que vieron la transición entre el garage y el heavy psych, además de ser uno de los primeros en ser abiertamente politizados y contestatarios, comunistas hasta la médula, temidos por el gobierno gringo y odiados tanto por los hippies como por los sectores más conservadores de Estados Unidos, considerados como léperos, patantes y provocadores, fieles adeptos a los Panteras Negras y amigos de Blue Cheer y los Pink Fairies, son conocidos por espantar a la estúpida y mojigata sociedad gerontocrática gringa con el clásico grito de Rob Tyner "KICK OUT THE JAMS, MOTHERFUCKERS!", por su rocanrol directo, intenso, rápido y sucio que mezclaba elementos de garage, psicodelia y hard rock. En esta recopilación incluyo la versión del sencillo de 1968 de Looking At You.

The Zoo venían de Bridgeport, Michigan, eran una conservadora banda de pop, que odiaban el ruidismo proveniente de Detroit, al igual que a todo lo que tuviera que ver con el hard rock, pero eran especialmente profundos odiadores de MC5, tanto que grabaron esta parodia del quinteto donde curiosamente suenan idénticos, hasta parece una banda tributo que un día decidió hacer sus propias canciones.






TNS (Take No Shit) venían de Grand Rapids, una ciudad situada en la zona oeste del estado de Michigan, eran eternos amantes del blues británico y en especial de Chicken Shack (tanto que hasta grabaron una canción de ellos), pero también fieles seguidores de MC5, lograron grabar un sencillo en 1972, donde se nota como el heavy psych también fue una de las mayores influencias en el desarrollo del punk, con un riff crudo y machacante y una composición altamente minimalista, ellos eran punks antes del punk.


Llamados como el cuadro de James McNeil Whistler, ellos venían de Barnesville, Ohio, y un día, aburridos de su vida rural, decidieron lanzarse a Detroit, donde conocieron a bandas como MC5 y los Stooges, y al regresar a su tierra de origen, decidieron grabar este tema inspirado por ambas bandas, pero con un sonido aún más psicodélico.





Sproton Layer venían de Ann Arbor, la misma ciudad que vio nacer a los Stooges, ellos eran unos chavos obsesionados con el Pink Floyd de Syd Barrett, Alice Cooper en su etapa psicodélica, SRC (un extraordinario grupo de rock ácido también de Ann Arbor), el Captain Beefheart, Tyrannosaurus Rex, Love, los 13th Floor Elevators, Jimi Hendrix y The Soft Machine, además de la literatura de ciencia-ficción y las improvisaciones inspiradas en el espacio exterior, Sproton Layer hicieron una propuesta extremadamente innovadora que combinaba psicodelia, hard rock y rock espacial con sonoridades oscuras y ese toque pre-punk que tanto identifica a la escena de Detroit, con un extenso uso de trompetas españolas e improvisaciones marcianas, con mucho parecido a otro grupo muy oscuro llamado C.A. Quintet.

Junto con MC5, esta es la otra banda que define a Detroit a la perfección. Caos, aburrimiento, violencia, peligro, desesperanza, pesimismo y drogas duras, eso era el grupo liderado por Iggy Pop (cuando tenía dignidad, esa que perdió cuando vino a México a abrirles a los pendejos de Metallica), que se especializaba en hacer un heavy psych directo del garaje, que bebía tanto de The Jagged Edge como de los Rolling Stones. Formados en Ann Arbor, al principio se hicieron llamar Iggy y los Chiflados Psicodélicos, inspirado en un trío de cómicos que aquí conocemos como "los 3 Chiflados" (que con precisión describió el gran José Agustín "un trío de cómicos gringos bastante pendejetes"), luego cambiarían su nombre a los Stooges (los Chiflados), con el que se darían a conocer. Iggy Stooge (así se hacía llamar en aquel momento), era la versión peligrosa y autodestructiva de Mick Jagger o la versión light de Jim Morrison. Se hizo conocer porque en sus actuaciones en directo se aventaba en un montón de vidrios hasta quedar con el vientre cortado (que hoy tiene lo más aguado que tu tía de 85 años). Su música como dije, era heavy psych en estado puro, pero sin olvidar sus raíces del garaje, con un montón de fuzz y wah-wah y con extrañas coincidencias con el tema Magic Potion de los ingleses The Open Mind.

The Up también venían de Ann Arbor (sí, me equivoqué al hacer la portada, no me regañen), eran conocidos por sus actuaciones caóticas, tanto que el periódico de su tierra, los consideró "la banda más peligrosa del país". Acérrimos seguidores de John Sinclair, poeta, uno de los más prestigios miembros del radical y ultracomunista Partido Internacional de la Juventud, defensor de la contracultura de los 60's y bien marihuano, tanto que lo encarcelaron en 1969 por posesión de la maría, luego es bien sabido que incluso John Lennon protestó en reiteradas ocasiones por la liberación de este e incluso se presentó en un festival organizado para dicho fin. Pero bueno, el estilo de The Up tampoco se diferenciaba tanto del de los Stooges, heavy psych con bases fundacionales para el futuro punk.

Los Punks venían de Waterford, otra ciudad muy cercana a Detroit, fueron una de las últimas que dio la escena local, en una época tardía, cuando en Nueva York ya estaba gestándose el punk, la psicodelia veía su ocaso y también en Nueva York, se ponía de moda la música disco entre los chavos de las clases medias y altas. Los Punks, son un grupo tardío, pero no de baja calidad, al contrario, incluso son mejores (a mi gusto) que los más conocidos Death, pero eso ya es cosa de cada quien. Hablemos del grupo y su música: Sus influencias además de ser el sagrado par de Detroit (MC5 y los Stooges), también lo estaban por The Velvet Underground y Blue Cheer. Su estilo justo está entre la transición entre el heavy psych y el naciente punk, pues su sonido es pesado, psicodélico, garajero, sucio y ruidoso, al mismo tiempo que minimalista, nihilista, autodestructivo y monótono, con ese característico 4/4, que se suele relacionar más con el krautrock alemán y el post-punk.

Y nuestro recorrido tiene su fin aquí, yo estoy cansado de escribir, son las 6:55 de la mañana, no he dormido y al rato me tengo que ir a chambear, pero aún así, yo les traigo esta recopilación que quedó con huevos, ahora que llegamos al último grupo, pues lo que tengo que decir es que Astaroth es un grupo completamente desconocido, lo único que sé es que sacaron este sencillo en una fecha muy tardía: 1975. Ellos tenían un sonido que fácilmente hubiese encajado en 1969 o 1970, garajeros, psicodélicos y pesados a más no poder, y valga la redundancia, satánicos. Y con esta canción les doy indicios de qué va a tratar el disco dos de este volumen, pero para ese, tendrán que esperar al otoño.