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23 nov. 2019

Mariani - Perpetuum Mobile (1970)

Se nos va el año y ni siquiera tuve tiempo de acabar mi reseña del Forever Changes de Love, también se nos fue Armando Molina de la Máquina del Sonido después de haber estado muy mal de salud y cada vez están más cerca las festividades decembrinas, aunque bueno, al menos pude comprar mi bajo y hacerle una pequeña modificación. Ahora lo único que me queda es hablar de lo que más me gusta: la música.

Hoy les traigo un portento de obra, heavy psych de altos vuelos, que lamentablemente está bastante ignorado por aquellos pseudoarqueólogos del hard rock oscuro, que prefieren seguir viendo a grupos muy sobrevalorados y nada especiales antes que revisar esos discos olvidados que rebozan en calidad musical que curiosamente, abundan y uno de ellos es el debut y único disco de los texanos Mariani, que es una verdadera pasada.

Por otro lado, el disco original no tenía portada, venía en una cubierta completamente blanca al igual que todas las ediciones limitadas de Sonatone, luego en ediciones posteriores (la mayoría no-oficiales) le pusieron distintas portadas y también en la mayoría les cambiaron los títulos a las canciones, por lo que hoy una vez más, el disco recibe nuevas portada y contraportada, con los títulos corregidos, y el rip del disco lo saqué de un extinto sitio donde la gente subía discos vía emule, está sacado de la edición en CD de Akarma.

La historia de Mariani comienza en Austin, Texas, cuando el baterista Vince Mariani estaba haciendo una audición para sustituir a Mitch Mitchell en la Experiencia de Jimi Hendrix, pero los de la disquera Sonobeat lo convencieron de que formara su propio grupo y de que con este iba a triunfar, por lo que Vince puso carteles en donde buscaba a un guitarrista y a un bajista para formar un grupo al estilo de Cream, Jimi Hendrix y Blue Cheer, y es ahí cuando su colega Eric Johnson, quien aún era un puberto de unos escasos 15 años, terminó en las filas del aún sin nombre grupo de Vince Mariani, luego se les agregaría el bajista Bob Trenchard, que tan solo estaría un tiempo breve, pero que alcanzaría a grabar unos demos en 1970 para la disquera local Sonobeat.

Cuando Bob Trenchard se salió del grupo que ya había tomado como nombre el apellido de su fundador y baterista, se les unen el bajista Jimmy Bullock y el vocalista Jay Podolnick, que aunque sí estuvo presente en las sesiones del disco, solo grabó una canción, y lo sustituyeron otros vocalistas, debido a que los de Sonobeat pensaron que la voz de Podolnick no era lo suficientemente buena, aunque yo aquí diría que es una verdad a medias, ya que la voz de Darrell Peal suena muy parecida a la de Podolnick, mientras que Bill Wilson es el que hace el trabajo más destacable en cuanto a la voz, teniendo un rango más diverso, además de sonar con más fuerza.

Antes de lanzar el que sería su único álbum en 1970, sacaron dos sencillos, el primero fue acreditado a Vince Mariani como solista y salió en 1969, mientras que su segundo sencillo que viene con versiones distintas de dos canciones que fueron incluidas en en LP original, las cuales fueron grabadas con Jay Podolnick como vocalista y fueron acreditadas al grupo.

Mariani nunca lograron el triunfo prometido y su disco no tuvo gran repercusión, pero lograron abrirles a monstruos como Deep Purple, ZZ Top, Bloodrock y Johnny Winter entre 1970 y 1972.

Ahora a hablar de la música:

Perpetuum Mobile es un disco donde el rock ácido, el hard rock, el jazz y el blues se mezclan en perfecta armonía, gracias a las excelentes composiciones y a que el grupo estaba conformado por grandes músicos, y aunque si bien es cierto que aquí, Eric Johnson a veces suena a que intenta calcar en demasía a Jimi Hendrix, habría que decir que no todo en su forma de tocar es pura imitación como son los casos de Thunder and Roses y Velvert Turner o incluso sus contemporáneos Parish Hall, pues Johnson también tenía el don de crear riffs verdaderamente pesados y estridentes que bien pudieron haberlo consolidado entre los mejores guitarristas del momento y estar al tú por tú con Jimmy Page, Ritchie Blackmore, Tony Iommi, Leslie West, Paul Kossoff o incluso Leigh Stephens, Randy Holden y Jesse Harper, pero aquí a diferencia de otros discos de estilo similar, como el Stoned Guitar de The Human Instinct o incluso en parte Wicked Lady, aquí sí hay composición de calidad y las canciones no son meros pretextos para que Johnson solee, sino que todos los músicos ponen su parte y lo hacen de una manera soberbia, entre ellos Vince Mariani, que tenía toda la precisión jazzística que lo hubiese podido llevar entre los mejores bateristas de fines de los 60's, pero también tenía el plus de sonar tan crudo y potente como John Bonham, también habría que destacar que Jim Bullock, hizo un excelente trabajo como bajista y que los vocalistas que participaron aquí, entre ellos Bill Wilson (poseedor de un rasposísimo y potente barítono similar al de Kelly Green de Frijid Pink o al de Bob Seger), Darrel Peal (que tenía una voz más estándar) y Jay Bullock (que sería bajista un poco antes de que entrara Jim Bullock, después se convertiría en vocalista. El poseía un registro de tenor bastante común). Ahora, la producción suena muy estándar para la época, pues suena a lo que uno esperaría escuchar en un disco de heavy psych gringo de la época, y aunque no sea una maravilla, los instrumentos resultaron sonar bastante nítidos, pero sin perder la crudeza tan característica de su tiempo.

El disco inicia con Last Milestone, que tiene un riff de guitarra, bajo y bataca digno de estar en un disco de Led Zeppelin, pero pronto muestran también el gusto incondicional que los miembros tenían por la música de Hendrix, incluyendo la guitarra de Johnson que incluye fuzz y wah-wah, mientras que la voz de Bill Wilson suena con muchos huevos, haciéndome recordar a Kelly Green de Frijid Pink, pero sin esa influencia directa del sonido Motown y también de alguna manera, suena similar a lo que harían algunos vocalistas de grunge en los 90's, especialmente Chris Cornell.

Sobre la serie de interludios jazzeros no hablaremos, ya que son muy cortos, pero diré que son interesantes y excelentes, aunque a algunos les podrían parecer un tanto innecesarias y que desestabilizan un poco al disco, pues hay que tener en cuenta que sí podrían sonar un tanto fuera de lugar al estar puestas junto a temas que desbordan energía, aun así me atrevo a decir que son interesantes.

Re-Birth Day me suena un tanto similar a lo que harían un par de años después un grupo de Illinois llamado Hindenburg Lyon, e incluso con ese tipo de arreglos que comienzan de una forma pesadísima, donde destacan las influencias zeppelianas una vez más y luego se van por otra cosa, en este caso, Mariani se van primero por una parte blusera, luego regresan a la primera parte, para ir a un arreglo muy hendrixiano y aterrizar en el pop psicodélico, regresan al arreglo tipo Hendrix que incluye también un solo de Eric Johnson con fuzz y wah-wah, regresan a la parte popera y se termina con el arreglo del medio y un eco muy lisérgico. En esta canción canta Darrell Peal.

Memories Lost and Found empieza tal y como uno podría esperar que empezase una canción del Axis: Bold as Love o del Electric Ladyland, pero después aparecen riffs de guitarra que cabrían más en un disco de Led Zeppelin, para luego irse a uno solo que peca de hendrixiano, aunque aquí podríamos decir que faltó un poco más de diversidad, teniendo en cuenta que Re-Birth Day tiene más de 5 movimientos. En esta canción canta Jay Podolnick.

I Can't Hurt Myself es blues ácido y pesado con una introducción jazzera, que curiosamente ya no suena tan hendrixiano y ya va por caminos más en la línea de Eric Clapton o de Jimmy Page, aunque también recuerda un tanto a Frijid Pink, ya que regresa el vocalista Bill Wilson y aunque esta canción pudo haber sido más larga, teniendo en cuenta que el blues generalmente se cuelga, aun así con esta canción siguen gloriosos.

Mendor y Breaker son jams puramente instrumentales que suenan como una versión light de los Firebirds (aquel grupo de músicos de sesión de los Ángeles que grabó una triada de discos entre 1968 y 1969, que ahora son de culto en el heavy psych), pues a diferencia de estos, Mariani parecen no estar interesados en experimentar con las sonoridades oscuras y más bien les interesa crear paisajes sonoros plenamente lisérgicos, pero al mismo tiempo pesados, que si bien tienen de base al blues ácido de Jimi Hendrix y Cream, seguramente también tenían en la cabeza a Blue Cheer y Iron Butterfly

Para finalizar el disco original de 1970, llega un tema que definitivamente no les gustará nada a los que dicen odiar los solos de batería, pues Pulsar es básicamente eso, un solo de batería por parte de Vince Mariani, adornado con diversos efectos psicodélicos, que recuerda tanto a los extendidos solos que solían hacer Mitch Mitchell y Ginger Baker en los directos, como a In-A-Gadda-Vida. Este tema aunque no me parece brillante, ya que en sí ni siquiera es una canción, pues no deja de ser una muestra de los excesos a los que muchas veces llegaron los músicos de los 60’s y 70’s que terminaron dando lugar para el surgimiento del punk.

En los bonus, tenemos el primer sencillo de Vince Mariani con las canciones Pulsar y Boots, que básicamente son solos de batería, y el único sencillo del grupo, que incluye una versión de Re-Birth Day cantada por Jay Podolnick.

El disco fue editado de forma privada con apenas 100 copias impresas, el grupo nunca logró conseguir la popularidad que les prometieron, lo que provocó su separación en 1972.

Y pues para finalizar, si disfrutaste de grupos como Thunder and Roses, Parish Hall, los Firebirds, Sainte Anthony’s Fyre, Led Zeppelin, Zekes y Hindenburg Lyon, este disco es el correcto para ti.

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4 nov. 2019

Keep Your Head! Volume 3 (Disco 2): 30 Dark and Evil Heavy Psych and Proto-Punk Monsterpieces from The US 1969-1974

Es 1 de Noviembre y los mexicanos comenzamos a poner nuestras ofrendas a los que se han ido, mientras estoy escribiendo, han dado la 1:41 de la mañana y no puedo conciliar el sueño, a pesar de estar agotado, por lo que me puse aquí a escribir la reseña del segundo disco del volumen 3 de la recopilación Keep Your Head!

Ahora es 4 de Noviembre, son un poco más de las 12 de la noche y contrario a mis planes, apenas estoy terminando esta reseña y pudiendo hacerle unos pequeños ajustes finales al volumen para poderlo compartir con todos ustedes, pues tuve tres días muy agotadores en mi trabajo y uno de descanso.

Este segundo disco está enfocado a tres partes distintas del heavy psych: la primera es la que terminó influenciando a lo que ahora conocemos como punk y que al mismo tiempo bebió de lo que salía de la escena de Detroit (esta es la liga al disco publicado en Julio), la segunda es la que tuvo cierta influencia de Led Zeppelin y que de alguna manera, la encabezó Sir Lord Baltimore y la tercera es la que parió directamente al doom metal a fines de los 70's, que es la más importante en este volumen y que es el motivo por el cual, el segundo disco está siendo publicado hoy.

En el primer tema tenemos a Glory, un extraño grupo de San Diego, California que grabó todo este material en 1970 para una estación de radio, dando como resultado, el disco On The Air, publicado en el 2001 por la disquera texana Rockadelic.
La canción que tocan aquí es Who Do You Love? de Bo Diddley, que curiosamente, también se convertiría en uno de los estándares de Quicksilver Messenger Service, ya que les servía como mero pretexto para improvisar durante varios minutos en sus directos, tal y como lo deja atestiguado el disco Happy Trails de 1969, pero Glory le quita ese carácter propio de la escena de San Francisco y nos entrega una cruda y áspera versión del tema, con ecos de la escena freak proveniente de Inglaterra (también hay que resaltar que existía una en Estados Unidos, aunque ahí estaban más enfocados en hacer música experimental antes que rock), haciéndonos recordar a grupos como los Pink Fairies, Stack Waddy, Hawkwind y Third World War.

Los Dickens fueron punks antes de los punks, pero además de todo, eran burlones y todo su concepto se originó ahí, cuando los roadies del grupo NRBQ, decidieron formar su propio conjunto, el cual se basaba en la actitud DIY (Do It Yourself!, por si las moscas), aunque en realidad no supieran tocar, pero su concepto básico en la música era mofarse del heavy psych y del rock ácido de la época, así como también de los hippies y hacer canciones satíricas al respecto, así como también otras de diverso corte cómico, así como también sus "conciertos" que en realidad fueron más como fiestas privadas, en los que los miembros del grupo salían en cuerdas como Tarzán y luego podían colgarse por varios minutos en los amplificadores Fender de NRBQ a todo volumen, haciendo acople con los instrumentos (también propiedad del grupo al que ayudaban), cosa que terminó molestando seriamente a Jimi Hendrix cuando los vio por primera y única vez por allá en Agosto-Septiembre de 1970 mientras estaba de gira por Nueva York.
La canción que presento aquí se llama Don't Talk About My Music, un tema de corte abiertamente proto-punk, pero con letras chuscas y con una música, que se supone, se hizo para parodiar a los grupos de heavy psych como Blue Cheer, Steppenwolf y Iron Butterfly, aunque más bien suena como una parodia al sonido de Detroit y a gente como MC5 y los Stooges.

Gold fue una de las bandas tardías del sonido de San Francisco, formada en 1967, pero logrando su mayor periodo de actividad hasta la época de declive del hippismo e idealismo del Verano del Amor, su estilo se conformaba por ser una mezcla entre Santana, Quicksilver Messenger Service y Big Brother and The Holding Company, aunque también parece que bebieron de Blue Cheer y de la escena de Detroit, tal y como lo atestigua su único material publicado en su periodo de actividad. No Parking es el lado B de su único sencillo de 1970 y es una canción de heavy psych con un sonido que de alguna manera, predice al punk por unos años, con una asperísima guitarra que vomita fuzz y un ritmo veloz, derivado del garage rock sesentero.


Los Five By Five venían de Magnolia, Arkansas, su labor es más conocida por haber sido un grupo de garage psicodélico de los 60's y por su relativo éxito que tuvieron con su versión de Fire de Jimi Hendrix, con la que llegaron al modesto #52 de las listas de popularidad gringas, pero en 1970 deciden imbuirse en un sonido más pesado y más psicodélico, con este sencillo llamado 15 Going on 20, que es un tema en el que parece ser que absorbieron por completo al sonido de Detroit, aunque también habría que decir que el grupo no se despegó por completo de sus influencias sesenteras, ya que aquí todavía se respira ese olor a incienso y hachís, aunque también nos da un buen indicio que nos traza el camino del garage y la psicodelia rumbo a tendencias que nacerían más adelante, en este caso, el punk.

Los Yesterday's Children al igual que muchos de los casos que veremos a lo largo de los volúmenes de la recopilación, pero especialmente en el 4, que vendrá dividido en 3 discos, empezaron como una banda de garage rock que abiertamente coqueteaba con la psicodelia de tintes "orientales" (seguramente por influencia de los Yardbirds) e incluso dentro de esta faceta, llegaron a sacar un sencillo en 1966. Ellos venían de Cheshire-Prospect, Connecticut y en 1970, al firmar con la reciente disquera llamada Map City, les tocó ser parte de la oleada de bandas de heavy psych proveniente de la costa este de Estados Unidos, en la que también se encontraban Banchee, Sir Lord Baltimore, The Illusion, Morgen, Dust y Euclid, aunque el estilo de Yesterday's Children es muy distinto al de esas bandas, pues al parecer, ellos bebían tanto de Led Zeppelin y Cactus como de Blue Cheer y de los grupos de Michigan, por lo que simultáneamente podían ser crudos, ásperos, bluseros, pesados, garajeros y psicodélicos, con un vocalista que intenta hacer su mejor impresión de Robert Plant, aunque los resultados finales sean más meritorios porque no se trata de una calca, sino de una gran influencia, así mismo, los guitarristas resultan ser excelentes a la hora de construir riffs machacantes y hacer solos estelares, como en esta canción que comienza con un riff que se adelanta al menos unos 7 años a lo que harían Motorhead, pero que rápidamente se mueve a los territorios de MC5, los Stooges y Blue Cheer para que al final terminen entre un heavy blues tipo Led Zeppelin y en una breve parte suavecita. Ahora sí que solo los grandes pueden hacer cosas como estas.

Dust venían de la ciudad de Nueva York y al igual que varios de sus contemporáneos, se dedicaban a los sonidos pesados de la época combinados con algunas influencias de la psicodelia y guiños muy abiertos hacia el rock sureño y el country rock, cosas que explorarían más en su segundo disco (que sería el más irregular de los dos que sacaron), también hay que destacar que entre sus filas se encontraba el baterista Marc Bell, que luego tendría una carrera más exitosa al unirse con los Ramones y sería más conocido como Marky Ramone.
Parece que Dust absorbieron influencias bastante diversas, entre las que escucho en su primer disco son: Led Zeppelin, Black Sabbath, Blue Cheer y los Allman Brothers, y en esta canción hay ecos de todas esas bandas y hay pequeñas partes con cierto aroma a flamenco, hasta con guitarras españolas.

 Kanaan fue en realidad el proyecto de estudio del guitarrista y compositor David Waldon y grabó y editó este sencillo en 1971 (y NO en 1969 como se suele acreditar en diversas fuentes del internet), el grupo se formó en Daingerfield, Texas y nunca tuvo ningún concierto.
Leave It tiene un sonido muy similar a lo que estaban haciendo más o menos por este tiempo, el grupo neoyorkino Sir Lord Baltimore, incluso la voz gritona recuerda mucho a la del difunto John Garner, aunque David Waldon en lugar de tocar muy distorsionado, experimentó más con el flanger.



Este es uno de los grupos clásicos que no necesitan presentación, pero de todas maneras hablaré un poco sobre ellos. Sir Lord Baltimore se formaron en 1968 en Brooklyn, Nueva York, justo en la época en la que el guitarrista Louis Dambra también hacía su labor con el grupo de garage psicodélico The Koala, que lanzaría su debut en el tardío 1969. Con influencias de Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Cream, los Who, Blue Cheer y Vanilla Fudge, Sir Lord Baltimore lograron sacar dos discos en su primera etapa, el primero fue Kingdom Come de 1970 y su homónimo de 1971, logrando consolidarse entre la emergente escena del heavy psych de la costa este junto con otras bandas que he mencionado.
El tema que les traigo es el homónimo de su primer disco, la cual es notoria por el bajo distorsionado de Gary Justin, encargado de hacer riffs verdaderamente pesados, mientras que la labor guitarrera de Louis Dambra nos trae a lo mejor del heavy psych de la época, mientras que John Garner además de ser un baterista frenético, fue un vocalista con mucha actitud y una gran voz.

A Euphonious Wail eran originarios de Santa Rosa, California, una ciudad ubicada en la bahía de San Francisco y que al igual que otras ciudades del norte de California, no fueron ajenas al fenómeno contracultural que se dio dentro de San Francisco en los 60's. Logrando abrirles a grupos como Steppenwolf y Black Sabbath, ellos no lograron debutar hasta 1973, cuando el sonido de San Francisco estaba casi muerto y ellos ya habían absorbido influencias provenientes del hard rock, el funk y el rock sureño, por lo que su único disco es una mezcla de todo eso con el moribundo rock ácido sanfranciscano, y en la canción que incluyo aquí, hay mucho paralelismos con Sir Lord Baltimore, pero con órgano incluido.


Masalla fue algún grupo desconocido de Miami, no hay fotos de ellos, ni información al respecto, pero lo que sí se sabe es que este sencillo fue editado en 1970 y es curiosa la introducción, ya que la canción comienza con un viejo espantado mencionando todo lo que hacían los jóvenes en sus fiestas en aquellos años como fumar marihuana, tener sexo y otras cosas que hacían esos horribles greñudos psicodélicos y luego el grupo comienza con un potentísimo heavy psych que nos vuelve a recordar al power trio neoyorkino de Kingdom Come, pero con la diferencia de que son aún más crudos y duros, además de tener una muy mala producción (si es que la tuvo, porque suena a un demo grabado en el garaje de alguno de sus miembros), también habría que mencionar que las letras tienen similitudes con la de American Woman de los Guess Who, pero con la paradoja agregada de que la mujer protagonista es además de todo, lesbiana.

Groundshaker eran de San Francisco, pero se trasladaron a los Ángeles, donde al parecer, tuvieron una mejor aceptación por parte del público. Grabaron todo un demo entre el 71 y el 72, el cual terminó siendo editado en el 2007 por la disquera Red Lounge Records. El sonido de Groundshaker recuerda bastante al de Blue Cheer y al de Sudden Death, aunque tal vez no tan oscuro y además, habría que decir que Groundshaker no eran grandes compositores, ni siquiera para el estilo que manejaban, pero aquí incluyo, la que considero, su mejor composición.



Ya hemos hablado de Sudden Death por aquí, ellos venían de Pasadena, California y con sus influencias de Blue Cheer, Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple, lograron grabar todo un demo en 1972, el cual mandaron a la disquera Epic y fue rechazado por ser considerado "demasiado psicodélico", luego estas grabaciones serían editadas por la disquera Rockadelic en 1995.
El tema que les traigo se llama The Zoo, el cual tiene similitudes tanto con Sir Lord Baltimore como con Bedemon, Stone Garden, Black Sabbath, Led Zeppelin y las bandas de Detroit, además de que las letras hablan de como el narrador de la canción recuerda como en su niñez todo era color de rosa hasta que crece y se da cuenta de que todo es una mierda y que los zoológicos no son más que entretenimiento basura.

Esta canción está extraída del volumen siete de la recopilación Brown Acid de Riding Easy Records. Este extraño grupo llamado Pegasus, originario de Baltimore, Maryland tan solo sacó este sencillo en 1972, con un sonido muy influenciado por Black Sabbath y con un sonido que recuerda al Pentagram setentero, como ya lo veremos más adelante.




Los siguientes temas corresponden a Pentagram y otros grupos relacionados a ellos como Bedemon y Space Meat, así como los mismos Pentagram cuando se hacían llamar Macabre. Pentagram es sin duda, la mayor y más importante banda del doom metal, pero en sus inicios, fueron más bien un grupo de heavy psych influenciado por Black Sabbath y otros grandes de la época, y a pesar de haber grabado varias canciones, al parecer, nunca lograron tener un contrato para publicar un disco en su momento, pero aún así, gracias a varias de las recopilaciones que han salido, hemos podido escuchar todo este material que dejó la banda, así como los demos de Bedemon, Space Meat (o Stone Bunny) y Shades of Darkness. Pentagram es sin duda la prueba histórica de como el heavy psych parió directamente al doom metal.


Arrogance es un grupo originario de Chapel Hill, Carolina del Norte, formado en el 69. Son considerados como antecesores del rock alternativo debido a que el grupo, a pesar de tener considerable popularidad, siempre se mantuvieron en un bajo perfil. En 1970, sacaron su primer sencillo, que muestra al grupo en su faceta de heavy psych (luego cambiarían su estilo por el country rock), en la que también optaban por letras de corte oscuro, como la canción que les presento, que hace referencia a la peste negra, la pandemia de peste que mató a aproximadamente el 40% o más de la población de Europa en la edad media. Musicalmente, me recuerda bastante a los Bulbous Creation, así como al grunge de los 90's, pero más oscuro y psicodélico, mientras que las letras representan a ese pesimismo post-hippie que caracterizaría al heavy psych como el último bastión de la contracultura de los 60's.

De los Bulbous Creation ya hemos hablado, por lo que citaré mi reseña cuando hablo de esta canción:
"Let's Go to The Sea, posiblemente la obra maestra del disco, oscura como pocas. Es aquí en donde les pido que se olviden de falsificaciones como el disco de Jacula. Esta es una música que de verdad no escucharía a altas horas de la madrugada, por su sonido macabro, tétrico y espectral, y por si les quedaba la duda de por qué ingeniosamente los de la Rockadelic pusieron en la portada y la contraportada a esqueletos bastante tétricos, pues escuchen esta rola, estoy convencido que es una de las obras más escalofriantes y macabras que se hayan hecho en esa época, y un gran ejemplo de como los viajes de LSD se pueden convertir en una experiencia aterradora con imágenes atroces. También hay que destacar como Alan Lewis suena extremadamente similar a Stacy Sutherland e incluso en esta canción hace uso de unas reverberaciones muy similares a las que el guitarrista texano usó en el disco Bull of The Woods de 1969, se podría decir que Lewis suena aquí como su gemelo siniestro, también esta es la canción donde más se escuchan similitudes con un grupo llamado Stonehenge, que sacaron un sencillo en ese mismo año (1971, valga la redundancia), con un sonido casi igual de oscuro."


Stonehenge fue un grupo de Clinton, Iowa, el cual empezó sus andanzas en el garage rock, sus conciertos los hacían mayormente en bailes de secundaria y cosas por el estilo, pero a fines de los 60's, al escuchar a Grateful Dead y Jefferson Airplane, cambiaron su estilo al rock ácido pero a diferencia de sus contrapartes sanfranciscanas, lo empezaron a tocar de una forma pesada y oscura, además de incluir en sus letras referencias literarias a J.R.R. Tolkien y a Dante, por lo que es interesante escuchar que a diferencia de muchos de sus contemporáneos, Stonehenge apenas tenían una ligera distorsión en sus guitarras a la hora de hacer solos, el resto de tiempo estaban muy limpias, pero aún así lograron sonar oscuros, macabros, depresivos, nihilistas, pesimistas, pesados y psicodélicos, todo al mismo tiempo, hasta me atrevería a decir que por momentos podrían sonar hasta más macabros que Black Sabbath. Así que aquí hay una gran lección para aquellos grupos que tocan con los amplificadores Orange asquerosamente distorsionados.

Otro grupo que nos da una lección de como sonar oscuros y pesados sin la necesidad de sobresaturar la guitarra.
Stoned Mace, originarios de Attica, Indiana, estaban obsesionados con la edad media y los soldados de ese periodo histórico, aunque al final terminan romantizando mucho a estos (teniendo en cuenta que según los historiadores, los soldados medievales eran bastante patanes y descuidados), así como con el flamenco, la música árabe y la música de los Spaghetti Western, también hay un tufo de Jefferson Airplane en esta canción.



Fraction es otro clásico que no necesita presentación, pero aún así, hablaré de ellos (aunque es cierto que también he publicado este disco por el blog), ellos eran un grupo cristiano, por lo que sus letras pueden demostrar un fanatismo religioso excesivo, tanto que suenan un tanto oscurantistas y fundamentalistas, pero como sea, musicalmente, Fraction se encontraban entre los grandes, con su heavy psych de sonoridades oscuras que bebía principalmente de los Doors, pero a la vez de Black Sabbath, Love y Iron Butterfly, nos trae un tema que suena a todo un malviaje.




Randy Holden es (valga la redundancia), un clásico que no necesita presentación.
Él, acabando de salir de Blue Cheer, se puso a grabar su disco solista que salió en 1970 y es mucho más pesado que cualquier cosa que hayan hecho Black Sabbath en los 70's. Con su muralla de amplificadores Sunn de transistores, él también representa a ese sonido arquetípico del doom metal: lento, pesado y oscuro.





The Flow fue un power trio de trayectoria efímera originario de la ciudad de Nueva York, liderado por el músico Pete Fine, que luego seguiría su trayectoria como solista y sacaría un disco de folk psicodélico/progresivo en 1974. Lograron grabar un solo álbum en 1972, que en su momento fue editado de forma privada y que después, re-editaría la disquera alemana Shadoks Music con el satírico título de "The Flow's Greatest Hits" que podría hacernos pensar que se trata de una recopilación, aunque en realidad se trata de su único álbum. La canción que incluyo aquí es la que abre su único disco de 1972, que comienza de la forma más pesada y oscura posible, con un sonido que les daría envidia a Black Sabbath, después el rumbo de la canción va por un aspecto más "jazzístico", dándole un sabor muy experimental.


Punch fue un raro grupo originario de la ciudad de Nueva York, del cual no tengo más información de que sacaron este sencillo en el 70, del que dicen que tiene un lado A horrible, que yo no he escuchado, pero bueno. Deathhead es una canción tan pesada como tétrica, hasta parecería una especie de versión siniestra del grupo texano SEOMPI, con una guitarra pesadísima que nos brinda uno de los mejores momentos del heavy psych y una composición que da escalofríos escucharla.


SEOMPI es el abreviado de su larguísimo y pretencioso nombre que era "Self Expression On Musically Potential Instruments". Ellos venían de McAllen, Texas y su especialidad era el heavy psych con ciertos tintes de jazz experimental. Se les conoció en su momento como "el Black Sabbath texano" por su sonido pesado, lento y oscuro, similar al del cuarteto británico. En esta canción suenan bastante pesimistas e incluso la voz suena a llanto, mientras uno de los guitarristas hace unos oscuros riffs con un fuzz.


The Fort Mudge Memorial Dump fue uno de los grupos tardíos de la escena de Boston, se formaron en 1968 y su nombre lo tomaron por un cómic que salía en los periódicos, según mi entendimiento. En 1969 firmaron un contrato con la Mercury, que dio como resultado un disco muy diverso y ambicioso que combinaba variopintas influencias como el rock ácido sanfranciscano, el blues, el folk, el jazz y sonidos pesados, oscuros y lúgubres que se adelantan por un año a lo que harían Black Sabbath, pero con un estilo más psicodélico que incluye fuzz, wah-wah y cintas en reversa.


Image fue otro raro grupo del que ni siquiera se sabe su origen exacto, pero lo que sí se sabe es que editaron este sencillo en 1971.
Esta canción no tiene letras, es mayormente instrumental, comienza con un piano muy tétrico y después sigue una variación del riff de la canción homónima de Black Sabbath tocado con guitarra fuzzeada hasta que la canción se vuelve una locura con percusiones africanas, órgano y coros ritualísticos, recordándonos a los rituales de la religión yoruba (que en latinoamérica se fusionó con el catolicismo, dando variaciones como la santería, la macumba y el vudú).


The Purple Sun fue un grupo de League City, Texas que solo sacó este sencillo en 1971, el cual suena muy anticuado para su tiempo, pues tiene ese sonido post-garajero que hubiese encajado mejor en 1968 o 1969, pero como sea, incluyo este tema aquí por sus letras, que sugieren que el grupo fue posiblemente cristiano y que estaba obsesionado con el tema del "día del juicio final".

Para finalizar, tenemos a este grupo de Clinton, Missouri. Parece ser que nunca tuvieron conciertos, pero lograron grabar este sencillo en 1969, que suena a una versión depresiva y pesimista de lo que yo llamo "early heavy psych", pues hay una clara influencia garajera en su sonido, pero sonando ya a heavy psych, y esa atmósfera de llanto es aumentada por el vocalista, que canta como si estuviese apunto de cortarse las venas, aunque curiosamente la letra ni siquiera habla de esos temas, sino de las guerreras amazonas, pero bueno, por momentos, el grupo suena un tanto adelantado a lo que después se le llamaría "rock gótico" o "dark".



Ahora, a hablar de la portada y contraportada, en la portada tenemos una foto tomada por el fotógrafo Joel Brodsky (el mismo que tomó varias fotos históricas a los Doors, Tim Buckley, Van Morrison, entre otros) para la edición estadounidense del disco Kannibal Komix de un grupo alemán llamado Die Anderen, y para mi gusto quedó perfecta para la portada. En la contraportada tenemos una foto de un cráneo que me encontré por ahí en la red, no recuerdo donde, la cual edité con Corel.

Con esto, el volumen 3 concluye y esperemos que para la primavera del año que viene, se estrene el primer disco del volumen 4.


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