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20 mar. 2018

Grand Funk Railroad - Grand Funk (1969)

Después de más de 4 meses de tener abandonado este espacio, estuve pensando seriamente en cuál disco publicar, pues a pesar de que en Diciembre fueron los 50 años del lanzamiento del Magical Mystery Tour de los Beatles, no me sentí lo suficientemente preparado como para reseñarlo, por lo que lo dejaré para el próximo mes y de mientras nos vamos con un clásico de clásicos que ustedes conocen muy bien, pues Grand Funk es una de las bandas clásicas por excelencia y una de las preferidas de la generación de Avándaro, tanto que hasta surgieron bandas muy influenciadas por ellos como el Amor, el Three Souls In My Mind, el Grupo Ciruela o incluso Enigma.

Por otro lado, también tuve la duda sobre si postear su debut o este, pero terminé decidiéndome por su segunda placa que les traigo hoy aquí, pues para mi gusto es mejor que su debut, a pesar de que el On Time tenga obras maestras como Can't Be Too Long, Anybody's Answer, Into The Sun y Heartbreaker y lo digo por varias cuestiones, entre ellas la producción mejorada, la selección de canciones y que además contiene uno de los mejores bajos que escucharán en toda su vida, de hecho hasta los mismos miembros dirían que On Time era más como un demo mientras que "el rojo" era un disco hecho como debería ser, por todo esto, Grand Funk es una obra maestra del heavy psych (sí, lo leyeron bien), aunque usualmente no se le considere así.

Hay discos que son clásicos por derecho y otros que se han convertido en clásicos gracias al "hype" o publicidad exagerada que les han hecho, ya sea fanáticos, vendedores de discos, músicos o incluso disqueras, algunos ejemplos de esto son los discos de Captain Beyond, Leaf Hound, Budgie y Dust, que hoy gracias a los grupos de stoner rock que los ponen frecuentemente como grandes influencias, que los vendedores de sitios como eBay digan que son una maravilla y finalmente los fanáticos que se tragan todo el cuento y siguen dándoles esa publicidad que no merecen, como por ejemplo, varios bloggeros y a veces también colaboran en esto algunos críticos, como los de la AllMusic Guide, mientras que a álbumes que son clásicos con derecho como es el caso de esta segunda entrega de Grand Funk, casi nunca se les pone la suficiente atención y por lo general son discos ignorados e injustamente incomprendidos por el fan millennial promedio.

Grand Funk a pesar de ser aclamados por el público, fueron destrozados por la crítica en Estados Unidos y hasta la fecha los críticos gringos siguen siendo unos mierdas con ellos, pero pues muy injustamente, porque Grand Funk se consolidaron como los amos del hard rock gringo junto con bandas como Mountain, Cactus y James Gang, las cuales recibieron muy buenas críticas al contrario de este power trio originario de Flint, Michigan.

En octubre de 1969, después del relativo éxito que tuvo su primer álbum junto con su debut escénico en el Festival de Pop de Atlanta en ese mismo año, regresan al estudio y esta vez, el grupo se había esforzado más en cuestiones musicales, Terry Knight produjo mejor el material y Mel Schacher le puso una pastilla humbucker a su bajo Fender, la cual tomó de un viejo bajo Gibson EB-0 para arreglar el problema del volumen que se escucha en On Time, y fue en ese preciso instante cuando regresaron al estudio y el disco salió a finales de diciembre de 1969, como un regalo por parte de la banda para empezar el siguiente año.

Como venía diciendo (valga la redundancia), "el rojo" es un álbum de heavy psych que contiene toda la instrumentación básica del subgénero, incluyendo la guitarra Musicraft Messenger de Mark Farner que tiene un fuzz integrado y además le agregaba un wah-wah en un par de rolas que aumentaba la atmósfera psicodélica presente y el bajo distorsionado de Mel Schacher que seguramente es la envidia de muchos bajistas actuales que dicen tocar "heavy psych", aunque no todo aquí es tocar el rock dentro de la estética pesada y psicodélica, también el grupo bebía fuertemente del blues, el funk y el soul de Motown, dando así una combinación de lo mejor del hard rock psicodélico y la música negra, con melodías un tanto accesibles al público y mucha, pero mucha energía.

El disco abre con Got This Thing On The Move, un excelente golpe de energía y un gran ejemplo de como el rock se debería tocar. comienza con un riff fuzzeado tocado por Farner y poco después lo acompaña Schacher con su bajo distorsionado, mientras que Don Brewer sin ser un baterista excepcional, lleva bastante bien el ritmo y derrocha mucha, pero mucha energía, mientras que la letra seguramente habla de un encuentro sexual y este tipo de letras que fueron bastante comunes en este tiempo y escandalizaban a la gente conservadora y mojigata, hoy asustan a la gente que se dice ser muy "progresista" y "tolerante", pero que en el fondo es tan mojigata como el conservador que odiaba a la juventud de aquellos tiempos, pero bueno, cambiando de tema, un fragmento de la rola saldría en Déjenme Vivir del primer disco del Three Souls In My Mind salido en un lejano 1971.

Después sigue Please Don't Worry, una rola que tocaron poco después en el show nocturno de variedades Playboy After Dark que conducía el difunto Hugh Hefner junto a sus conejitas psicodélicas que bailaban mientras los grupos se presentaban, por ahí en el youtube existen los videos de Deep Purple, Steppenwolf, Iron Butterfly, Grateful Dead y otros grupos de la época, incluyendo a Grand Funk, quienes se presentaron con unos atuendos bastante psicodélicos por allá en Enero de 1970 haciendo playback de las rolas Mr. Limousine Driver y Please Don't Worry, que curiosamente esta última inspiró al grupo yugoslavo para crear su rola Could You Understand Me en su disco con el mismo título salido en el 73.

High Falootin' Woman es puro boogie rock con un piano que aparece casi al final, muy en el estilo de las rolas Time Machine y High On A Horse, salidas en su primer álbum unos meses antes.

Mr. Limousine Driver es otro bombazo de heavy psych que viene equipado con el fuzz de Farner en los solos y el bajo distorsionado de Schacher, además de cierta onda funky que adereza a la rola, uno de los temas que más me gustan de todo el álbum.

Y en el quinto tema viene In Need que también viene como otra sacudida eléctrica con una onda muy pegajosa y con un excelente jam que combina un blues bastante funkeado con los solos fuzzeados de Farner, el bajo solista de Schacher y los respetables solos de bataca de Brewer, que como bien dije atrás, tal vez no es el mejor baterista que podrían escuchar, pero tiene su talento y su mérito.

En el número 6 está Winter And My Soul que para mí es como un descanso después de tanto desmadre y también algo para darle un poco de variedad al álbum, pues comienza como una rola un tanto baladesca, para luego irse a terrenos más enérgicos y hasta tener un breve interludio jazzístico, también cabe destacar que casi al final, Farner usa unas escalas que me suenan sospechosamente un tanto a raga rock.

Paranoid para mí representa el perfecto ejemplo de como se debería tocar y como debería sonar el heavy psych, estoy seguro de que Farner hizo esta rola con el fin de tener un número bien psicodélico en el disco al igual que en el debut (Can't Be Too Long y Anybody's Answer), aunque posiblemente aquí el buen Mark Farner hace uso del wah-wah junto al fuzz integrado en su lira para acentuar ese efecto ácido, después se van hacia terrenos más dramáticos al igual que en las mencionadas rolas, aunque el fuzz está mayormente presente a lo largo de la rola, situándola así firmemente en los mismos terrenos de las bandas de hard rock psicodélico. Temonononón.

Y para cerrar con broche de oro tenemos un refrito de Inside Looking Out de los Animales de Eric Burdon, a la que Grand Funk le hacen unos arreglos en donde combinan el funk, el blues y el heavy psych de manera perfecta, como pocas ocasiones se ha hecho en el rock, esto es oro puro y seguramente el paraíso para los fans del heavy psych, es uno de esos momentos irrepetibles en el rock, con uno de los mejores diálogos que he escuchado entre la guitarra y el bajo, creo que solo Cream y ellos podían hacer algo así, es una lástima que en 1972 Grand Funk optaran por un estilo más complaciente con el público y que se perdiera la mayor parte de la esencia que tenían en sus inicios, incluyendo el fuzz y el excepcional bajo distorsionado.

De temas extra tenemos una primera versión de Nothing Is The Same, rola que después publicarían en su tercer álbum con unos arreglos más funkys, pero esta versión tiene un riff que de alguna manera se asemeja un poco a Sunshine Of Your Love de Cream y tal vez por eso la dejaron afuera del disco, aunque de todas maneras las leves semejanzas no le quitan su mérito a la versión que de hecho es buenísima y también tenemos un remix de Mr. Limousine Driver que en lo personal me latió más por ser más largo que la versión original.

Y pues por ahora no tengo nada más qué decir más que... ¡Buen provecho!

30 oct. 2017

Mad River - Mad River (1968)

Reseña escrita en el Día de Muertos del 2016, pero que por una u otra razón, no pude publicarla en este blog, pero aquí está.

Son las 4 de la mañana, no puedo dormir y en mis audífonos suenan los disonantes acordes de Merciful Monks mientras que la voz de Lawrence Hammond tiene ese tono desalentador, depresivo, nihilista y pesimista que anuncia que todo es una mierda, que no hay presagios de un futuro mejor, todo va de mal en peor.

Mad River fue esa banda que cuando tomó LSD y otras sustancias que alteran la consciencia, en lugar de obtener esas visiones coloridas tuvieron un malviaje tan feo que vieron esas horribles y explícitas imágenes de la guerra de Vietnam que estaban llenas de muerte, sangre, violencia, dolor y aquellas imágenes de los movimientos estudiantiles protestando por una mejor educación y que sus respectivos gobiernos los masacraban por ello, es por eso que Mad River en lugar de seguir aquellos coloridos ideales llenos de optimismo y que luchaban por utopías que arrastraban los grupos de la bahía de San Francisco, ellos optaron por ver al mundo tal y cual era: Una grandísima mierda con un aterrador futuro.

Las drogas son algo que puede ser bien o mal visto por la gente, sin embargo el grupo en lugar de cantar sobre colores fantásticos y arcoíris, hablan sobre los efectos de las drogas duras, del declive personal generado por estas y de pasar drogado todo el tiempo debido a aquellas horribles visiones que tuvieron en los mal viajes, canciones como High All The Time o  Amphetamine Gazelle son auténticos testimonios de ello. Lawrence Hammond también debe haber sufrido de desamor en aquellos momentos por lo que compuso un blues obscuro y nihilista llamado Eastern Light que precisamente habla del desamor provocado por una persona. Llega Wind Chimes un tema instrumental inspirado por la música clásica de la India en el que en medio empiezan a cantar el Mahamantra Hare Krishna (aunque solo en la versión del EP de 1967, en la versión del LP de 1968 no los cantan), sin embargo esa obscuridad disonante y tétrica no desaparece del tema. War Goes On, eso dijeron Mad River en aquel lejano 1968, tal vez es el más fiel reflejo de que el movimiento hippie iba a pique y que lo único que le esperaba a la sociedad era un funesto futuro, y así es, la guerra no ha terminado, la situación actual es una mierda, no hay presagios para un futuro mejor, la violencia continúa, las condiciones son desalentadoras y este grupo originario de Ohio y radicado en Berkeley tiene toda la razón.

Mad River es la perfecta antítesis del movimiento hippie, porque aquí no hay más utopías, no hay más optimismo, nada de eso, todo está de la mierda, así es la cruda realidad, de alguna manera es una visión similar a la que tenía el famosísimo grupo angelino los Doors, sin embargo si por algo se diferenciaban era en que los Doors buscaban crear un mundo distópico regido por el libertinaje absoluto mientras que Mad River eran una banda de amargados, tal vez unos auténticos seguidores de Friederich Nietzche, Emil Cioran y Arthur Schoppenhauer. Algunos han dicho que son los auténticos padres de las escenas “dark” y “death rock”, y es algo que puedo compartir sin problema alguno, pues esto es rock ácido obscurísimo, tétrico, malévolo, violento, disonante, agresivo, depresivo, nihilista y sobretodo: pesimista, también podría ser una antesala perfecta del aún no nacido punk que amanecería a mediados de la siguiente época, cabe destacar que Mad River también comparten esta ideología con los grupos de heavy psych que florecerían a principios de los años 70’s como los Bulbous Creation, Icecross, Sudden Death, Pentagram, Bedemon, Josefus, Iron Claw, Bolder Damn, Seompi o hasta los mismísimos Black Sabbath, sin embargo su estilo no se relaciona realmente, pues es un grupo que parte de las mismas raíces que las bandas de la bahía de San Francisco: el blues, el folk y el country, sin embargo Mad River evolucionaron de una manera paralela que en lugar de seguir ese colorido y optimista sonido de grupos como Quicksilver Messenger Service, Country Joe & The Fish, Grateful Dead, Frumious Bandersnatch, Big Brother & The Holding Company o Jefferson Airplane, siguieron un sonido obscuro y depresivo, lleno de disonancias y atmósferas tétricas que seguramente asustaron a los hippies la primera vez que los escucharon. 

Este es el fiel reflejo de los estragos provocados por la guerra, por una sociedad podrida en el hedonismo, la doble moral, el materialismo y la superficialidad que no es más que un producto de gobiernos neoliberalistas, de sistemas económicos capitalistas y de políticos corruptos que se sostienen de prostitución, narcotráfico, delincuencia, guerras, desigualdad, divisiones, contaminación ambiental, corporaciones, industrias, empresas y otras infames cosas, es por eso que nació Mad River, de toda esa basura que hasta el día de hoy nos tiene en el hoyo, que Aldous Huxley describió con precisión (y de manera profética) en su obra maestra de 1932 “Un mundo feliz”. Mad River pasaron completamente desapercibidos en su momento, solo unos pocos supieron de su existencia en la bahía de San Francisco, a pesar de haber tocado en conciertos con otros grandes grupos de la escena como Mount Rushmore, AUM, Quicksilver Messenger Service, Sopwith’ Camel entre otros, sacarían un disco más en 1969 que tuvo nula atención por parte del público, a pesar de haber experimentado con ritmos afroantillanos y el country rock, hoy es un grupo de culto al que los coleccionistas de música psicodélica admiran, sin embargo esta música nunca será para masas manipuladas por telenovelas, comida chatarra, fútbol y nalgas, tampoco para neohippies y gente de la nueva era que sigue soñando con utopías después de décadas y sigue refugiándose en flores y cigarros de marihuana.

Posdata: Además del disco, les he incluído el EP de 1967.

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14 oct. 2017

The Finchley Boys - Everlasting Tributes (1972)

Es hora de una nueva entrega y aunque este disco ya se encuentra circulando por la red, principalmente porque en muchas páginas han posteado versiones más viejas (las cuáles también se las traigo) y porque el mismo grupo está vendiendo el disco remasterizado a través de Bandcamp, ya sea por formato físico o digital, hoy les traigo mi ripeo personal de la copia que me llegó hace unos 3 días, ya que tenía hace mucho que no posteaba algo de mi colección física.

Muchos de ustedes ya conocerán esta obra salida en 1972, aunque grabada entre el 68 y el 69, y aunque sé que es un tanto difícil de digerir por la simplicidad de su contenido y porque es un producto bastante similar a otros que salieron en el periodo de 1968 a 1973, al final termina siendo un disco bastante gratificante y que va dejando su huella dentro de uno.

Todo empieza con su vocalista George Faber, nacido en el seno de una familia de comerciantes de colchones de Champaign, Illinois, el cual decidió hacerse músico antes que seguir en la tradición familiar, él empezó siendo un aficionado a la música negra como el doo-wop y el soul y al rockabilly, pero en 1964, cuando surgió la "ola inglesa" con los Beatles, los Rolling Stones, los Animals, los Yardbirds y los Kinks, él encontró nueva inspiración ahí, tanta que gracias a los Rolling, empezó a interesarse por el viejo y marginal blues de Chicago que solo los ingleses tenían en su memoria (en aquel entonces), y esto lo entusiasmó a formar una banda, el problema es que no encontraba a ningún músico en la secundaria donde acudía, así que su amigo más cercano Larry "Tabe" Tabeling -con quién Faber pasaba más tiempo debido a las constantes peleas entre sus padres que no eran más que síntoma de un matrimonio que estaba muriendo- decidió aprender a tocar el bajo, debido a que se le hizo más fácil que la guitarra y poco a poco se les fueron uniendo otros músicos locales como el guitarrista Bryce Creighton y el organista Jimmy Hill, que eran músicos de tiempo completo en un grupo de breve duración llamado The Bohemians. Faber y Tabeling probaron que esta nueva banda sería más duradera.

Era 1965 e Illinois era una cuna fértil de bandas de garaje directamente inspiradas por la ola inglesa, entre ellas esta banda que aún carecía de nombre, encontraron al baterista Eric Swenson, al guitarrista Mark Warwick, al vocalista Jim Cole y al bajista Tim Anderson y aquí empezó su aventura por la escena música, ensayando en la casa de este, en donde se daban muchos eventos juveniles. Poco después se harían llamar los Finchley Boys, en inspiración directa de la leyenda que viene atrás del disco de los Kinks "Kinda Kinks" de ese mismo 65 que trata sobre una pandilla juvenil de la Londres marginal de aquel entonces.

Y así como fue cambiando el mundo en el 65 y el 66, los ensayos en la casa de Swenson le llamaron la atención a Bob Nutt, un hombre de negocios y manager que tenía una empresa llamada Blytham Limited y poco después, el grupo en su primigenia encarnación tocaría en un pequeño cine.

Poco después, Swenson dejaría su puesto de baterista debido a "problemas personales" y fue sustituido por el joven baterista J. Michael Powers, que al principio fue influenciado por el jazz, pero después encontró amor por el rock debido a los Kinks, abandonando así el jazz y la música clásica, por lo que congenió muy bien con el resto de miembros de la banda.

Para este entonces, Nutt y su nuevo compañero, Irving Azoff, les programaron conciertos a los Finchley Boys en varias batallas de bandas locales, fiestas de iglesias, fiestas de fraternidades y pequeños clubes locales, y también para este entonces, el grupo agregaría al guitarrista rítmico Steve Dyson, quien estaría muy poco tiempo en el grupo, y es aquí cuando George Faber decide hacerse el otro vocalista de la banda, después de fungir como el roadie de la banda y este empezó a hacer mancuerna con Jim Cole al empezar a escribir canciones juntos, Cole en este momento empezó también a ser el guitarrista rítmico.

Poco después el baterista J. Michael Powers tuvo que dejar a la banda debido a que su padre consideraba al grupo como "una distracción", dando paso a Glenn Cronkhite, un baterista local de jazz que ya era considerado profesional y era 5 años más grandes que el resto de miembros.

Para Enero de 1967, tocaron una pieza de música avant-garde escrita por un estudiante graduado en un evento que ellos describen como "notable" en el salón de baile de la Universidad Illini Union de su natal Champaign, Illinois, según ellos, fueron ovacionados por el público.

Después de un periodo prolífico que duró entre el invierno y la primavera del 67, Jim Cole dejó la banda, debido a conflictos internos, dejando al grupo como un cuarteto.

En su gira del verano del 67, Cole se reconcilió con ellos y fungió como roadie, pero al llegar a Champaign, rompieron, pero George Faber y Tabe querían seguir en sus carreras como músicos profesionales, por lo que reclutaron al guitarrista Garrett Oostdyk, al vocalista Brian Cook y al baterista Al Goldberg, creando así lo que al principio iba a ser un supergrupo regional a la que llamaron Brownfield Wood que estuvo presente en aquel verano del amor.

Al poco tiempo, Faber, tabe y Oostdyk tenían planes de revivir a los Finchley Boys, por lo que decidieron contactar de nuevo a J. Michael Powers y así nació la alineación clásica del grupo, que fue la que grabó su único disco entre 1968 y 1969, pero que solo duró tres años.

Los Finchley Boys decidieron psicodelizarse al 100%, aunque sin olvidar sus raíces en el blues y la invasión británica.

Durante este periodo posterior al verano del amor, la empresa Blytham Limited quería crear una escena similar a la de San Francisco en la que los Finchley Boys fuesen el centro de ella, sin embargo, los intentos fueron fallidos, pero en la escena de Chicago surgieron algunos grupos psicodélicos como H.P. Lovecraft, Haymarket Square, Bangor Flying Circus y la Illinois Speed Press. Durante este periodo, los Finchley Boys tocaron en el famoso Kinectic Playground.

Chicago se vio más afectada por el pop psicodélico de The New Colony Six y por el brass rock de Chicago Transit Authority (luego renombrados Chicago), por lo que Oostdyk, decepcionado decidió volver a su natal Champaign, debido a que en Chicago, la gente no le puso demasiada atención a la contracultura y a la música psicodélica.

En Champaign, los jóvenes estaban interesados por la efervescencia psicodélica y la contracultura de los 60's, y los Finchley Boys hicieron mancuerna con The Windy City, otra banda local. Y así como lograron tener conciertos en Nueva York y Toronto, estuvieron a punto de firmar un contrato con la CBS, pero solo si el grupo incluía sección de metales y canciones cristianas, por lo que Oostdyk se negó rotundamente a firmar el contrato.

Durante este periodo de 1968 a 1970, los Finchley Boys hicieron la locura de incluir una boa constrictor en sus shows, antes que Alice Cooper, quienes de hecho, los ovacionaron y estaban ansiosos de ver a la mascota de los Finchleys durante un concierto en el Kinetic Playground, pero según cuenta Faber que él no la podía aguantar y esta alcanzó a arrancarle un mechón de pelos con una mordida, mientras actuaban en un show de televisión local.

También durante este prolífico, pero corto periodo, tuvieron oportunidad de grabar las canciones de su único disco que terminó saliendo hasta 1972, cuando el grupo ya estaba separado.

La primera sesión tuvo lugar en los Estudios Chess en Chicago, y fue supervisada por los ingenieros veteranos Ron Malo y Stu Black, quienes recibieron con indiferencia y malos tratos al grupo, debido a que para ellos, "tocaban muy alto", por lo que al año siguiente continuaron las grabaciones en los estudios Golden Voice ubicados en Pekin, Illinois, donde según cuenta Oostdyk, fueron unas sesiones más satisfactorias y donde los ingenieros se mostraron más respetuosos hacia la propuesta del grupo, y es fácil saber por qué, pues esos estudios tuvieron la presencia de muchas bandas psicodélicas y pesadas como Buster Browns, que sacaron un sencillo en el 68.

En el 70, los Finchley Boys se sintieron muy satisfechos, debido a que tocaron en el festival de Kickapoo en mayo de ese año, el cual fue inspirado en el festival de Woodstock y tocaron gente como B.B. King, Country Joe & The Fish, Canned Heat y los Amboy Dukes, y pronto fueron re-contratados para tocar en otro festival enorme que se celebró en Iola, Wisconsin, que según la banda, fue como una especie de Altamont, debido a los conflictos provocados por las pandillas de motociclistas que atendían el lugar, por lo que J. Michael Powers se salió de la banda, antes de que esta se trasladara a San Francisco por un tiempo que duró entre el 70 y el 71, en los que tendrían a varios bateristas de reemplazo, pero con estos bateristas, no pudieron lograr sonar igual, por lo que se separaron.

En 1972, sacaron Everlasting Tributes, el cuál incluía todas las grabaciones hechas entre 1968 y 1969, y este fue promocionado con la reunión de la banda, que pronto se volvería a separar.

Durante muchos años, el disco como algunas grabaciones extrañas de la banda y de los miembros por separado circularon de forma no oficial, hasta el 2010, cuando el grupo se reunió y por primera vez se reeditó el disco de forma oficial, acompañado de un disco extra con tomas alternas, demos y grabaciones de diversos conciertos que dieron entre 1968 y 1970.

Ahora, los Finchley Boys quieren volver a la fama y están reunidos dando conciertos en su natal Illinois.

Después de su extensa historia, hay que hablar de su música.

Los Finchley Boys tal vez no eran unos ultra-maestros en lo que hacían y su música hasta pudo haber pecado de sonar tan similar a lo que otros grupos contemporáneos estaban haciendo en ese preciso momento, de hecho, los Finchley Boys guardan bastantes similitudes con Frijid Pink, Buster Browns, Floating Bridge, Fat, la Illinois Speed Press e incluso los Love de este periodo, pero todas sus carencias son sustituidas con la honestidad, la crudeza y la buena onda que presenta su música.

Everlasting Tributes es un disco de un rock ácido basado en el blues que está tan influenciado por Cream, Hendrix, los Kinks, los Animals y los Yardbirds como por las bandas de la costa oeste como Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y Country Joe & The Fish, también poseyendo cierto elemento claramente heredado por las bandas garajeras de mediados de los 60's, dándole una identidad que definitivamente entra en el heavy psych.

Hay guitarras que vomitan fuzz y wah-wah, blues hasta morir y mucho ácido lisérgico de por medio, como en Swelling Waters e It All Ends, dos baladas psicodélicas que tienen ciertas reminiscencias de Quicksilver Messenger Service y Jimi Hendrix o las pesadotas Once I Was A Boy, Hooked y Restrictions que se posicionan entre lo mejor del heavy psych gringo y que llegan a sonar como a una mezcla entre los Stooges y Frijid Pink diluida con elementos de la Illinois Speed Press y Fields, aunque bueno, los refritos de Howlin' Wolf, los Animals y los Kinks no tienen madre tampoco.

El segundo disco al que titularon Neverending Tributes tiene las versiones alternas de Outcast que tiene aplausos y gritos pre-grabados en vivo y Hooked que suena un tanto extraña sin los overdubs, mientras que el resto del disco sigue con la misma propuesta que tenían en el disco: rock ácido blusero y pesado.

Según los Finchley Boys, van a sacar más grabaciones alternas, no se sabe cuándo, pero esperemos que pronto, de mientras les incluyo otra edición con algunos demos y grabaciones alternas que no fueron incluidas en esta reedición.

11 sep. 2017

Keep Your Head! Vol. 1: 16 Mindblowing Heavy Psych Crushers from The United States 1969-1972

En la portada: The Damnation Of Adam Blessing en 1970


He regresado después de haberles traído el Sargento Pimienta en varias versiones, incluyendo la nueva con varios discos, y pues hoy les traigo el primer volumen de una recopilación que hice, el cual ya había sido posteado por acá, pero con diferentes canciones y diferente portada.

¿Por qué le cambié algunas canciones?, preguntarán ustedes. Pues principalmente porque me sonaba un poco atonal, así que decidí quitar algunas canciones para poner otras y darle así a la recopilación, más concordancia entre las rolas y esas canciones que estaban, decidí pasarlas a otros volúmenes, donde suenan más acorde a ellos, sin embargo, el mayor problema fue que los archivos de la portada original se me perdieron en otra computadora, por lo que yo ya no tenía forma de como editarla, así que decidí recrearla.

Y pues, lo único que me queda decirles es que la disfruten.



Empezamos con The Lyd y su rola I Need You de su demo de 1970. Al parecer ellos se formaron en algún momento de los 60’s en la localidad de los Ángeles, California y grabaron un acetato de un solo lado en los estudios de Pat Boone, localizados en Hollywood y las poquísimas copias que prensaron, terminaron en las manos de varios ejecutivos de disqueras independientes, pero lamentablemente, Lyd nunca obtuvieron el tal esperado contrato, pero sus rolas se han editado una infinidad de veces y su acetato es muy buscado por los coleccionistas. Se dice que este demo fue grabado mientras los miembros tomaban cantidades excesivas de LSD y otros alucinógenos, y no lo dudo, pues la mayoría de rolas hablan del consumo de drogas y la música lo refleja bien. I Need You suena muy, pero muy similar a Josefus, pero combinada con la furia protopunk de los Stooges, el fuzz de B.F. Trike y la contundencia garajera de Negative Space.



Para la siguiente rola tenemos a los texanos Christopher y el tema Wilbur Lite de 1970. United Gas se formaron en plena efervescencia del movimiento psicodélico en Texas, eran un contundente power trio que tenía en sus venas los genes de Cream y de las bandas de San Francisco como Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y Grateful Dead, era 1968 y su nacimiento concordó no solo con el surgimiento de otras bandas como Blue Cheer, Iron Butterfly, Steppenwolf, Mount Rushmore o The Hook, que tocaban un estilo más violento y desenfrenado de rock ácido, sino que también concordó con el surgimiento del Mayo Francés y los movimientos estudiantiles. Por lo que en ese 1968 lograron establecer cierta popularidad en su localidad que es Houston, Texas y en 1969 se decidieron trasladar a los Ángeles, California para firmar un contrato con la recién formada Metromedia Records, que era una pequeña subsidiaria de la RCA y se metieron a grabar lo que sería su primer disco. Las primeras sesiones fueron problemáticas, debido al carácter errático de su baterista Doug Tull y la gota que terminó derramando el vaso fue que este se intentara cortar las venas en medio de las sesiones, por lo que el bajista Doug Walden y el guitarrista Richard Avitts decidieron echarlo del grupo y usar a varios bateristas de sesión para terminar el álbum que vería la luz hasta 1970, sin embargo, había un problema. Para ese entonces existía un grupo llamado Pacific Gas & Electric Company, por lo que tuvieron que cambiar su nombre a Christopher y así salió su único disco en 1970.   Wilbur Lite es un tema que bebe de The House At Pooneil Corners de Jefferson Airplane pero también de Cream y en menor medida de Quicksilver Messenger Service, por lo que aquí hay una rola oscura y pesada pero también con aspectos melódicos propios de la costa oeste.



En 1969, cuando Doug Tull fue echado de Christopher, decidió regresarse a su natal Houston, Texas y crear la segunda alineación de United Gas, que pronto terminaría cambiándose el nombre a Come y finalmente Josefus, y aunque no lo crean, existe una sola canción grabada por esta segunda alineación en ese mismo 1969, antes de que el grupo se cambiara el nombre. Esta rola se llama I Love You y no fue editada hasta el 2002 cuando Akarma lanzó una recopilación de Josefus y los grupos relacionados a ellos, y en este volumen, se las comparto.
El estilo de I Love You sigue con el mismo de la primera alineación de United Gas, pero más sucio y distorsionado, de hecho por momentos me recuerda un poco a los neoyorkinos Morgen por ese fuzz presente en toda la rola.

Y ahora sí, llegan Josefus con I Need A Woman de su primera placa titulada Dead Man de 1970, la cual ya es un clásico indiscutible del heavy psych, un rolón que tiene un riff de guitarra fuzzeada, un bajo distorsionado, armónica, tintes de country y una voz inquieta, como es el sello de Josefus.



En 1970, Josefus se separaron, decepcionados por los resultados de su segundo álbum, debido a que la disquera Mainstream les exigieron grabar nuevos temas, y además, el comportamiento destructivo de Doug Tull fue también un componente importante para que el grupo terminara desintegrándose, por lo que el vocalista Pete Bailey y el bajista Ray Turner decidieron formar una nueva banda llamada Stone Axe, con la cual sacaron un solo sencillo en 1971, el cual se podría describir que por un lado tiene un tema oscuro y melancólico que tiene ciertas similitudes con los ingleses Wicked Lady mientras que en el otro tiene un tema pesadísimo y machacante que bien podría ser heredero de pesadez de Blue Cheer, Peacepipe, Bedemon e incluso Black Sabbath, y es justamente el que les comparto. Snakebite



Desde Cleveland, Ohio, tenemos a The Damnation Of Adam Blessing con su tema Driver de su segunda placa de 1970. La Damnation surgieron en algún momento a finales de los 60’s, y su debut de 1969, tuvo bastante popularidad en ciertos lugares de Estados Unidos, incluso vendiendo un poco menos que el Abbey Road de los Beatles, mientras que su segundo álbum de 1970 al que titulado The Second Damnation, tuvo bastante menos popularidad y solo en Ohio tuvieron un hit menor, sin embargo, toda esta segunda maldición es una obra maestra del heavy psych gringo, la cual es comparable con Steppenwolf e incluso, la primera época de Grand Funk, y Driver lo demuestra.



Para el siguiente tema tenemos a Wild Butter, que sacaron un solo disco en 1970, y eran también originarios de Cleveland, Ohio, ¿Y qué creen?, eran colegas de la Damnation, de hecho se dice que los guitarristas de la Maldición tocaron en algunos temas y en el que les presento que se llama Terribly Blind parece ser que es en uno de los que tocan, pues tiene un estilo muy similar, tanto en las guitarras como en el bajo, e incluso oigo por ahí una voz muy similar a la de Adam Blessing, solo que Wild Butter son más oscuros y ácidos, de hecho, esta rola como bien lo deja implícito el título, es un tanto inquietante.



Desde Florida, tenemos a Bolder Damn y su rola Breakthrough que salió en su único disco al que titularon Mourning de 1971. ¿Quién no conoce a Bolder Damn?, ahora son de esos grupos clásicos de la psicodelia dura y su disco es uno de los más buscados por los coleccionistas, sin embargo, voy a hablar más de la música que de su historia, pues por acá en el blog hay una entrada sobre ellos (a la que por cierto, pronto le actualizaré el link de descarga). Breakthrough al igual que varias canciones del disco, comparte sonoridades con varios grupos de Michigan como Frijid Pink, The Frost y Grand Funk, pero aquí también hay un contexto más hippie que va en contra de la guerra de Vietnam y Bolder Damn, usan esta rola como preludio para su obra magna de 17 minutos titulada Dead Meat, que va más de acuerdo con el estilo de Black Sabbath, sin embargo, como no quiero incluir rolas tan largas en este primer volumen, decidí incluir esta rola, además de que concuerda más con las canciones que la anteceden y las que la siguen.



Para el track número 9, tenemos a Top Drawer, originarios de Mansfield, Ohio, que sacaron un solo disco en 1969 titulado Solid Oak con la rola What Happened Before They Took The People Away. Un título bastante largo, ¿No?
Pues What Happened Before They Took… Es un tema de heavy psych que por momentos me recuerda a Bolder Damn, pero también a Morly Grey, debido a que Top Drawer combinaban elementos de country rock al estilo de Grateful Dead con garage sesentero y un alegre boogie rock dentro de su psicodelia dura, por lo que podríamos decir que aquí hay un elemento optimista pero también uno más pesimista.



Llegan Morly Grey, también de Ohio, y ellos sacaron un disco en 1972 titulado The Only Truth, el cual tiene un estilo similar al de Top Drawer, es decir, heavy psych garagero con tintes de country, y esta rola que les comparto lo ejemplifica.






Seguimos con Joshua, que eran originarios de Sacramento, California y grabaron varias canciones en un periodo que duró entre 1969 y 1971. Ellos eran compadres de Blue Cheer y Kak, y de hecho, hasta compartían una casa con ellos, sin embargo, no corrieron con la misma suerte que sus compas, ni siquiera como los de Sawbuck, que sacaron un solo disco en 1972 bajo la etiqueta Fillmore de Bill Graham, sin embargo, sí llegaron a registrar algunas de sus rolas, tanto en estudio como en programas de radio y conciertos, las cuales fueron editadas en el 2004 por Rich Haupt en su disquera Rockadelic bajo el título de Opens Your Mind. El estilo de Joshua, básicamente bebe de tres fuentes: Cream, Quicksilver Messenger Service y en menor medida, Blue Cheer. Por lo que se podría decir que ellos practicaban un rock ácido “sanfranciscano” endurecido que es deudor tanto de John Cipollina y Gary Duncan como de Jack Bruce y Paul Whaley. You Still Hide es un claro ejemplo de todo esto.



Para la canción número 12, tenemos a Phafner, directo desde Marshalltown, Iowa, los cuales sacaron un solo disco en 1971 al que llamaron Overdrive. Su única placa se basa mayormente en un heavy garage-psych muy blusero, sin embargo, el tema Uncle Jerry es dinamita pura y es un tema que desde lejos huele a alcohol, pues el tío Jerry era parrandero y bien briago, según lo que entendí de la letra, y pues musicalmente es bien rocanrolero, pero las guitarras y la voz dan ese sabor a heavy psych tan típico de fines de los 60's y principios de los 70's.


Directo desde Albuquerque, Nuevo México, tenemos a una banda formada por gente que es muy discriminada y despreciada en Estados Unidos: Chicanos y nativos. Esta banda se llama Lincoln Street Exit y sacaron un solo LP en Mainstream Records en 1970 que se tituló Drive It! y al no obtener el éxito esperado, decidieron cambiarse el nombre a XIT, cambiaron de disquera editora y obtuvieron cierta popularidad a lo largo de los 70’s, sacando unos cuantos discos. Lincoln Street Exit están justo en el puente del garage psicodélico sesentero hacia el heavy psych setentero, por lo que el sonido del grupo es más bien sesentero pero pesado y crudo, sin olvidarse de sus raíces garajeras. El Blues de la Jefa Marrana deja implícito en su título lo que es: Un blues psicodélico, pesado, marrano, sexual y garajero, de hecho hasta el vocalista finge tener un orgasmo en medio de la rola.


Desde Pennsylvania llega un Hot Cake de Mora Azul Fresca que es muy sucio y pesado, está hipnotizado por Politician de Cream y por los pedales de fuzz en la guitarra. Los Fresh Blueberry Pancake seguramente les gustaba fumar mota, tomar LSD y pasarla chido con alguna chava hippiosona como las que había en aquel entonces, de eso hablan en alguna parte de Hassles, que si bien es innegable que el magistral power trio inglés jugó un papel esencial en el desarrollo de la rola, también tiene cierta similitud con un grupo británico llamado Red Dirt, que tocaban un blues psicodélico y pesado muy similar al que practicaba este power trio de Pennsylvania.


Estamos muy cerca de terminar el viaje, y llegan Smokin’ Willie, de los que prácticamente no hay información alguna, pero al parecer eran originarios de Illinois o del sur de Indiana, y sacaron este disco en 1972, que está mayormente basado en covers de otros grupos, por lo que es casi seguro que se tratara de una de esas “bandas de bar” como les dicen los gringos, que tocaban en los tugurios de mala muerte, donde se reunían los motociclistas a empedarse, fumar mota, coger, jugar billar y a agarrarse a madrazos cuando estaban hasta su madre. Sin embargo, frente a tantos refritos, hay una sola rola original en la que el abuso del fuzz es más que notorio y es precisamente la que incluyo aquí.



Es el final de este primer viaje y llegan desde Houston, Texas, Smoke, una banda de motociclistas, que le entraba duro a la mota y a las drogas psicodélicas mientras escuchaban a Canned Heat, Jimi Hendrix, Cream, Blue Cheer y los Moving Sidewalks, por lo que crearon esta pieza de heavy blues ácido en su segunda placa de 1969, que me recuerda a los momentos más bluseros de los Fresh Blueberry Pancake. Nada mejor para culminar todo este recorrido.






Tracklist:

1. The Lyd – I Need You (1970)
2. Christopher – Wilbur Lite (1970)
3. United Gas – I Love You (1969)
4. Josefus – I Need A Woman (1970)
5. Stone Axe – Snakebite (1971)
6. The Damnation of Adam Blessing – Driver (1970)
7. Wild Butter – Terribly Blind (1970)
8. Bolder Damn – Breakthrough (1971)
9. Top Drawer – What Happened Before They Took The People Away (1969)
10. Morly Grey – You Came To Me (1972)
11. Joshua – You Still Hide (1969)
12. Phafner – Uncle Jerry (1971)
13. Lincoln Street Exit – Dirty Mother Blues (1970)
14. Fresh Blueberry Pancake – Hassles (1970)
15. Smokin’ Willie – Hot Blooded Woman (1972)
16. Smoke – Greased Lightnin’ (1969)


24 jul. 2017

The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)

It was 50 Years Ago Today... Bueno no, el disco fue lanzado el 1 de Junio de 1967 en Inglaterra y al otro día en Estados Unidos, sin embargo, todo el mundo sabemos que este es posiblemente el mejor disco de la historia no solo del rock, sino de la música popular y que ha cumplido medio siglo de haberse lanzado.

El Club de la Banda de los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta representa según muchos críticos musicales, historiadores, periodistas y demás como la cumbre de la música psicodélica, un auténtico homenaje a Alicia en el País de las Maravillas, no solo por el diverso contenido musical que va desde el vodevil, la música de burlesque, la música clásica del norte de la India e incluso la música clásica del periodo barroco hasta diversos estilos de la música psicodélica como el pop psicodélico, el rock ácido y los inicios del heavy psych (mucha atención con Good Morning, Good Morning y las homónimas del álbum), sino por su colorida portada donde están presentes celebérrimos personajes como el todólogo u hombre del renacimiento (como le dice mi maestro, Fernando Ramírez) Aleister Crowley (el tipo hacía casi de todo, no solo magia de mil colores), el padre de la doctrina comunista Karl Marx y uno de los compositores más grandes de la música clásica contemporánea Karlheinz Stockhausen y donde por supuesto se da fin a todo atisbo de la primera época de los Beatles y aparecen tanto unas esculturas de cera que representan esa época donde estaban de gira y finalmente a los Beatles en aquel entonces vestidos con trajes militares coloridos y con bigotes, aquí hay un parte-aguas no solo en épocas del grupo, sino en toda la música popular contemporánea.

Y pues para hacer un poco de historia, vamos a hablar del contexto en el cuál se grabó el disco y lo que representó no solo en su momento, sino en la historia.

Era Agosto de 1966, los Beatles estaban fastidiados de esas fanáticas de la edad del pavo que se la pasaban gritando como estúpidas, habían tenido problemas en Japón, Filipinas y sobretodo en el retrógrada y conservador país de Estados Unidos, su disco Revolver (ya publicado por acá) acababa de salir y decidieron terminar las giras en el Candlestick Park de San Francisco, el 31 de Agosto de ese año.


Y bueno, en ese año la psicodelia ya estaba bien consolidada, grupos como Cream, los Byrds, los 13th Floor Elevators, los Blues Magoos, The Deep, Jefferson Airplane, los Electric Prunes, los Seeds, Love y Frank Zappa con sus Madres de la Invención ya andaban haciendo de las suyas, también estaban los grupos que aún no habían debutado como Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead, Big Brother and The Holding Company, Country Joe & The Fish, The Charlatans y demás que cobrarían relevancia en 1967 y 1968 respectivamente, además de que los Beatles ya estaban creando composiciones con atisbos psicodélicos desde el Rubber Soul de 1965 y ni se diga del Revolver donde la experimentación lisérgica está explícita.


En Septiembre del 66 decidieron darse un descanso y en este periodo que duró hasta Noviembre de ese año, John Lennon se fue a Almería, España a filmar una película dirigida por Richard Lester llamada How I Won The War y Ringo Starr lo acompañó, George Harrison se fue a la India a aprender a tocar la cítara y también a aprender sobre filosofía hindú y Paul McCartney se quedó en Londres junto a George Martin para componer, grabar y producir la música para la película The Family Way y poco después se fue de vacaciones a lugares como Kenya y Portugal.


John Lennon regresó a principios de Noviembre de 1966 y el día 9 de ese mes conoció a la artista vanguardista Yoko Ono en la Galería Índica, con quien se casaría en 1969, esta mujer (odiada por mucho pendejo) sería la que le daría un verdadero doctorado en cultura contemporánea a John Lennon, con esto John se convertiría en un hombre muy culto.


El 24 de Noviembre los Beatles regresan al estudio, tres estaban rasurados como siempre y Paul McCartney aparecía con bigote para ocultar las cicatrices que le dejaron un accidente de motocicleta que sufrió en la navidad de 1965 al querer ir a visitar a su primo y empezarían a grabar Strawberry Fields Forever, la cual Lennon compuso en España durante el rodaje de How I Won The War.

 

Cuando terminaron de grabar y mezclar Strawberry Fields Forever se fueron por una vieja composición de Paul McCartney al estilo del charlestón y del Vodevil de los años 20's, la cual compuso a los 16 años y llegó a tocar en varias ocasiones en los tiempos de la Caverna cuando sus amplificadores explotaban con la que improvisaba rimas para divertir a la gente mientras él la tocaba en el piano, sin embargo McCartney le hizo una letra como regalo de cumpleaños a su papá y la tituló When I'm Sixty Four y finalmente grabaron Penny Lane entre fin de año y principios del 67.


Los Beatles en Febrero de ese año lanzarían el primer sencillo con doble cara A con las canciones Strawberry Fields Forever y Penny Lane que estaban pensadas para un disco conceptual sin título que hablara sobre su juventud en Liverpool, sin embargo a insistencia de la EMI Parlophone tuvieron que lanzarlas en un sencillo y resultó ser que fue el primer sencillo Beatle que no llegó a los primeros lugares del Reino Unido gracias a una intrascendente canción de un cantante llamado Engelbert Humperdinck llamada Release Me que llegó al primer lugar, mientras que el sencillo del cuarteto llegó al segundo, sin embargo, ¿Quién carajos se acuerda de Release Me?, es más, Engelbert Humperdinck (como buen cantante plástico del momento) está olvidado, mientras que aún se sigue escuchando la limpísima y bellísima tonada de Penny Lane en el mundo en el mundo entero al igual que el otro portento de obra llamado Strawberry Fields Forever. Son obras tan trascendentales, innovadoras y frescas como la música de Mozart o de Bach.


En Enero de 1967 se empezaron a grabar y mezclar las canciones que terminarían en el disco original salido en Junio al igual que dos canciones que no se incluirían, Only A Northern Song de George Harrison que terminaría en la película Yellow Submarine del 68 y una pieza avant-garde llamada Carnival of Light que hasta la fecha no ha sido publicada, pero Paul McCartney ha asegurado en repetidas ocasiones que la quiere lanzar, pero que no ha obtenido el permiso ni de Ringo Starr, ni de las esposas de los Beatles difuntos. También cabe destacar que mientras estaba de viaje en Kenya, a McCartney se le ocurrió la idea de una banda imaginaria dando un concierto imaginario, sin embargo esto aún no tenía vida cuando empezaron a grabar el disco que aún no tenía título y que tenía la idea de hablar sobre la infancia de los miembros, sin embargo a mitad de la grabación llegó Paul McCartney con la canción Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y le explicó a George Martin que quería hacer el disco con un alter-ego donde ellos ya no fueran los Beatles y así es como tuvo vida el concepto del disco.


El 21 de Abril de 1967 se terminaría de grabar y mezclar las canciones y en menos de una semana terminaron grabando su siguiente placa que se tituló Magical Mystery Tour que fue acompañada de un surrealista y colorido filme para televisión. El álbum saldría el primero de Junio (aunque algunos digan que el 26 de Mayo) y ahí todo cambiaría para el mundo, sería el punto clave de la época psicodélica, el hippismo, la luminosidad, los pelos largos, las drogas alucinógenas, el pacifismo, la liberación sexual, las ropas multicolor y demás.


Y ahora sí, vamos al análisis musical:

Si Revolver es un disco implícitamente psicodélico y experimental donde cada canción es una obra maestra, el Sargento Pimienta es la cumbre de todo ello, no hay desperdicio en ninguna canción, ni siquiera en los temas "menores" como Lovely Rita, Getting Better y Good Morning, Good Morning, cada tema es memorable, trascendental, fresco, innovador y creativo.

El álbum inicia con la homónima, que tiene como introducción varios ruidos en homenaje al gran John Cage y finalmente entra una guitarra rugiente tocada por George Harrison la cual se asemeja de cierta forma a lo que estaban haciendo sus colegas Eric Clapton y Jimi Hendrix en aquel año, pero también tenemos aquí algunos atisbos de lo que hoy llamamos "heavy psych" que tiene como emblema a gente como Blue Cheer, Black Sabbath, Iron Butterfly, Hawkwind, Sir Lord Baltimore y Blue Oyster Cult, sin embargo, la gente se olvida que los Beatles, primeros en hacer esto y lo otro o lo que sea también aportaron su granito de arena en el desarrollo del hard rock, antes de su controversial Helter Skelter de 1968, también cabe destacar que esta banda imaginaria no solo tiene un buen par de potentes guitarras rocanroleras, sino una sección de metales y a un público imaginario estremecido con su desgarrador rock ácido y finalmente la Banda de los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta le da la bienvenida a Billy Shears (interpretado por Ringo Starr) con la canción With a Little Help From My Friends que es un exquisito tema de pop con una voz melancólica y que contiene cierta referencia no solo a una pequeña ayuda de los amigos del narrador, sino que también hacia el consumo de las drogas psicodélicas.



Y aquí se para el concepto para pasar a Lucy In The Sky With Diamonds, un tema inspirado por un dibujo del hijo de Lennon llamado Julian que le dedicó a su amiga y compañera de clases Lucy O'Donnell a la cual representaba como una niña volando en un cielo con diamantes. Esta canción, alta en su contenido psicodélico, es un auténtico homenaje a Alicia en el País de las Maravillas, una colorida locura sin desperdicio alguno. Muy poco después de haber salido, la BBC la censuró por supuestamente tener referencias al LSD. Sin embargo, aunque la letra sea un auténtico viaje ácido, hay que decir que los niños están tan fascinados por lo colorido y fantástico como un hombre bohemio, contracultural, psicodélico y hippie viajando por las galaxias de su mente, los niños van más allá de la razón y de la realidad, por eso es que cuando uno es niño es tan creativo cuando dibuja, pero también es tan difícil responderle cuando hace preguntas a los adultos.


Después sigue Getting Better que sigue dentro del canon sonoro del rock psicodélico, la cual refleja muy bien el pensamiento del verano del amor en sus letras, que van de acuerdo con el cambio gradual de un individuo que al principio era agrio, amargado, violento y machista con su mujer hacia un pensamiento optimista y utópico que estaría reflejado en el movimiento hippie concentrado principalmente en San Francisco, California.


Fixing A Hole, un tema que empieza a alejarse de tanto alucine y tiene como influencia el vodevil y la música de salón de Inglaterra, sin embargo se escucha ahí una guitarra distorsionada y lisérgica también. Por ahí leí que esta canción fue inspirada en el efecto de la marihuana.


Y llegamos a una de las obras maestras del disco: She's Leaving Home, ¿Qué puedo decir de esta magistral obra?, para empezar que muestra a Paul McCartney en su momento cúspide, es aquí donde McCartney se atreve a dejar su refinado y bello pop y también su rocanrol para crear una obra de música sinfónica que sería elogiada por músicos clásicos y de hecho uno le reclamó a George Martin que por qué no la hizo por lo menos una suite de más de 10 minutos, a lo que este contestó: Los Beatles son un grupo de rock que está experimentando con otras cosas y es por eso que She's Leaving Home tiene una duración tan corta. También hay que hablar sobre la letra, que hace referencia a esa juventud burguesa que estaba aburrida de su monótona vida atiborrada de objetos materiales y que finalmente se largaron de sus casas para irse al barrio de Haight-Ashbury en San Francisco a convertirse en hippies.


Y llega una obra de música circense, el rock y el pop aquí siguen sin estar presentes, ahora todo son carruseles, fenómenos, gente deforme, elefantes, bufones, malavares, clavadistas y payasos antiguos, todo plasmado bajo un concepto influido por el consumo de drogas blandas y sus efectos en la psique de John Lennon. Being For The Benefit of Mr. Kite fue inspirada por un cartel que encontró John Lennon en una tienda de recuerdos durante la filmación del video promocional de Strawberry Fields Forever y bajo un estilo similar al de Bob Dylan de copia y pega, surgió la letra para la canción.


Y llega George Harrison con una única composición: Within You, Without You, que es un tema inspirado en la filosofía hinduísta y en las enseñadas de varios gurus como Paramahamsa Yogananda y Sri Mahavatar Babaji, mientras que en la música no colabora ninguno de los Beatles, es tan solo Harrison con los mejores músicos hindúes del momento. Within You, Without You fue sugerida por él después de que George Martin y Paul McCartney se negaran a incluir Only a Northern Song (en aquel entonces llamada The Title Song) en el tracklist final del disco. Obra maestra.


Llega When I'm Sixty-Four, un tema que compuso Paul McCartney a sus escasos 16 años de edad, inspirado por la música con la que creció (vodevil, music hall, música de cabaret, música de burlesque, swing y estándares de jazz) gracias a su papá, James McCartney. Esta canción la tocaba desde los días de la Caverna, cuando los amplificadores explotaban y él la tocaba para divertir al público mientras improvisaba los versos. Para aquel entonces, le cambió la letra como regalo de cumpleaños para su padre que cumplía 64 años y terminó siendo incluída en el disco.


Lovely Rita es una pequeña obra que mezcla la música de burlesque y la parafernalia psicodélica del momento. Inspirada por una dama de tránsito que multó a McCartney, este le hizo la canción a modo de mofa. Pink Floyd quienes grababan al mismo tiempo su debut The Piper At The Gates Of Dawn se inspiraron en todos los efectos y pujidos que hacen aquí los Beatles para crear su obra Pow R. Toc H.


Llega Good Morning, Good Morning y otra vez aparece el rock en su máximo esplendor, con una guitarra distorsionada tocada por Paul McCartney y siempre bajo la estética del rock ácido. Y a pesar de ser un tema de menor calibre frente a la mayoría, John Lennon incita a la gente a despertar diciéndoles "¡Buenos días!, ¡Despierta!", esto por supuesto es una referencia a crear consciencia política entre los jóvenes que los escuchaban en aquel entonces y estos terminaran por rebelarse del sistema.


Se despide la Banda del Sargento Pimienta con una canción que es guitarrera a más no poder, esta es la esencia del rock ácido y de los inicios del heavy psych, para darle bienvenida a A Day In The Life, toda una catedral no solo para el rock, sino para la música popular.


A Day In The Life ha sido elogiada por muchos de los mejores músicos del rock (especialmente del progresivo), por tener una batería que dialoga con la voz de John Lennon, cosa que en aquel entonces era inusual en el rock mientras que en el free jazz de John Coltrane y Miles Davis se hacía constantemente, también por sus disonancias que parecen un homenaje a Julían Carrillo y su sonido 13 y un final tocado por tres pianos y un clavicordio que representa al accidente automovilístico del hombre del que se narra en la letra. También cabe destacar que A Day In The Life es un tema monumental y que es un antecedente directo del rock progresivo, este tema da a entender que los Beatles estaban en su máximo esplendor como músicos y compositores, y sin embargo existe gente inculta e ignorante que dice que son basura y que están sobrevalorados, pero como siempre, el vulgo lo que escucha es el material menor pero más pegajoso de la banda como She Loves You, Yesterday o Let It Be, aunque existan monumentos como este, Tomorrow Never Knows, Strawberry Fields Forever y I Am The Walrus.


Tara Browne, heredero de la fortuna Guiness que falleció en un accidente en Diciembre de 1966 y de donde fue inspirada A Day In The Life.

Para finalizar la reseña, quiero hablar sobre Strawberry Fields Forever, Penny Lane y Only a Northern Song.

Strawberry Fields Forever surge en Almería, España, donde John Lennon se encontraba rodando How I Won The War. Inspirado por su niñez y su lugar preferido que era un orfanato llamado Strawberry Field, Lennon compuso el tema y creó un demo que se puede encontrar tanto en la Antología como en bootlegs, y resulta ser que este fue el primer tema que grabaron los Beatles en Noviembre de 1966 para su disco que aún carecía de título. Según Lennon, quién estaba pasando por difícil periodo de cambio cuando la escribió se sentía solo y para él, la canción fue un "psicoanálisis musical". También cabe destacar que la letra tiene referencias al surrealismo y a los viajes de ácido, así como su concepto música que se encuentra dentro de la psicodelia un tanto obscura.


Penny Lane por su lado es un tema impecable de pop psicodélico que según Paul McCartney es donde más se refleja su influencia en el disco Pet Sounds de los Beach Boys. Es un pop refinadísimo, con una composición bellísima y de nivel poético sublime sobre el barrio de Penny Lane que solían visitar los 4 en su infancia, también cabe destacar que al igual que Strawberry Fields Forever, tiene referencias al consumo de LSD y Marihuana.


Only a Northern Song es la gran ausente del Sargento junto a Strawberry Fields y Penny Lane, y pues resulta ser que Harrison compuso este tema hastiado de las giras imparables, de las fanáticas locas, de recibir muy pocas regalías por parte de la editora Northern Song y recordando también los viejos tiempos en su natal Liverpool, también hecha bajo la estética de la psicodelia más colorida y experimental. Lamentablemente, los egos de Paul McCartney, George Martin y John Lennon hicieron todo para que no se incluyera en el disco y no fue escuchada hasta 1968 cuando salió la película Yellow Submarine.


Y así concluye este análisis, crítica y reseña del que posiblemente es el mejor disco de la música popular contemporánea.

Cambiando de tema, aquí les dejo todo un buen paquete del Sargento Pimienta:

1. El disco original de 1967 en estéreo y mono remasterizado en el 2009

2. El Bootleg de Purple Chick que circula en torrents por el internet del 2007 que incluye todo el disco original, los sencillos, las canciones que no se incluyeron (Only A Northern Song) y tomas alternas

3. La nueva edición del disco que incluye una nueva mezcla en estéreo y la mezcla monoaural original de 1967 con varias tomas alternas y la inclusión de nuevas mezclas de Strawberry Fields Forever y Penny Lane, solo que sin el DVD, ni el Blu-Ray, esos ya se los subiré después, porque pesan mucho.

Todo en flac con portadas y demás, por supuesto.