Quicksilver Messenger Service - Quicksilver Messenger Service (1968)

 

Muy buenos días tengan, camaradas, antes de empezar la reseña, debo avisarles que he decidido inaugurar una extensión en Wix de este blog, la cual estaré actualizando, si no me agarra la flojera, semanalmente y los posts que estén allá, también estarán aquí, ya que este blog tiene bastantes años funcionando y pues siendo que ustedes ya están familiarizados con esta versión de Blogger, pues por ahora lo manejaré así, ya después, posiblemente empiece a publicar otras cosas allá y otras acá, aunque no estoy tan seguro, ya que le veo mucho potencial a Wix, ya que me está pareciendo que su interfaz es igual de amigable que la de Blogger, pero tiene bastantes más y mejores funciones, lo que me está empujando a seguir con Wix, no obstante, con lo que sí tengo dudas es de volver a activar la versión de Wordpress, por su interfaz asquerosamente compleja y su nula flexibilidad en cuanto al diseño de las plantillas, pero si gustan que vuelva, díganmelo en los comentarios.

Sin más que agregar por el momento, comencemos:

Antes de pasar a la historia del grupo, debo platicarles cómo es que descubrí a Quicksilver Messenger Service y resulta ser que la primera vez que escuché algo de su música fue por allá en el 2008, cuando compré un DVD recopilatorio en el tianguis de Tepito de puros grupos californianos, el cual recuerdo que tenía una bonita portada psicodélica y ahí venían un par de canciones de Quicksilver en directo, grabadas en Julio de 1971, cuando el Fillmore West cerró sus puertas para siempre, y esta alineación NO era la clásica, sino una de las alineaciones que encabezaban el guitarrista Gary Duncan y el cantautor Dino Valenti, no obstante, les perdí la pista, aunque no se me olvidaba el nombre del grupo, porque lo solía ver mencionado en posters psicodélicos y en la bibliografía especializada en rock, y fue hasta fines del verano del 2010, cuando opté por buscar sus discos en estudio y la verdad es que no tenía ni la menor idea de qué me iba a encontrar en sus discos, yo lo único que sabía es que Quicksilver Messenger Service era uno de los grupos especializados en el rock psicodélico, particularmente en su variante más viajada y enfocada en los jams, bautizada por el gran Ken Kesey y sus Merry Pranksters como "rock ácido", y desde ese preciso instante que escuché sus primeros dos discos, me empecé a volver fan del grupo y es que uno de los motivos por los que encontré tan fácil escuchar su música era porque ya tenía una buena experiencia escuchando a grupos mexicanos como la Revolución de Emiliano Zapata, el Ritual y los Dug Dug's, que en algún momento, hicieron material de corte similar al de Quicksilver y un tema que particularmente me atrapó fue The Fool, jam de más de 12 minutos del que ya hablaremos más adelante.

En Febrero de 1964, un acontecimiento que cambiaría para siempre el curso de la música popular fue que los Beatles se presentaran en el show de Ed Sullivan en Nueva York, Estados Unidos y los jóvenes músicos gringos que apenas estaban llevando a flote sus carreras solistas como cantautores de folk acústico al tocar en mítines y en universidades de corte izquierdista, enseguida sintieron como los Beatles cambiaron las coordenadas de la música popular, como si se tratara de una especie de repetición de la revolución de Octubre y dos de estos jóvenes músicos -los cuales no se conocían, al parecer- que enseguida entendieron que el futuro estaba en el rock fueron Chet Powers (alias: Dino Valenti) y David Freiberg, y fue Dino Valenti, oriundo de Chicago, Illinois, que al haber estado activo en San Francisco, California, se hizo amigo de un joven guitarrista que llevaba años en el mundo del rock, pero que no la había podido hacer y tenía que vivir en un coche destartalado en el que vendía collares artesanales creados por él mismo, su nombre: John Cipollina, y la idea que Dino tenía en mente cuando formó el grupo era que iba a ser un grupo de rock con guitarras inalámbricas diseñadas para sostener las guitarras, mientras que también iban a tener toda una sección rítmica conformada por mujeres vestidas como indias, cosa que le interesó no solo a John, sino que también a Skip Spence (quien después se convertiría en el primer baterista de Jefferson Airplane y en uno de los guitarristas de Moby Grape), al cantautor David Freiberg y al guitarrista Gary Duncan -quien había estado en el grupo de garage rock The Brogues-, sin embargo, al día siguiente de comentarle la idea a John Cipollina, Dino fue arrestado por posesión de marihuana y la alineación de ese grupo apenas estaba tomando forma cuando Skip Spence y David Freiberg -un viejo amigo de Dino- se unieron y poco después también se uniría Gary Duncan, no obstante, al grupo le faltaba un baterista y por recomendación de Marty Balin, quien era dueño de The Matrix, el club donde ensayaban, le sugirió a Skip Spence pasarse a la batería, aunque al parecer, no duró mucho tiempo como baterista y fue suplido por Greg Elmore -un viejo compañero de Gary Duncan en The Brogues- y pronto también se uniría el guitarrista rítmico Jim Murray -un viejo conocido de John Cipollina-, por lo que la alineación original de Quicksilver Messenger Service quedaría bien formada y el grupo debutaría en Diciembre de ese mismo año en la fiesta de navidad del grupo de comedia The Committee, sin embargo, aún les faltaba algo: Tener un nombre y en una reunión surgió su peculiar nombre en un ejercicio creativo en el que se vió involucrada la astrología:

A Jim Murray y David Freiberg se les ocurrió el nombre. Yo y Freiberg habíamos nacido el mismo día (24 de Agosto), Gary y Greg habían nacido el mismo día (4 de Septiembre) y Murray era Géminis. Tanto los Virgo como los Géminis son regidos por Mercurio, y otro nombre de Mercurio (en Inglés) es "Quicksilver". Entonces, Mercurio es el mensajero de los dioses y Virgo es el sirviente, así que Freiberg dijo: «Oh, Quicksilver Messenger Service»

-John Cipollina

Y así, Quicksilver Messenger Service se convirtió en uno de los grupos más populares y más importantes de la naciente escena de San Francisco, la cual se caracterizó por mezclar sus influencias provenientes del rock and roll, el blues, el folk y el jazz dentro de un contexto influenciado por la contracultura creada por los beatniks y el consumo de sustancias psicodélicas como el LSD y la marihuana, y entre sus exponentes más importantes, se encontraban también The Charlatans, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Moby Grape, Big Brother & The Holding Company, Country Joe & The Fish, entre otros, por lo que Quicksilver Messenger Service se volvió en uno de los grupos más recurrentes en los recién creados recintos musicales como el Carousel Ballroom (luego transformado al Fillmore West), el Avalon Ballroom, el Winterland y The Matrix, lugares en los que se acompañaba a la música del grupo con baile y con un show de luces psicodélicas, así como también la publicidad estaba basada en un Art Nouveau visto desde una perspectiva de los viajes de ácido, y tan importantes fueron, que los invitaron a tocar en el Festival Internacional de Pop de Monterey, celebrado en Junio de 1967, justo para darle la bienvenida al "Verano del Amor". En ese mismo año, Jim Murray decidió salirse del grupo para irse a la India a estudiar cítara, por lo que el grupo quedó reducido a cuarteto y algo que le faltaba a la banda para triunfar era un disco, por lo que se vieron finalmente obligados a firmar un contrato con Capitol Records y comenzarían a grabar lo que sería su primer álbum a fines de 1967, completándolo a principios de año y saliendo al mercado en la primavera de 1968, no obstante, el grupo ya había grabado un par de temas para el soundtrack de la película Revolution, el cual fue editado por United Artists.

Se podría decir que Quicksilver Messenger Service es el arquetípico disco de rock ácido sanfranciscano, sin embargo, lo que lo hace distinto a otros discos de la misma escena es que mientras Jefferson Airplane y Big Brother & The Holding Company le apostaron a una versión más "domesticada" o "estandarizada" al adaptar sus canciones a la duración estándar y al escribir canciones con estribillos más o menos pegajosos que acercaban a ambos grupos al pop, así como Grateful Dead podían desenvolverse en unos jams de corte muy experimental y que podían acercarse a la música concreta por momentos, Quicksilver Messenger Service solían tener una muy marcada influencia del blues, el jazz y el flamenco, por lo que sus canciones están cubiertas con un aura mística y algo dramática que evocan siempre tanto a las películas del Spaghetti Western como a la arquitectura medieval española, todo esto bajo el influjo de las drogas psicodélicas, igualmente algo que debo mencionar es que los jams de Quicksilver Messenger Service, en comparación con los de Grateful Dead, estaban altamente planeados, es decir, eran casi composiciones.

El disco abre con Pride of Man, una vieja canción de protesta del cantautor Hamilton Camp, que bajo sus metáforas de corte bíblico esconde un mensaje en contra de la guerra y las armas nucleares, y el hecho de que Quicksilver la incluyeran en su primer disco se remonta al hecho de que David Freiberg la solía tocar cuando él aún era un cantante de folk, y Quicksilver Messenger Service supieron darle un tratamiento psicodélico que curiosamente también incluye algunos discretos arreglos de metales muy en la línea de Electric Flag, las excelentes y dramáticas armonías vocales de David Freiberg (baritenor) y Gary Duncan (tenor dramático), la siempre precisa y cuadrada batería de Greg Elmore y por supuesto, la esplendorosa y lisérgica Gibson SG de John Cipollina. Temazo de pies a cabeza.

Le sigue Light Your Windows, una composición propia de David y Gary, que sigue la misma tendencia de ese rock ácido de corte dramático que el corte anterior, aunque esta vez con más influencia del jazz, y de nuevo, todos los integrantes destacan en lo que mejor saben hacer. Espléndido.

Dino's Song es como dice el título, una composición de Dino Valenti (quien cabe mencionar, también fue el compositor del himno hippie Let's Get Together, versionado por una infinidad de grupos y artistas, entre ellos Jefferson Airplane, los Youngbloods y The Yankee Dollar) y es la canción que rompe con el dramatismo de las canciones anteriores y le trae una parte de alegría hippie algo popera al disco, que algo que me extraña es que no la eligieran como tema del primer sencillo del grupo, ya que curiosamente, suena bastante "comercial" y tenía todo para volverse como mínimo, un éxito mediano que pudo haber entrado a las listas de popularidad, pero bueno. Esta canción la interpretaron también en el Festival de Monterey en Junio de 1967, por lo que fue una excelente inclusión en el disco, teniendo en cuenta que tenía menos de un año que el grupo había estado en dicho festival. Excelente.

Y por fin llegamos al primer jam del disco, Gold and Silver, que muestra a un Quicksilver en una faceta más jazzística e influenciada por Dave Brubeck y su icónica Take Five, aunque cabe destacar que tampoco se olvidan de su característico sello psicodélico y rocanrolero que queda patente en los solos de Gary Duncan y John Cipollina que van avanzando a lo largo de la canción, y es con este tema que dejan bien en claro el motivo por el que sus presentaciones en directo eran tan aclamadas y amadas por los hippies. Obra maestra.

It's Been Too Long es de nuevo, rock ácido alegre con una estructura de blues, compuesto por el gran Nick Gravenites, aunque atribuida al representante del grupo Ron Polte por razones contractuales, en donde de nuevo, David Freiberg y Gary Duncan se lucen por sus armonías vocales, Greg Elmore por tocar siempre cuadrado y preciso y John Cipollina con sus arreglos y solos psicodélicos que lo posicionaron como uno de los mejores guitarristas de la escena sanfranciscana y también, como uno de los guitarristas de rock más injustamente olvidados de los 60's. Espléndido.

Por fin hemos llegado al final del disco, que no podía cerrar de mejor manera que con un jam de más de 12 minutos que se titula The Fool, y es aquí donde Quicksilver nos muestran que no simplemente era grandes instrumentistas, sino, grandes improvisadores de una mentalidad altamente psicodélica que lograron mezclar de manera elegante y magistral, lo viajado y lo atmosférico con lo refinado, lo dramático, lo sesudo y lo épico, que curiosamente, esto último es la mejor descripción que encontré para esta magistral obra en la que convergen las influencias del flamenco y de los soundtracks de Ennio Morricone bajo la estética del rock ácido más guitarrero, el cual está comandado por las guitarras de Gary (primera parte) y John (segunda parte), así como también Greg Elmore demuestra ser capaz de hacer patrones rítmicos complejos pero siempre sólidos y precisos sin caer en excesos patéticos, así como también algo a destacar es que David suena muy arabesco en su interpretación vocal y por supuesto, no podemos olvidarnos de la rica instrumentación que tiene este tema, el cual incluye piano, guitarras acústicas, panderos, coros femeninos y un solo de viola tocado por David Freiberg. Y así finaliza uno de los mejores discos de los 60's, con una verdadera joya olvidada. Obra maestra de principio a fin.

P.D. Algo que olvidé mencionar es que este disco había sido publicado por primera vez en el blog en Enero del 2011 junto a la mayor parte de la discografía del grupo, no obstante, esta es la primera vez que se publica este disco en un formato sin pérdidas por aquí.

DESCARGA

Bob Smith - The Visit (1970)

 

Muy buenas tardes tengan todos ustedes, antes de comenzar, quisiera hablar sobre el blog y el regreso que ocurrió hace 2 semanas, pues resultó ser que las visitas en el post de Farm no fueron las esperadas en la primera semana, sin embargo, eso no me hizo cambiar de planes con respecto a la actividad del blog, pues entiendo que el simple hecho de que estuvo inactivo durante 11 meses también influyó en ello, pero bueno, no es la primera vez que me ausento durante casi un año, de hecho, desde enero del 2012, cuando el gobierno gringo logró tirar a MegaUpload, la actividad del blog ha sido muy esporádica y errante, y el intento de regresar a la actividad del año pasado, terminó abruptamente el 9 de Octubre y eso hizo que muchos discos que tenía en mente para reseñarlos, quedaran pendientes de reseñar, por lo que el especial de los 50 años de Avándaro en realidad no ha terminado, aunque ahora ya no funcionará como especial, sino que iré publicando los discos posteriormente, ya que muchos de esos álbumes no los he vuelto a escuchar desde hace mucho tiempo y la forma tanto en la que escucho la música como en la que hago mis reseñas es muy distinta a la que tenía en mi adolescencia, pues en aquel entonces, en la época entre cuando inicié el blog en el 2009 y me retiré por un tiempo en el 2013, fueron años de mucho aprendizaje y producción de reseñas, pero lamentablemente me atrevo a decir que no fueron años de mucha calidad que digamos y es que en esa época de mi vida, la costumbre que tenía era la de descargar discos a lo bestia y hacer largas sesiones de escucha de discos, y esto me ayudó mucho, a que por ejemplo, durante el periodo que conformó de Agosto del 2010 a Abril del 2011, el blog tuviera su época más activa y prolífica, sin embargo, lo que critico de esa época es que a pesar de mis escuchar largas de música en la que solía escuchar como 6 discos al día y luego entre esos 6, podía elegir como 4 o 5, para subirlos en la noche y hacer, por lo general, unas reseñas que no solo pecaban por su brevedad, sino por la mala redacción y porque en aquel entonces solía tener opiniones bastante bobaliconas y poco informadas, esas escuchas no fueron lo suficientemente buenas, lamentablemente, pues a pesar de tener el tiempo y la paciencia para pasármela escuchando música sin parar, yo no tenía los recursos teóricos, críticos y de apreciación musical suficientes y también mi redacción era una porquería, no solo por las faltas ortográficas, sino porque además de que mis opiniones eran bastante elementables y subjetivistas, solía recurrir mucho al léxico y a la jerga de mi país (México) -más conocido como "Caliche" o "Caló"- por lo que era común encontrarse con leperadas y otras palabras por el estilo en mis reseñas, y por si no fuera poco, en aquel entonces, al ser un adolescente idiota, también fui demasiado influenciable por las opiniones de otros bloggeros y de la gente con la que me llevaba en aquel entonces, cosa que fue también desastrosa, porque lamentablemente tuve un periodo en el que mis reseñas fueron peores que nunca, ya que en ese momento particular (2011-12) fui muy influenciable por la gente con la que me juntaba, por lo que adquirí ciertas costumbres que fueron más que nada un detrimento creativo en mis reseñas y selección de discos para publicar, cosa que al final terminé agradeciendo, porque su influencia significó un obstáculo creativo y un breve momento de decadencia de este blog y eso hizo que terminara regresando a lo que había dejado inconcluso en el verano del 2011, y a pesar de que ahí fui produciendo cada vez menos reseñas e incluso decidí tomarme un descanso a finales de ese año (2013), mis reseñas empezaron a mejorar y para el 2014 cada vez eran mejores, porque estaban más documentadas y más pensadas y con el paso del tiempo, esas mejorías han ido mejorando también, pues dos cosas que me ayudaron muchísimo fueron que empecé a leer más filosofía -particularmente teoría crítica marxista/hegeliana y psicoanálisis lacaniano- y que empecé a juntarme con gente que pudo aclararme mis propias opiniones sobre la música, y estas mejorías pues también estuvieron acompañadas de cambios en mi vida que me impidieron estar escuchando música todo el tiempo y organizar mejor mis horas de sesiones de escucha de discos, igualmente, algo que sucedió fue que en este proceso tuve que escuchar la música con mucho más detenimiento y en este, hacer un mayor esfuerzo intelectual para entenderla, por lo que mis reseñas ya no pueden ser tan breves, por el contrario, tienen que ser largas y para eso no solo tengo que estar muy inspirado, sino que también es un constante combate conmigo mismo, porque siempre lo que busco es algo que me satisfasca y eso es bastante complicado, es por eso que me tengo que tardar con las reseñas, porque tengo que hacer unas escuchas detalladas y una reseña que me convenza.

Por otro lado, algo que tengo que avisarles es que el diseño del blog cambió otra vez, debido a que había tenido algunas quejas sobre el diseño anterior, que dicho sea de paso, precisamente lo hice con el fin de que los textos no se confundieran y fue por eso que el fondo, a pesar de ser psicodélico, era un fondo oscuro y el texto era blanco, pero aún así seguí recibiendo quejas, por lo que decidí poner un fondo con colores claros y el texto negro, con el fin de que las quejas pararan. Sin más que agregar, comencemos.

Antes de pasar a la parte biográfica y la reseña, quisiera hacer un comentario personal al respecto, y es que el simple hecho de querer hacer que este blog volviera a funcionar, me hizo tener que volver a revisar mi extensa colección de discos que tengo guardada en mi disco duro externo y mi computadora, por lo que me encontré con muchos álbumes que no había escuchado durante años, que tenía a medio escuchar, que no les había puesto la atención necesaria o que de plano no había escuchado para nada, y fue así, que por ejemplo, resurgió el disco de Farm, que fue un álbum que descubrí por allá en el 2013 y que me había gustado mucho por su estilo influenciado por Quicksilver Messenger Service, sin embargo, pasaron años que no lo volví a escuchar de nuevo y ahora en Julio, lo redescubrí, e igual, en Agosto y Septiembre redescubrí otros, como el debut de Moby Grape, una recopilación del grupo texano The Conqueroo y este disco de Bob Smith, el cual ya lo tenía localizado desde el 2012, si no mal recuerdo, sin embargo, nunca pude escucharlo completo, siempre había algo que me impedía hacerlo, por lo que el sábado, ya teniendo casi lista la reseña para la recopilación de The Conqueroo, me puse a escuchar The Visit una vez más y a pesar de que tampoco lo escuché completo, sino que solo escuché la mitad del álbum, quedé tan impresionado por la calidad de la música, que de última hora descarté a The Conqueroo y opté por Bob Smith, y debo decir que no es un disco tan fácil de reseñar, pues es un disco que requiere mucha atención y (aunque suene estúpidamente pretencioso esto que voy a decir) un esfuerzo intelectual importante, porque es un álbum con un material que vale muchísimo la pena de escucharse y ese es el motivo por el que me tardé un poco para publicar esto, así que sin más que decir al respecto, espero que lo disfruten mucho y ¡Buen provecho!

No hay gran información sobre Bob Smith, pero lo que sí sé, es que estuvo en numerosas agrupaciones angelinas, como The Lid, Silverskin y Laramie, aunque sin estar contento con ninguna de las bandas donde participó, decidió hacer este ambicioso proyecto solista en el que reclutó a los tecladistas Daryl "Captain Keyboard" Dragon -más conocido como "el Capitán" del grupo de pop setentero Captain and Tenille, el cual tendría algunos éxitos importantes- y Don Preston -este último, proveniente de los famosos Mothers of Invention de Frank Zappa-, al baterista John "Skip" Schneider -proveniente de Silverskin-, al bajista John Lantini, al percusionista James Curtis, al flautista Stan Keiser, al violinista Larry Chapman y al guitarrista rítmico Mike Degreve, todos ellos excelentes músicos que pudieron cumplir con lo que Bob necesitaba y así, durante 4 meses pudo por fin grabar todo lo que había estado componiendo durante 3 años consecutivos. Bob seguiría grabando demos que yo no he podido escuchar y se murió en el 2007, según Rate Your Music.

The Visit fue editado en Septiembre de 1970 por la disquera Kent, que dicho sea de paso, era una disquera dedicada exclusivamente al blues y es de ahí que se puede dar por hecho que ese fue el motivo por el que la producción de este álbum sonase tan lo-fi, pues en aquel entonces, las disqueras de blues y country de Estados Unidos, empezaron a abrir sus puertas a los grupos y/o músicos de rock, ya que vieron un potencial en entrar al mercado del rock al ver que grupos como los Doors, Jefferson Airplane, Cream, Hendrix, entre otros, estaban arrasando en las listas de popularidad y los jóvenes inspirados por estos grupos, formaban a los propios que también tocaban psicodelia, sin embargo, mientras que en las disqueras grandes como EMI, Capitol, RCA, Reprise, Atlantic, ABC, MGM, entre otras, tenían la última tecnología en sus estudios de grabación para grabar toda la música que pudieran, pero los estudios de grabación de blues y country, seguían teniendo una tecnología algo atrasada y los productores tampoco tenían mucha idea de cómo hacer un disco de rock, por lo que la mayor parte de los intentos de estas disqueras por hacer álbumes de rock, tuvieron una producción bastante lo-fi en comparación con las de las disqueras grandes y con las locales que se dedicaron al rock.

The Visit es un álbum ambicioso, novedoso, distintivo, creativo, melódico, cerebral, etéreo, atmosférico, cinematográfico, ecléctico y muy, pero muy psicodélico, en el que convergen de una manera única el rock ácido, el pop psicodélico, el pop barroco, el heavy psych, el folk psicodélico, el blues, el jazz, el rock "latino", la música tribal y el raga rock a través de una instrumentación muy poco usual para la psicodelia gringa, pues además de tener los típicos instrumentos de rock (guitarra, batería, bajo y órgano), hay vibráfono, sintetizador Moog, melotrón, congas, flauta, violín y cítara eléctrica, todo ello acompañado con la voz de tenor y la lisérgica guitarra de Bob Smith, cosas que no solo lo hacen estar adelantado a su tiempo en cierto sentido, sino que muestra que la ambición de Bob no era presumir de virtuosismo alguno, sino que todo aquí es usado como vehículo creativo y eso es lo que hace de The Visit una de las obras maestras perdidas de la psicodelia gringa.

El disco comienza con Please, un tema que combina el estilo doorsiano con algunos tintes de heavy psych, pues por un lado tenemos un clavicémbalo muy a la Ray Manzarek, un batería que recuerda a John Densmore por su precisión jazzera y también la forma en la que canta aquí Bob Smith me suena un tanto morrisoniana, sin embargo, también retiene su propia identidad por medio de unos coros muy etéreos, casi celestiales y una guitarra que por momentos suena cercana al heavy psych por su inclusión de fuzz y wah-wah, aunque en el solo termina sonando más a los solos arpegiados de Robby Krieger. Por otro lado, a pesar de no ser la mejor canción del disco, es una excelente manera de abrirlo.

Don't Tell Lady Tonight tiene un comienzo muy a la Fifty Foot Hose o The United States of America pero no nos engañemos, pues se trata de un tema de heavy psych que combina partes más suaves con otras más pesadas y algunas partes más atmosféricas, así como un ácido solo de guitarra con fuzz y wah-wah que curiosamente me recuerda a Martin Weaver de Wicked Lady y Dark, aunque sin la parte depresiva de este, igualmente la voz de Bob Smith tiene aquí mucha reminiscencia de Arthur Lee. Excelente.

Constructive Critique, a pesar de sus bobalicones título y letra, musicalmente es un excelente tema que parece un cruce entre los enormes Ill Wind, los texanos Cold Sun y los neoyorkinos Banchee, pues por un lado tenemos ese sabor a la "costa oeste", lo atmosférico de texas y la parte alegre de Ill Wind que se nota particularmente en el solo, que me recuerda muchísimo al gran Ken Frankel. Temazo.

Llega Ocean Song, un tema de jazz psicodélico pausado, místico, etéreo y atmosférico que incluye un bajo gordo, una batería muy sutil, una guitarra fuzzeada con reminiscencias kriegerianas, un vibráfono y poesía recitada por Bob Smith muy en plan Jim Morrison o Bob Bryden. La música es viajada, flotante y cinematográfica, acompañada de sonidos de olas. Por momentos, me pregunto si el supergrupo de grunge Mad Season no tomó influencia de Bob Smith en Wake Up de su único disco Above de 1996, ya que me suena mucho a él. Obra maestra.

The Wishing Song es un bello tema que comienza como una mística canción de folk psicodélico acústico que incluye la guitarra y voz de Bob, congas como percusión y un melotrón atmosférico y espacial que va acompañando toda la canción hasta que se convierte en un heavy psych que trae un bajo gordo, una batería bien firme y una guitarra con fuzz y wah-wah que suena como a un Mark Farner más cerebral y melódico, para finalmente regresar a la parte de folk y terminar abruptamente con una pequeña parte de órgano. Obra maestra.

Can You Jump Rope es otra obra maestra, esta vez con un estilo de psicodelia medio jazzeada y medio latina que recuerda a los grandes Sweetwater que pronto pasa a una parte de corte medieval para regresar a lo anterior y así dar paso a un solo de guitarra de 12 cuerdas ultra-psicodélico que además incluye wah-wah. La instrumentación también esos coros celestiales, casi monásticos y una flauta omnipresente que definitivamente le da un sabor muy mexicano a la canción, pues precisamente recuerda a grupos como los Dug Dug's y el Ritual, y fue por eso y por tener esa finura durante toda la canción que el buen Adrián Acuario -hijo de Pablo Cáncer- me dijo que este tema bien pudo haber sido firmado por Armando Nava y no puedo estar más de acuerdo.

Latter Days Matter sigue ese estilo de rock ácido medio latinizado, aunque esta vez más "rockero" en un sentido más tradicional en cuanto a la instrumentación, pues aquí no hay instrumentos poco comunes, todo es con la instrumentación típica del rock, sin embargo, hay partes de jazz muy a la Quicksilver Messenger Service y una guitarra ultra-psicodélica que trae fuzz y leslie, una excelente combinación, debo decir y que definitivamente aumenta los aspectos psicodélicos de la canción. Excelente.

Llega el tema más experimental del disco, Indian Slumber que suena entre música tribal, raga rock y psicodelia espacial muy en plan Syd Barrett -Interstellar Overdrive-, el cual incluye una percusión tribal, sintetizador Moog, guitarra eléctrica con wah-wah, vibráfono, cítara eléctrica y violín eléctrico distorsionado. La canción es muy cinematográfica y tiene reminiscencias del krautrock tipo Can, Agitation Free o Faust, pues más que sonar a la India o a algo reminiscente de la música tribal amerindia, más bien suena como si fuese un soundtrack de una película de ciencia-ficción situada en un planeta lejano que en su mayor parte es desértico pero hay una ciudad de extraterrestres tecnológicamente avanzados y si no me lo creen, tendrán que escuchar esto. Obra maestra.

Source You Blues fue posiblemente el tema por el que aceptaron a Bob Smith en la disquera Kent, pues se trata de un blues psicodélico lento que parece un cruce entre el gran Otis Rush y The Fraternity of Man, pues por un lado tenemos la parte melódica y sentimental de Otis Rush, pero también lo ácido de The Fraternity of Man -Blue Guitar-, cosa que muestra que Bob no solo era un gran compositor psicodélico y vanguardista, sino que también era capaz de hacer canciones de corte más "tradicional" sin vampirizar, ni ridiculizar ese tipo de música y eso es de reconocerse, porque eso es también parte de la grandeza de un compositor.

Sunlight Sweet empieza como un blues psicodélico folkeado semi-acústico en el que hay una guitarra con slide y un reverb que le aumenta ese efecto lisérgico, igualmente las letras son de ese tipo, para luego convertirse en raga rock. Es una mezcla extraña incluso para su época, ya que nunca he oído a ningún otro grupo hacer una mezcla de estos dos subgéneros de esta manera y es por eso que esta canción es muy distintiva y peculiar, además de ser un experimento exitoso, incluso si no es la mejor canción del disco.

Of She, Of Things es pop psicodélico que raya con el folk rock que me recuerda un tanto al Da Capo de Love por su finura muy a la Arthur Lee y Bryan McLean, pero de nuevo, Bob lleva a esta canción más allá al introducir un solo de guitarra propio del heavy psych, cosa que hace de este tema algo muy interesante y peculiar. Espléndido.

Mobeda Dandelions es heavy psych funkeado que parece un cruce entre Grand Funk y los Dug Dug's en el que podemos encontrar un solo de guitarra ultra-psicodélico muy a la Gustavo Garayzar y una flauta que inmediatamente recuerda a la de Armando Nava. Si bien este tema no es tampoco el mejor el disco, es muy pegajoso y constrata perfectamente con la canción anterior. Temazo.

The Path Does Have Forks es otro bello tema en el que convergen de manera perfecta el folk psicodélico más dulce con flauta y el heavy psych más guitarrero, pues por un lado tenemos una muy dulce y bellísima melodía que bien podría ser tocada de manera acústica o semi-acústica y por el otro, a un grupo que puede sonar todo lo pesado, guitarrero y machacante que quiera, sin necesariamente vampirizar a la parte más dulce y melódica de la canción, y de nuevo, esto es algo muy, pero muy difícil de lograr y aún así, Bob lo logró, y eso lo pone entre los compositores más impresionantes que he escuchado dentro de la psicodelia en general. Por otro lado, los ecos de los Dug Dug's y el Ritual son más que notorios, aunque me atrevo a decir que ellos nunca llegaron a tanto como Bob Smith. Otra obra maestra y una de mis canciones preferidas de todo el disco.

El disco cierra con broche de oro con Try, Try To Understand, en el que de nuevo el eclecticismo cerebral y creativo hace gala, esta vez en una combinación de rock ácido latinizado, psicodelia mística, heavy psych y algo de influencia del cool jazz, en la instrumentación encontramos aparte de la típica instrumentación de rock, esos coros místicos que son sello de Bob y el vibráfono que le da ese toque de finura y sofisticación jazzística que hace que esta canción sea un magistral cierre para un disco tan bueno.

DESCARGA

Farm - Farm (1971)

Muy buenas tardes a todos, antes que nada, quisiera decir que espero que este regreso a la actividad bloggera sea más duradero que el del año pasado que abruptamente dejé de publicar, pero en verdad no pude concentrarme durante todo este tiempo para escribir adecuadamente y de hecho para escribir esto me ha costado mucho hacerlo, sin embargo tuve que actuar de manera leninista (es decir, de manera oportunista, como diría Slavoj Zizek), ya que por fin me llegó este disco, el cual compré desde hace tres semanas y por fin me llegó hace 2 días desde Barcelona, España, donde están ubicadas las oficinas de la disquera Guerssen, por lo que ese mismo día lo abrí, ripeé el disco, escaneé todo el arte y lo comprimí en un archivo ZIP para subirlo a la red, que por otro lado, quisiera avisar que he tenido que pagar por una cuenta premium de Mediafire, ya que me ofrecieron 2 TB de espacio por el precio de 1, y al ver que el precio era bajo en relación a otros servidores, decidí subir este disco a Mediafire aparte del ya estándar Ulozto.

Antes de pasar a hablar del grupo y su música, quisiera hablar de cómo descubrí este disco y es que resultó ser de una manera muy inesperada, pues un día vi que en la revista digital eslovena It's Psychedelic Baby, publicaron una entrevista con Gary Gordon y una reseña del disco porque lo había reeditado por primera vez la extinta Shadoks Music, por lo que decidí bajar el álbum de Rutracker y era un ripeo de una edición limitada que vendía el grupo en su página, la cual no sonaba nada mal y esa fue la única manera que tuve de escuchar al grupo desde el 2013, ahora puedo escucharlo en un mejor remaster y además, con mejor empaquetado, cosa que definitivamente me hizo querer compartirles esta pequeña y rara joyita de la psicodelia y el blues de Gringolandia, por lo que lo único que me queda decirles es que espero que disfruten tanto la reseña como el disco.

Farm se formaron en Mount Vernon, Illinois en Julio de 1969, justo cuando sucedió lo del hombre en la luna, de una manera completamente espontánea al ponerse a ensayar los guitarristas Gary Gordon y Del Herbert, el bajista Jim Elwyn, el percusionista Steve Evanchik,  y el vocalista Joe Cooper, quién solo estaría un tiempo en el grupo, luego se les uniría el tecladista Roger Greenwalt, y con la alineación ya completada, ensayando, George Leeman -amigo de Gary Gordon y Jim Elwyn- pudo presenciar uno de los primeros ensayos del grupo, por lo que decidió convertirse en su roadie, reparador de amplificadores y representante. Farm influenciados tanto por la psicodelia como por el blues, empezaron a ganarse mucha reputación en su localidad, sin embargo, lo que no acababa de cuajar dentro del grupo y sus ideas era el vocalista Joe Cooper, que en una decisión unánime, decidieron sacarlo del grupo en Mayo de 1971, cuando se trasladaron a la pequeña villa de South Pekin, localizada en Tazewell, Illinois a grabar en los estudios Golden Voice, lo que sería su único disco de larga duración que llevaría un título homónimo, el cual fue editado y distribuido de manera independiente por el grupo.

Durante las sesiones de grabación del disco, los miembros no pudieron llevar todo el equipo que usaban en sus conciertos, ya que era muy vasto y potente, por lo que los ingenieros de sonido del Golden Voice, les recomendaron grabar con un equipo reducido y de menor tamaño, ya que los amplificadores grandes son hasta la fecha, un problema enorme para grabarlos. Del Herbert llevó su Gibson SG del 67-69 y la conectó a un Fender Vibrolux Reverb de 1968 -el cual aún contenía el clásico circuito "Blackface" a pesar de la cosmética "Silverface"- en lugar de su Sunn Solos II, mientras que Gary Gordon llevó sus queridas Rickenbacker 335 y lap con su Sunn Sceptre, mientras que Jim Elwyn tocó su Gibson EB-0 de 1966 en un Sunn 200S, Roger Greenwalt tocó su Hammond M3 con su parlante Leslie y unos cuernos Wurlitzer, Steve Evanchik llevó sus congas y timbales Ludwig y sus armónicas Hohner y Mike Young su batería Ludwig.

 Finalmente, en ese mismo año, Farm tuvo la oportunidad de abrirles a Canned Heat en un concierto en el Illinois State Fair en Springfield, Illinois, el cual fue un concierto muy exitoso para Farm, pues además de entablar una relación con los miembros de Canned Heat, estos les pidieron que los acompañaran en el resto de su gira, cosa que hubiese significado éxito nacional para Farm, sin embargo, Canned Heat se separaron temporalmente y el sueño del grupo terminó abruptamente. En 1972, el grupo tuvo la oportunidad de compartir escenario de nuevo con Canned Heat en el desastroso festival de pop de Erie Canal Soda, celebrado en Bull Island en el río Wabash en el estado de Indiana, el cual terminó en disturbios como incendios, peleas y demás, por la pésima organización que tuvo, además de que no se presentaron la mayoría de los artistas anunciados, dándoles así, un fin catastrófico a los festivales de música al aire libre de los hippies y presagiando que los 60's estaban llegando a su fin (cosa que finalmente pasaría en 1973 con la llegada de la música disco, el punk, el metal, la crisis petrolera y el neoliberalismo), luego en 1973, Del Herbert perdería a un hijo recién nacido, provocando su salida de Farm y la separación del grupo, sin embargo, todos los miembros siguieron colaborando esporádicamente entre ellos y Farm tuvo también dos reuniones esporádicas, una en el 2007 y otra en el 2009. En la actualidad, Gary Gordon sigue activo en la música al tener un dúo de folk con su esposa Roberta, una pequeña disquera llamada Chord Records y una pequeña tienda de instrumentos musicales en su natal Sparta, Illinois.

Ahora sí, a hablar de la música:

Farm es un disco que en sus apenas 28 minutos de duración, podemos encontrar a un grupo con muchísimo talento que no deja espacio para rellenos descarados o excesos que conducen al aburrimiento, por el contrario, aquí lo que podemos encontrar es que el rock ácido sanfranciscano y el blues/boogie rock convergen de manera impecable en unos jams que suenan crudos, grasientos, frescos, cerebrales, melódicos, bluseros y psicodélicos en los que los instrumentos que toman más protagonismo son las guitarras de Gary Gordon y Del Herbert, los cuales tienen una alquimia muy especial que recuerda a los mejores momentos de Quicksilver Messenger Service y de los Allman Brothers, sin embargo, también estuvieron influenciados por Santana, los Beatles, Donovan, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Canned Heat, Ten Years After, Albert King, los Who, entre otros, según cuentan sus miembros, y esto hace que su disco sea muy disfrutable a pesar de que algunos podrían quejarse de que la música de Farm suena algo anticuada para el año en el que salió su único disco y aunque de alguna manera están en lo correcto, algo que debemos tener en cuenta es que en Illinois, la psicodelia sanfranciscana aún estaba vigente, pues por ejemplo, los chicagüenses Mountain Bus sacaron su único disco Sundance en el mismo año que Farm sacó el suyo y los enormes Haymarket Square siguieron activos hasta 1973.

El álbum abre con Jungle Song, un jam instrumental de casi 8 minutos en el que se combinan de manera puntual las percusiones afro-antillanas de Santana, el blues rock de los Allman Brothers y las guitarras psicodélicas de Quicksilver Messenger Service, pues la dupla conformada por Del Herbert y Gary Gordon tienen esa química que nos recuerda a la dupla Cipollina-Duncan, es decir, su forma de improvisar no suena para nada aleatoria, sino creativa, cerebral, coherente y bien coordinada, igualmente el estilo de tocar de Gary Gordon me recuerda a lo mejor de su tocayo de apellido Duncan, cosa que se me hizo muy interesante, por lo que se puede decir que aquí Farm definitivamente pasaron la prueba sobre si son o no, una buena "jam band". Espléndido

Le sigue Let That Boy Boogie que tal y como lo dice su título, es un boogie rock muy movido, enérgico y guitarrero, pues aquí la dupla Herbert-Gordon vuelven a hacer lo que mejor saben y aquí debo decir que las influencias de los Allman Brothers, Canned Heat y Ten Years After se hacen más presentes, sin embargo, su parte psicodélica no la olvidan, pues las guitarras, a pesar de que suenan más veloces y afiladas en este tema, siguen conservando esa esencia psicodélica que caracterizaba al estilo del grupo, y debo decir que esto particularmente me recuerda a un gran grupo de Mansfield, Ohio llamado Top Drawer -del que ya he hecho una reseña por aquí-, cosa que por supuesto, me parece algo muy espléndido y es lo que hace de Let That Boy Boogie uno de mis temas preferidos del disco.

Y aquí viene mi preferida del disco, Sunshine In My Window, que como ustedes se habrán dado cuenta, empieza como un jam de rock ácido muy a la usanza de Quicksilver Messenger Service (Gold and Silver), en el que Del Herbert hace su mejor impresión de John Cipollina, sin embargo, termina convirtiéndose en una balada más lenta, que recuerda simultáneamente a Top Drawer (Song of a Sinner) y a los Allman Brothers, cosa que se les agradece mucho, pues aquí los contrastes suenan tan bien que es increíble que un grupo de adolescentes pudiera lograr algo tan bien hecho a pesar de su corta edad, mostrándonos así el potencial creativo del grupo que lamentablemente no pudieron explorar más al separarse 2 años después. Magistral.

Cottonfield Woman parece que por un momento será una canción de heavy psych, ya que el riff es muy similar al de Never In My Life de Mountain, sin embargo, el tema termina siendo un blues psicodélico muy guitarrero en el que de nuevo, noto la similitud con Top Drawer -que a pesar de que debutaron un año después, tenían unas guitarras muy similares- aunque también puedo notar que la influencia de QMS y los Allman sigue presente, aunque en menor nivel. Magistral.

El disco cierra con Statesboro Blues, un estándar del blues rural de Blind Willie McTell que inmortalizaría por primera vez el gran Taj Mahal en 1968 y que luego de ahí, pasaría a ser un tema grabado tanto por los Allman Brothers como por Farm, y aquí el grupo se olvida por un momento de la psicodelia para meterse de lleno al boogie y es aquí donde Gary Gordon se luce particularmente con su excelente guitarra lap con slide, recordando así no solo a los Allman, sino que también recuerda a los mejores momentos de Canned Heat, al Devil's Kitchen (uno de los grupos olvidados del sonido de San Francisco) y a los grupos de pub rock británicos de la misma época, por lo que lo único que me queda decir es que es una forma impresionante de cerrar un disco tan corto y tan agradable.

¡Buen provecho!

DESCARGA

Los Dug Dug's en Avándaro, 11 de Septiembre de 1971

 

Ray Brazen, un seguidor gringo incondicional de los Dug Dug's, nos hizo el favor de compartir el concierto completo del grupo en el Festival de Avándaro, el día 11 de Septiembre de 1971 y debo decir que estoy impresionado con la interpretación de la banda, porque si bien, en estudio demostraron ser todos unos maestros, en vivo también tocaban de manera excepcional y estoy seguro que haberlos escuchado en alguna tocada tanto en la pista de hielo Insurgentes como en los hoyos debió haber sido toda una experiencia, sin embargo, puedo decir sin temor a equivocarme, que a pesar de que no es lo mismo escuchar un audio de un concierto que estar presente en él, puedo decir que los Dug Dug's han seguido siendo un grupazo a la hora de tocar en vivo de acuerdo a esta grabación, y algo que debo mencionar por aquí es que algo que confirmó mis sospechas fue que en verdad estaban a la altura de muchos grupos anglosajones importantes, pues no es difícil escuchar en Stupid People como Beto Escoto en la batería le da un sonido muy cercano al de los primeros discos de Grateful Dead, así mismo, aquí Armando Nava recuerda simultáneamente a guitarristas como John Cipollina y Jerry García a la hora de solear (él hacía los solos sin fuzz) mientras que Gustavo Garayzar sonaba increíblemente cerca de los guitarristas de heavy psych provenientes de Estados Unidos con su fuzz que en verdad sonaba con mucho carácter, igualmente los jams tienen el mismo efecto que los de los grupos de San Francisco, es decir, están claramente estructurados como melodías largas e instrumentales que recrean la experiencia psicodélica, en lugar de ser ocurrencias aleatorias sin pies ni cabeza, cosa que fue una muy grata sorpresa para mí, por lo que me atrevo a decir que esta es una de las mejores grabaciones en vivo que he escuchado y con este leak, espero que pronto salgan a la luz las demás presentaciones completas del resto de grupos que estuvieron en el festival, aunque siendo sincero, dudo que todas estén al mismo nivel, ya que por ejemplo, pude escuchar algunas grabaciones del Three Souls In My Mind en vivo en una estación de radio, además de su disco en el reclusorio norte de 1978 y siendo honesto, me sonaron a un grupo con un nivel muy mediano tanto en ejecución como en composición, cosa que me hace poner en duda todos los relatos de la gente que los vio en directo que siguen afirmando que eran la octava maravilla del mundo en sus conciertos, ya que me suena más a algo tendencioso que a un hecho y teniendo en cuenta lo manipulable que puede ser el gusto de las personas, peor aún, sin embargo, no estamos para hablar de ello hoy, sino de que por fin podemos escuchar el concierto completo en Avándaro de los Dug Dug's y la verdad es que debe ser escuchado para creerlo.

Aviso

 Muy buenas noches a todos, después de tantos meses de inactividad en este blog, creo que merecen una explicación, ya que cuando volvió a dejar de actualizarse, justo estaba intentando que volviese a funcionar, sin embargo, abruptamente dejé de actualizarlo y desde Octubre del año pasado, no he vuelto a actualizarlo, por lo que he decidido hacer este post, en el que intentaré ser breve, pero conciso y es que justo enmedio de querer hacer que volviese a funcionar como lo hacía en su época dorada por allá entre el 2009 y el 2012, la creatividad se vino abajo y es hasta hoy que no he podido escribir una reseña que me plazca, por lo que se me ha hecho extremadamente difícil volver a actualizarlo de manera regular, por lo que les pido disculpas, esperemos que pronto vuelvan las ganas y la creatividad para volver a poner en marcha a este pequeño espacio que prácticamente es un fósil viviente teniendo en cuenta que la caída de Megaupload terminó siendo el principal motivo para que la mayoría de blogs en la red desaparecieran, ya fuese porque el FBI los eliminó o porque sus redactores no se sintieron motivados a seguir con el trabajo, sin embargo, surgió también la moda de los "vlogs" musicales en el Youtube, cosa que en mi opinión, es una pérdida tiempo, porque no obliga a la gente a poner atención a lo que el crítico tiene para decir al respecto de un grupo, disco o canción, mientras que la lectura de un artículo de un blog, requiere atención y es por eso que me he negado a darle fin a esto, por lo que puedo decir que intentaré no tardarme mucho en volver por acá con algunas joyas que quedaron pendientes de reseñar, entre ellas, mucho del material mexicano que había estado publicando por los 50 años de Avándaro y otras más que tengo planeado publicar desde el otoño del año pasado.

Muchas gracias por su comprensión y nos veremos pronto.

La Antología del Rock Vol. 3: La Vieja Guardia (2020)

  Muy buenas a todos ustedes, sean bienvenidos a un post más de este especial de psicodelia mexicana con motivo de los 50 años de Avándaro, el cual tenía originalmente planeado publicar el 16 de Septiembre, pero como les venía diciendo anteriormente, no me sentía lo suficientemente lúcido y creativo para escribir, por lo que decidí posponer su publicación hasta hoy, que tuve por fin la lucidez y la energía suficientes para terminar las reseñas, por lo que espero que los que esperaban con ansia una nueva entrega, me disculpen por tardarme tanto y haber dejado la mayor parte del mes de Septiembre vacío, espero que esto se componga ahorita en Octubre. ¡Hasta la próxima!

Como nota, quiero decir que este post servirá tanto como una actualización de dos discos que ya habían sido publicados por aquí y como nuevo post por uno que nunca se había publicado en el blog. Muchas gracias.

CD 1: Pájaro Alberto y conjunto Sacrosaurio - Viaje Fantástico (1974)

Alberto Isordia más conocido como el "Pájaro Alberto", es otro de los personajes más celebres del rock mexicano de aquellos años, pues es conocido por su labor con Love Army, uno de los grandes ausentes en Avándaro, grupo que comenzó en Tijuana, Baja California con el nombre de los Tijuana Five y que más tarde con la adición de una sección de metales fue cuando empezó su época dorada en la que mezclaron influencias de jazz rock y soul psicodélico, dando resultado a la icónica Caminata Cerebral, editada en 1971, la cual fue especialmente conocida por su letra en español que contenía un mensaje político y lo cual significó un motivo para que la censuraran de varias radiodifusoras, sin embargo, también significó que fueran contratados para tocar en Avándaro, sin embargo no pudieron llegar, igualmente se hicieron conocidos por sus enérgicas tocadas en el club Tiberio's en Acapulco, Guerrero.

Una vez disueltos, el Pájaro se fue a formar a Sacrosaurio y no tardaron mucho en grabar su único álbum, que tuvo la participación del mismísimo Armando Nava en la producción y dirección artística (esto también fue motivo para que el Pájaro le regresara el favor al participar en el tercer disco de los Dug Dug's), así como la participación de las hermanas Valdez (conocidas por su labor con la Cosa Nostra) y de Carlos "el Nono" Zaldívar del Epílogo en los créditos de una canción, el cual salió en 1974 con el título de Viaje Fantástico.

Con un título ultrapsicodélico, el Viaje Fantástico es un disco de lo que yo le llamaría "psicodelia ecléctica", pues lo que tenemos es básicamente una combinación de muchos estilos en los que encontramos folk psicodélico, pop barroco de sabor lisérgico, rock sureño, soul, soft rock, heavy psych, rock ácido y raga rock, en donde podemos notar también ecos británicos, gringos y españoles (sí, lo leyeron bien), por lo que estamos ante un álbum muy completo y diverso que a pesar de que combina muchísimas influencias, todo ello está mezclado de una forma muy fina y artística, e igualmente algo que lo hace único es que está cantado en Español en su totalidad, por lo que (al menos en mi opinión) es completamente correcto que esté considerado entre los mejores discos mexicanos de la historia.

El disco comienza con la icónica Seguir al Sol, canción que por su letra partidaria del hippismo se podría decir que es uno de los himnos de la contracultura en México, pero además de la letra, la música ejemplifica a la perfección lo que podríamos etiquetar como folk rock psicodélico por excelencia, por su mezcla de instrumentos eléctricos y acústicos, en el que yo noto también ecos del enorme Phil Pearlman y Relatively Clean Rivers, no solo en lo musical, sino por la letra, pues precisamente este se fue a vivir al campo y hasta la fecha se dedica a la ganadería. Obra maestra.

Giselle es un tema en el que podemos notar una influencia muy marcada tanto de los Beatles en su época psicodélica (Blue Jay Way) como de Paul McCartney solista y por si no fuera poco, noto ecos del pop fino de Gilbert O'Sullivan, aunque en un plan mucho más psicodélico, pues por un lado tenemos la interpretación vocal del Pájaro que me suena muy a George Harrison, la cual incluye un parlante leslie (algo muy beatlesco) y el sintetizador que le da una atmósfera muy viajada (un recurso que retomaría Armando Nava para el Cambia, Cambia). Espléndido.

Vida es otro de los temas célebres del Pájaro y de hecho fue el lado B del sencillo de 1974 que incluía también Seguir al Sol, y de nuevo tenemos pop psicodélico beatlesco, aunque esta vez con adornos barrocos hechos por el clavecín, igualmente la letra es muy poética y espiritual, por lo que me veo tentado a decir que el Pájaro Alberto es uno de los mejores letristas del rock mexicano de la época junto con los de Antorcha (que se jodan los rupestres y su defensa del kitsch mexicano). Obra maestra.

Amor Libre, otra alusión a la filosofía del movimiento hippie como lo dice su título, en la que la música suena mucho a Grateful Dead, lo que me parece muy interesante, teniendo en cuenta que aquí en México ese grupo no generó mucho revuelo, pero posiblemente en Tijuana sí. Temazo.

Ven a verme es un cruce entre el folk psicodélico de la Revolución de Emiliano Zapata (So Long Ago) o The Yankee Dollar (Good Old Friends) con alguna especie de rock sureño souleado (el soul queda enfatizado en los coros de las hermanas Norma y Rubí Valdez) en el que destaco especialmente el violín, que me parece excelente. Temazo.

No pudo ser muestra que el Pájaro Alberto no es únicamente un maestro en distintas vertientes de la psicodelia, pues aquí nos muestra que también puede manejar de forma excelente el soft rock al estilo de Todd Rundgren (uno de los mayores íconos del rock y el pop de Estados Unidos) en el que también se incluyen unos arreglos muy refinados de cuerdas que quita el aliento. Espléndido.

La Isla en su letra vuelve a reiterar el hippismo del Pájaro Alberto, sin embargo, musicalmente lo encontramos en su faceta más cercana al heavy psych en el que podemos notar ecos de la Verdad Desnuda (Illusive World), el Amor (On The Midnight Bus), Deep Purple (The Painter), Vanilla Fudge (Shotgun), The Corporation (I Want To Get Out of My Grave) y Elderberry Jak (Vance's Blues), pues básicamente es un tema sumamente guitarrero en el que también podemos notar un órgano hammond y cierta influencia del soul que también nos hace recordar a su anterior agrupación Love Army. Espléndido.

Y llegamos al tema homónimo del disco: Viaje Fantástico, el cual es un rock ácido muy guitarrero en el que otra vez se notan ecos del Shady Grove de Quicksilver Messenger Service, por la inclusión del piano y por los solos de guitarra que de alguna manera recuerdan al gran John Cipollina, por otro lado, la letra es sobre una experiencia espiritual. Obra maestra.

A donde tú vayas vuelve el pop refinado al estilo de Gilbert O'Sullivan o de Bread, pero con cierta influencia beatlesca y con algunos arreglos que podrían considerarse como "proto-progresivos". Temazo.

Y el disco cierra con broche de oro con Raga, probablemente uno de los pocos acercamientos hubo en el rock mexicano con el raga rock junto con la peculiar versión del Matarilerilerón del Huevo Blues y Love Don't Go Away del Love Sindicate, en el que encontramos un ¿sintetizador? que imita a una tambura, guitarra acústica, tambores, cítara eléctrica y bajo en la instrumentación, mientras que el Pájaro Alberto vuelve a sonar reminiscente del gigantesco George Harrison, por lo que creo que podemos dar por sentado que el Pájaro es su fan, igualmente la letra es muy poética y hippie. Obra maestra y el mejor momento del disco sin duda alguna, belleza total.

El Viaje Fantástico es un discazo por donde se le vea, los temas brillan por su combinación de finura, eclecticismo y potencial comercial pasada por el filtro de la psicodelia y la reivindicación del hippismo en una época donde ya nadie hablaba de la mentada "era de acuario", pero que supo condensar perfectamente la filosofía que se vivió en la época de Avándaro.

CD 2: Los Spiders - Back (1970)

Los Spiders comenzaron desde 1960, con el auge del rock & roll y los covers en México, ellos durante los 60's fueron un fenómeno de los cafés cantantes de Guadalajara, Jalisco, y en 1966 grabarían su primer EP que contenía un refrito de For Your Love de los Yardbirds cantado en español, pero no sería hasta 1969, cuando surge su primer cambio de alineación en donde entran el excelso tecladista Servando Ayala y el vocalista Antonio Vierling y así comienzan a grabar su primer sencillo de música original, el cual tenía la canción Back, la cual recibió mucha difusión en las radiodifusoras de todo el país en 1970, lo que históricamente nos haría cuestionar sobre quiénes realmente popularizaron el movimiento conocido como "la Onda Chicana", si ellos o los también tapatíos la Revolución de Emiliano Zapata. Después sacarían un par de discos más: Nuevas Rutas del Sonido en 1973 y Corre, Corre, Corre en 1980, que a pesar de que no recibieron ni la mitad de la difusión que recibió su debut, estos debieron haber catapultado a los Spiders como la mejor banda tapatía. Hoy siguen vigentes junto con otros grandes como la Revo, la Fachada de Piedra, la Quinta Visión, Pastel Pilatos, Frankie Bizarro y Pelé y el 39.4, aunque con un nuevo guitarrista, ya que el "Tucky" se murió en Enero del 2008.

Back es un álbum de excepcional manufactura en el que podemos encontrar un rock ácido finísimo interpretado por unos músicos que brillan como pocos lo han hecho en este país, pues absolutamente todos los miembros del grupo destacan por su maestría en sus respectivos instrumentos, pero no solo eso, las canciones brillan por su insólita finura (como diría el buen Gus), delicadeza y precisión melódica, mostrándonos una vez más que fue esta época donde precisamente los músicos roqueros mexicanos estuvieron al nivel de los mayores exponentes extranjeros, cosa que no se volvió a repetir en otras épocas, lamentablemente. Por otro lado, la música de los Spiders muestra reminiscencias de grupos como Quicksilver Messenger Service, Country Joe & The Fish, H.P. Lovecraft, SRC, Hunger, The Fraternity of Man, los Them, Procol Harum, Love, los Zombies y Reign Ghost, pues por un lado el trabajo guitarrero de Reynaldo Díaz suena muy influenciado por John Cipollina y Barry "The Fish" Melton simultáneamente, mientras que Servando Ayala nos hace recordar al mejor trabajo de David Cohen, Matthew Fisher, Rod Argent (con los Zombies) y Dave Hair, igualmente podremos encontrar algo de flauta transversal (el instrumento omnipresente en la psicodelia mexicana) que recuerda a los Them y a Mad River tocada también por el "Tucky", un bajo que suena a contrabajo tocado por Manuel Olivera (hermano de Guillermo Olivera, bajista de la Fachada de Piedra), una batería precisa tocada por Enrique Chaurand, quien también contribuye en una canción junto con Antonio Vierling en las tablas (tambores hindúes) y por fin tenemos a Antonio, quien con su voz de tenor lírico muy expresiva hace su mejor trabajo.

El disco comienza con Thought, que es una canción que está dividida en dos partes, la primera es (A Song) que es la que abre y la segunda es (Prayer), la mayor diferencia es que la primera está cantada y la segunda está hablada, sin embargo ambas parecen ser exactamente la misma composición con la misma instrumentación y básicamente lo que nos encontramos es una canción acústica con tintes nostálgicos y melancólicos que incluye únicamente como instrumentación guitarra acústica, armónica y voz, haciendo eco de dos grupos mexicanos contemporáneos: los Dug Dug's y la Revolución de Emiliano Zapata. Espléndido tema para abrir y cerrar un discazo como este.

En el segundo tema ya comienza lo que yo digo que es el oro puro con Something I Heard (Last Night), compuesto por el enorme Reynaldo Díaz, y es que nos encontramos ante un tema bellísimo de una finura que nadie creería que se trata de un grupo mexicano, lo que me hace remitirme a lo que he venido diciendo en las reseñas anteriores y es que mientras que el común de la gente cree que el rock en México ha llegado tan solo a un nivel de aficionado por la pobrísima calidad tanto compositiva como interpretativa de los grupos y solistas de la mayoría que han surgido de 1984 a la actualidad, sin embargo, esta es otra muestra junto con Bajo el Sol y frente a Dios del Ritual, Voy hacia el Cielo (Voy hacia el Sol) de los Dug Dug's, Again de la Revolución de Emiliano Zapata, For Those Who Love de la Comuna, Hallelujah Everywhere de la Verdad Desnuda y Faith del 39.4 de que el rock mexicano sí se acercó alguna vez a la finura de numerosos grupos extranjeros. Obra maestra.

People Deceive es rock ácido de tintes melancólicos que evoca al Shady Grove de Quicksilver Messenger Service pero sin el piano de Nicky Hopkins, el cual es sustituido por el órgano de inspiración barroca (Bach y Pachelbel como influencias principales) de Servando Ayala, en el que Antonio Vierling hace una interpretación vocal especialmente expresiva y poderosa que va en excelente conjunción con el resto de la música, mientras que el "Tucky" nos trae a la mente al mejor John Cipollina y el bajo suena con muchísima clase. Obra maestra.

On The Road es probablemente el tema menos interesante del disco, pero eso no significa que no sea bueno, pues aquí nos encontramos con una canción con bastante humor que recuerda a los momentos más divertidos de Country Joe & The Fish y The Fraternity of Man, incluso la voz de Antonio me recuerda mucho a la de Lawrence "Stash" Wagner.

Now es otro de los mejores momentos del disco y es que nos encontramos con una pieza perfecta de psicodelia ácida en la que la guitarra se hace ausente para dar paso a una superlisérgica excursión de órgano Farfisa y piano eléctrico, ambos tocados por Servando Ayala, en la que recuerda tanto a Country Joe & The Fish como a los Zombies y a Hunger, haciendo de esta pieza una de las mejores y más psicodélicas que se hayan hecho en la historia del rock mexicano. Obra maestra de principio a fin.

It's You es otra balada de tintes melancólicos que vuelve a remitirnos a Quicksilver Messenger Service al igual que a Procol Harum, pues por un lado tenemos el órgano de Servando Ayala que aquí parece haber conectado su Farfisa a un Leslie para imitar el sonido llenador del Hammond y así darles más clase a sus barroquismos, mientras que Reynaldo Díaz nos vuelve a mostrar lo influenciado que estaba por John Cipollina, con sus melódicos solos de guitarra aderezados por el uso del trémolo, mientras que la interpretación de Antonio Vierling de alguna manera me recuerda al enorme Arthur Lee. Otra obra maestra.

Back es una canción icónica, una proeza como pocas, una auténtica obra cumbre de la psicodelia en México, en la cual encontramos una finura indescriptible guiada por el gariboleo barroco de Servando Ayala, la expresiva y poderosa voz de Antonio Vierling (su compositor, quien afirma haberla compuesto a los 14 años), el bajeo con muchísima clase de Enrique Chaurand y la extraordinaria guitarra melódica de Reynaldo Díaz Vélez el "Tucky", y es que si algo hay que mencionar es que esta fue la primera canción original de un grupo mexicano en ser un éxito al haber entrado a la mayor parte de las radiodifusoras del país, seguida de Nasty Sex de la Revolución de Emiliano Zapata, pero esa es otra historia que ya contamos. Obra maestra.

You Love Me de alguna manera suena como si Steppenwolf hubiese contratado a John Cipollina en el lugar de Michael Monarch, la canción tiene un ritmo prendido y mucha energía, a pesar de quedar opacada por tanta obra maestra aquí presente.

I'm A Man es una dulce e introspectiva balada de folk psicodélico con ecos del grupo hippie canadiense The Perth County Conspiracy, con una instrumentación tranquila que incluye guitarra eléctrica con efecto de vibrato, percusiones, órgano Hammond, piano y una interpretación vocal muy suave, en la que la letra va narrando la madurez y la toma de responsabilidad de un joven dispuesto a emanciparse de su familia (algo que hoy muchos anhelamos y que cada vez se hace más improbable debido a que el sistema cada vez hace más grande la brecha entre los ricos y los pobres), hacia el final Servando Ayala hace lo que mejor sabe hacer, llevarnos al edén psicodélico con sus solos de órgano. Obra maestra.

Movin' Up vuelve a recordarnos a Steppenwolf, y de nuevo encontramos un tema que a pesar de que tiene mucha energía y suena hasta bailable, queda un tanto opacado por tanta proeza creativa que está presente en este disco, pero podría decirse que es históricamente importante al igual que You Love Me por ser parte del heavy psych mexicano primigenio. Muy buen tema.

Love Is The Way es otra proeza, otro tema descomunal el cual pudo haber sido un cierre de broche de oro si no estuviese la segunda parte de Thought, sin embargo, eso no le quita ser una de las más bellas y mejor elaboradas piezas de la psicodelia mexicana, pues estamos ante una obra del nivel de Square Room de los Them, The Fool de Quicksilver Messenger Service, Workshop de Hunger y Grace de Country Joe & The Fish, en el que encontramos una parte de psicodelia jazzeada con flauta y piano claramente inspirada por Take Five de Dave Brubeck mientras que la flauta transversal va soleando de la forma más psicodélica posible, luego tenemos más rock ácido de tintes melancólicos que evoca a Quicksilver Messenger Service y a Hunger, para terminar volviendo a la psicodelia ácida jazzeada en donde encontramos unos de los paisajes musicales más lisérgicos jamás escuchados en la historia del rock mexicano, el cual de alguna manera recuerda tanto a QMS como a los Them y a Mad River (Wind Chimes), pues tanto Servando Ayala en el Farfisa como el "Tucky" en la flauta van improvisando con un aspecto al que yo situaría en un rock ácido de inspiración hindú, mientras que el bajo de Enrique Chaurand como siempre, sonando con muchísima clase y sumamente llenador, como si fuese un contrabajo, y para finalizar tenemos la guitarra Cipollinesca reafirmando la grandeza de este tema.

Back es una obra maestra sin lugar a dudas, un disco que no tiene temas de relleno y que muestra a un grupo dando lo mejor de sí, explotando su creatividad para crear obras que después de 51 años de haber sido lanzadas al mercado, se siguen escuchando y que indudablemente es parte de lo mejor en la historia del rock nacional.

CD 3: Enigma - Enigma (1972)

Los orígenes de Enigma se remontan a un grupo llamado las Ventanas, el cual tocaba una especie de bubblegum pop psicodélico a fines de los 60's, lo cual les trajo bastante popularidad, al punto de tocar en giras organizadas por la CBS -disquera en la que habían firmado- alrededor de todo el país, las cuales, irónicamente, estaban acompañadas por bandas y cantantes de música tropical, rancheras, boleros y demás, y según las anécdotas de los mismísimos miembros de las Ventanas como Pablo González y Héctor Zenil -quien entró en 1970-, la gente se prendía mucho más con los grupos de rock como ellos que con los de los otros géneros, lo cual -por supuesto- dejaba opacados a estos últimos, cosa que debería hacer que nos planteemos la pregunta: ¿Esto habrá sido un motivo oculto para que el gobierno implementara el infame Avandarazo? No podemos asegurarlo, sin embargo, no hay que descartarlo como una probabilidad, ya que en México se tiene la bonita costumbre de crear mafias y de que estas controlen de forma monopólica y criminal los medios de comunicación, el gobierno y las industrias, y aunque a muchos les suene a pura teoría de conspiración, esto último es un hecho y que el simple hecho de que unos grupos de jóvenes con ropas psicodélicas, pelos largos e instrumentos eléctricos los opacaran de esa manera, puede ser un motivo para que gente como Vicente Fernández, la Sonora Santanera o Armando Manzanero (que digan lo que digan, su música pecaba de kitsch) intentaran por todos los medios desaparecer al rock y con Avándaro finalmente vieron la oportunidad de lograrlo, al fin el gobierno veía a los hippies con desprecio, por lo que la propuesta de usar a Avándaro como motivo para acabar con el rock fue bien recibida tanto por el gobierno como por la mayor mafia de los medios de comunicación que ha tenido México, Telesistema Mexicano (luego conocida como Televisa), pero bueno, regresando a la historia de Enigma, el grupo había tenido mucha popularidad con el nombre de las Ventanas, sin embargo, se encontraban inconformes con el pop psicodélico que habían venido tocando en años previos, por lo que en 1970, cuando la Revolución de Emiliano Zapata lograron tener una fama sin precedentes con Nasty Sex, el grupo decidió cambiar radicalmente de estilo, pasando del pop a un hard rock de raíces bluseras y elementos psicodélicos, el cual estaba fuertemente influenciado por grupos anglosajones como Steppenwolf, Led Zeppelin, Deep Purple, Grand Funk Railroad y Ten Years After, sin embargo, algo que también cambió fue su nombre, pues sabían que si su nuevo disco salía con su antiguo nombre, probablemente no hubiese sido tan bien recibido por el público que ya escuchaba a los grupos de la llamada "Onda Chicana", por lo que se hicieron llamar Enigma y los miembros que estuvieron conformados en ese momento por los hermanos Carlos, Pablo y Sergio González más Héctor Zenil, se cambiaron los apellidos por signos zodiacales, por lo que en 1971 salió el primer sencillo de Enigma con la icónica Bajo el Signo de Acuario, que fue un éxito inmediato y fueron contratados para tocar en Avándaro, pero Armando Molina no los dejó por considerarlos "fresas" e hizo todo por sabotear su turno para tocar en dicho festival, aunque existen relatos de otros asistentes que afirman que esto no es cierto y que nunca fueron contratados para tocar en el festival, los cuales puedo constatar que son completamente falsos, ya que el ex-baterista Héctor Zenil/Virgo hace poco publicó todo un reportaje de la revista Pop en donde se mencionó que Enigma tocarían el 12 de Septiembre justo después de que el Three Souls lo hiciera e igualmente existe publicidad de su disquera (CBS) en la cual se promocionaba a Enigma como uno de los grupos que iba a tocar en el festival, por lo que el cuento de que nunca habían sido contratados y demás ha quedado desacreditado, pero bueno, en ese momento Enigma era uno de los grupos más populares y su debut, salido en 1972, resultó ser un trancazo.

Enigma es probablemente uno de los primeros discos pesados hechos en México junto con el disco En Vivo del Amor, lanzado poco antes en 1971, por lo que es un disco fundamental para rastrear los orígenes del rock pesado en el país. Por otro lado, musicalmente con lo que nos encontramos es básicamente una combinación de hard rock, heavy psych y boogie rock, en la que la ejecución suena cruda, directa y potente, la música es guitarrera a más no poder y la peculiarísima voz de Pablo Cáncer, a pesar de que no era una maravilla, cumple con su función, por lo que puedo decir que tenemos todos los elementos necesarios para que este disco esté al nivel de cualquier disco ultra-underground de heavy psych hecho en Estados Unidos en ese mismo tiempo, por lo que creo que ningún fan del Buster Browns, Bolder Damn, Top Drawer, Mariani, Bob Seger, Jamul, Grand Funk, Euclid, Mountain o Steppenwolf querrá perdérselo por nada del mundo, e igual, a pesar de que el estilo de Enigma era mucho más sencillo tanto compositiva como instrumentalmente hablando que el de otros de sus contemporáneos, eso no quita que podamos hablar de un disco que ya tiene el nivel que uno podría esperar de un grupo extranjero, cosa que lamentablemente no se volvió a ver hacia la siguiente década en adelante, y que igualmente afectó a Enigma, pues para sobrevivir a la época en la que el rock urbano comandado por el infame Alex Lora tuvo su apogeo, tuvieron que cambiarse a tan feo subgénero musical, sacando discos de una calidad muy variable, sin embargo, esto no duró tanto y en los últimos años en los que siguió comandando al grupo el fallecido Pablo Cáncer, este se tornó hacia un estilo más orientado al blues eléctrico, cosa que se agradece especialmente cuando uno tuvo la oportunidad de verlos en vivo al menos tres veces, no obstante, ahora el nombre de Enigma es cargado por los sobrinos de este y les queda muy grande, al punto de que han alejado a los seguidores del grupo que los habían estado acompañando desde antes de los Hoyos Fonquis.

El disco empieza con el icónico Under The Sign of Aquarius, un potente y espeso tema de heavy psych guitarrero, con un riff pegajoso y reminiscencias bluseras que bien podría pasar por ser un tema inédito del Buster Browns o hasta de los grandes Steppenwolf, cosa que convierte a este tema como uno de los más importantes de esa época por derecho propio, pues la composición es excelente y la ejecución es perfecta para el contexto de la canción, por lo que esta rola bien podría pasar a ser parte de numerosas recopilaciones de rarezas de heavy psych, si los pseudoarqueólogos que abundan se dedicaran más a investigar el género fuera de sus pretensiones de encontrar a alguna especie de Black Sabbath perdido en el basurero de la historia. Espléndido.

Save My Soul es más un boogie rock estándar, sin embargo, la canción es pegajosa y tiene un riff memorable, por lo que funcionó como el lado B del tema anterior, igualmente el trabajo guitarrero de Pablo Cáncer es admirable al igual que el de Sergio Acuario en el bajo y el de Héctor Virgo en la batería. Muy buen tema.

69 es de mis temas preferidos del disco, pues otra vez nos encontramos con heavy psych clásico, la cual recuerda bastante a Steppenwolf, pero al mismo tiempo noto ecos del sonido de Detroit, especialmente de Bob Seger, Savage Grace, MC5 y los Stooges, cosa que también me hace considerarla junto con ¿Cuál es tu Nombre? de los Dug Dug's y parte del material de Antorcha como proto-punk, igualmente la ejecución del grupo es excelente, por un lado tenemos la batería de Héctor Virgo que suena reminiscente de su ídolo Ian Paice, el bajo de Sergio Acuario que suena llenador y pesado y la guitarra de Pablo Cáncer que es la que toma la batuta de instrumento melódico y recuerda a Michael Monarch. Espléndido.

Simón en mi opinión es uno de los temas más flojos del disco, y es que de nuevo nos encontramos con un boogie rock algo genérico, pero esta vez creo que este tema fue hecho más que nada para rellenar el disco, por lo que no lo destaco gran cosa, sin embargo, a pesar de que no esté al nivel de los temas anteriores, esto es a lo que mínimo muchos grupos actuales quisieran llegar en cuanto a nivel musical.

Live It Up, Mama es más boogie rock, pero aquí, a diferencia de la canción anterior, noto más ganas, por lo que supongo que este tema no fue escrito como relleno, igualmente los integrantes del grupo muestran una excelente ejecución, por lo que se puede decir que tiene su mérito. Muy bueno.

The Call of The Woman es tal vez el otro tema icónico del grupo, especialmente porque luego en los 80's, los de Transmetal hicieron una versión que a mí en lo personal no me gusta y mejor no hablaré de la calidad de esa versión para no perder rumbo, pero igualmente aquí nos encontramos con otro puñetazo de heavy psych, esta vez más lento y con ecos de los grandes Mountain, pues es un tema más lento que Bajo el Signo de Acuario y 69, pero igual de guitarrero y pesado, en el que incluso la voz de Pablo Cáncer me recuerda de cierta forma a la del gran Leslie West. Con muy buena razón, este tema es icónico. Espléndido.

Interwine y Sunday's Coming suenan al mejor Grand Funk, es decir, al de los primeros discos en los que fueron un power trio, y es por eso que las disfruto muchísimo, todo en ellas me parece interesante. Temazos.

Para cerrar tenemos a Count Down, la cual es probablemente el tema más cercano al proto-progresivo que ha hecho el grupo en toda su carrera, pues encontramos ciertos cambios de ritmo con cierta influencia jazzera que de alguna manera me recuerdan un tanto a algunos de los grupos contemporáneos como los Dug Dug's, el Ritual o incluso a Nuevo México en sus inicios, cosa que hace a este tema muy meritorio, pues muestra que Enigma era un grupo con músicos excelentes que además podían hacer cosas con mucho nivel como esta canción. Espléndido.

El debut de Enigma no es simplemente un disco importante para la época de Avándaro, sino que es un álbum que tiene importancia por ser primerizo en su estilo y por tener temas que son de interés para cualquiera que se diga fan del heavy psych, pues además de mostrar mucha calidad, los temas son exactamente lo que los seguidores de dicho estilo buscamos, por lo que si eres de los nuestros, no esperes a bajarlo.

DESCARGA

Sobre las reseñas pendientes

 Buenas noches, hoy decidí comunicarme con ustedes, ya que les prometí desde la semana antepasada la nueva reseña, sin embargo, he tenido un bajón creativo importante debido a que desde el verano no he tenido un descanso de calidad y ahorita estoy intentando volver a dormir a mis horas, sin embargo, aún no me acabo de sentir tan lúcido como debería y eso me ha provocado que me esté tardando en escribir las nuevas reseñas, pero esperemos que para mañana o pasado ya estén, por otro lado, sigan al pendiente porque habrá más cosas durante todo Octubre y Noviembre con respecto a los 50 años de Avándaro.

¡Hasta la próxima!

La Revolución de Emiliano Zapata - La Revolución de Emiliano Zapata (1971) y Hoy (1972) [Repost]

 
Hola de nuevo a todos, sean bienvenidos a este nuevo post del especial de psicodelia mexicana en conmemoración de los 50 años del Festival de Avándaro, esta vez tuve que apurarme en hacer esta reseña y en subir el disco, ya que resulta ser que el especial fue un éxito inesperado, pues por ejemplo, la entrada del Ritual en una semana llegó a más de 500 visitas e igualmente la publicación de los Dug Dug's llegó a un número lo suficientemente grande en un poco más de una semana, cosa que me dejó contento, pues cuando el blog regresó a la actividad constante en Abril, yo esperaba que las entradas de grupos gringos e ingleses levantaran al blog, sin embargo, todas lograron tener un número de visitas mediano en un transcurso de 1 a 2 semanas e incluso a algunas publicaciones tuve que hacerles doble publicidad para que llegaran a un número decente de visitas e incluso algunas tuviesen comentarios, por lo que tuve que llegar a la conclusión de que la mayor parte del público de OutsideInside Music no viene tanto por los grupos extranjeros, sino esperando a que aquellos discos de rock mexicano que alguna vez publiqué por allá entre el 2010 y el 2012 estuviesen actualizados, por lo que les tengo buenas noticias, el especial se extenderá hasta Octubre y si ustedes lo piden, es posible que lo pueda extender hasta Noviembre, por lo que espero que comenten su parecer e incluso que hagan sus proposiciones para publicar aquí, cosa que me ayudará muchísimo para hacer al especial más completo, por otro lado, no tengo más que decir al respecto y ¡Hasta la próxima!

Estos discos de la Revolución de Emiliano Zapata fueron publicados en el blog por primera vez en el otoño del 2010, cuando este blog comenzaba a hacerse un nombre, aunque estaban en unos ripeos en Mp3 bastante malos y sin el arte completo, luego el debut lo volví a publicar en el verano del 2012, esta vez siendo mi propio ripeo en FLAC y con el arte completo, después en Enero del 2013 volví a postear el segundo, igualmente con mi ripeo y el arte completo, debo mencionar que ambos son los remasters en Mini-LP que sacó la Universal en el 2009, después se pasaron años hasta que ahorita decidí volverlos a publicar, pero esta vez decidí hacer un post más o menos completo, ya que además de incluir los ripeos que hice, decidí incluir varias versiones que me he encontrado, entre ellas: las primeras ediciones en CD de ambos discos, un bootleg mexicano del debut ripeado por Carmor de Viaje al Espacio Visceral, otro que es un ripeo de una remasterización en vinilo en 24/96 que me encontré en Rutracker y finalmente un bootleg ruso del 2017 que también me encontré en esa página, todo esto para comparar la calidad de cada uno.

La Revolución de Emiliano Zapata se formaron en 1969, cuando la influencia de la contracultura proveniente de los anglosajones se estaba haciendo latente en México y ellos querían hacer un grupo que sonara similar a sus ídolos (Quicksilver Messenger Service, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Jeff Beck, entre otros), por lo que pronto, después de haber estado ensayando con guitarras acústicas, se compraron su equipo que constaba de guitarras Gibson, Rickenbacker, Vox y Fender junto con amplificadores Kustom (que en aquel entonces eran muy baratos por ser de transistores) y pronto comenzarían a tocar en fiestas, lugares nocturnos y escuelas, por lo que en 1970 comenzaron a escribir canciones originales, entre ellas la icónica Nasty Sex que básicamente fue compuesta para un concurso de la estación de radio Ondas de Alegría en el que terminaron ganando frente a los Papos (otro grupo popular de la escena de Guadalajara) y así firmaron un contrato con la Polydor que resultó en la grabación de su primer sencillo, que marcaría un antes y un después en la historia del rock nacional y así junto con los Spiders, ellos serían los principales impulsores del movimiento conocido como "la Onda Chicana" y así este tuviera una explosión importantísima que marcaría el rompimiento definitivo con los refritos y así comenzaría una época muy promisoria dentro del rock mexicano que finalmente terminaría siendo truncada por el Avandarazo y a unos de los primeros en afectarle esto fue a la Revolución de Emiliano Zapata, quienes en 1972 seguían siendo el grupo más popular del país y repentinamente se vieron reprimidos hasta tal punto que ya no podían tocar en los lugares donde solían hacerlo y esto dio paso a que cambiaran de estilo en 1975.

La Revolución de Emiliano Zapata (1971)

En Abril de 1971 salió su primer disco de larga duración también bajo el sello de Polydor, en el que básicamente podemos encontrar la fórmula que los hizo conocidos, por un lado está el rock ácido guitarrero influenciado por el sonido de San Francisco y por el otro está el folk rock psicodélico que incluye guitarra acústica, flauta transversal y armónica, sin embargo, habría que mencionar que aquí el grupo todavía suena algo inmaduro, pues a pesar de que sus canciones muestran muchísimo potencial, ya que la mayoría son grandes melodías, la ejecución del grupo muestra algunos riscos importantes que desbalancean un poco al álbum en general, como por ejemplo, cierta descoordinación entre los instrumentos, la producción un tanto rudimentaria -aunque muestre mucha mejoría en relación al sencillo original de 1970- y el inglés malísimo de Oscar Rojas y los demás integrantes que le hacen coros, sin embargo no todo está perdido, pues tenemos a un grupo capaz de componer melodías memorables y que a pesar de sus carencias, su ejecución desborda de honestidad y pasión, cosa que definitivamente los llevó a estar en un lugar muy alto dentro de la psicodelia mexicana, algo que incluso para muchos contemporáneos suyos fue una tarea imposible, teniendo en cuenta que en ese momento estaban en la cúspide grupos como el Ritual, los Dug Dug's, los Spiders, la Comuna, Antorcha, la Verdad Desnuda, la Fachada de Piedra, el 39.4 y Love Army, todos ellos músicos de primera.

El disco inicia con la icónica Nasty Sex, la canción más importante y trascendente de la psicodelia mexicana, pues fue tanta su magnitud cuando salió por primera vez en 1970, que su éxito no fue simplemente algo regional, sino que entró en las listas de popularidad de Estados Unidos y de Europa, cosa que ningún otro grupo mexicano de aquel entonces logró, lo que les hizo ganar 5 medallas por haber hecho tal logro. Ahora, hablamos más propiamente de la música, estamos ante un tema con una composición extremadamente sencilla en la que apenas se conjugan tres acordes y en la que su mayor base melódica son las canciones Born on The Bayou de los Creedence y Honky Tonk Women de los Rolling, sin embargo es en la guitarra solista de Javier Martín del Campo donde se encuentra el aspecto psicodélico que la sitúa dentro del rock ácido, pues aquí encontramos a un virtuoso que se encuentra en la escuela que dejó la escena de San Francisco, especialmente John Cipollina, pero igualmente se encuentra situado en la escuela que dejaron guitarristas como Jeff Beck y Alvin Lee y por otro lado, la letra ha sido motivo de controversia, por ejemplo esto hizo que Parménides García Saldaña los tildara de "fresas" y que el intento fallido de periodista y trovador lumpenburgués Hugo García Michel los llame "conservadores y retrógradas", pues básicamente lo que la letra nos relata es un regaño a una chava que anda teniendo sexo casual con hombres irresponsables para que se enfoque en el amor real, cosa que curiosamente hoy no suena nada retrógrada o conservadora, sino que al contrario, hoy resulta ser algo completamente honesto, especialmente en la actualidad donde las relaciones con otras personas ya no tienen ningún cimiento y esta carencia se ve reflejada en la promiscuidad y esta termina siendo justificada por el discurso identitario y políticamente correcto. Temazo.

Melynda es tal vez la canción que más se acerca al garage rock sesentero, por su relativa simpleza estructural, su ritmo algo veloz, sus acentos marcados por un bajo fuzzeado y su ataque guitarrero que de nuevo es lo que otorga el aspecto psicodélico a la canción. Temazo.

I Wanna Know es folk rock psicodélico garajero de tonos melancólicos que recuerda a los gringos Negative Space (The Long Hair) o a sus contemporáneos, también jaliscienses la Quinta Visión (Suddenly) y es que estamos ante un tema bastante tranquilo y melancólico en el que los instrumentos que toman protagonismo son la flauta transversal y la armónica. Muy bueno.

If You Want It es rock ácido al más puro estilo de Quicksilver Messenger Service, pues aquí encontramos esa atmósfera melodramática tan propia de aquel cuarteto sanfranciscano, así como también a Javier Martín del Campo haciendo su mejor impresión del estilo de John Cipollina e igualmente algo que se me hizo sumamente interesante fue la inclusión de un solo de bajo con fuzz, un recurso relativamente poco común que solo se los he escuchado a muy pocos grupos, entre ellos a los enormes Ill Wind (Dark World) y a unos cuantos grupos más. Obra maestra.

Shit City o Ciudad Perdida es un tema completamente instrumental de rock ácido, en donde los ecos del sonido de San Francisco se vuelven a hacer patentes pero igualmente la influencia del surf, cosa que me parece sumamente interesante teniendo en cuenta que México no había tenido a grupos de surf durante principios y mediados de los 60's, y no fue hasta relativamente hace poco tiempo que surgieron grupos del estilo, por lo que estamos ante un tema que curiosamente se adelanta al surgimiento de ese subgénero en México y al mismo tiempo es una de las pocas canciones instrumentales del rock mexicano de aquella época, por eso es que también se convirtió en otro tema icónico del grupo. Obra maestra.

A King's Talk o como la tradujeron en su momento, Pláticas de un Rey, es un rock ácido que de nuevo tiene tintes melancólicos, pero con la novedad de introducir la influencia de la música medieval, cosa que me parece también sumamente interesante, teniendo en cuenta que como he venido diciendo anteriormente, el rock mexicano tiene la mala fama de ser paupérrimo tanto en ejecución como compositivamente hablando, al punto de que un buen amigo de Tamaulipas dijo correctamente que en su mayoría está al nivel de aficionado, sin embargo, lo que notamos aquí, es que a pesar de que al grupo le faltaba pulir su ejecución y sus composiciones, aquí ya estamos hablando de una melodía magistral y que muestra un refinamiento que generalmente solo podríamos atribuirle a un grupo extranjero y que definitivamente pone a la Revo en un lugar muy alto dentro del rock mexicano de la época como venía diciendo más arriba e igualmente se incluye una sección que hace eco de The Fool de Quicksilver Messenger Service. Obra maestra.

Still Not, Not Yet vuelve al rock ácido guitarrero, de nuevo con ecos de San Francisco aunque esta vez más garajero y más crudo, en el que de nuevo la guitarra hace gala. Muy bueno.

At the Foot of the Mountain recuerda a Phil Pearlman en su época con Relatively Clean Rivers o al Pájaro Alberto con Sacrosaurio, es decir, es folk rock psicodélico algo campestre y con un sabor muy hippie que incluye guitarra acústica y flauta transversal, de nuevo, la melodía está en tono melancólico. Temazo.

El disco cierra con Under Heavens, un tema que suelo disfrutar mucho por su combinación del tono melancólico que venían manejando en algunos de los temas anteriores junto con lo guitarrero y me parece un excelente cierre para un disco que si bien no llega a ser una obra maestra absoluta a pesar de incluir tres temas que sí llegan a serlo, ya es un excelente comienzo para un grupo que de otra manera sí terminaría creando uno de los mejores discos hechos en México que curiosamente fue el soundtrack de la película la Verdadera vocación de Magdalena, pero aquí ya se nota a un grupo con mucho potencial artístico pero que todavía no pulía por completo sus ideas.

Hoy (1972)

A finales de 1971, la Revolución de Emiliano Zapata seguían siendo el grupo más popular de México, al punto de que la gente podía amontonarse en gran cantidad con tal de estar en uno de sus conciertos e incluso si no mal recuerdo (espero que alguien me lo confirme) incluso la gente llegó a romper algo en un salón de Veracruz por la cantidad inmensa de gente en un espacio relativamente reducido, por lo que estaban considerados en el plan original del Festival de Avándaro, en el que iba a haber una carrera de coches y una noche mexicana amenizada por los músicos jóvenes más importantes de ese momento: Javier Bátiz y la Revolución de Emiliano Zapata, cosa que finalmente terminó siendo descartada, debido a que Javier Bátiz se sentía una diva y quiso que le cubrieran todo, incluyendo una habitación en el hotel Avándaro y la Revo tuvieron que rechazar la propuesta porque tenían su agenda cubierta para Septiembre de 1971, por lo que no estuvieron en Avándaro. En ese mismo tiempo, el grupo se había mudado al Distrito Federal y empezaron las tensiones entre los miembros, sin embargo su popularidad era tan alta en ese momento, que fueron elegidos para que fuesen el grupo que saliera en el debut como guionista de Jaime Humberto Hermosillo La verdadera vocación de Magdalena que estaría protagonizada por Angélica María y nadie más, ni nadie menos que Javier Martín del Campo, guitarrista del grupo, en la cual el grupo hace una aparición ficticia en el Festival de Avándaro y ellos son los que hacen la mayor parte de la música del filme, igualmente la película aborda un tema espinoso en su tiempo, el de como la juventud de aquel entonces era reprimida por su familia y la sociedad.

El segundo disco de la Revo, que según el mismo "Javis" fue también homónimo, pero se le suele conocer con títulos como Hoy, Nada del hombre me es ajeno o Tema de la película..., salido en noviembre de 1972 a la par de la película (que se había filmado un año antes), muestra a un grupo maduro tanto en cuestiones compositivas como en la ejecución, pues se escucha mucho más esmero en ambas, pero también encontramos a un grupo con un sonido enriquecido, pues además de su firma que era el rock ácido combinado con momentos de folk psicodélico, encontramos más elementos de soul, blues, balada romántica, música de protesta latinoamericana, algunos elementos "latinos" y hasta algo de progresivo temprano, por lo que podemos decir que estamos ante un disco muy completo, diverso y que reboza en calidad, al punto de que definitivamente se encuentra entre lo más alto a lo que el rock nacional pudo alcanzar y es por eso que vale decir que es en pocas palabras, una obra maestra, igualmente la portada es una belleza de arte psicodélico que hace eco tanto del debut de Kaleidoscope como del Disraeli Gears de Cream.

El álbum inicia con In The Middle of The Rain, la cual comienza con unos cantos cuasi-gregorianos que bien podrían recordar a los enormes Ill Wind (Full Cycle) o a los Yardbirds (Still I'm Sad), para luego convertirse en un tema de psicodelia ácida frenética e intensa, con una pasión y una energía desbordantes y contagiosas, en el que el grupo suena completamente cohesionado y su ejecución es magistral en cada momento e incluso Oscar Rojas se escucha mucho mejor aquí, pues por un lado su voz se escucha más expresiva y su Inglés muestra mucha mejoría al punto de no sonrojar tanto como lo hacía en el debut, igualmente los solos del "Javis" ya no suenan tanto como intentos de clonar el estilo de John Cipollina, Jeff Beck o Alvin Lee, aunque aún se puede notar la influencia hasta cierto punto, sin embargo, aquí suena más psicodélico que nunca, igualmente la inclusión de las coristas Marylú Bano y Patricia McLean funciona de forma excelente en la canción, pues ambas contaban con unas voces muy dulces y bellas que quedaban perfectas para lo que estaban haciendo en este tema. Obra maestra de principio a fin.

En el segundo tema viene Now Listen This Song, que a diferencia del tema anterior, aquí estamos ante un sereno y delicado tema de folk psicodélico que incluye guitarra acústica arpegiada, una batería muy suave, bajo y flauta transversal, mientras que de la voz principal se hace cargo ahora Carlos Valle Ramos, quien posee un tono más delicado y limpio que Oscar Rojas, aunque también en el registro de tenor lírico, igualmente los coros de Marylú y Pati son bellísimos aquí también. Otra obra maestra.

Ahora le toca el turno al "Javis" de cantar en Petra y sus Camaradas, un tema de blues souleado y pesado con tintes "latinos" y cierto tufo de rock ácido hendrixiano que es guitarrero por donde se le vea y que hace eco de lo que habían venido haciendo sus también contemporáneos la Fachada de Pïedra, con quienes más tarde compartirían miembros, igualmente la interpretación vocal de Javier Martín del Campo, a diferencia de la de Oscar Rojas y la de Carlos Valle, suena más agresiva y blueseada, en la que puedo escuchar la influencia de John Fogerty, además del mismo peso de voz, por lo que yo supongo que en ese preciso momento, el "Javis" tenía el registro de tenor dramático o tal vez de tenor spinto. Temazo.

Again es otra de las grandes obras maestras del grupo, pues aquí estamos hablando de uno de los temas más hermosos que se hayan compuesto en toda la historia del rock mexicano, dejando en claro que fue en este preciso momento cuando el rock estaba en su punto más álgido en cuanto a creatividad y ejecución, algo que finalmente se probó irrepetible en los años venideros en los que el rock se vulgarizó a tal punto que la mayor parte del material resultó de mediano a patético. El tema en cuestión es también folk psicodélico, esta vez con algunos tintes de progresivo también, lo que lo enriquece aún más. Por otro lado, la instrumentación consiste en guitarra acústica arpegiada, piano, maracas, bajo, batería y flauta transversal y la interpretación de Oscar Rojas es muy expresiva, cosa que me hace preferirla sobre la de Angélica María, para la incomodidad de otros, pues a pesar de que Angélica María hizo una muy buena interpretación que lamentablemente solo salió en la película, creo que pudo haber dado mucho más, teniendo en cuenta que poseía una muy buena voz y que ella cantaba muy bien incluso en las baladas y los temas de pop que solía cantar por su lado, sin embargo, lo que me gusta de la interpretación de Oscar Rojas es que le dio la expresividad que va de acuerdo con la composición, además de darle ese aspecto psicodélico en algunas partes donde su voz se escucha empapada de eco. Por otro lado, este tema es una de las mayores (y de las más olvidadas, también) obras maestras del rock mexicano, pues está en un nivel que la mayoría de los grupos y cantautores (especialmente los penosos troveros del "movimiento rupestre") que vendrían especialmente hacia los 80's no lograrían alcanzar.

Preludio a la Felicidad es básicamente una balada de tonos melancólicos con una letra contrastantemente optimista y esperanzadora que para muchos pecará de empalagosa, la cual incluye instrumentos como violoncelo, violines, guitarra acústica y batería, por otro lado, es la única canción de la alineación original de la Revo que está cantada en Español en lugar del típico Inglés, lo que la hace muy interesante en su especie y musicalmente es excelente aunque poco tenga que ver con el rock, pero es una muestra de lo grandes que eran como banda y que podían darse el lujo de salirse brevemente de la rutina del rock para hacer cosas como esta. Espléndido tema.

Fatman o el Kuino, es tal vez el tema más flojo del disco y que posiblemente se conecta más estilísticamente con el debut, y es que es un tema enérgico, directo y guitarrero, pero tiene unos detalles muy puntuales que de algún modo la arruinan, pues por un lado tenemos la soberbia interpretación instrumental del grupo pero por el otro, la composición no es tan buena, pues por un lado tenemos un estribillo un poco molesto, a un vocalista que en temas anteriores había mejorado muchísimo en su labor que ahora muestra un retroceso al cantar bastante gangoso y forzado y por si no fuera poco, tenemos a unas coristas que tienen unas voces hermosas haciendo una infumable imitación de Janis Joplin (una vaca sagrada, temo decir), por lo que se podría decir que es un intento de alguna manera fallido de imitar el sonido de Big Brother & The Holding Company (Combination of The Two) y también uno de no querer alienar al público que se habían ganado con el disco anterior. Bueno a secas.

Las cosas se vuelven a componer con So Long Ago, que es una bellísima canción de folk psicodélico hippioso y campestre en el que se incluyen bongós, pandero, violín, flauta transversal, guitarra acústica rítmica y con slide, que guarda una muy sospechosa similitud con How Do You Feel? de Jefferson Airplane y Good Old Friends de The Yankee Dollar. Por otro lado, la interpretación vocal de Carlos Valle me recuerda al inmenso George Harrison, pues a pesar de que no fuese un cantante super entrenado, canta con mucha pasión y sentimiento lo cual inevitablemente se termina reflejando en la interpretación y los coros de Pati y Marylú son especialmente hermosos, lo que me hace compararlas aquí con la enorme Conny Devanney de Ill Wind o incluso con la gran Lynda Squires de Reign Ghost, pues sus interpretaciones realmente son para quitarse el sombrero, contrario a la que hicieron en el tema anterior. Otra obra maestra.

El disco cierra con broche oro con I Dig It, tema que suena a rock ácido con tintes "latinos" que parece una mezcla entre Santana, Big Brother and The Holding Company y hasta algo de Frijid Pink por su acercamiento momentáneo al heavy psych ocasionado por la guitarra del "Javis" que aquí parecería como si a Gary Ray Thompson le hubiese dado por tocar temas de Santana, lo que me parece algo sumamente interesante e igualmente se agradece que esto no haya sido breve y se haya convertido en un jam que dura más de 10 minutos que incluye el solo extendido de guitarra, percusiones, bajo y timbales, por otro lado, Oscar Rojas vuelve a sonar bastante bien aquí y la imitación de Janis de las coristas Marylú y Pati no suena forzada y molesta como en Fatman, lo que me parece una mejoría muy considerable, ya que aquí suenan mucho mejor y me recuerdan a Ruth Copeland. Extraordinario cierre.

Este disco es definitivamente es la joya perdida del rock mexicano de la época de Avándaro y es sorprendente que no suela ser mencionado entre los mejores discos de la época en las listas especializadas, pues es un álbum que reboza en calidad y que está en un nivel en el que muy pocos pudieron entrar, por lo que si alguien no lo ha escuchado, lo recomiendo ampliamente, es una obra maestra.

Ahora vamos a hablar de los temas extra incluidos en los remasters:

La versión del sencillo de Nasty Sex suena como un demo de audición, pues la producción es nula, sin embargo lo que podemos destacar aquí es la inclusión de congas que le dan un aire más "latino", aunque la versión del LP me sigue pareciendo superior.

Gonna Leave salió en un EP en 1973 y está interpretada por la segunda alineación del grupo que consistía en Javier Martín del Campo de la guitarra, Antonio Cruz en la batería, Adrián Cuevas en el bajo, Jorge Gamiz en la voz y Tomás Yoakum de la Fachada de Piedra en las congas y la segunda voz, y básicamente a lo que estamos enfrente es a un rock latino bastante genérico que deja escuchar, pero que no presenta ningún avance artístico para el grupo.

Pigs es todo lo contrario, pues es básicamente una combinación entre el heavy psych blusero de la Fachada de Piedra con el sonido de la Revo de este tiempo, lo que lo hace un tema muy bueno.

Congore Tumbero a la Mar salió en otro EP salido también en 1973, el cual concluiría la discografía rockera del grupo hasta el 2009, pero esa es otra historia. La música tiene esta vez ecos de la época de Quicksilver Messenger Service liderada por Dino Valenti y de Santana, es decir, es rock latino medio funkeado con algo de psicodelia con letra en Español.

Bad Dreams es más rock latino genérico en la línea de Gonna Leave, aunque de mejor calidad en mi opinión.

Mr. Jones vuelve a tener ecos del QMS de Dino Valenti al mismo tiempo de que Sympathy for The Devil de los Rolling, es decir, es psicodelia funkeada con elementos latinos, con percusiones pegajosas y un "Javis" que vuelve a sonar cipollinesco e incluso esta vez usa un echoplex que me recuerda a los jams extendidos de la canción Mojo de QMS en el que John Cipollina lo utilizaba extensamente. Temazo.

DESCARGA