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23 ago. 2020

Fields - Fields (1969)

Sigue la pandemia y pues ya que desde hace un mes o más, no he publicado nada, así que ahí les va un clásico del heavy psych, el cual estaba mal remasterizado, ya que era una mala transferencia del LP original del 69, así que le hice algunos ajustes, entre ellos, lo ecualicé bien, quitándole bastantes rangos bajos y medios y aumentándole un poco los agudos, así como también le corregí el tono, ya que el disco original no sonaba tan grave y eliminé un pequeño click (del vinilo) que aparecía en una canción, por lo que aquí tienen una experiencia lo más fiel posible al disco original de 1969.

La historia de los Fields comienza en 1965, cuando el guitarrista Richard Fortunato y el baterista Steve Lagana, quienes formaban parte de un grupo de garage llamado los Preachers, se salieron y se fueron cada uno por su lado, Fortunato con los Vejtables (uno de los primeros grupos sanfranciscanos en salir) y Lagana con Johnny Rivers, luego se volverían a reencontrar cuando se unieron al bajista Patrick Burke para formar a los W.C. Fields Memorial Electric String Band, quienes colgaron un par de sencillos en 1966, luego en 1967 cambiarían su nombre a ESB (abreviatura de Electric String Band) y colgarían otro sencillo.

Para 1968, volverían a cambiar de nombre, esta vez a Fields y se reinventarían como power trio (teniendo en cuenta que en sus encarnaciones pasadas había 5 miembros), influenciados tanto por los grandes tríos de poder como Cream, Hendrix y Blue Cheer como por los Beatles y el soul. A principios del 69, firmaron un contrato con la disquera UNI y poco después sacaron su primer y único disco de larga duración que es el que hoy vamos a reseñar, lo que los ayudó a hacer extensas giras a lo largo de los Ángeles, California (su lugar de origen), alternando con otros grupos que estaban apunto de hacerse populares como Stack, The Hook, Alice Cooper, Zekes, The Illinois Speed Press, Supachief, etc. Así como también fueron abridores de grupos como Led Zeppelin, Canned Heat y los Doors.

En 1970, se separaron, cuando su bajista Patrick Burke decidió entrar a la secta hippie/new age del Padre Yod y consecuentemente formando parte de su grupo de psicodelia experimental Ya Ho Wa 13, además de cambiar su nombre a "Sunflower".

La música de Fields se puede definir como un heavy psych que combina sin prejuicio alguno elementos de blues, soul y pop, por lo que lo considero un trabajo bastante diversificado pero que mantiene su esencia pesada y psicodélica, por lo que podría ser difícil de digerir para algunas personas que esperaban un trabajo más oscuro y tosco, pero les aseguro que después les gustará.

El disco abre con Elysian Fields, donde muestran sus intenciones de ser un power trio potente y pesado con sabor lisérgico, pero que está abierto a la experimentación con la música negra, pues incluye a unas coristas negras, que según leí, eran las mismas que cantaban con Ray Charles. Por lo que podemos decir que Fields es un grupo un tanto único en su especie, ya que en su música se escucha cierto potencial comercial pero sin sonar ñoños, y tampoco sin vampirizar al pop con las guitarras propias de la psicodelia pesada.

El segundo tema es Bide My Time, el cual se podría decir que es un poco más convencional dentro del heavy psych, pues de alguna manera recuerda tanto a Blue Cheer como a Grand Funk y a Cream, sin embargo, se termina con un final un tanto experimental, que algunos han hecho notar que suena un tanto proto-Ya Ho Wa 13, por lo que tal vez esto influyó en Patrick Burke cuando se unió al grupo del Padre Yod en los 70's. Temón.

El tercer tema es Take You Home, un blues ácido, pesado y cachondo que recuerda a Cream, pero con unas guitarras más limpias y además, el tono cachondo de la música va con las letras que sugieren un encuentro sexual con una chava. También como dato adicional, esta canción fue versionada primero por los japoneses Speed, Glue & Shinki en su segundo disco de 1972 y luego por los filipinos Juan de la Cruz, de quienes el bajista insiste en que es una canción de su autoría cuando de hecho en el disco de Fields dice que es de la autoría del guitarrista Richard Fortunato, además de que la versión de Fields salió en 1969, mientras que las de Speed, Glue & Shinki y Juan de la Cruz salieron en 1972 y 1973 respectivamente.

Jump On You es el tema más soulero del disco, en el que vuelven a incluir a las coristas negras, sin embargo, las intenciones pesadas y psicodélicas del grupo también hacen gala, así como también las letras y el tono cachondo de la canción nos hacen sugerir algo relacionado con el sexo.

Sun Would Set es la canción más popera del disco, con un ritmo un tanto baladesco y sentimental, se asemeja bastante a Hey Jude de los Beatles, incluyendo ese coro pegadizo del final que va "Ah, we love you! Let us get together now!", que bien podría ser coreado en un concierto.

Love Is The Word condensa las intenciones más experimentales y camaleónicas con las de un power trio fiel a su psicodelia pesada, pues aquí hay de todo: blues duro y guitarrero, psicodelia ácida, pop experimental que recuerda al Sargento Pimienta y soul que incluye secciones de metales y coristas femeninas negras, así como letras idealistas y hippies que hablan del amor de una forma abstracta, todo esto en una ambiciosa obra de más de 18 minutos de duración, mostrando también en parte el impacto que tuvieron Iron Butterfly con su obra maestra In-A-Gadda-Da-Vida en los futuros grupos de heavy psych, quienes a como diera lugar, querían tener su propia canción larga que ocupara todo un lado de un disco.

Disco recomendado a todos los fans de la psicodelia, incluso si tiene ciertas irregularidades a lo largo del disco que lo hacen un tanto difícil de digerir. Este es un clásico del heavy psych que estoy seguro de que muchos grupos anhelan con tener un disco de este nivel como mínimo.


1 jul. 2020

The Underground Electrics/The Firebirds/The 31 Flavors - Discografía (1968-69)

La cuarentena sigue y de alguna manera ya me he acostumbrado a vivir encerrado, no extraño para nada a aquella asquerosa "normalidad" y es más, cada día odio más a la burguesía y a sus estúpidos aliados, ya sea a los traidores de clase, las otras clases o a los grupúsculos "progresistas" que piden con vehemencia ser incluidos dentro del proyecto capitalista, pero la cosa no termina ahí, hace días, el "exitosísimo" y "multitrillonario" de Ricardo Salinas Pliego salió a dar unas declaraciones que me hicieron encabronar, ya que el muy mierda ahuevo quiere que se "reactive la economía" en medio de la pandemia, y en su cuenta de Twitter declaró lo siguiente: "El trabajo dignifica nuestras vidas; les da significado y sentido. Por ello es importante defender a las empresas, que son las principales generadoras de empleos, riqueza y prosperidad". Este hijo de la chingada lo que quiere es que toda su mano de obra barata regrese para seguirla explotando sabroso y él se siga enriqueciendo. Y así, los estúpidos progresistas liberales, lejos de ser una buena alternativa que se muestra contestataria y que tiene buenas soluciones a los problemas, crean teorías absurdas que lo único que buscan es ofuscar las tensiones sociales con pendejadas sobre la opresión a grupúsculos identitarios y a los que insistimos con el análisis marxista de la problemática social, somos calificados de "fascistas", "conservadores", "tankies", "reduccionistas de clase", etc. E incluso, pueden llegar a justificar la explotación hacia el obrero como una mera cuestión de culpa individual, haciendo todo un acto de cinismo y deshonestidad política e intelectual. Pero en fin, este post no es para expresar mis quejas políticas, ni tampoco para darles motivo a los niños rata estúpidos y vengan a dejarme comentarios llenos de insultos que van directo a la bandeja de spam.

Hoy les traigo esta trilogía de discos hechos por un grupo de músicos de sesión cuyas identidades permanecen desconocidas desde hace más de 50 años, se dice que posiblemente pudo haber sido algún grupo de soul, pero tal rumor me parece falso, ya que la influencia del género es mínima, además de que los músicos no suenan como negros, sino que su música tiene un sabor garagero muy marcado, lo que me hace tener cierta seguridad de que se trataba de músicos blancos y jóvenes que conocían perfectamente el panorama del rock de la época, también otra cuestión en debate es su nacionalidad, pues existen algunas fuentes que afirman que se trataba de un grupo británico, pero el hecho de que la disquera Crown, que era una subsidiaria de Modern Records, la cual estaba establecida en los Ángeles, California, también habría que afirmar que la mayoría de grupos ingleses no tenían un sonido tan pesado, ácido, crudo, oscuro y sucio, además de que las influencias del garage rock fueron casi exclusivamente de América (el continente), por lo que con absoluta certeza puedo afirmar sin temor a equivocarme de que estos músicos eran de Estados Unidos y probablemente eran de los Ángeles, por lo que no sería improbable que estos músicos conocieran bien a los grupos de la escena local como Stack, The Hook, Fields, Zekes, Illinois Speed Press, Alice Cooper, Supachief, Strawberry Alarm Clock, Steppenwolf, T.I.M.E., entre otros y que incluso, alguno de los que tocaron en estos discos, fuese miembro de alguno de esos conjuntos.

Otra cosa que habría que mencionar es que Crown Records se dedicó mayormente a lanzar discos de lo que hoy conocemos como exploitation, que básicamente se trata de discos de bajo presupuesto, grabados por músicos anónimos y que generalmente tienen una producción cruda y algo rudimentaria, en estos discos lo que podemos encontrar son generalmente versiones (o refritos, como les decimos en México) de canciones populares en ese momento que varían de calidad o composiciones originales que suenan extrañas, estrambóticas, inusuales, subterráneas, crudas (todo esto no lo digo en mal plan) y hasta de mal gusto (sí, cuando escuchen estos discos, ya sabrán por qué lo digo). Estos discos, irónicamente, están hechos con intenciones abiertamente comerciales, ya que generalmente fueron intentos de disqueras de bajo presupuesto de incursionar en el mercado de algo que está de moda en ese momento, pero los resultados finales suelen ser generalmente anti-comerciales, por lo que muchos de ellos han llegado a generar un fervor casi religioso o más bien, un culto entre coleccionistas empedernidos, melómanos que gustan de cosas extrañas y hasta pseudo-arqueólogos del ciberespacio. Estos discos comenzaron a perder relevancia en los 70's, cuando las discográficas empezaron a ser menos punitivas con los músicos en cuestiones legales, y además, dejaron de ser productos que en algún momento pudieron haberse vendido más o menos bien, por lo que pronto dejaron de producirse al punto de desaparecer, ya que además de todo, se les llegó a considerar como productos kitsch o de mal gusto.

Musicalmente hablando, los Underground Electrics/Firebirds/31 Flavors compartían más con Blue Cheer que con Jimi Hendrix, Grateful Dead o cualquier grupo hippie de la época, pues citando al bajista Dickie Peterson, el describía a su grupo de esta manera: "los hippies solían besar bebés y comer flores, nosotros comíamos bebés y besábamos flores", dando a entender el motivo por el que Blue Cheer fueron considerados el grupo menos agraciado de San Francisco por algunos de los personajes más reconocidos como algunos miembros de Jefferson Airplane y Grateful Dead, pero los Firebirds iban aún más allá de ser simplemente un grupo visceral, pues su música es una gran definición de lo que significa "malviaje", lo que vemos aquí es un fiel retrato del lado oscuro de los 60's, desde los acontecimientos mundiales del 68 hasta la masacre de la Familia Manson, la guerra de Vietnam, los acontecimientos del festival de Altamont, los experimentos del Fondo Monetario Internacional en América del Sur, el Avandarazo, etc. De esta manera, los Firebirds crearon un heavy psych que además de sonar pesadísimo, crudo, directo, sucio y demoledor, también sonaba a un malviaje de LSD, de imágenes oscuras, siniestras y devastadoras de un futuro funesto que ya olía a podredumbre.

Ahora sí vamos con los discos:

The Underground Electrics - Hey Jude (1968)
De sus tres discos, este es el más blusero, pero también es el menos agraciado, pues por un lado, tenemos a un cantante de lounge o de country que se escucha viejo y cansado y que suena completamente fuera de lugar, y por el otro, tenemos una versión de pésimo gusto de Hey Jude que le da título al disco, por lo que podemos aseverar que aquí había ganas de lucrar con el público joven que estaba completamente imbuido en la psicodelia y otras ondas de la época.

La versión de Hey Jude, no hace falta describirla más, como dije, es de pésimo gusto, está tocada con las... Aunque muchos podrían terminar amándola precisamente por esto, es tan grotesca que conmueve.

En el siguiente tema tenemos una versión de Crossroads de Robert Johnson al estilo de Elmore James, incluyendo sus variaciones en la letra, y aunque la voz suena completamente fuera de lugar, la interpretación de los Firebirds es para quitarse el sombrero.

Boogie Chillen es más que nada una variación mayormente instrumental (afortunadamente) de un tema homónimo de John Lee Hooker, y aunque no hay muchos solos de guitarra, la interpretación es excelente.

The Syndicator es otra variación de un tema de John Lee Hooker, que otra vez tiene alteraciones en las letras y una interpretación vocal que hace preguntarnos, ¿Por qué carajos tuvieron que incluir a un cantante que no suena nada familiarizado con el rock y que por lo tanto, no se acopla con el estilo que maneja el grupo? Son misterios de la vida, pero afortunadamente los Firebirds vuelven a hacer un trabajo muy meritorio.

No Love In My Heart es un tema de Elmore James (el blusista preferido de Jimi Hendrix) que está interpretado en un modo más de rhythm and blues cincuentero, el cual suena excelente, y aquí el cantante no suena tan mal como en las otras canciones.

Goodbye Baby es una variación de otro tema de Elmore James (¿Por qué tanta obsesión con él?), pero con las letras cambiadas. Aquí aparecen todos los miembros de los Firebirds, incluyendo el vocalista de la voz ronca.

No estoy seguro si Queen Bee se trate de una canción original o si se trate de alguna variación instrumental de algún estándar del blues, si alguien que conozca más de blues puede corregirme, bienvenido, pero lo que sí puedo decir es que la interpretación me recuerda muchísimo a la época de los Yardbirds con Jeff Beck y a los primeros años de Led Zeppelin.

Sunnyland es otra rola de Elmore James, aquí lo que veo es algo misterioso, pues no sé si la disquera o el grupo estaba obsesionado con el gran blusista, ya que al menos un 50% o más del disco está compuesto por interpretaciones de sus composiciones.

Dark and Dreary y Dust My Blues son del mismo autor, y como siempre, la ejecución instrumental es excelente, pero la voz está fatal.

The Firebirds - Light My Fire (1969)
En este segundo disco, en el que hay un cambio de nombre y también, un cambio de vocalista, se escucha a este grupo mucho más acoplado y más psicodélico, la influencia del blues está menos presente y los músicos están mostrando lo que mejor que sabían hacer: heavy psych.

El cambio de vocalista fue algo que notoriamente mejoró al material y a la ejecución instrumental del grupo. Pues este nuevo vocalista suena completamente acoplado con el grupo, su voz rasposa, de garage rock, que suena entre James Lowe, Steve Morgen y Bob Dylan, simplemente funciona perfectamente con el estilo que manejaba la banda. Pero eso no es todo, las canciones suenan mejores, más interesantes y más enérgicas, con un sonido mucho más lisérgico y crudo.

El disco comienza con un refrito instrumental de Light My Fire de los Doors, al que titularon Warm Up, no sé por qué, posiblemente sea por error de impresión, el cual es una especie de lounge psicodélico de guitarras limpias y un ritmo a tono de jazz ligero bailable que coquetea con el rock ácido, y aunque sigue siendo un intento oportunista de atraer al público joven, está muy bien hecho, los músicos suenan impecables aquí.

La siguiente canción titulada Delusions, sigue con las guitarras limpias y es que se trata de una balada de rhythm and blues que suena un tanto deudora con la primera época de los Rolling Stones, pero la interpretación vocal le da un sabor muy garagero que la hace aún más interesante y cálida, pero lo mejor está por venir.

Reflections es heavy psych de altos vuelos acompañado de una atmósfera siniestra y brutal que fácilmente pudo haber hecho que este grupo se codeara con grandes como Blue Cheer, Mariani, Frijid Pink, Stone Garden, Smack, Bolder Damn y los Bulbous Creation. Con una guitarra bestial que no dudaría ni tantito que fuese influencia para los grupos de doom metal de los 80's, una batería crudísima y un vocalista que recuerda tanto a Kelly Green como a un Demis Roussos desgarrador. Luego incluirían una versión instrumental en el disco de los 31 Flavors a la que titularon Distortions of Darkness, que es todavía más pesada.

Bye Baby es un blues que incluyeron también en el álbum de los Underground Electrics, aquí no canta el cantante viejo y cansado de lounge, sino el vocalista que acompaña a la mayoría de las canciones de este disco. Musicalmente recuerda a las interpretaciones de canciones de blues que hacían Blue Cheer o incluso a su obra maestra Babylon.

Gypsy Fire suena entre Blue Cheer y Jimi Hendrix, aunque también oigo reminiscencias de la escena de Detroit, de grupos como Dick Rabbit y Frijid Pink, aunque sinceramente dudo que los músicos implicados en este proyecto escucharan a tales grupos, pero la similitud es impresionante, por el fuzz tan pesado, las atmósferas psicodélicas y la producción tan cruda.

Free Bass es un jam, que en realidad está dividido en tres partes (las otras dos están incluidas en el disco de los 31 Flavors), y que de alguna manera recuerda a grupos como Cream y Iron Butterfly, aunque con una ejecución más garagera.

No Tomorrows recuerda tanto a Blue Cheer y Jimi Hendrix, como a algunos de los mejores grupos de heavy psych de la época como Stone Garden, Glass Sun, Frijid Pink, The Hook, etc. Es psicodelia pesadísima, con un fuertísimo sabor a garage rock y una ejecución magistral (para su estilo, no me linchen).

El disco termina con Light My Fire, que en realidad no es la canción de los Doors, y tal vez esta es la que debió haberse titulado como Warm Up (que en español se traduciría como "calentando" o algo así, seguramente en referencia a la práctica de calentamiento con los instrumentos) pues es otro jam, esta vez de blues/boogie rock, con una guitarra tan buena que fácilmente podría verse al tú por tú con Jeff Beck o con Eric Clapton.

The 31 Flavors - Hair (1969)
Esta es la tercera y última entrega del grupo, que de alguna manera es más inconsistente que la anterior, pero más pesada y oscura.

El disco inicia con una versión del tema del musical Hair, que básicamente está tocada en modo de banda de garage, todo elemento festivo, optimista y de soul queda eliminado por una ejecución que supongo, intenta imitar a Jefferson Airplane en el Surrealistic Pillow, pero termina sonando más a la de una banda de garage de mediados de los 60's, con el mismo vocalista ronco del otro disco, esta vez haciendo una especie de imitación de Bob Dylan en Subterranean Homesick Blues, que es esta especie de proto-rapeo grasoso derivado del talking blues (que básicamente no es blues, sino country), por lo que me atrevería a decir que esta versión es como una especie de perversión de los ideales hippies, una especie de visión aterradora de lo que vendría para el verano y el otoño del 69.

Después llega otro tema del musical Hair, Aquarius (Let The Sunshine In) que viene acompañado de una voz femenina (yo supongo para intentar imitar a Jefferson Airplane y otros grupos de la época que tenían cantantes femeninas), aunque curiosamente, la cantante no es muy buena que digamos y la versión no es nada memorable, a excepción de algunos guitarrazos que llegan a escucharse en el fondo, por lo que yo supongo que fue incluida aquí nada más por rellenar.

Protest es la primera canción original incluida en este disco, y está en clave de heavy psych con guitarras limpias, que suena muy similar a un grupo llamado Joshua, del que ya hemos hablado aquí, aunque con un tono más oscuro, drogado y depresivo.

Free Fuzz y Free Drum son las otras dos partes del jam que mencioné en la reseña del disco de los Firebirds. Los títulos explican bien de qué se tratan.

One-Two-Three-Four empieza como un tema de garage rock con guitarras limpias y un vocalista distinto que suena menos ronco, luego se transforma en un blues que recuerda a Blue Cheer pero sin la distorsión.

Real Far Out es en realidad un refrito de Steppin' Out de Memphis Slim, el cual (se supone) está basado en el que hicieron John Mayall y los Bluesbreakers en el 66, aunque la interpretación me suena más a como si fuese una interpretación de Mariani o de Blue Cheer, la carga de fuzz en la guitarra es inmensa y la ejecución general del grupo es machacante. Una interpretación demencial.

Distortions of Darkness se trata de la versión instrumental de Reflections, y es aún más pesada y oscura que la versión que se encuentra en el disco de los Firebirds. Por poco tiempo (teniendo en cuenta que este disco salió en 1969, de acuerdo a la mayoría de fuentes) se adelantaron a la oscuridad que se volvería el sello de los ingleses Black Sabbath, pero también de grupos gringos como Punch y los Bulbous Creation y por supuesto, del doom metal que vendría para los 80's, de hecho, existe un tema de Witchfinder General que me suena casi idéntico. El mejor tema el disco.

Ya que terminamos con las reseñas, les cuento que estos discos los conseguí gracias a un buen amigo brasileño que también es bloggero (Thank you, Nel!) y a un usuario de Soulseek, con excepción del disco de los Firebirds, que lo encontré en Rutracker.org, me imagino que los consiguieron ellos a través de algún programa como Deezloader, ya que los discos de los Underground Electrics y de los 31 Flavors son de origen WEB y se encuentran en plataformas de streaming, pero cuando por fin los escuché, me sorprendió el horrible trabajo de remasterización que hicieron en ambos trabajos, pues hicieron un horrible trabajo de remasterización que incluía inversión de canales, mala ecualización, volúmenes desnivelados para los canales y demás, por lo que tuve que hacer todo un trabajo para que sonaran más fieles a como salieron esas grabaciones en 1968 y 1969 respectivamente.

Desafortunadamente no pude conseguir los escaneos de las portadas y etiquetas del disco de los 31 Flavors, por lo que incluí la portada frontal en la mejor calidad que pude encontrar por ahí en la red.

También quiero comentarles que encontré otro sitio para almacenar los archivos que me ofrece las funciones que necesito, esta será la primer subida que hago ahí y espero que funcione bien.

Espero que disfruten estos discos, ahora que están disponibles en FLAC, porque son verdaderas obras maestras del heavy psych que no se pueden perder por nada del mundo.

La Familia Manson a modo de ilustración.

20 abr. 2020

Sainte Anthony's Fyre - Sainte Anthony's Fyre (1970)


Seguimos en la cuarentena. El aburrimiento y la incertidumbre se han mezclado hasta un punto en el que es mejor aplicar la estrategia del conspiranoico-new age promedio de no ver las noticias y menos cuando la mayor parte de los periodistas que salen en los noticieros son gente cínica, vendida y doblemoralista, y no lo digo por defender al blandito de nuestro presidente (Andrés Manuel López Obrador, alias “el Peje”) con sus estúpidas políticas progres, sino, porque gente como Ciro Comes Mierda Gómez Leyva, Javier Alatorre o Joaquín López Dóriga, son tan anti-éticos, irresponsables y mierderos, que son capaces de incitar a que la gente salga de sus casas en plena pandemia con el único fin de joder al actual mandatario. Así, se vuelve preferible ver por 4 horas seguidas a Mr. Bean o ponerse a ver películas, que ver noticieros. Ahora, queridos lectores, para que no se me desesperen, pues es hora de colgar un nuevo disco por aquí, que es probable que ya conozcan o que al menos, lo tengan ubicado de vista.

Este es uno de esos discos que el listillo promedio que presume de ser muy conocedor del rock pesado subterráneo o de que le gusta la psicodelia dura, ignorará de su existencia o no le gusta porque suena muy lo-fi y crudo para su gusto, ya que él prefiere álbumes y grupos sobrevalorados e irrelevantes (Dígase: Leaf Hound, Captain Beyond, Incredible Hog y demás).

Este disco lo conocí por recomendación de un gran amigo sueco que ya lleva fácil uno o dos años desaparecido de la red, decidí escucharlo y desde la primera vez me gustó, por allá en la primavera del 2013, pues a pesar de que la calidad de sonido del disco parezca que fue grabado para una audición o que lo grabaron en una de sus tocadas con una grabadora de 2 pistas entre el público, aquí escuchamos a una banda con mucho potencial en su estilo: Hay energía desbordante, una atmósfera directa del garaje o el sótano, mucha lisergia, potencia y dureza, es decir: Los elementos necesarios para hacer un buen disco de heavy psych.

Sainte Anthony’s Fyre eran originarios de Trenton, Nueva Jersey (lugar que también vio nacer a Negative Space por este mismo tiempo), se formaron en 1967, después de que todos sus miembros colaboraran en diversas bandas de garage, bubblegum y soul. El grupo estuvo conformado por el baterista inglés Bob Sharples, el guitarrista Greg Ohm y el bajista Richy Helmke, luego en 1968, se les uniría Tom Nardi en el bajo, cuando Helmke tendría que irse a Vietnam a hacer servicio para la armada estadounidense.

Al estar representados por Dickie Diamond (quien representaba a Patti LaBelle), consiguieron tener un contrato con CBS y grabaron algunas canciones que hoy están perdidas. Luego, a alguien se le ocurrió la idea de que se fueran a grabar a un estudio de soul, en el que no grababan con amplificadores, sino que todos los instrumentos debían estar conectados a las consolas, por lo que se retiraron y con nuevos representantes, los programaron para los estudios Electric Lady donde al parecer no grabaron nada y finalmente el disco fue grabado en los estudios L&H de Nise Productions, Inc. En 1970.

El grupo logró tener cierta difusión en las estaciones de radio subterráneas su natal Nueva Jersey y en Philadelphia, así como también lograron abrirles a grupos como Fleetwood Mac, Grand Funk, James Gang, los Grassroots, Wishbone Ash y al grupo de Edgar Winter. Se separaron en 1973.

Ahora, a hablar de la música:

El debut y único disco de Sainte Anthony’s Fyre, es tal vez uno de los álbumes con peor calidad de sonido que he escuchado junto con la mayoría de la discografía del Three Souls In My Mind, el único disco de Smokin’ Willie, Emerges de Stone Harbour, Meet Your Ghost de Vulcan, Opens Your Mind de Joshua o las grabaciones del San Francisco’s Shiver y de la JPT Scare Band, pero con la diferencia (esto en referencia al Three Souls y la JPT) es que aquí hay un grupo con mucho talento de por medio, con un sonido potente y machacón, un disco donde no hay canciones malas y todas brillan a pesar de la poca o nula producción.

La música de Sainte Anthony’s Fyre puede definirse como un heavy psych pesadísimo que bebe tanto del rock ácido de Jimi Hendrix y Cream como del garage rock tardío de fines de los 60's, así como de grandes grupos de psicodelia dura de la época como Grand Funk, James Gang, Blue Cheer y Mountain.
El bajo está omnipresente en toda la grabación, y me sorprende que suene tanto a pesar de la falta de producción, ya que en este tipo de producciones, lo que siempre se pierde es el bajo y aquí el sonido del bajo de Tom Nardi es similar al de un contrabajo y suena muchísimo, sin embargo, también por momentos, llega a prender el fuzz y suena brutal, su estilo de alguna manera recuerda a Mel Schacher y a Felix Pappalardi, mientras que el guitarrista Greg Ohm les hace homenaje a Jimi Hendrix y Leigh Stephens, con fuzz potentísimo, y el baterista Bob Sharples, sin ser virtuoso, cumple con su labor como parte de la base rítmica, compensado con las líneas virtuosas de Nardi y Ohm.

El disco inicia con Love Over You, la cual comienza con un riff de bajo que parece una mezcla entre Mel Schacher y James Jamerson, mientras que el resto de la canción desborda sensualidad y lisergia, con un ritmo insistente y una guitarra que nos trae a la mente lo mejor del OutsideInside (disco que le da nombre al blog), el grupo logró crear una melodía super pegajosa que bien podría ser la envidia de cualquier grupete sueco insípido que dice tocar “retro rock”. Uno de los mejores temas del disco.

En el segundo tema tenemos a Get Off, que suena como a una especie de mezcla entre el disco rojo de Grand Funk y Jimi Hendrix, con un ritmo de nuevo insistente y pegadizo, pero esta vez más funky, otra vez el grupo vuelve a derrochar sensualidad, incluso en la letra.

Le sigue Summer Fun, que según el baterista Bob Sharples, está inspirada en una patoaventura que tuvieron con unas groupies y un travesti, en la que el guitarrista Greg Ohm terminaría vistiéndose de mujer. Según el mismo bataco, la canción tiene influencia de Canned Heat, aunque también le noto cierto parecido con Blue Cheer.

Starlight era la canción que usaban en los conciertos para hacer jams extendidos de hasta 25 minutos, en donde cada uno de los integrantes hacía un solo con su propio instrumento. La canción suena funky por donde se le vea, y los ecos de Grand Funk se vuelven a notar.

Lone Soul Road es una canción pesadísima, tocada de forma lenta y blusera. Aquí estamos ante heavy psych de altos vuelos. Con el omnipresente bajo fuzzeado de Nardi y el riff pesado de Ohm, estamos ante una canción que desprende psicodelia por donde sea, esta es sin duda, una de las canciones que cualquier grupete de poseros que tocan “stoner doom” hubiese dado por haber compuesto y tenerla en uno de sus discos. Un temón de aquellos.

With Your Beau suena a los Thunder and Roses, Mount Rushmore y los American Blues, con un poco de Blue Cheer, Hendrix y Deep Purple, hay un ritmo más veloz y guitarras de heavy psych. Una de las más enérgicas del disco.

Chance of Fate bien podría ser la gemela de Lone Soul Road, con su ritmo lento y pesado con su insistente bajo fuzzeado y la atmósfera lisérgica. Aquí es donde pregunto: ¿Por qué no hicieron más discos? El grupo tenía talento de por medio, su música irradia ganas y energía, no por nada les abrieron a grandes como Fleetwood Mac y Grand Funk, por lo que me imagino que sus conciertos deben haber sido toda una experiencia. Y también me hace preguntarme: Existiendo discos tan buenos como este, ¿Por qué hay tanto tipejo posero mamando a grupos tan anodinos como Leaf Hound?

El disco finaliza con Wet Back, que suena como un homenaje “heavy” a Jimi Hendrix, aunque con ecos de Grand Funk, Mount Rushmore y de los angelinos Fields también. Su estilo es medio soul, medio blusero y muy psicodélico, muy enérgico y pegajoso, un tema excelente para cerrar un disco tan bueno.

Ya que terminamos de hablar de la música, quiero decirles de última hora, hoy 3 de Julio del 2020, que tuve que editar el audio en Audacity, ya que escuché un ripeo de LP original de 1970 en el Youtube y me di cuenta de que la Rockadrome hizo todo un desmadre con el sonido del disco, haciéndolo sonar casi como si fuese un demo de audición, gracias a la pésima ecualización que le hicieron que tenía los rangos medios hasta el tope y además, habían invertido los canales, haciéndolos sonar al revés, también hicieron el pecado del brickwalling, por lo que lo estoy resubiendo para que por fin puedan escuchar este disco de la mejor manera posible, hasta que alguna disquera lo remasterice de forma correcta.

Si amas tanto al heavy psych como al rock ácido, este disco es imperdible.

Actualización del 26 de Agosto del 2020, a las 01:00am: He añadido un ripeo del vinilo original de 1970 en 24/96khz, la cual me la encontré en un sitio de torrents y que suena mucho mejor incluso que mi ecualización del remaster de Rockadrome. 

23 nov. 2019

Mariani - Perpetuum Mobile (1970)

Se nos va el año y ni siquiera tuve tiempo de acabar mi reseña del Forever Changes de Love, también se nos fue Armando Molina de la Máquina del Sonido después de haber estado muy mal de salud y cada vez están más cerca las festividades decembrinas, aunque bueno, al menos pude comprar mi bajo y hacerle una pequeña modificación. Ahora lo único que me queda es hablar de lo que más me gusta: la música.

Hoy les traigo un portento de obra, heavy psych de altos vuelos, que lamentablemente está bastante ignorado por aquellos pseudoarqueólogos del hard rock oscuro, que prefieren seguir viendo a grupos muy sobrevalorados y nada especiales antes que revisar esos discos olvidados que rebozan en calidad musical que curiosamente, abundan y uno de ellos es el debut y único disco de los texanos Mariani, que es una verdadera pasada.

Por otro lado, el disco original no tenía portada, venía en una cubierta completamente blanca al igual que todas las ediciones limitadas de Sonatone, luego en ediciones posteriores (la mayoría no-oficiales) le pusieron distintas portadas y también en la mayoría les cambiaron los títulos a las canciones, por lo que hoy una vez más, el disco recibe nuevas portada y contraportada, con los títulos corregidos, y el rip del disco lo saqué de un extinto sitio donde la gente subía discos vía emule, está sacado de la edición en CD de Akarma.

La historia de Mariani comienza en Austin, Texas, cuando el baterista Vince Mariani estaba haciendo una audición para sustituir a Mitch Mitchell en la Experiencia de Jimi Hendrix, pero los de la disquera Sonobeat lo convencieron de que formara su propio grupo y de que con este iba a triunfar, por lo que Vince puso carteles en donde buscaba a un guitarrista y a un bajista para formar un grupo al estilo de Cream, Jimi Hendrix y Blue Cheer, y es ahí cuando su colega Eric Johnson, quien aún era un puberto de unos escasos 15 años, terminó en las filas del aún sin nombre grupo de Vince Mariani, luego se les agregaría el bajista Bob Trenchard, que tan solo estaría un tiempo breve, pero que alcanzaría a grabar unos demos en 1970 para la disquera local Sonobeat.

Cuando Bob Trenchard se salió del grupo que ya había tomado como nombre el apellido de su fundador y baterista, se les unen el bajista Jimmy Bullock y el vocalista Jay Podolnick, que aunque sí estuvo presente en las sesiones del disco, solo grabó una canción, y lo sustituyeron otros vocalistas, debido a que los de Sonobeat pensaron que la voz de Podolnick no era lo suficientemente buena, aunque yo aquí diría que es una verdad a medias, ya que la voz de Darrell Peal suena muy parecida a la de Podolnick, mientras que Bill Wilson es el que hace el trabajo más destacable en cuanto a la voz, teniendo un rango más diverso, además de sonar con más fuerza.

Antes de lanzar el que sería su único álbum en 1970, sacaron dos sencillos, el primero fue acreditado a Vince Mariani como solista y salió en 1969, mientras que su segundo sencillo que viene con versiones distintas de dos canciones que fueron incluidas en en LP original, las cuales fueron grabadas con Jay Podolnick como vocalista y fueron acreditadas al grupo.

Mariani nunca lograron el triunfo prometido y su disco no tuvo gran repercusión, pero lograron abrirles a monstruos como Deep Purple, ZZ Top, Bloodrock y Johnny Winter entre 1970 y 1972.

Ahora a hablar de la música:

Perpetuum Mobile es un disco donde el rock ácido, el hard rock, el jazz y el blues se mezclan en perfecta armonía, gracias a las excelentes composiciones y a que el grupo estaba conformado por grandes músicos, y aunque si bien es cierto que aquí, Eric Johnson a veces suena a que intenta calcar a Jimi Hendrix, habría que decir que no todo en su forma de tocar es pura imitación como son los casos de Thunder and Roses y Velvert Turner o incluso sus contemporáneos Parish Hall, pues Johnson también tenía el don de crear riffs verdaderamente pesados y estridentes que bien pudieron haberlo consolidado entre los mejores guitarristas del momento y estar al tú por tú con Jimmy Page, Ritchie Blackmore, Tony Iommi, Leslie West, Paul Kossoff o incluso Leigh Stephens, Randy Holden y Jesse Harper, pero aquí a diferencia de otros discos de estilo similar, como el Stoned Guitar de The Human Instinct o incluso en parte Wicked Lady, aquí sí hay composiciones en serio y que no son meros pretextos para que Johnson se luzca, sino que todos los músicos ponen su parte y lo hacen de una manera soberbia, entre ellos Vince Mariani, que tenía toda la precisión jazzística que lo hubiese podido llevar entre los mejores bateristas de fines de los 60's, pero también tenía el plus de sonar tan crudo y potente como John Bonham, también habría que destacar que Jim Bullock, hizo un excelente trabajo como bajista y que los vocalistas que participaron aquí, entre ellos Bill Wilson (poseedor de un ronco y potente barítono similar al de Kelly Green de Frijid Pink o al de Al Jacquez de Savage Grace) el cual era un cantautor de folk, Darrel Peal (que tenía una voz más estándar, estoy casi seguro de que era o es un tenor) y Jay Podolnick (que sería bajista un poco antes de que entrara Jim Bullock, después se convertiría en vocalista. El posee un registro de tenor ligero bastante más común). Ahora, la producción suena muy estándar para la época, pues básicamente lo que uno esperaría a escuchar en un disco de heavy psych de aquellos años, es decir, una producción cruda y orgánica con poca presencia de adornos, y aunque no sea una producción de George Martin, los instrumentos suenan perfectos para el estilo que manejaba el grupo.

El disco inicia con Last Milestone, que tiene un riff de guitarra, bajo y bataca digno de estar en un disco de Led Zeppelin, pero pronto muestran también el gusto incondicional que los miembros tenían por la música de Hendrix, incluyendo la guitarra de Johnson que incluye fuzz y wah-wah, mientras que la voz de Bill Wilson suena con muchos huevos, haciéndome recordar a Kelly Green de Frijid Pink, pero sin esa influencia directa del sonido Motown y también de alguna manera, suena similar a lo que harían algunos vocalistas de grunge en los 90's, especialmente Chris Cornell.

Sobre la serie de interludios jazzeros no hablaremos, ya que son muy cortos, pero diré que son interesantes y excelentes, aunque a algunos les podrían parecer un tanto innecesarias y que desestabilizan un poco al disco, pues hay que tener en cuenta que sí podrían sonar un tanto fuera de lugar al estar puestas junto a temas que desbordan energía y que además, son de un estilo completamente distinto, sin embargo, también muestra que el grupo estaba conformado por músicos versátiles y virtuosos que no se conformaban nada más con tocar rock, como ahora lo suelen hacer muchos grupos.

Re-Birth Day me suena un tanto similar a lo que harían un par de años después un grupo de Illinois llamado Hindenburg Lyon, e incluso con ese tipo de arreglos que comienzan de una forma pesadísima, donde destacan las influencias zeppelianas una vez más y luego se van por otra cosa, en este caso, Mariani se van primero por una parte blusera, luego regresan a la primera parte, para ir a un arreglo muy hendrixiano y aterrizar en el pop psicodélico, regresan al arreglo tipo Hendrix que incluye también un solo de Eric Johnson con fuzz y wah-wah, regresan a la parte popera y se termina con el arreglo del medio y un eco muy lisérgico. En esta canción canta Darrell Peal.

Memories Lost and Found empieza tal y como uno podría esperar que empezase una canción del Axis: Bold as Love o del Electric Ladyland, pero después aparecen riffs de guitarra que cabrían más en un disco de Led Zeppelin, para luego irse a uno solo que peca de hendrixiano, aunque aquí podríamos decir que faltó un poco más de diversidad, teniendo en cuenta que Re-Birth Day tiene más de 5 movimientos. En esta canción canta Jay Podolnick.

I Can't Hurt Myself es blues ácido y pesado con una introducción jazzera, que curiosamente ya no suena tan hendrixiano y ya va por caminos más en la línea de Eric Clapton o de Jimmy Page, aunque también recuerda un tanto a Frijid Pink, ya que regresa el vocalista Bill Wilson y aunque esta canción pudo haber sido más larga, teniendo en cuenta que el blues generalmente se cuelga, aun así con esta canción siguen gloriosos.

Mendor y Breaker son jams puramente instrumentales que suenan como una versión light de los Firebirds (aquel grupo de músicos de sesión de los Ángeles que grabó una triada de discos entre 1968 y 1969, que ahora son de culto en el heavy psych), pues a diferencia de estos, Mariani parecen no estar muy interesados en experimentar con las sonoridades oscuras y más bien les interesa crear paisajes sonoros que al mismo tiempo de sonar completamente lisérgicos, también suenan pesados, por lo que podemos decir que Mariani no se conformaban con sonar parecidos a Hendrix y a Cream, sino que también mostraban aprecio por Blue Cheer y Iron Butterfly.

Para finalizar el disco original de 1970, llega un tema que definitivamente no les gustará nada a los que dicen odiar los solos de batería, pues Pulsar es básicamente eso, un solo de batería por parte de Vince Mariani, adornado con diversos efectos psicodélicos, que recuerda tanto a los extendidos solos que solían hacer Mitch Mitchell y Ginger Baker en los directos, como a In-A-Gadda-Vida. Este tema puede que no sea brillante y que para muchos incluso justifique la llegada del punk a mediados de los 70's, pero muestra que Vince Mariani es un baterista muy desconocido por el público general, el cual pudo haber sido igual de grande que muchos otros que hoy gozan de un estatus inmenso en la historia del rock, pero prefirió mantenerse en un bajo perfil.

En los bonus, tenemos el primer sencillo de Vince Mariani con las canciones Pulsar y Boots, que básicamente son solos de batería, y el único sencillo del grupo, que incluye una versión de Re-Birth Day cantada por Jay Podolnick.

El disco fue editado de forma privada con apenas 100 copias impresas, el grupo nunca logró conseguir la popularidad que les prometieron, lo que provocó su separación en 1972.

Y pues para finalizar, si disfrutaste de grupos como Thunder and Roses, Parish Hall, los Firebirds, Sainte Anthony’s Fyre, Led Zeppelin, Zekes y Hindenburg Lyon, este disco es el correcto para ti.

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4 nov. 2019

Keep Your Head! Volume 3 (Disco 2): 30 Dark and Evil Heavy Psych and Proto-Punk Monsterpieces from The US 1969-1974

Es 1 de Noviembre y los mexicanos comenzamos a poner nuestras ofrendas a los que se han ido, mientras estoy escribiendo, han dado la 1:41 de la mañana y no puedo conciliar el sueño, a pesar de estar agotado, por lo que me puse aquí a escribir la reseña del segundo disco del volumen 3 de la recopilación Keep Your Head!

Ahora es 4 de Noviembre, son un poco más de las 12 de la noche y contrario a mis planes, apenas estoy terminando esta reseña y pudiendo hacerle unos pequeños ajustes finales al volumen para poderlo compartir con todos ustedes, pues tuve tres días muy agotadores en mi trabajo y uno de descanso.

Este segundo disco está enfocado a tres partes distintas del heavy psych: la primera es la que terminó influenciando a lo que ahora conocemos como punk y que al mismo tiempo bebió de lo que salía de la escena de Detroit (esta es la liga al disco publicado en Julio), la segunda es la que tuvo cierta influencia de Led Zeppelin y que de alguna manera, la encabezó Sir Lord Baltimore y la tercera es la que parió directamente al doom metal a fines de los 70's, que es la más importante en este volumen y que es el motivo por el cual, el segundo disco está siendo publicado hoy.

En el primer tema tenemos a Glory, un extraño grupo de San Diego, California que grabó todo este material en 1970 para una estación de radio, dando como resultado, el disco On The Air, publicado en el 2001 por la disquera texana Rockadelic.
La canción que tocan aquí es Who Do You Love? de Bo Diddley, que curiosamente, también se convertiría en uno de los estándares de Quicksilver Messenger Service, ya que les servía como mero pretexto para improvisar durante varios minutos en sus directos, tal y como lo deja atestiguado el disco Happy Trails de 1969, pero Glory le quita ese carácter propio de la escena de San Francisco y nos entrega una cruda y áspera versión del tema, con ecos de la escena freak proveniente de Inglaterra (también hay que resaltar que existía una en Estados Unidos, aunque ahí estaban más enfocados en hacer música experimental antes que rock), haciéndonos recordar a grupos como los Pink Fairies, Stack Waddy, Hawkwind y Third World War.

Los Dickens fueron punks antes de los punks, pero además de todo, eran burlones y todo su concepto se originó ahí, cuando los roadies del grupo NRBQ, decidieron formar su propio conjunto, el cual se basaba en la actitud DIY (Do It Yourself!, por si las moscas), aunque en realidad no supieran tocar, pero su concepto básico en la música era mofarse del heavy psych y del rock ácido de la época, así como también de los hippies y hacer canciones satíricas al respecto, así como también otras de diverso corte cómico, así como también sus "conciertos" que en realidad fueron más como fiestas privadas, en los que los miembros del grupo salían en cuerdas como Tarzán y luego podían colgarse por varios minutos en los amplificadores Fender de NRBQ a todo volumen, haciendo acople con los instrumentos (también propiedad del grupo al que ayudaban), cosa que terminó molestando seriamente a Jimi Hendrix cuando los vio por primera y única vez por allá en Agosto-Septiembre de 1970 mientras estaba de gira por Nueva York.
La canción que presento aquí se llama Don't Talk About My Music, un tema de corte abiertamente proto-punk, pero con letras chuscas y con una música, que se supone, se hizo para parodiar a los grupos de heavy psych como Blue Cheer, Steppenwolf y Iron Butterfly, aunque más bien suena como una parodia al sonido de Detroit y a gente como MC5 y los Stooges.

Gold fue una de las bandas tardías del sonido de San Francisco, formada en 1967, pero logrando su mayor periodo de actividad hasta la época de declive del hippismo e idealismo del Verano del Amor, su estilo se conformaba por ser una mezcla entre Santana, Quicksilver Messenger Service y Big Brother and The Holding Company, aunque también parece que bebieron de Blue Cheer y de la escena de Detroit, tal y como lo atestigua su único material publicado en su periodo de actividad. No Parking es el lado B de su único sencillo de 1970 y es una canción de heavy psych con un sonido que de alguna manera, predice al punk por unos años, con una asperísima guitarra que vomita fuzz y un ritmo veloz, derivado del garage rock sesentero.


Los Five By Five venían de Magnolia, Arkansas, su labor es más conocida por haber sido un grupo de garage psicodélico de los 60's y por su relativo éxito que tuvieron con su versión de Fire de Jimi Hendrix, con la que llegaron al modesto #52 de las listas de popularidad gringas, pero en 1970 deciden imbuirse en un sonido más pesado y más psicodélico, con este sencillo llamado 15 Going on 20, que es un tema en el que parece ser que absorbieron por completo al sonido de Detroit, aunque también habría que decir que el grupo no se despegó por completo de sus influencias sesenteras, ya que aquí todavía se respira ese olor a incienso y hachís, aunque también nos da un buen indicio que nos traza el camino del garage y la psicodelia rumbo a tendencias que nacerían más adelante, en este caso, el punk.

Los Yesterday's Children al igual que muchos de los casos que veremos a lo largo de los volúmenes de la recopilación, pero especialmente en el 4, que vendrá dividido en 3 discos, empezaron como una banda de garage rock que abiertamente coqueteaba con la psicodelia de tintes "orientales" (seguramente por influencia de los Yardbirds) e incluso dentro de esta faceta, llegaron a sacar un sencillo en 1966. Ellos venían de Cheshire-Prospect, Connecticut y en 1970, al firmar con la reciente disquera llamada Map City, les tocó ser parte de la oleada de bandas de heavy psych proveniente de la costa este de Estados Unidos, en la que también se encontraban Banchee, Sir Lord Baltimore, The Illusion, Morgen, Dust y Euclid, aunque el estilo de Yesterday's Children es muy distinto al de esas bandas, pues al parecer, ellos bebían tanto de Led Zeppelin y Cactus como de Blue Cheer y de los grupos de Michigan, por lo que simultáneamente podían ser crudos, ásperos, bluseros, pesados, garajeros y psicodélicos, con un vocalista que intenta hacer su mejor impresión de Robert Plant, aunque los resultados finales sean más meritorios porque no se trata de una calca, sino de una gran influencia, así mismo, los guitarristas resultan ser excelentes a la hora de construir riffs machacantes y hacer solos estelares, como en esta canción que comienza con un riff que se adelanta al menos unos 7 años a lo que harían Motorhead, pero que rápidamente se mueve a los territorios de MC5, los Stooges y Blue Cheer para que al final terminen entre un heavy blues tipo Led Zeppelin y en una breve parte suavecita. Ahora sí que solo los grandes pueden hacer cosas como estas.

Dust venían de la ciudad de Nueva York y al igual que varios de sus contemporáneos, se dedicaban a los sonidos pesados de la época combinados con algunas influencias de la psicodelia y guiños muy abiertos hacia el rock sureño y el country rock, cosas que explorarían más en su segundo disco (que sería el más irregular de los dos que sacaron), también hay que destacar que entre sus filas se encontraba el baterista Marc Bell, que luego tendría una carrera más exitosa al unirse con los Ramones y sería más conocido como Marky Ramone.
Parece que Dust absorbieron influencias bastante diversas, entre las que escucho en su primer disco son: Led Zeppelin, Black Sabbath, Blue Cheer y los Allman Brothers, y en esta canción hay ecos de todas esas bandas y hay pequeñas partes con cierto aroma a flamenco, hasta con guitarras españolas.

 Kanaan fue en realidad el proyecto de estudio del guitarrista y compositor David Waldon y grabó y editó este sencillo en 1971 (y NO en 1969 como se suele acreditar en diversas fuentes del internet e incluso en la recopilación Brown Acid, pues de acuerdo a David Waldon, las fotos de la grabación fueron tomadas el 24 de Enero de 1971), el grupo se formó en Daingerfield, Texas y nunca tuvo ningún concierto.
Leave It tiene un sonido muy similar a lo que estaban haciendo más o menos por este tiempo el grupo neoyorkino Sir Lord Baltimore, incluso la voz gritona recuerda mucho a la del difunto John Garner, aunque David Waldon en lugar de tocar muy distorsionado, experimentó más con el flanger.



Este es uno de los grupos clásicos que no necesitan presentación, pero de todas maneras hablaré un poco sobre ellos. Sir Lord Baltimore se formaron en 1968 en Brooklyn, Nueva York, justo en la época en la que el guitarrista Louis Dambra también hacía su labor con el grupo de garage psicodélico The Koala, que lanzaría su debut en el tardío 1969. Con influencias de Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Cream, los Who, Blue Cheer y Vanilla Fudge, Sir Lord Baltimore lograron sacar dos discos en su primera etapa, el primero fue Kingdom Come de 1970 y su homónimo de 1971, logrando consolidarse entre la emergente escena del heavy psych de la costa este junto con otras bandas que he mencionado.
El tema que les traigo es el homónimo de su primer disco, la cual es notoria por el bajo distorsionado de Gary Justin, encargado de hacer riffs verdaderamente pesados, mientras que la labor guitarrera de Louis Dambra nos trae a lo mejor del heavy psych de la época, mientras que John Garner además de ser un baterista frenético, fue un vocalista con mucha actitud y una gran voz.

A Euphonious Wail eran originarios de Santa Rosa, California, una ciudad ubicada en la bahía de San Francisco y que al igual que otras ciudades del norte de California, no fueron ajenas al fenómeno contracultural que se dio dentro de San Francisco en los 60's. Logrando abrirles a grupos como Steppenwolf y Black Sabbath, ellos no lograron debutar hasta 1973, cuando el sonido de San Francisco estaba casi muerto y ellos ya habían absorbido influencias provenientes del hard rock, el funk y el rock sureño, por lo que su único disco es una mezcla de todo eso con el moribundo rock ácido sanfranciscano, y en la canción que incluyo aquí, hay mucho paralelismos con Sir Lord Baltimore, pero con órgano incluido.


Masalla fue algún grupo desconocido de Miami, no hay fotos de ellos, ni información al respecto, pero lo que sí se sabe es que este sencillo fue editado en 1970 y es curiosa la introducción, ya que la canción comienza con un viejo espantado mencionando todo lo que hacían los jóvenes en sus fiestas en aquellos años como fumar marihuana, tener sexo y otras cosas que hacían esos horribles greñudos psicodélicos y luego el grupo comienza con un potentísimo heavy psych que nos vuelve a recordar al power trio neoyorkino de Kingdom Come, pero con la diferencia de que son aún más crudos y duros, además de tener una muy mala producción (si es que la tuvo, porque suena a un demo grabado en el garaje de alguno de sus miembros), también habría que mencionar que las letras tienen similitudes con la de American Woman de los Guess Who, pero con la paradoja agregada de que la mujer protagonista es además de todo, lesbiana.

Groundshaker eran de San Francisco, pero se trasladaron a los Ángeles, donde al parecer, tuvieron una mejor aceptación por parte del público. Grabaron todo un demo entre el 71 y el 72, el cual terminó siendo editado en el 2007 por la disquera Red Lounge Records. El sonido de Groundshaker recuerda bastante al de Blue Cheer y al de Sudden Death, aunque tal vez no tan oscuro y además, habría que decir que Groundshaker no eran grandes compositores, ni siquiera para el estilo que manejaban, pero aquí incluyo, la que considero, su mejor composición.



Ya hemos hablado de Sudden Death por aquí, ellos venían de Pasadena, California y con sus influencias de Blue Cheer, Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple, lograron grabar todo un demo en 1972, el cual mandaron a la disquera Epic y fue rechazado por ser considerado "demasiado psicodélico", luego estas grabaciones serían editadas por la disquera Rockadelic en 1995.
El tema que les traigo se llama The Zoo, el cual tiene similitudes tanto con Sir Lord Baltimore como con Bedemon, Stone Garden, Black Sabbath, Led Zeppelin y las bandas de Detroit, además de que las letras hablan de como el narrador de la canción recuerda como en su niñez todo era color de rosa hasta que crece y se da cuenta de que todo es una mierda y que los zoológicos no son más que entretenimiento basura.

Esta canción está extraída del volumen siete de la recopilación Brown Acid de Riding Easy Records. Este extraño grupo llamado Pegasus, originario de Baltimore, Maryland tan solo sacó este sencillo en 1972, con un sonido muy influenciado por Black Sabbath y con un sonido que recuerda al Pentagram setentero, como ya lo veremos más adelante.




Los siguientes temas corresponden a Pentagram y otros grupos relacionados a ellos como Bedemon y Space Meat, así como los mismos Pentagram cuando se hacían llamar Macabre. Pentagram es sin duda, la mayor y más importante banda del doom metal, pero en sus inicios, fueron más bien un grupo de heavy psych influenciado por Black Sabbath y otros grandes de la época, y a pesar de haber grabado varias canciones, al parecer, nunca lograron tener un contrato para publicar un disco en su momento, pero aún así, gracias a varias de las recopilaciones que han salido, hemos podido escuchar todo este material que dejó la banda, así como los demos de Bedemon, Space Meat (o Stone Bunny) y Shades of Darkness. Pentagram es sin duda la prueba histórica de como el heavy psych parió directamente al doom metal.


Arrogance es un grupo originario de Chapel Hill, Carolina del Norte, formado en el 69. Son considerados como antecesores del rock alternativo debido a que el grupo, a pesar de tener considerable popularidad, siempre se mantuvieron en un bajo perfil. En 1970, sacaron su primer sencillo, que muestra al grupo en su faceta de heavy psych (luego cambiarían su estilo por el country rock), en la que también optaban por letras de corte oscuro, como la canción que les presento, que hace referencia a la peste negra, la pandemia de peste que mató a aproximadamente el 40% o más de la población de Europa en la edad media. Musicalmente, me recuerda bastante a los Bulbous Creation, así como al grunge de los 90's, pero más oscuro y psicodélico, mientras que las letras representan a ese pesimismo post-hippie que caracterizaría al heavy psych como el último bastión de la contracultura de los 60's.

De los Bulbous Creation ya hemos hablado, por lo que citaré mi reseña cuando hablo de esta canción:
"Let's Go to The Sea, posiblemente la obra maestra del disco, oscura como pocas. Es aquí en donde les pido que se olviden de falsificaciones como el disco de Jacula. Esta es una música que de verdad no escucharía a altas horas de la madrugada, por su sonido macabro, tétrico y espectral, y por si les quedaba la duda de por qué ingeniosamente los de la Rockadelic pusieron en la portada y la contraportada a esqueletos bastante tétricos, pues escuchen esta rola, estoy convencido que es una de las obras más escalofriantes y macabras que se hayan hecho en esa época, y un gran ejemplo de como los viajes de LSD se pueden convertir en una experiencia aterradora con imágenes atroces. También hay que destacar como Alan Lewis suena extremadamente similar a Stacy Sutherland e incluso en esta canción hace uso de unas reverberaciones muy similares a las que el guitarrista texano usó en el disco Bull of The Woods de 1969, se podría decir que Lewis suena aquí como su gemelo siniestro, también esta es la canción donde más se escuchan similitudes con un grupo llamado Stonehenge, que sacaron un sencillo en ese mismo año (1971, valga la redundancia), con un sonido casi igual de oscuro."


Stonehenge fue un grupo de Clinton, Iowa, el cual empezó sus andanzas en el garage rock, sus conciertos los hacían mayormente en bailes de secundaria y cosas por el estilo, pero a fines de los 60's, al escuchar a Grateful Dead y Jefferson Airplane, cambiaron su estilo al rock ácido pero a diferencia de sus contrapartes sanfranciscanas, lo empezaron a tocar de una forma pesada y oscura, además de incluir en sus letras referencias literarias a J.R.R. Tolkien y a Dante, por lo que es interesante escuchar que a diferencia de muchos de sus contemporáneos, Stonehenge apenas tenían una ligera distorsión en sus guitarras a la hora de hacer solos, el resto de tiempo estaban muy limpias, pero aún así lograron sonar oscuros, macabros, depresivos, nihilistas, pesimistas, pesados y psicodélicos, todo al mismo tiempo, hasta me atrevería a decir que por momentos podrían sonar hasta más macabros que Black Sabbath. Así que aquí hay una gran lección para aquellos grupos que tocan con los amplificadores Orange asquerosamente distorsionados.

Otro grupo que nos da una lección de como sonar oscuros y pesados sin la necesidad de sobresaturar la guitarra.
Stoned Mace, originarios de Attica, Indiana, estaban obsesionados con la edad media y los soldados de ese periodo histórico, aunque al final terminan romantizando mucho a estos (teniendo en cuenta que según los historiadores, los soldados medievales eran bastante patanes y descuidados), así como con el flamenco, la música árabe y la música de los Spaghetti Western, también hay un tufo de Jefferson Airplane en esta canción.



Fraction es otro clásico que no necesita presentación, pero aún así, hablaré de ellos (aunque es cierto que también he publicado este disco por el blog), ellos eran un grupo cristiano, por lo que sus letras pueden demostrar un fanatismo religioso excesivo, tanto que suenan un tanto oscurantistas y fundamentalistas, pero como sea, musicalmente, Fraction se encontraban entre los grandes, con su heavy psych de sonoridades oscuras que bebía principalmente de los Doors, pero a la vez de Black Sabbath, Love y Iron Butterfly, nos trae un tema que suena a todo un malviaje.




Randy Holden es (valga la redundancia), un clásico que no necesita presentación.
Él, acabando de salir de Blue Cheer, se puso a grabar su disco solista que salió en 1970 y es mucho más pesado que cualquier cosa que hayan hecho Black Sabbath en los 70's. Con su muralla de amplificadores Sunn de transistores, él también representa a ese sonido arquetípico del doom metal: lento, pesado y oscuro.





The Flow fue un power trio de trayectoria efímera originario de la ciudad de Nueva York, liderado por el músico Pete Fine, que luego seguiría su trayectoria como solista y sacaría un disco de folk psicodélico/progresivo en 1974. Lograron grabar un solo álbum en 1972, que en su momento fue editado de forma privada y que después, re-editaría la disquera alemana Shadoks Music con el satírico título de "The Flow's Greatest Hits" que podría hacernos pensar que se trata de una recopilación, aunque en realidad se trata de su único álbum. La canción que incluyo aquí es la que abre su único disco de 1972, que comienza de la forma más pesada y oscura posible, con un sonido que les daría envidia a Black Sabbath, después el rumbo de la canción va por un aspecto más "jazzístico", dándole un sabor muy experimental.


Punch fue un raro grupo originario de la ciudad de Nueva York, del cual no tengo más información de que sacaron este sencillo en el 70, del que dicen que tiene un lado A horrible, que yo no he escuchado, pero bueno. Deathhead es una canción tan pesada como tétrica, hasta parecería una especie de versión siniestra del grupo texano SEOMPI, con una guitarra pesadísima que nos brinda uno de los mejores momentos del heavy psych y una composición que da escalofríos escucharla.


SEOMPI es el abreviado de su larguísimo y pretencioso nombre que era "Self Expression On Musically Potential Instruments". Ellos venían de McAllen, Texas y su especialidad era el heavy psych con ciertos tintes de jazz experimental. Se les conoció en su momento como "el Black Sabbath texano" por su sonido pesado, lento y oscuro, similar al del cuarteto británico. En esta canción suenan bastante pesimistas e incluso la voz suena a llanto, mientras uno de los guitarristas hace unos oscuros riffs con un fuzz.


The Fort Mudge Memorial Dump fue uno de los grupos tardíos de la escena de Boston, se formaron en 1968 y su nombre lo tomaron por un cómic que salía en los periódicos, según mi entendimiento. En 1969 firmaron un contrato con la Mercury, que dio como resultado un disco muy diverso y ambicioso que combinaba variopintas influencias como el rock ácido sanfranciscano, el blues, el folk, el jazz y sonidos pesados, oscuros y lúgubres que se adelantan por un año a lo que harían Black Sabbath, pero con un estilo más psicodélico que incluye fuzz, wah-wah y cintas en reversa.


Image fue otro raro grupo del que ni siquiera se sabe su origen exacto, pero lo que sí se sabe es que editaron este sencillo en 1971.
Esta canción no tiene letras, es mayormente instrumental, comienza con un piano muy tétrico y después sigue una variación del riff de la canción homónima de Black Sabbath tocado con guitarra fuzzeada hasta que la canción se vuelve una locura con percusiones africanas, órgano y coros ritualísticos, recordándonos a los rituales de la religión yoruba (que en latinoamérica se fusionó con el catolicismo, dando variaciones como la santería, la macumba y el vudú).


The Purple Sun fue un grupo de League City, Texas que solo sacó este sencillo en 1971, el cual suena muy anticuado para su tiempo, pues tiene ese sonido post-garajero que hubiese encajado mejor en 1968 o 1969, pero como sea, incluyo este tema aquí por sus letras, que sugieren que el grupo fue posiblemente cristiano y que estaba obsesionado con el tema del "día del juicio final".

Para finalizar, tenemos a este grupo de Clinton, Missouri. Parece ser que nunca tuvieron conciertos, pero lograron grabar este sencillo en 1969, que suena a una versión depresiva y pesimista de lo que yo llamo "early heavy psych", pues hay una clara influencia garajera en su sonido, pero sonando ya a heavy psych, y esa atmósfera de llanto es aumentada por el vocalista, que canta como si estuviese apunto de cortarse las venas, aunque curiosamente la letra ni siquiera habla de esos temas, sino de las guerreras amazonas, pero bueno, por momentos, el grupo suena un tanto adelantado a lo que después se le llamaría "rock gótico" o "dark".



Ahora, a hablar de la portada y contraportada, en la portada tenemos una foto tomada por el fotógrafo Joel Brodsky (el mismo que tomó varias fotos históricas a los Doors, Tim Buckley, Van Morrison, entre otros) para la edición estadounidense del disco Kannibal Komix de un grupo alemán llamado Die Anderen, y para mi gusto quedó perfecta para la portada. En la contraportada tenemos una foto de un cráneo que me encontré por ahí en la red, no recuerdo donde, la cual edité con Corel.

Con esto, el volumen 3 concluye y esperemos que para la primavera del año que viene, se estrene el primer disco del volumen 4.


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