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16 jun. 2019

Bulbous Creation - You Won't Remember Dying (1971) [Repost]

Antes de empezar la nueva reseña, ustedes preguntarán ¿Ahora qué le dio a este por repostear discos? No es que me haya dado "algo" para volver a publicar discos, es que al conseguir la remasterización del disco de Top Drawer, sentí que debí compartirla con todos ustedes e incluso un usuario de Avaxhome ya la publicó por ahí, y me alegro para que llegue ese disco con una mejor calidad del sonido a más gente, y esta vez les traigo este que publiqué por las mismas fechas por allá en el 2014, pero esta vez lo reposteo debido a que conseguí un rip en FLAC del vinilo original de la Rockadelic y también el remaster de la Numero Group (que me impresionó que no tuviese esa alteración del volumen de las grabaciones conocida como "guerra del volumen"), ya que la única edición que salió en CD tiene demasiado eco (o reverb, como quieran llamarle), también quiero re-hacer la reseña, ya que leyendo la otra, vi que me había quedado muy pobre, por lo que me dieron ganas de volver a traerles esta entrañable placa grabada por allá en 1971. Otra cosa que hay que recordar es que ya son 48 años del "halconazo", un acto repudiable por parte del gobierno fascista de Luis Echeverría y este disco en parte refleja la basura de las autoridades de la época.

Los Bulbous Creation son toda una banda de culto, especialmente entre aquellos círculos de locos cazadores de rarezas pesadas de los 60's y 70's, por su sonido crudo, sucio y oscuro pasado por el filtro de la psicodelia, el blues y el rock pesado, además de que sus letras tocan temas que para ese entonces eran vistos como tabú: satanismo, la guerra de vietnam, ecologismo, sexualidad, liberación femenina y drogas duras por lo que podríamos decir que son en efecto, una de las bandas que mejor representan la mentalidad post-hippie del subterráneo gringo de principios de los 70's: pesimismo, nihilismo, oscuridad y mucho radicalismo, de ahí que la gran mayoría de estas bandas no fuesen aceptadas dentro de lo que comúnmente llamamos "mainstream" o "corriente dominante", incluso si en sus letras se alejaban de estas posturas.

Del grupo se tiene muy poca información, pero todo comenzó en los 60's cuando el vocalista Paul Parkinson se unió al bajista Jim Wine en la secundaria y formaron una serie de proyectos temporales que no fueron a ningún lado, luego en 1966, Jim Wine terminó alistándose a la armada de Estados Unidos (una pésima decisión si fue realmente suya, y si fue de sus papás, aún peor), por lo que sus migas con Parkinson se detuvieron momentáneamente por tres años, cuando Wine fue expulsado del ejército, este estaba ansioso por regresar al mundo de la música y había estado viendo reclutar músicos en la ciudad de Kansas, donde poseía un pequeño departamento, y encontró a un talentoso guitarrista llamado Alan Lewis, quien tenía influencias de Black Sabbath y Uriah Heep, pero al no ser compositores, Wine le habló a su antiguo compañero Paul Parkinson para que este aportara sus composiciones e ideas en lo que estaban trabajando, pronto también se les uniría el baterista Chuck Horstmann, el nombre vendría por una sugerencia de Lewis que era la de "bulbous" (bulboso/a) y luego el grupo decidió agregarle la parte mística de "creation", con esto el grupo ya conformado y con una lista compuesta puramente por canciones originales, se las vio difíciles a la hora de poder agendar conciertos y lograr sus metas, sin embargo, en 1971 lograron grabar durante todo un día un disco en los estudios Cavern, ubicados en la otra ciudad de Kansas, en Misuri, pero al ser un grupo tan oscuro para su tiempo y que además no lograban cuajar en su escena local, pues no tenían dinero para poder editar sus grabaciones, que contenían 6 canciones originales y 2 refritos, pronto Parkinson se iría, pues era un tipo solitario y profundamente individualista y quería tocar sus composiciones como artista solitario, y el grupo recortó su nombre a Creation, además de que supuestamente cambiar hacia un sonido más "progresivo". Sus grabaciones serían editadas por primera vez en 1995 por la Rockadelic. En 1998 moriría el guitarrista Alan Lewis de cáncer de esófago, después, en el 2001, el vocalista Paul Parkinson moriría después de perder la batalla con la Leucemia que padecía. Ambos tenían en sus pertenencias la copia de la edición de Rockadelic.

You Won't Remember Dying es fundamentalmente un disco de heavy psych donde también hacen gala elementos del blues, el folk y el garage rock. La producción es cruda y terrosa, con ese ambiente directo del sótano. El sonido del grupo es sombrío, macabro, oscuro, siniestro, tétrico, pesimista y nihilista, o en pocas palabras, es la psicodelia dándose un mal viaje. Se podría decir que la música del grupo es exactamente todo lo opuesto al concepto de psicodelia que manejaban Strawberry Alarm Clock y todos esos conjuntos sesenteros (y eso que terminaron grabando una canción de heavy psych para una película), pues mientras la mayoría de esas bandas se dedicaron solo a resaltar los aspectos coloridos y positivos de los viajes lisérgicos, los Bulbous Creation nos invitan a recorrer un viaje lleno de imágenes mórbidas sobre la guerra de Vietnam, el día del juicio final, catástrofes ecológicas, drogas duras y rituales satánicos. Por otro lado, en la música de la banda se escuchan influencias de grupos como Ten Years After (hasta graban una canción de ellos), los 13th Floor Elevators, Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead, Jimi Hendrix, Black Sabbath y Uriah Heep, aunque bueno, por la época y el lugar donde surgieron, se escuchan también ecos de Arrogance, Stonehenge, Pentagram, Josefus, Fraction y Bolder Damn, o incluso de los australianos Buffalo, además de que la voz del vocalista Paul Parkinson por momentos recuerda muchísimo a la época del grunge, con su barítono oscuro lleno de pasión.

El álbum abre con End of The Page, una canción que se mueve en las aguas más oscuras y melancólicas del folk psicodélico, con una letra ecologista que aún conserva algo de la ingenuidad y el idealismo hippie de los 60's, pero a pesar de ello, es una letra con un mensaje contundente que hoy más que nunca, está muy vigente, pues llama a la gente a tomar consciencia de como la humanidad o mejor dicho, los medios y las formas de producción capitalista están acabando con el ecosistema, y aunque esto en la época en la que esta canción fue compuesta, sonaba más a ciencia ficción y a una fantasía moralista de aquellos "hippies mugrosos", hoy es una realidad que nos afecta a todos, queramos o no, y no por nada el barbón Marx llamaba a abolir a la propiedad privada de los medios de producción, ahora vemos las consecuencias de habernos quedado con el capitalismo. Por otro lado, es una composición que en contraste con los demás temas del disco, es una canción atmosférica, algo etérea y relajada. Una de las mejores.

Having a Good Time no es más que un refrito de Sugar The Road de Ten Years After, aunque curiosamente, los Bulbous Creation la interpretan de una manera muy original y distinta a la original, con un trabajo de guitarra magistral y la voz que recuerda muchísimo a Eddie Vedder, Chris Cornell,  o Layne Staley. Aquí es cuando me pregunto si todos esos grupos habrán escuchado estas grabaciones alguna vez o si solo es plena coincidencia. La letra de la canción es sobre una chava adolescente siendo aconsejada por su novio para rebelarse de su jefe y vivir una vida reventada. Curiosamente Alvin Lee sonaba mucho más feminista y honesto en esta rola que todas esas payasas liberales que predican la misandria. Temón.

Satan tal y como lo dice el título, habla del príncipe de las tinieblas, aunque curiosamente la letra no es tan satánica como sugiere el título, de hecho se podría decir que es hasta medio católica o que sé yo, pues habla del vocalista intentando correr al chamuco, diciéndole que lo deje en paz. Por otro lado, la música es oscurísima, con un riff de guitarra que envidiaría cualquier músico de doom metal y eso que la distorsión aquí es mínima, también habría que destacar que los solos de guitarra tienen ese sabor a Stacy Sutherland, por lo que no dudaría que los Bulbous Creation hayan escuchado aunque sea una vez a los 13th Floor Elevators.

Fever Machine Man sigue la misma tradición de riffs lentos y oscuros, aunque esta vez con más distorsión y acompañados de un órgano que da un ligero sabor a Uriah Heep, también la voz se escucha ligeramente distinta (de ahí que muchos crean que aquí colaboraron dos vocalistas distintos, pero en realidad es el mismo cantando en registros más agudos) y con un tono más atormentado. Por otro lado, la letra habla de como los soldados son convertidos en máquinas de matar a todo lo que se les ponga al frente.

Let's Go to The Sea, posiblemente la obra maestra del disco, oscura como pocas. Es aquí en donde les pido que se olviden de falsificaciones como el disco de Jacula. Esta es una música que de verdad no escucharía a altas horas de la madrugada, por su sonido macabro, tétrico y espectral, y por si les quedaba la duda de por qué ingeniosamente los de la Rockadelic pusieron en la portada y la contraportada a esqueletos bastante tétricos, pues escuchen esta rola, estoy convencido que es una de las obras más escalofriantes y macabras que se hayan hecho en esa época, y un gran ejemplo de como los viajes de LSD se pueden convertir en una experiencia aterradora con imágenes atroces. También hay que destacar como Alan Lewis suena extremadamente similar a Stacy Sutherland e incluso en esta canción hace uso de unas reverberaciones muy similares a las que el guitarrista texano usó en el disco Bull of The Woods de 1969, se podría decir que Lewis suena aquí como un gemelo siniestro, también esta es la canción donde más se escuchan similitudes con un grupo llamado Stonehenge, que sacaron un sencillo en ese mismo año (1971, valga la redundancia), con un sonido casi igual de oscuro.

Hooked comienza con un riff similar al de Kingdom Come de Sir Lord Baltimore pero más oscuro, es casi como si fuese tocado por Tony Iommi, y es aquí donde el grupo se escucha más desgarrador, pues es una canción sobre un ex-junkie seguramente encerrado en un centro de rehabilitación que está pasando por el efecto del "pavo frío" y lo único que desea es tener a su madre junto a él y morir.

Under The Black Sun es una canción que vuelve a las temáticas un tanto moralistas, esta vez habla del juicio de Dios hacia los pecadores en el día del juicio final, de ahí que incluso mezcle esta idea profundamente cristiana con simbolismo pagano germánico (el "Sol Negro" representaba para los antiguos pueblos germánicos pre-cristianos, el fin del mundo, luego los nazis, de forma irónica, lo usarían), por otro lado, la música tiene un acento bastante sabbathiano, los solos recuerdan mucho a Tony Iommi, aunque más blusero.

El disco finaliza con una versión de Stormy Monday, un clásico del blues de la autoría de T-Bone Walker, donde el grupo muestra sus influencias tanto en el sonido de San Francisco como en el de Texas, se escuchan ecos de cuando los grandes grupos del área de Frisco (como le suelen decir los gringos) se ponían a blusear durante largos minutos, aunque aquí vuelvo a escuchar ecos de los 13th Floor Elevators, esta vez del primer disco.

Para finalizar la reseña, tengo que decir que esta placa es obligatoria si es que te dices muy fan del heavy psych, y es aquí estará muy de acuerdo un muy buen amigo sueco que es pionero en dar a conocer este estilo que tanto nos gusta, You Won't Remember Dying tiene todos los componentes para decir que es una de las mejores y más genuinas representaciones de lo que es la psicodelia pesada, pues cuenta con ese aspecto crudo, pesado, terroso, sucio y siniestro que tanto caracterizó a este estilo en su época, cosa que por ejemplo, no tienen discos como el Growers of Mushroom o el debut de Captain Beyond, que resultan ser mucho más valorados por aquellos que dicen ser "fans" del estilo, a pesar de que estén muy lejos de ser discos que representen de manera genuina y consistente lo que representó este estilo, es por eso que si de verdad quieres conocer y entender al heavy psych, este disco es uno de los que te darán una idea de lo que de verdad es.

P.D. El rip del Vinilo tiene una parte cortada de la primera canción, este error venía desde que bajé el archivo, por lo que yo supongo que fue error del que lo pasó a flac o hasta un error del LP,

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17 may. 2019

Top Drawer - Solid Oak (1972) [Repost]

Antes que nada, perdón por la tardanza de volver a publicar por aquí, la recopilación todavía está en los últimos toques para ser publicada, esperemos que pronto esté, ya que se viene el volumen dedicado a la escena de Detroit y sus alrededores, además de que los sitios en donde estaba subiendo los discos, me limitaban los días de hospedaje de los archivos, por lo que tuve que volver a uloz.to, que es donde seguiré subiendo los discos, por otro lado, hoy les traigo un repost de un disco que se publicó aquí hace unos 5 años y es que hoy me trajeron esta edición remasterizada del 2002 que viene con temas extra (una versión instrumental de su clásico Song of A Sinner y una versión más larga del último tema del disco), además de fotos del grupo y su historia, y además resubo la versión original para que la comparen y emitan su juicio de cuál les gusta más.

Top Drawer se formaron en algún momento de principios de los 70's en Mansfield, Ohio, todos ellos eran adolescentes e iban a la misma secundaria, y como cualquier banda gringa, adolescente, empezaron a ensayar en el sótano de su baterista, después añadirían al tecladista y guitarrista rítmico para tener un sonido más completo, en ese momento, se trasladaron del sótano a la granja de los padres del baterista y empezaron a ensayar canciones de grupos como Grand Funk, Deep Purple y Uriah Heep, que fueron las que tocaban en los conciertos que daban en las fiestas de su secundaria, pero muy pronto comenzarían a componer su propio material y poco a poco las fueron añadiendo a sus tocadas y al ser excelentemente recibidas por el público, Top Drawer ya estaban dentro de los mejores grupos de la localidad, por lo que supieron que era hora de grabar un disco y se enteraron que en Kentucky había un estudio que estaba buscando grabar a grupos jóvenes de rock, ya que el country era lo que siempre habían grabado, por lo que los ingenieros se quedaron estupefactos cuando escucharon el potente y machacante sonido del quinteto. Grabaron el disco durante 2 sesiones de 12 horas cada una

El disco fue editado por la disquera Wish Bon en el 72, con tan solo un tiraje de 500 copias, las cuales fueron distribuidas por el mismo grupo en sus conciertos y en las tiendas locales de Mansfield, Ohio. En el 2002, con la ayuda y autorización del vocalista, fue remasterizado por el músico e ingeniero Patrick Damiani en los estudios Prosecco en Alemania y esta versión fue editada por la disquera Psychosound.

Miembros:
Steve Geary (Vocalista y trompetista, principal compositor y líder del grupo)
John Baker (Guitarrista líder y corista)
Alan Berry (Bajista y corista)
Ray Herr (Baterista y corista)
Ron Linn (Teclados, guitarrista rítmico y corista)

Ahora, la música:

Solid Oak es un disco de heavy psych directo del garaje, donde se cuelan elementos de country rock, boogie, pop y folk, su sonido es crudo, contundente, directo, pesado y psicodélico, con un estilo similar al de bandas como Morly Grey, Bolder Damn, Phafner, Joshua, The Damnation of Adam Blessing, Grand Funk, Homer e incluso Grateful Dead. Se podría decir que este disco suena a un heavy psych visto desde la perspectiva de la gringolandia rural de fines de los 60's y principios de los 70's. Por otro lado, todos los músicos logran cumplir con su objetivo, suenan enérgicos y tienen mucho talento de por medio a pesar de su temprana edad, el guitarrista John Baker es especialmente excelente y aquí demuestra que a pesar de que él dice que en ese tiempo, apenas y sabía tocar la guitarra, que ya era un músico muy talentoso y hasta con cierto virtuosismo en su ejecución, pero bueno, esto se podría decir que es un tanto relativo, teniendo en cuenta que para el fan promedio del rock progresivo, esto puede resultar ser en su opinión, un esfuerzo amateur y rudimentario, y puede que tengan razón hasta cierto punto, pero esos argumentos pueden ser muy sólidos en el progresivo, el jazz y la música clásica, donde se requiere de tocar con un virtuosismo sin igual y de tener composiciones complejísimas, pero en un disco de psicodelia pesada y garajera hecha por un conjunto de jóvenes idealistas y genuinos, es por demás, un argumento deshonesto y pretencioso que tiene que ver más con el esnobismo y el elitismo intelectual que con una verdadera comprensión de la música del grupo.

Song of A Sinner posiblemente es el tema más popular e importante del disco, con su duración de más de 8 minutos, es una balada psicodélica muy atmosférica y surrealista que al mismo tiempo logra ser desgarradora, acompañada de un omnipresente clavicordio eléctrico que remite al primer disco de la Damnation of Adam Blessing (Strings and Things), que curiosamente, también eran de Ohio y una guitarra que suena a una especie de John Cipollina deprimido.

What Happened Before They Took The People Away es justo lo contrario al tema que abre el disco, pues es alegre y tiene un elemento muy country en el ambiente, aunque viene acompañada de un riff machacante que bien pudieron firmar Morly Grey o Bolder Damn, es por eso que fue el tema que terminé añadiendo al primer volumen de la recopilación Keep Your Head!

Middle Class America es bastante similar a la canción anterior, aunque con un sonido todavía más psicodélico ocasionado por el efecto de phasing que se escucha en la batería, de alguna manera recuerda al grupo texano Homer, que sacó un solo disco en el 70 titulado Grown in The U.S.A, pero con la diferencia de que Top Drawer eran mucho mejores músicos y que no tenían esas por demás, ñoñas y bobaliconas pretensiones "progresivas" de los texanos.

Time Passes Too Quickly es posiblemente el tema más country del disco y estoy casi seguro de que el grupo la tocó así o la compuso para agradarles a los ingenieros que les produjeron el disco. Un tema no tan interesante como los tres primeros.

Messed Up recuerda mucho al garage rock de los 60's, con su estructura simple, un tanto veloz y su ejecución cruda y directa, acompañada de una guitarra super-psicodélica, y por otro lado, las letras reflejan el pesimismo y la decepción de la época post-hippie.

Baker's Boogie es el único tema escrito por el guitarrista John Baker y es posiblemente uno de los dos temas menos interesantes del disco junto con Time Passes Too Quickly, aunque no necesariamente malo o mediocre, al contrario, es un tema que reboza de energía, pero para algunos puede resultar algo desconcertante que hayan incluido un boogie en el tracklist final del disco.

What's In The Store me recuerda un tanto a la primera época de los Kinks con canciones como Set Me Free o Tired of Waiting For You, con su riff de guitarra muy a la Dave Davis.

Sweet Memories es la canción que más suena a los 60's junto con Messed Up, es una balada de pop con cierto tinte de folk, tocado con guitarra acústica y piano, que de alguna manera recuerda a los Walker Brothers y su mayor hit The Sun Ain't Gonna Shine Anymore, por lo que hubiese sido interesante que el o los productores hubiesen agregado un arreglillo de cuerdas, pues la composición se da para ello.

El disco cierra con Lies que contiene un riff que recuerda al de The Bird Has Flown (aquí en México conocida como "el Vuelo del Pájaro") de Deep Purple, aunque al final, la canción en general termina recordando más sus paisanos Phafner que sacaron un disco un año antes. Muy buen tema para cerrar el álbum.

Los temas extras son un extracto instrumental de Song of A Sinner y una versión más larga de Lies.

Ahora, comparando la versión original de 1972 y la remasterización de hace 7 años, la calidad de sonido mejora muchísimo y se corrigen ciertos errores de edición que estaban presente en la original, pero como sea, en ambas versiones, el disco suena bien.

Un disco que recomiendo mucho tanto a los fans de la psicodelia como a los del heavy psych.

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21 nov. 2018

Gadsby & Skol - Gadsby & Skol (2001)

En lo que termino de darle los últimos toques a la recopilación de heavy psych mexicano que estoy preparando, hoy les traigo un disco que salió desde hace ya casi 20 años de este power trio canadiense formado en 1968 bajo la inspiración de los grandes tríos de la época (Blue Cheer, Cream y Hendrix) pero que no grabó su disco hasta fines de los 90's y fue editado en el 2001 con la ayuda de Nick Saloman (alias The Bevis Frond).

En el 68, el canadiense Rick Skol después de haber quedado impresionado con dos presentaciones de Jimi Hendrix en Toronto y también por el Vincebus Eruptum de Blue Cheer, decidió que quería formar una banda y para eso contactó a su amigo Chuck Gadsby, quien es o era un muy buen guitarrista, para formarla y pronto se contactaron con su viejo amigo Drew Tjerstrom quien terminó de bajista.

El grupo tocaba canciones originales y covers de sus ídolos, pero durante sus "años dorados" nunca pudieron grabar un solo disco, después a fines de los 90's, conocieron a Nick Saloman y le dieron su demo, el cual, al parecer, le encantó al músico británico y este se ofreció a editar sus grabaciones, que salieron hasta el 2001.

La música contenida en el disco bebe mayoritariamente de Blue Cheer, aunque jamás con la idea de plagiarlos y aunque las canciones son muy buenas, la producción les resta algunos puntos. De alguna manera me recuerda vagamente al disco de los noruegos Lucifer Was, no tanto por el estilo musical, pero aquí tenemos un caso similar en que las canciones fueron grabadas 30 años después de haber sido compuestas, por lo que la composiciones tienen ese sabor a fines de los 60's, pero el sonido de la grabación es completamente noventero y digital, por lo que esto puede desconcertar a muchos.

Este disco es una rareza de las que son dificilísimas de conseguir, tanto que ni siquiera era posible conseguir este disco vía blogs, torrents, emule, youtube o soulseek, por lo que hoy se los traigo por primera vez y ustedes tendrán la última palabra sobre este.


4 nov. 2018

Los Spiders - Back (1970)

Hoy no postearé el volumen 3 de la recopilación Keep Your Head!, más que nada porque me está costando un poco de trabajo hacer la reseña del disco 1, por lo que la retrasaré un poco para unos días, pero lo que sí les traigo hoy es uno de los mejores y más grandes discos que ha dado el rock mexicano y que lamentablemente no se le recuerda como debería, y es que mientras muchos periodistas, críticos, historiadores e inclusos fans, prefieren seguir siendo felatrices de Alex Lora (que si bien, tuvo su gran época entre 1973 y 1984 aproximadamente, ahora da pena ajena, y sin embargo, aunque el Three Souls es el grupo de los hoyos fonkis por excelencia, tampoco son tan maravilloso y lo digo en serio, porque en su momento, existieron bandas que por mucho se comieron al Three Souls In My Mind) o hacerles ruido a grupos que de plano son una porquería (Molotov, Café Tacuba, Zoé, etcétera), y es que finalmente ellos sí se mochan con una lana ya sea con los medios de comunicación o con las empresas para que los promocionen como "los mejores" e incluso la gente de otros países, se va con la finta de que son grandes grupos, y aunque puede que suene medio "hipster" aquí, hay grupos que pocos conocen, que los ningunean, los ignoran o los desprecian, uno de estos son los Spiders, que en su natal Jalisco son una de las bandas más importantes surgidas en su escena, pero en el resto del país, poco se habla de ellos, siendo que ellos estaban a un nivel altísimo en cuestiones artísticas y si existiese la justicia, hoy estarían situados en la cúspide de la psicodelia mexicana junto con los Dug Dug's, el Ritual y la Revolución de Emiliano Zapata.

Los Spiders comenzaron desde 1960, con el auge del rock & roll y los covers en México, ellos durante los 60's fueron un fenómeno de los cafés cantantes de Guadalajara, Jalisco, y en 1966 grabarían su primer EP que contenía un refrito de For Your Love de los Yardbirds cantado en español, pero no sería hasta 1969, cuando surge su primer cambio de alineación en donde entran el excelso tecladista Servando Ayala y el vocalista Antonio Vierling y empiezan a grabar su primer álbum, al que titularon al igual que su canción más conocida que se supone, recibió mucha difusión en las estaciones de radio de todo el país en su año de lanzamiento, 1970. Después sacarían un par de discos más: Nuevas Rutas del Sonido en 1973 y Corre, Corre, Corre en 1980, que a pesar de que no recibieron ni la mitad de la difusión que recibió su debut, debieron haber catapultado a los Spiders como la mejor banda tapatía, hoy siguen vigentes junto con otros grandes como la Revo, la Fachada de Piedra, la Quinta Visión, Pastel Pilatos, Frankie Bizarro y París y el 39.4, aunque con un nuevo guitarrista, ya que el "Tucky" se fue al más acá en Enero del 2008.

Back es un magistral disco de una finísima y bellísima manufactura, con una interpretación verdaderamente excepcional y unos músicos que brillan como pocos, mientras se mueven sin ningún problema entre el rock ácido sanfranciscano y el pop psicodélico, aquí todos los instrumentos toman protagonismo desde el órgano hasta la batería al estar ejecutados de esa forma, sin embargo, por los teclados del gran Servando Ayala y el excelso trabajo guitarrero de Reynaldo Díaz el "Tucky", ambos deberían estar entre los mejores instrumentistas no solo salidos del país, sino que deberían estar entre los mejores instrumentistas del rock mundial, pero como siempre, vivimos en un país surrealista donde a los talentos inmensos no se les da el valor que se les debería dar.

Las influencias que puedo identificar en la música de los Spiders son Procol Harum, H.P. Lovecraft, Traffic, Steppenwolf, los Animals, los Zombies, Country Joe & The Fish y Quicksilver Messenger Service, aunque noto también reminiscencias de Hunger, SRC, Lee Michaels, Crystal Syphon, The Art of Lovin', Reign Ghost y Gandalf.

El disco comienza con una corta introducción acústica llamada Through (a song) que nos recordará un poco a los interludios que acostumbraron a meter los Dug Dug's en sus primeros 2 discos, después al final del disco vuelve a aparecer la misma composición pero con otra letra, pero lo grande llega en Something I Heard (Last Night) y People Deceive, dos temas de una belleza y finura que solo son superadas por Bajo el Sol y Frente a Dios del Ritual.

On The Road es de los más "flojitos" del disco y eso entre comillas, porque solo se queda chico en frente de tanta obra maestra presente aquí, más que nada por ser un tema tan corto, pero de que es muy bueno, lo es, y me recuerda un tanto al Country Joe más humorístico.

Now es otra proeza de tema, con uno de los órganos más psicodélicos jamás registrados en México, a mí me recuerda tanto a Country Joe & The Fish como a los Zombies, y los Spiders no nos dejan descansar, vienen un par de obras maestras más: It's You y Back, que recuerdan tanto a SRC y Procol Harum como a Quicksilver Messenger Service.

You Love Me y Movin' Up suenan a como si John Cipollina hubiese sustituido a Michael Monarch en Steppenwolf y Goldy McJohn estuviese tocando un Farfisa en lugar de su típico Hammond, por lo que no tienen la fiereza del heavy psych de los canadienses, pero sí 

I'm A Man me vuelve a recordar tanto a los Zombies como al sonido de San Francisco, se podría decir que me vienen a la mente Country Joe & The Fish, The Art Of Lovin' y The Peanut Butter Conspiracy (estas dos últimas bandas no eran de San Francisco, pero su estilo correspondía con el de las agrupaciones de la bahía de San Francisco)

En el penúltimo tema (la segunda parte de Through es la que cierra), Love Is The Way es la que suena más parecida a otros grupos mexicanos de la época como los Dug Dug's, el Ritual y Toncho Pilatos, más que nada por la flauta, aunque la diferencia con los Spiders es que estos son aún más ácidos. Aquí Servando Ayala hace unas figuras extremadamente lisérgicas en su órgano y la flauta va repitiendo esas mismas líneas, , de alguna forma esta canción me recuerda muchísimo a los respectivos debuts de Country Joe & The Fish, Mad River y Quicksilver Messenger Service así como a The Corporation (que aquí en México se hicieron bastante conocidos gracias al programa Vibraciones que se transmitía en Radio Capital a fines de los 60's y principios de los 70's, que ponía seguido su versión psicodélica de India de John Coltrane).

Para finalizar, este es un disco absolutamente esencial, no solo para el conocedor y el que quiere profundizar en el rock nacional (mexicano), sino también para el conocedor de la psicodelia.

3 nov. 2018

Nuevos sitios de descargas

Como lo saben, este blog se ha venido abajo desde la caída de Megaupload en enero del 2012, y desde ahí he tenido que buscar alternativas que me ofrezcan servicios buenos y gratuitos, ya que los servidores en la nube ofrecen poquísimo espacio y tienden a borrar todo lo que uno sube, incluyendo MEGA del alemán Kim Dotcom, y muchos de los sitios a los que acostumbraba a subir han muerto y hoy tuve el infortunio de enterarme que diskokosmiko está caído, por lo que me puse a buscar sitios que me ofrecieran un servicio ilimitado de espacio y que además sea gratuito, ya que no tengo el dinero para pagar mensualmente lo que me ofrecen los servicios en la nube como MEGA o Mediafire, es por eso que prefiero las alternativas.

Ahora que encontré estas gracias al buscador anónimo duckduckgo, pronto subiré el material que prometí e intentaré resubir el que fue eliminado ahora con la caída de diskokosmiko.

Estos serán los nuevos sitios donde se subirá el material:
Mirrorace.com
Megaup.net
Uptobox.com
Oceanhost.eu


P.D. Un conocido me dijo que mejor me convirtiera en vlogger, pero me niego a seguir tendencias hipsters, así como aquí nunca verás enlaces a Spotify o algo por el estilo, aquí lo que se intenta es fomentar la cultura musical, por lo que no estoy dispuesto a poner solo lo que las grandes disqueras me digan.

Un saludo a los lectores y pronto me verán por acá.

19 sep. 2018

Hunger - Strictly From Hunger (1969/2018)

Hoy se cumple 1 año del devastador terremoto que vivimos en la Ciudad de México y espero que dentro de mucho tiempo no vuelva a pasar una catástrofe de ese tamaño y mucho menos, hoy mismo, por lo que me pondré a escuchar de nuevo este discazo que les vuelvo a traer desde hace varios años, cuando el blog apenas comenzaba y los posts eran mucho más frecuentes. Por otro lado, espero acabar pronto con el volumen 3 de la recopilación Keep Your Head! que va a estar buenísimo, va a estar dividido en 2 partes: la primera será una recopilación de grupos de Michigan y uno de Nueva York y la segunda será una combinación de temas de heavy psych que antecedieron al punk y otros que se encuentran dentro de la parte más oscura y depresiva del estilo, no diré qué bandas voy a incluir, ustedes ya lo verán cuando sean publicados.

Este disco lo vengo posteando otra vez debido a que lo acabo de comprar vía Discogs y es que se trata de la nueva re-edición que además de estar remasterizada desde los máster análogos (a excepción del primer disco, que fue ripeado desde la copia más limpia en existencia del acetato original de 1968), es la primera vez que una re-edición de este disco está autorizada por los miembros del grupo, por lo que aquí viene todo el material que grabó la banda durante su corta existencia, en total, son 3 discos:

El primero es el disco tal y como el grupo quiso que saliera, pero que al final no salió por varios motivos, esta mezcla se caracteriza por ser más guitarrera y porque aquí, las canciones son más largas, además de incluir las partes de guitarra grabadas por Ed King de Strawberry Alarm Clock en Colors y Open Your Eyes.

El segundo es el disco tal y como salió en la primavera de 1969, esta versión es la que todos conocen y que se podría decir que es más "popera" debido a la duración de las canciones y a la carencia de solos de la mayoría.

El tercer disco es una recopilación de versiones alternas, canciones que salieron en sencillos, entre otras sorpresas.

También viene un libreto con fotos y toda la historia del grupo desde sus comienzos hasta su separación en el verano de 1969.

En fin, hablemos de la banda:

Hunger se forman por allá en la primavera de 1967 en su natal Portland, Oregon, después de que dos bandas locales llamadas los Outcasts y Don Marrs y los Bishops se unieran, ambas bandas eran garajeras, aunque más ambiciosas que otras de la época, sin embargo, L.K. Wright quien fuera representante de los Bishops, los convirtió en un grupo semi-profesional que empezó a tocar en otros lugares fuera de Oregon, durante este tiempo, el grupo ganó una batalla de bandas y fue premiada con amplificadores Fender y pronto, John Crispi, el baterista original se saldría y entrarían Mike Parkison, un tecladista muy talentoso y Don Marrs como baterista.

Parkison desde el principio quiso unirse a los Outcasts, él estaba en un grupo llamado The Courtmen, ellos entraron por recomendación de un amigo de la banda y se los llevó a los Ángeles, California a principios de 1968 y dicen que la vida ahí a fines de los 60's era como una fiesta sin fin, por lo que Don Marrs decidió salirse y regresó a su natal Portland, pero el ex-compañero de Parkison, Bill Daffern tomó su lugar después de que fuese rechazado por el ejército y rápidamente se acomodó a su repertorio inicial de covers y a su vestimenta tipo Paul Revere, pero pronto empezarían a componer su material propio a sugerencia de uno de los miembros de la West Coast Pop Art Experimental Band, pues en los Ángeles la gente ya no estaba interesada en los covers, ahora lo que estaba de moda era la psicodelia, por lo que empezaron a hacer canciones con paisajes largos y muchos solos de órgano y guitarra por parte de Parkison y John Morton, sin embargo, los conciertos no llegaron hasta un poco después, cuando algunos de los miembros del grupo andaban paseando por Sunset Strip y se encontraron con York McGavin, el hijo del actor Darren McGavin y este les ofreció tocar en su fiesta de cumpleaños que fue celebrada en casa de su papá en Beverly Hills y este fue su primer concierto en el sur de California en donde ganaron dinero.

Pronto, dejaron la lujosa casa de la novia del que se iba a convertir en su representante, debido a las presiones de esta y se fueron a vivir a una de las partes menos glamurosas de los Ángeles, además de haber obtenido trabajos aparte para poder sobrevivir, pero pronto lograron obtener un nuevo concierto en un lugar "bohemio" del lugar y ahí conocieron al que se convertiría en su representante, Stan Zipperman, él escribía para revistas y salía en la tele, por lo que conocía a toda la escena de los Ángeles y pronto Hunger empezarían a tener suerte, a pesar del incidente donde perdieron sus guitarras originales, sin embargo, pronto obtendrían nuevos instrumentos, además de escribir la canción No Shame, que fue presentada como un potencial hit.

Hunger aparecerían en la televisión tocando She's Not There de los Zombies (desafortunadamente, no ha salido esa presentación, a pesar de que existe) y pronto serían contratados para hacer el tema de una película de suspenso, esta canción se llamó She Let Him Continue al igual que la película, aunque curiosamente, donde grabaron otras canciones que saldrían en sencillos y finalmente en versiones diferentes en el LP de 1969, uno de los sencillos fue acreditado a The Touch, después la película cambiaría de título, fue editada y finalmente dejaron fuera a la canción del grupo.

Pronto se saldría Bill Daffern del grupo y ocuparía su lugar Gene Gunnels de Thee Sixpence (la banda que después de convertiría en Strawberry Alarm Clock), y el último concierto donde tocó Daffern fue para abrirles a nadie más, ni nadie menos que Cream.

Pronto la nueva alineación, con un sonido aún más psicodélico y potente, empezarían a tocar en otros lugares a parte de los Ángeles, incluyendo dos conciertos en las Vegas, también regresando tocaron en el Whiskey A Go-Go y no tardarían en empezar a grabar su primer álbum en un estudio construido en una base militar localizado en Arcadia, a 20 km de los Ángeles, por lo que no era un buen estudio, ni por el lugar, ni por la tecnología, pero el grupo se las ingeniaría para producir su álbum frente a un ingeniero de sonido bastante incompetente.

El grupo aquí estaba en su mejor momento, su música había evolucionado muchísimo tanto en su forma compositiva como instrumentalmente hablando, pero una vez más, después de 2 veces, les volvieron a robar todo su equipo y tuvieron que grabar con el equipo de Strawberry Alarm Clock, y al estar descontentos con los resultados de la grabación, el representante contrató a Ed King para grabar los solos de un par de canciones y de ahí, las cosas mejoraron muchísimo, el difunto King (un guitarrista muy talentoso que tocó con Strawberry Alarm Clock y Lynyrd Skynyrd) estuvo por días grabando con ellos y finalmente, dos de sus colaboraciones quedarían plasmadas en la mezcla original del disco y serían eliminadas o enterradas en la mezcla que salió en 1969, también el cantante de sesión Greg Munford (quien cantaría en Incense and Peppermints) re-grabaría la voz para Mind Machine y She Let Him Continue.

Después de grabar el disco, el grupo estaba en el limbo, sin instrumentos, ni nada, uno de los roadies fue encarcelado por haber sido cómplice del robo, pero aún así no pudieron recuperar sus instrumentos y por lo tanto, no podían tocar, ni nada, e incluso salieron noticias falsas de que estaban tocando por el norte del país para explicar su ausencia, pronto regresaron a Portland sin nada y rápidamente regresaron a los Ángeles por pedido de su representante que ahora había vendido todo y no les había proporcionado sus nuevos instrumentos, ni nada, y los nuevos representantes de la disquera hicieron lo que quisieron con el nuevo disco, provocando que el grupo terminara rompiendo en el verano de ese año.

Frente a las condiciones en las que estaban en las que estaban con un equipo de mala calidad, un nuevo mal vocalista, un disco que fue editado de acuerdo a una demanda de Strawberry Alarm Clock hacia el primer representante y que los nuevos representantes eran completamente irresponsables, el grupo no pudo hacer más nada que separarse a mediados del 69 y finalmente la mayoría terminarían haciendo carreras individuales o uniéndose a otros grupos, entre ellos Bill Daffern, que terminaría tocando con el grupo de heavy psych Truk, quienes sacarían un solo disco en 1970 y después se iría a tocar a varios proyectos con los que tendría algo de popularidad, también fue vocalista de los sobrevaloradísimos Captain Beyond y finalmente el que sigue activo en la música es el guitarrista John Morton, que se quedó con la marca de guitarras Hallmark y le va bastante bien, incluso tiene una nueva Swept-Wing, Ed King tocaría con Lynyrd Skynyrd y finalmente pasaría a mejor vida el 22 de Agosto de este año, una pena que se pasara un guitarrista tan bueno como él.

Ahora sí, pasemos a hablar del disco:

La música de Hunger se podría definir como un rock psicodélico muy garajero con varias tendencias hacia el pop psicodélico y con un sonido que por momentos se aproxima hacia el freakbeat que se hacía en el Reino Unido en esa época, pero a pesar de sus tendencias poperas, Hunger nunca cae en un barroquismo extremo como muchas otras bandas de pop psicodélico, tampoco en lo demasiado bobalicón, acaramelado, ñoño, infantiloide o inocentón, lo "popero" del grupo contrasta con su mentalidad psicodélica y su bagaje directo del garage que le da un sonido crudo pero a la vez con inusuales habilidades compositivas e instrumentales, dándonos a entender que Hunger eran bastante más talentosos que la banda promedio de garage gringa de mediados de los 60's, pues mientras las composiciones normales de garage eran bastante lineales (Es decir, los grupos de garage eran rocanrol "puro" y es que para ser sinceros y realistas, el rock no es música de conservatorio, uno cuando va a escuchar rock, no espera a escuchar una sinfonía de 15 movimientos, espera escuchar una música basada en el rhythm and blues, con guitarras distorsionadas y una composición sin pretensiones, al menos que lo que quieras escuchar sea rock progresivo o art rock, pero la cosa es que tampoco se les puede exigir tanto a un montón de bandas formadas generalmente por chavitos de entre 13 y 21 años que generalmente tocaban por puro hobby, por eso un académico generalmente nunca podrá entender al rock, ni cual es la magia que pueden tener las composiciones más elementales), las composiciones de Hunger tienden a ser un poco más elaboradas, con más desarrollo instrumental y cierta finura, y aunque se les compare mucho con los Doors, definitivamente pienso que Hunger traían su propio rollo, eran tan buenos que aquí las comparaciones serían ya demasiado ociosas, pues se podría decir que Hunger ya eran una banda con derecho propio, pero que por un mal manejo de los representantes y la mala suerte que les llegó en los Ángeles, no pudieron sacar todo el potencial que tenían, por lo que Hunger es una de esas grandes bandas que no les llegó la buena suerte y terminaron por desaparecer.

Colors (Con su parte inspirada en Happenings Ten Years Ago de los Yardbirds), Workshop, Mind Machine y Open Your Eyes deberían estar entre lo más representativo de los 60's, no solo por su contenido musical, sino por sus letras también, pues esas 4 canciones sintetizan de excelente manera la filosofía y la mentalidad de la contracultura de los 60's, sin embargo, al no haber sido hits, al no ser composiciones de corte académico y que además, Hunger apenas fueron conocidos en su momento, pues no están junto a grandes himnos de la época como All You Need Is Love, Get Together, Give Peace A Chance, San Francisco (Flowers In Your Hair), Monterey, Like A Rolling Stone o San Franciscan Nights, aunque deberían estar, el buen Gustavo, que es fan incondicional de Hunger, seguramente está de acuerdo conmigo.

Sin embargo, esas 4 canciones no son lo único que hay en el disco, también hay un extraordinario tema instrumental en donde la guitarra y el órgano hacen de las suyas llamado Portland 69, No Shame que fue originalmente escrita como un "éxito", es un exquisito rolón de pop psicodélico con clavicordio y unas letras sobre un músico que está cansado de la fama y le está escribiendo a su novia que va a regresar pronto a su casa, esto me recuerda en parte a lo que terminaron haciendo George Harrison y John Lennon en sus días post-Beatles, también Trying To Make The Best, The Truth (con sus partes jazzeras que nos recuerdan a Gold and Silver de Quicksilver Messenger Service) y She Let Him Continue son GRANDES, monumentales temas, que demostraron que Hunger eran una banda con un potencial tremendo como músicos, pero que simplemente el destino no les fue grato.

Sobre las mezclas, yo la verdad es que me voy más con la primera, con la de los temas largos y con más desarrollos instrumentales, aunque bueno, por más que a la banda les haya decepcionado la nueva mezcla, el grupo era tan bueno que incluso con los temas tan "macheteados", sonaban refrescantes y brillantes, también las versiones de los sencillos son grandes trabajos y eso que la producción ahí fue bastante pobre.

En fin, este es un clásico perdido, que merece más reconocimiento del que tiene.


P.D. El disco viene como es usual, en FLAC con las portadas escaneadas, después de salieran errores en los archivos originales, ahora lo he resubido en tres partes, espero que esta vez el internet no suba con errores a los RAR, pero de cualquier forma, avísenme si no les aparece algún error al descomprimir los archivos.
La primera alineación de Hunger en Diciembre de 1967

20 mar. 2018

Grand Funk Railroad - Grand Funk (1969)

Después de más de 4 meses de tener abandonado este espacio, estuve pensando seriamente en cuál disco publicar, pues a pesar de que en Diciembre fueron los 50 años del lanzamiento del Magical Mystery Tour de los Beatles, no me sentí lo suficientemente preparado como para reseñarlo, por lo que lo dejaré para el próximo mes y de mientras nos vamos con un clásico de clásicos que ustedes conocen muy bien, pues Grand Funk es una de las bandas clásicas por excelencia y una de las preferidas de la generación de Avándaro, tanto que hasta surgieron bandas muy influenciadas por ellos como el Amor, el Three Souls In My Mind, el Grupo Ciruela o incluso Enigma.

Por otro lado, también tuve la duda sobre si postear su debut o este, pero terminé decidiéndome por su segunda placa que les traigo hoy aquí, pues para mi gusto es mejor que su debut, a pesar de que el On Time tenga obras maestras como Can't Be Too Long, Anybody's Answer, Into The Sun y Heartbreaker y lo digo por varias cuestiones, entre ellas la producción mejorada, la selección de canciones y que además contiene uno de los mejores bajos que escucharán en toda su vida, de hecho hasta los mismos miembros dirían que On Time era más como un demo mientras que "el rojo" era un disco hecho como debería ser, por todo esto, Grand Funk es una obra maestra del heavy psych (sí, lo leyeron bien), aunque usualmente no se le considere así.

Hay discos que son clásicos por derecho y otros que se han convertido en clásicos gracias al "hype" o publicidad exagerada que les han hecho, ya sea fanáticos, vendedores de discos, músicos o incluso disqueras, algunos ejemplos de esto son los discos de Captain Beyond, Leaf Hound, Budgie y Dust, que hoy gracias a los grupos de stoner rock que los ponen frecuentemente como grandes influencias, que los vendedores de sitios como eBay digan que son una maravilla y finalmente los fanáticos que se tragan todo el cuento y siguen dándoles esa publicidad que no merecen, como por ejemplo, varios bloggeros y a veces también colaboran en esto algunos críticos, como los de la AllMusic Guide, mientras que a álbumes que son clásicos con derecho como es el caso de esta segunda entrega de Grand Funk, casi nunca se les pone la suficiente atención y por lo general son discos ignorados e injustamente incomprendidos por el fan millennial promedio.

Grand Funk a pesar de ser aclamados por el público, fueron destrozados por la crítica en Estados Unidos y hasta la fecha los críticos gringos siguen siendo unos mierdas con ellos, pero pues muy injustamente, porque Grand Funk se consolidaron como los amos del hard rock gringo junto con bandas como Mountain, Cactus y James Gang, las cuales recibieron muy buenas críticas al contrario de este power trio originario de Flint, Michigan.

En octubre de 1969, después del relativo éxito que tuvo su primer álbum junto con su debut escénico en el Festival de Pop de Atlanta en ese mismo año, regresan al estudio y esta vez, el grupo se había esforzado más en cuestiones musicales, Terry Knight produjo mejor el material y Mel Schacher le puso una pastilla humbucker a su bajo Fender, la cual tomó de un viejo bajo Gibson EB-0 para arreglar el problema del volumen que se escucha en On Time, y fue en ese preciso instante cuando regresaron al estudio y el disco salió a finales de diciembre de 1969, como un regalo por parte de la banda para empezar el siguiente año.

Como venía diciendo (valga la redundancia), "el rojo" es un álbum de heavy psych que contiene toda la instrumentación básica del subgénero, incluyendo la guitarra Musicraft Messenger de Mark Farner que tiene un fuzz integrado y además le agregaba un wah-wah en un par de rolas que aumentaba la atmósfera psicodélica presente y el bajo distorsionado de Mel Schacher que seguramente es la envidia de muchos bajistas actuales que dicen tocar "heavy psych", aunque no todo aquí es tocar el rock dentro de la estética pesada y psicodélica, también el grupo bebía fuertemente del blues, el funk y el soul de Motown, dando así una combinación de lo mejor del hard rock psicodélico y la música negra, con melodías un tanto accesibles al público y mucha, pero mucha energía.

El disco abre con Got This Thing On The Move, un excelente golpe de energía y un gran ejemplo de como el rock se debería tocar. comienza con un riff fuzzeado tocado por Farner y poco después lo acompaña Schacher con su bajo distorsionado, mientras que Don Brewer sin ser un baterista excepcional, lleva bastante bien el ritmo y derrocha mucha, pero mucha energía, mientras que la letra seguramente habla de un encuentro sexual y este tipo de letras que fueron bastante comunes en este tiempo y escandalizaban a la gente conservadora y mojigata, hoy asustan a la gente que se dice ser muy "progresista" y "tolerante", pero que en el fondo es tan mojigata como el conservador que odiaba a la juventud de aquellos tiempos, pero bueno, cambiando de tema, un fragmento de la rola saldría en Déjenme Vivir del primer disco del Three Souls In My Mind salido en un lejano 1971.

Después sigue Please Don't Worry, una rola que tocaron poco después en el show nocturno de variedades Playboy After Dark que conducía el difunto Hugh Hefner junto a sus conejitas psicodélicas que bailaban mientras los grupos se presentaban, por ahí en el youtube existen los videos de Deep Purple, Steppenwolf, Iron Butterfly, Grateful Dead y otros grupos de la época, incluyendo a Grand Funk, quienes se presentaron con unos atuendos bastante psicodélicos por allá en Enero de 1970 haciendo playback de las rolas Mr. Limousine Driver y Please Don't Worry, que curiosamente esta última inspiró al grupo yugoslavo para crear su rola Could You Understand Me en su disco con el mismo título salido en el 73.

High Falootin' Woman es puro boogie rock con un piano que aparece casi al final, muy en el estilo de las rolas Time Machine y High On A Horse, salidas en su primer álbum unos meses antes.

Mr. Limousine Driver es otro bombazo de heavy psych que viene equipado con el fuzz de Farner en los solos y el bajo distorsionado de Schacher, además de cierta onda funky que adereza a la rola, uno de los temas que más me gustan de todo el álbum.

Y en el quinto tema viene In Need que también viene como otra sacudida eléctrica con una onda muy pegajosa y con un excelente jam que combina un blues bastante funkeado con los solos fuzzeados de Farner, el bajo solista de Schacher y los respetables solos de bataca de Brewer, que como bien dije atrás, tal vez no es el mejor baterista que podrían escuchar, pero tiene su talento y su mérito.

En el número 6 está Winter And My Soul que para mí es como un descanso después de tanto desmadre y también algo para darle un poco de variedad al álbum, pues comienza como una rola un tanto baladesca, para luego irse a terrenos más enérgicos y hasta tener un breve interludio jazzístico, también cabe destacar que casi al final, Farner usa unas escalas que me suenan sospechosamente un tanto a raga rock.

Paranoid para mí representa el perfecto ejemplo de como se debería tocar y como debería sonar el heavy psych, estoy seguro de que Farner hizo esta rola con el fin de tener un número bien psicodélico en el disco al igual que en el debut (Can't Be Too Long y Anybody's Answer), aunque posiblemente aquí el buen Mark Farner hace uso del wah-wah junto al fuzz integrado en su lira para acentuar ese efecto ácido, después se van hacia terrenos más dramáticos al igual que en las mencionadas rolas, aunque el fuzz está mayormente presente a lo largo de la rola, situándola así firmemente en los mismos terrenos de las bandas de hard rock psicodélico. Temonononón.

Y para cerrar con broche de oro tenemos un refrito de Inside Looking Out de los Animales de Eric Burdon, a la que Grand Funk le hacen unos arreglos en donde combinan el funk, el blues y el heavy psych de manera perfecta, como pocas ocasiones se ha hecho en el rock, esto es oro puro y seguramente el paraíso para los fans del heavy psych, es uno de esos momentos irrepetibles en el rock, con uno de los mejores diálogos que he escuchado entre la guitarra y el bajo, creo que solo Cream y ellos podían hacer algo así, es una lástima que en 1972 Grand Funk optaran por un estilo más complaciente con el público y que se perdiera la mayor parte de la esencia que tenían en sus inicios, incluyendo el fuzz y el excepcional bajo distorsionado.

De temas extra tenemos una primera versión de Nothing Is The Same, rola que después publicarían en su tercer álbum con unos arreglos más funkys, pero esta versión tiene un riff que de alguna manera se asemeja un poco a Sunshine Of Your Love de Cream y tal vez por eso la dejaron afuera del disco, aunque de todas maneras las leves semejanzas no le quitan su mérito a la versión que de hecho es buenísima y también tenemos un remix de Mr. Limousine Driver que en lo personal me latió más por ser más largo que la versión original.

Y pues por ahora no tengo nada más qué decir más que... ¡Buen provecho!

30 oct. 2017

Mad River - Mad River (1968)

Reseña escrita en el Día de Muertos del 2016, pero que por una u otra razón, no pude publicarla en este blog, pero aquí está.

Son las 4 de la mañana, no puedo dormir y en mis audífonos suenan los disonantes acordes de Merciful Monks mientras que la voz de Lawrence Hammond tiene ese tono desalentador, depresivo, nihilista y pesimista que anuncia que todo es una mierda, que no hay presagios de un futuro mejor, todo va de mal en peor.

Mad River fue esa banda que cuando tomó LSD y otras sustancias que alteran la consciencia, en lugar de obtener esas visiones coloridas tuvieron un malviaje tan feo que vieron esas horribles y explícitas imágenes de la guerra de Vietnam que estaban llenas de muerte, sangre, violencia, dolor y aquellas imágenes de los movimientos estudiantiles protestando por una mejor educación y que sus respectivos gobiernos los masacraban por ello, es por eso que Mad River en lugar de seguir aquellos coloridos ideales llenos de optimismo y que luchaban por utopías que arrastraban los grupos de la bahía de San Francisco, ellos optaron por ver al mundo tal y cual era: Una grandísima mierda con un aterrador futuro.

Las drogas son algo que puede ser bien o mal visto por la gente, sin embargo el grupo en lugar de cantar sobre colores fantásticos y arcoíris, hablan sobre los efectos de las drogas duras, del declive personal generado por estas y de pasar drogado todo el tiempo debido a aquellas horribles visiones que tuvieron en los mal viajes, canciones como High All The Time o  Amphetamine Gazelle son auténticos testimonios de ello. Lawrence Hammond también debe haber sufrido de desamor en aquellos momentos por lo que compuso un blues obscuro y nihilista llamado Eastern Light que precisamente habla del desamor provocado por una persona. Llega Wind Chimes un tema instrumental inspirado por la música clásica de la India en el que en medio empiezan a cantar el Mahamantra Hare Krishna (aunque solo en la versión del EP de 1967, en la versión del LP de 1968 no los cantan), sin embargo esa obscuridad disonante y tétrica no desaparece del tema. War Goes On, eso dijeron Mad River en aquel lejano 1968, tal vez es el más fiel reflejo de que el movimiento hippie iba a pique y que lo único que le esperaba a la sociedad era un funesto futuro, y así es, la guerra no ha terminado, la situación actual es una mierda, no hay presagios para un futuro mejor, la violencia continúa, las condiciones son desalentadoras y este grupo originario de Ohio y radicado en Berkeley tiene toda la razón.

Mad River es la perfecta antítesis del movimiento hippie, porque aquí no hay más utopías, no hay más optimismo, nada de eso, todo está de la mierda, así es la cruda realidad, de alguna manera es una visión similar a la que tenía el famosísimo grupo angelino los Doors, sin embargo si por algo se diferenciaban era en que los Doors buscaban crear un mundo distópico regido por el libertinaje absoluto mientras que Mad River eran una banda de amargados, tal vez unos auténticos seguidores de Friederich Nietzche, Emil Cioran y Arthur Schoppenhauer. Algunos han dicho que son los auténticos padres de las escenas “dark” y “death rock”, y es algo que puedo compartir sin problema alguno, pues esto es rock ácido obscurísimo, tétrico, malévolo, violento, disonante, agresivo, depresivo, nihilista y sobretodo: pesimista, también podría ser una antesala perfecta del aún no nacido punk que amanecería a mediados de la siguiente época, cabe destacar que Mad River también comparten esta ideología con los grupos de heavy psych que florecerían a principios de los años 70’s como los Bulbous Creation, Icecross, Sudden Death, Pentagram, Bedemon, Josefus, Iron Claw, Bolder Damn, Seompi o hasta los mismísimos Black Sabbath, sin embargo su estilo no se relaciona realmente, pues es un grupo que parte de las mismas raíces que las bandas de la bahía de San Francisco: el blues, el folk y el country, sin embargo Mad River evolucionaron de una manera paralela que en lugar de seguir ese colorido y optimista sonido de grupos como Quicksilver Messenger Service, Country Joe & The Fish, Grateful Dead, Frumious Bandersnatch, Big Brother & The Holding Company o Jefferson Airplane, siguieron un sonido obscuro y depresivo, lleno de disonancias y atmósferas tétricas que seguramente asustaron a los hippies la primera vez que los escucharon. 

Este es el fiel reflejo de los estragos provocados por la guerra, por una sociedad podrida en el hedonismo, la doble moral, el materialismo y la superficialidad que no es más que un producto de gobiernos neoliberalistas, de sistemas económicos capitalistas y de políticos corruptos que se sostienen de prostitución, narcotráfico, delincuencia, guerras, desigualdad, divisiones, contaminación ambiental, corporaciones, industrias, empresas y otras infames cosas, es por eso que nació Mad River, de toda esa basura que hasta el día de hoy nos tiene en el hoyo, que Aldous Huxley describió con precisión (y de manera profética) en su obra maestra de 1932 “Un mundo feliz”. Mad River pasaron completamente desapercibidos en su momento, solo unos pocos supieron de su existencia en la bahía de San Francisco, a pesar de haber tocado en conciertos con otros grandes grupos de la escena como Mount Rushmore, AUM, Quicksilver Messenger Service, Sopwith’ Camel entre otros, sacarían un disco más en 1969 que tuvo nula atención por parte del público, a pesar de haber experimentado con ritmos afroantillanos y el country rock, hoy es un grupo de culto al que los coleccionistas de música psicodélica admiran, sin embargo esta música nunca será para masas manipuladas por telenovelas, comida chatarra, fútbol y nalgas, tampoco para neohippies y gente de la nueva era que sigue soñando con utopías después de décadas y sigue refugiándose en flores y cigarros de marihuana.

Posdata: Además del disco, les he incluído el EP de 1967.

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14 oct. 2017

The Finchley Boys - Everlasting Tributes (1972)

Es hora de una nueva entrega y aunque este disco ya se encuentra circulando por la red, principalmente porque en muchas páginas han posteado versiones más viejas (las cuáles también se las traigo) y porque el mismo grupo está vendiendo el disco remasterizado a través de Bandcamp, ya sea por formato físico o digital, hoy les traigo mi ripeo personal de la copia que me llegó hace unos 3 días, ya que tenía hace mucho que no posteaba algo de mi colección física.

Muchos de ustedes ya conocerán esta obra salida en 1972, aunque grabada entre el 68 y el 69, y aunque sé que es un tanto difícil de digerir por la simplicidad de su contenido y porque es un producto bastante similar a otros que salieron en el periodo de 1968 a 1973, al final termina siendo un disco bastante gratificante y que va dejando su huella dentro de uno.

Todo empieza con su vocalista George Faber, nacido en el seno de una familia de comerciantes de colchones de Champaign, Illinois, el cual decidió hacerse músico antes que seguir en la tradición familiar, él empezó siendo un aficionado a la música negra como el doo-wop y el soul y al rockabilly, pero en 1964, cuando surgió la "ola inglesa" con los Beatles, los Rolling Stones, los Animals, los Yardbirds y los Kinks, él encontró nueva inspiración ahí, tanta que gracias a los Rolling, empezó a interesarse por el viejo y marginal blues de Chicago que solo los ingleses tenían en su memoria (en aquel entonces), y esto lo entusiasmó a formar una banda, el problema es que no encontraba a ningún músico en la secundaria donde acudía, así que su amigo más cercano Larry "Tabe" Tabeling -con quién Faber pasaba más tiempo debido a las constantes peleas entre sus padres que no eran más que síntoma de un matrimonio que estaba muriendo- decidió aprender a tocar el bajo, debido a que se le hizo más fácil que la guitarra y poco a poco se les fueron uniendo otros músicos locales como el guitarrista Bryce Creighton y el organista Jimmy Hill, que eran músicos de tiempo completo en un grupo de breve duración llamado The Bohemians. Faber y Tabeling probaron que esta nueva banda sería más duradera.

Era 1965 e Illinois era una cuna fértil de bandas de garaje directamente inspiradas por la ola inglesa, entre ellas esta banda que aún carecía de nombre, encontraron al baterista Eric Swenson, al guitarrista Mark Warwick, al vocalista Jim Cole y al bajista Tim Anderson y aquí empezó su aventura por la escena música, ensayando en la casa de este, en donde se daban muchos eventos juveniles. Poco después se harían llamar los Finchley Boys, en inspiración directa de la leyenda que viene atrás del disco de los Kinks "Kinda Kinks" de ese mismo 65 que trata sobre una pandilla juvenil de la Londres marginal de aquel entonces.

Y así como fue cambiando el mundo en el 65 y el 66, los ensayos en la casa de Swenson le llamaron la atención a Bob Nutt, un hombre de negocios y manager que tenía una empresa llamada Blytham Limited y poco después, el grupo en su primigenia encarnación tocaría en un pequeño cine.

Poco después, Swenson dejaría su puesto de baterista debido a "problemas personales" y fue sustituido por el joven baterista J. Michael Powers, que al principio fue influenciado por el jazz, pero después encontró amor por el rock debido a los Kinks, abandonando así el jazz y la música clásica, por lo que congenió muy bien con el resto de miembros de la banda.

Para este entonces, Nutt y su nuevo compañero, Irving Azoff, les programaron conciertos a los Finchley Boys en varias batallas de bandas locales, fiestas de iglesias, fiestas de fraternidades y pequeños clubes locales, y también para este entonces, el grupo agregaría al guitarrista rítmico Steve Dyson, quien estaría muy poco tiempo en el grupo, y es aquí cuando George Faber decide hacerse el otro vocalista de la banda, después de fungir como el roadie de la banda y este empezó a hacer mancuerna con Jim Cole al empezar a escribir canciones juntos, Cole en este momento empezó también a ser el guitarrista rítmico.

Poco después el baterista J. Michael Powers tuvo que dejar a la banda debido a que su padre consideraba al grupo como "una distracción", dando paso a Glenn Cronkhite, un baterista local de jazz que ya era considerado profesional y era 5 años más grandes que el resto de miembros.

Para Enero de 1967, tocaron una pieza de música avant-garde escrita por un estudiante graduado en un evento que ellos describen como "notable" en el salón de baile de la Universidad Illini Union de su natal Champaign, Illinois, según ellos, fueron ovacionados por el público.

Después de un periodo prolífico que duró entre el invierno y la primavera del 67, Jim Cole dejó la banda, debido a conflictos internos, dejando al grupo como un cuarteto.

En su gira del verano del 67, Cole se reconcilió con ellos y fungió como roadie, pero al llegar a Champaign, rompieron, pero George Faber y Tabe querían seguir en sus carreras como músicos profesionales, por lo que reclutaron al guitarrista Garrett Oostdyk, al vocalista Brian Cook y al baterista Al Goldberg, creando así lo que al principio iba a ser un supergrupo regional a la que llamaron Brownfield Wood que estuvo presente en aquel verano del amor.

Al poco tiempo, Faber, tabe y Oostdyk tenían planes de revivir a los Finchley Boys, por lo que decidieron contactar de nuevo a J. Michael Powers y así nació la alineación clásica del grupo, que fue la que grabó su único disco entre 1968 y 1969, pero que solo duró tres años.

Los Finchley Boys decidieron psicodelizarse al 100%, aunque sin olvidar sus raíces en el blues y la invasión británica.

Durante este periodo posterior al verano del amor, la empresa Blytham Limited quería crear una escena similar a la de San Francisco en la que los Finchley Boys fuesen el centro de ella, sin embargo, los intentos fueron fallidos, pero en la escena de Chicago surgieron algunos grupos psicodélicos como H.P. Lovecraft, Haymarket Square, Bangor Flying Circus y la Illinois Speed Press. Durante este periodo, los Finchley Boys tocaron en el famoso Kinectic Playground.

Chicago se vio más afectada por el pop psicodélico de The New Colony Six y por el brass rock de Chicago Transit Authority (luego renombrados Chicago), por lo que Oostdyk, decepcionado decidió volver a su natal Champaign, debido a que en Chicago, la gente no le puso demasiada atención a la contracultura y a la música psicodélica.

En Champaign, los jóvenes estaban interesados por la efervescencia psicodélica y la contracultura de los 60's, y los Finchley Boys hicieron mancuerna con The Windy City, otra banda local. Y así como lograron tener conciertos en Nueva York y Toronto, estuvieron a punto de firmar un contrato con la CBS, pero solo si el grupo incluía sección de metales y canciones cristianas, por lo que Oostdyk se negó rotundamente a firmar el contrato.

Durante este periodo de 1968 a 1970, los Finchley Boys hicieron la locura de incluir una boa constrictor en sus shows, antes que Alice Cooper, quienes de hecho, los ovacionaron y estaban ansiosos de ver a la mascota de los Finchleys durante un concierto en el Kinetic Playground, pero según cuenta Faber que él no la podía aguantar y esta alcanzó a arrancarle un mechón de pelos con una mordida, mientras actuaban en un show de televisión local.

También durante este prolífico, pero corto periodo, tuvieron oportunidad de grabar las canciones de su único disco que terminó saliendo hasta 1972, cuando el grupo ya estaba separado.

La primera sesión tuvo lugar en los Estudios Chess en Chicago, y fue supervisada por los ingenieros veteranos Ron Malo y Stu Black, quienes recibieron con indiferencia y malos tratos al grupo, debido a que para ellos, "tocaban muy alto", por lo que al año siguiente continuaron las grabaciones en los estudios Golden Voice ubicados en Pekin, Illinois, donde según cuenta Oostdyk, fueron unas sesiones más satisfactorias y donde los ingenieros se mostraron más respetuosos hacia la propuesta del grupo, y es fácil saber por qué, pues esos estudios tuvieron la presencia de muchas bandas psicodélicas y pesadas como Buster Browns, que sacaron un sencillo en el 68.

En el 70, los Finchley Boys se sintieron muy satisfechos, debido a que tocaron en el festival de Kickapoo en mayo de ese año, el cual fue inspirado en el festival de Woodstock y tocaron gente como B.B. King, Country Joe & The Fish, Canned Heat y los Amboy Dukes, y pronto fueron re-contratados para tocar en otro festival enorme que se celebró en Iola, Wisconsin, que según la banda, fue como una especie de Altamont, debido a los conflictos provocados por las pandillas de motociclistas que atendían el lugar, por lo que J. Michael Powers se salió de la banda, antes de que esta se trasladara a San Francisco por un tiempo que duró entre el 70 y el 71, en los que tendrían a varios bateristas de reemplazo, pero con estos bateristas, no pudieron lograr sonar igual, por lo que se separaron.

En 1972, sacaron Everlasting Tributes, el cuál incluía todas las grabaciones hechas entre 1968 y 1969, y este fue promocionado con la reunión de la banda, que pronto se volvería a separar.

Durante muchos años, el disco como algunas grabaciones extrañas de la banda y de los miembros por separado circularon de forma no oficial, hasta el 2010, cuando el grupo se reunió y por primera vez se reeditó el disco de forma oficial, acompañado de un disco extra con tomas alternas, demos y grabaciones de diversos conciertos que dieron entre 1968 y 1970.

Ahora, los Finchley Boys quieren volver a la fama y están reunidos dando conciertos en su natal Illinois.

Después de su extensa historia, hay que hablar de su música.

Los Finchley Boys tal vez no eran unos ultra-maestros en lo que hacían y su música hasta pudo haber pecado de sonar tan similar a lo que otros grupos contemporáneos estaban haciendo en ese preciso momento, de hecho, los Finchley Boys guardan bastantes similitudes con Frijid Pink, Buster Browns, Floating Bridge, Fat, la Illinois Speed Press e incluso los Love de este periodo, pero todas sus carencias son sustituidas con la honestidad, la crudeza y la buena onda que presenta su música.

Everlasting Tributes es un disco de un rock ácido basado en el blues que está tan influenciado por Cream, Hendrix, los Kinks, los Animals y los Yardbirds como por las bandas de la costa oeste como Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y Country Joe & The Fish, también poseyendo cierto elemento claramente heredado por las bandas garajeras de mediados de los 60's, dándole una identidad que definitivamente entra en el heavy psych.

Hay guitarras que vomitan fuzz y wah-wah, blues hasta morir y mucho ácido lisérgico de por medio, como en Swelling Waters e It All Ends, dos baladas psicodélicas que tienen ciertas reminiscencias de Quicksilver Messenger Service y Jimi Hendrix o las pesadotas Once I Was A Boy, Hooked y Restrictions que se posicionan entre lo mejor del heavy psych gringo y que llegan a sonar como a una mezcla entre los Stooges y Frijid Pink diluida con elementos de la Illinois Speed Press y Fields, aunque bueno, los refritos de Howlin' Wolf, los Animals y los Kinks no tienen madre tampoco.

El segundo disco al que titularon Neverending Tributes tiene las versiones alternas de Outcast que tiene aplausos y gritos pre-grabados en vivo y Hooked que suena un tanto extraña sin los overdubs, mientras que el resto del disco sigue con la misma propuesta que tenían en el disco: rock ácido blusero y pesado.

Según los Finchley Boys, van a sacar más grabaciones alternas, no se sabe cuándo, pero esperemos que pronto, de mientras les incluyo otra edición con algunos demos y grabaciones alternas que no fueron incluidas en esta reedición.

11 sep. 2017

Keep Your Head! Vol. 1: 16 Mindblowing Heavy Psych Crushers from The United States 1969-1972

En la portada: The Damnation Of Adam Blessing en 1970


He regresado después de haberles traído el Sargento Pimienta en varias versiones, incluyendo la nueva con varios discos, y pues hoy les traigo el primer volumen de una recopilación que hice, el cual ya había sido posteado por acá, pero con diferentes canciones y diferente portada.

¿Por qué le cambié algunas canciones?, preguntarán ustedes. Pues principalmente porque me sonaba un poco atonal, así que decidí quitar algunas canciones para poner otras y darle así a la recopilación, más concordancia entre las rolas y esas canciones que estaban, decidí pasarlas a otros volúmenes, donde suenan más acorde a ellos, sin embargo, el mayor problema fue que los archivos de la portada original se me perdieron en otra computadora, por lo que yo ya no tenía forma de como editarla, así que decidí recrearla.

Y pues, lo único que me queda decirles es que la disfruten.



Empezamos con The Lyd y su rola I Need You de su demo de 1970. Al parecer ellos se formaron en algún momento de los 60’s en la localidad de los Ángeles, California y grabaron un acetato de un solo lado en los estudios de Pat Boone, localizados en Hollywood y las poquísimas copias que prensaron, terminaron en las manos de varios ejecutivos de disqueras independientes, pero lamentablemente, Lyd nunca obtuvieron el tal esperado contrato, pero sus rolas se han editado una infinidad de veces y su acetato es muy buscado por los coleccionistas. Se dice que este demo fue grabado mientras los miembros tomaban cantidades excesivas de LSD y otros alucinógenos, y no lo dudo, pues la mayoría de rolas hablan del consumo de drogas, sexo en exceso y la música lo refleja bien. I Need You suena muy, pero muy similar a Josefus, pero combinada con la furia protopunk de los Stooges, el fuzz de B.F. Trike y la contundencia garajera de Negative Space. A falta de foto del grupo, decidí actualizar esta entrada el 10 de Mayo del 2018, no solo con un nuevo enlace donde incluyo la contraportada que hice para este volumen, sino para actualizar unas fotos, y aquí a falta de una fotografía del grupo, tenemos a la bella Dru Hart, quien fue la señorita Septiembre de 1968 de la Play


Para la siguiente rola tenemos a los texanos Christopher y el tema Wilbur Lite de 1970. United Gas se formaron en plena efervescencia del movimiento psicodélico en Texas, eran un contundente power trio que tenía en sus venas los genes de Cream y de las bandas de San Francisco como Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y Grateful Dead, era 1968 y su nacimiento concordó no solo con el surgimiento de otras bandas como Blue Cheer, Iron Butterfly, Steppenwolf, Mount Rushmore o The Hook, que tocaban un estilo más violento y desenfrenado de rock ácido, sino que también concordó con el surgimiento del Mayo Francés y los movimientos estudiantiles. Por lo que en ese 1968 lograron establecer cierta popularidad en su localidad que es Houston, Texas y en 1969 se decidieron trasladar a los Ángeles, California para firmar un contrato con la recién formada Metromedia Records, que era una pequeña subsidiaria de la RCA y se metieron a grabar lo que sería su primer disco. Las primeras sesiones fueron problemáticas, debido al carácter errático de su baterista Doug Tull y la gota que terminó derramando el vaso fue que este se intentara cortar las venas en medio de las sesiones, por lo que el bajista Doug Walden y el guitarrista Richard Avitts decidieron echarlo del grupo y usar a varios bateristas de sesión para terminar el álbum que vería la luz hasta 1970, sin embargo, había un problema. Para ese entonces existía un grupo llamado Pacific Gas & Electric Company, por lo que tuvieron que cambiar su nombre a Christopher y así salió su único disco en 1970.   Wilbur Lite es un tema que bebe de The House At Pooneil Corners de Jefferson Airplane pero también de Cream y en menor medida de Quicksilver Messenger Service, por lo que aquí hay una rola oscura y pesada pero también con aspectos melódicos propios de la costa oeste.


En 1969, cuando Doug Tull fue echado de Christopher, decidió regresarse a su natal Houston, Texas y crear la segunda alineación de United Gas, que pronto terminaría cambiándose el nombre a Come y finalmente Josefus, y aunque no lo crean, existe una sola canción grabada por esta segunda alineación en ese mismo 1969, antes de que el grupo se cambiara el nombre. Esta rola se llama I Love You y no fue editada hasta el 2002 cuando Akarma lanzó una recopilación de Josefus y los grupos relacionados a ellos, y en este volumen, se las comparto.
El estilo de I Love You sigue con el mismo de la primera alineación de United Gas, pero más sucio y distorsionado, de hecho por momentos me recuerda un poco a los neoyorkinos Morgen por ese fuzz presente en toda la rola.

Y ahora sí, llegan Josefus con I Need A Woman de su primera placa titulada Dead Man de 1970, la cual ya es un clásico indiscutible del heavy psych, un rolón que tiene un riff de guitarra fuzzeada, un bajo distorsionado, armónica, tintes de country y una voz inquieta, como es el sello de Josefus.


En 1970, Josefus se separaron, decepcionados por los resultados de su segundo álbum, debido a que la disquera Mainstream les exigieron grabar nuevos temas, y además, el comportamiento destructivo de Doug Tull fue también un componente importante para que el grupo terminara desintegrándose, por lo que el vocalista Pete Bailey y el bajista Ray Turner decidieron formar una nueva banda llamada Stone Axe, con la cual sacaron un solo sencillo en 1971, el cual se podría describir que por un lado tiene un tema oscuro y melancólico que tiene ciertas similitudes con los ingleses Wicked Lady mientras que en el otro tiene un tema pesadísimo y machacante que bien podría ser heredero de pesadez de Blue Cheer, Peacepipe, Bedemon e incluso Black Sabbath, y es justamente el que les comparto. Snakebite


Desde Cleveland, Ohio, tenemos a The Damnation Of Adam Blessing con su tema Driver de su segunda placa de 1970. La Damnation surgieron en algún momento a finales de los 60’s, y su debut de 1969, tuvo bastante popularidad en ciertos lugares de Estados Unidos, incluso vendiendo un poco menos que el Abbey Road de los Beatles, mientras que su segundo álbum de 1970 al que titulado The Second Damnation, tuvo bastante menos popularidad y solo en Ohio tuvieron un hit menor, sin embargo, toda esta segunda maldición es una obra maestra del heavy psych gringo, la cual es comparable con Steppenwolf e incluso, la primera época de Grand Funk, y Driver lo demuestra.


Para el siguiente tema tenemos a Wild Butter, que sacaron un solo disco en 1970, y eran también originarios de Cleveland, Ohio, ¿Y qué creen?, eran colegas de la Damnation, de hecho se dice que los guitarristas de la Maldición tocaron en algunos temas y en el que les presento que se llama Terribly Blind parece ser que es en uno de los que tocan, pues tiene un estilo muy similar, tanto en las guitarras como en el bajo, e incluso oigo por ahí una voz muy similar a la de Adam Blessing, solo que Wild Butter son más oscuros y ácidos, de hecho, esta rola como bien lo deja implícito el título, es un tanto inquietante.


Como actualización del 6 de Octubre del 2018, les traigo este tema como "bonus track" que es en realidad una versión de la rola Cookbook de The Damnation Of Adam Blessing, este grupo era originario de Oelwein, Iowa, grabaron lo que sería su primer y único sencillo en 1971, en el cual el lado B es justamente este rolón.

Desde Florida, tenemos a Bolder Damn y su rola Breakthrough que salió en su único disco al que titularon Mourning de 1971. ¿Quién no conoce a Bolder Damn?, ahora son de esos grupos clásicos de la psicodelia dura y su disco es uno de los más buscados por los coleccionistas, sin embargo, voy a hablar más de la música que de su historia, pues por acá en el blog hay una entrada sobre ellos (a la que por cierto, pronto le actualizaré el link de descarga). Breakthrough al igual que varias canciones del disco, comparte sonoridades con varios grupos de Michigan como Frijid Pink, The Frost y Grand Funk, pero aquí también hay un contexto más hippie que va en contra de la guerra de Vietnam y Bolder Damn, usan esta rola como preludio para su obra magna de 17 minutos titulada Dead Meat, que va más de acuerdo con el estilo de Black Sabbath, sin embargo, como no quiero incluir rolas tan largas en este primer volumen, decidí incluir esta rola, además de que concuerda más con las canciones que la anteceden y las que la siguen.


Para el track número 9, tenemos a Top Drawer, originarios de Mansfield, Ohio, que sacaron un solo disco en 1969 titulado Solid Oak con la rola What Happened Before They Took The People Away. Un título bastante largo, ¿No?
Pues What Happened Before They Took… Es un tema de heavy psych que por momentos me recuerda a Bolder Damn, pero también a Morly Grey, debido a que Top Drawer combinaban elementos de country rock al estilo de Grateful Dead con garage sesentero y un alegre boogie rock dentro de su psicodelia dura, por lo que podríamos decir que aquí hay un elemento optimista pero también uno más pesimista.


Llegan Morly Grey, también de Ohio, y ellos sacaron un disco en 1972 titulado The Only Truth, el cual tiene un estilo similar al de Top Drawer, es decir, heavy psych garagero con tintes de country, y esta rola que les comparto lo ejemplifica.





Seguimos con Joshua, que eran originarios de Sacramento, California y grabaron varias canciones en un periodo que duró entre 1969 y 1971. Ellos eran compadres de Blue Cheer y Kak, y de hecho, hasta compartían una casa con ellos, sin embargo, no corrieron con la misma suerte que sus compas, ni siquiera como los de Sawbuck, que sacaron un solo disco en 1972 bajo la etiqueta Fillmore de Bill Graham, sin embargo, sí llegaron a registrar algunas de sus rolas, tanto en estudio como en programas de radio y conciertos, las cuales fueron editadas en el 2004 por Rich Haupt en su disquera Rockadelic bajo el título de Opens Your Mind. El estilo de Joshua, básicamente bebe de tres fuentes: Cream, Quicksilver Messenger Service y en menor medida, Blue Cheer. Por lo que se podría decir que ellos practicaban un rock ácido “sanfranciscano” endurecido que es deudor tanto de John Cipollina y Gary Duncan como de Jack Bruce y Paul Whaley. No Country es un excelente ejemplo de ello.


Para la canción número 12, tenemos a Phafner, directo desde Marshalltown, Iowa, los cuales sacaron un solo disco en 1971 al que llamaron Overdrive. Su única placa se basa mayormente en un heavy garage-psych muy blusero, sin embargo, el tema Uncle Jerry es dinamita pura y es un tema que desde lejos huele a alcohol, pues el tío Jerry era parrandero y bien briago, según lo que entendí de la letra, y pues musicalmente es bien rocanrolero, pero las guitarras y la voz dan ese sabor a heavy psych tan típico de fines de los 60's y principios de los 70's.


Directo desde Albuquerque, Nuevo México, tenemos a una banda formada por gente que es muy discriminada y despreciada en Estados Unidos: Chicanos y nativos. Esta banda se llama Lincoln Street Exit y sacaron un solo LP en Mainstream Records en 1970 que se tituló Drive It! y al no obtener el éxito esperado, decidieron cambiarse el nombre a XIT, cambiaron de disquera editora y obtuvieron cierta popularidad a lo largo de los 70’s, sacando unos cuantos discos. Lincoln Street Exit están justo en el puente que conecta al garage rock psicodélico con el heavy psych, por lo que su sonido es aún muy sesentero, aunque más pesado que el promedio. El Blues de la Jefa Marrana deja implícito en su título lo que es: Un blues psicodélico, pesado, marrano, sexual y garajero que habla del destino de un junkie y su adicción a las drogas, aunque justo en medio el vocalista empieza a fingir un orgasmo.


Desde Pennsylvania llega un Hot Cake de Mora Azul Fresca que es muy sucio y pesado, está hipnotizado por Politician de Cream y por los pedales de fuzz en la guitarra. Los Fresh Blueberry Pancake seguramente les gustaba fumar mota, tomar LSD y pasarla chido con alguna chava hippiosona como las que había en aquel entonces, de eso hablan en alguna parte de Hassles, que si bien es innegable que el magistral power trio inglés jugó un papel esencial en el desarrollo de la rola, también tiene cierta similitud con un grupo británico llamado Red Dirt, que tocaban un blues psicodélico y pesado muy similar al que practicaba este power trio de Pennsylvania.


Estamos muy cerca de terminar el viaje, y llegan Smokin’ Willie, de los que prácticamente no hay información alguna, pero al parecer eran originarios de Illinois o del sur de Indiana, y sacaron este disco en 1972, que está mayormente basado en covers de otros grupos, por lo que es casi seguro que se tratara de una de esas “bandas de bar” como les dicen los gringos, que tocaban en los tugurios de mala muerte, donde se reunían los motociclistas a empedarse, fumar mota, coger, jugar billar y a agarrarse a madrazos cuando estaban hasta su madre. Sin embargo, frente a tantos refritos, hay una sola rola original en la que el abuso del fuzz es más que notorio y es precisamente la que incluyo aquí.



Es el final de este primer viaje y llegan desde Houston, Texas, Smoke, una banda de motociclistas, que le entraba duro a la mota y a las drogas psicodélicas mientras escuchaban a Canned Heat, Jimi Hendrix, Cream, Blue Cheer y los Moving Sidewalks, por lo que crearon esta pieza de heavy blues ácido en su segunda placa de 1969, que me recuerda a los momentos más bluseros de los Fresh Blueberry Pancake. Nada mejor para culminar todo este recorrido.