La Revolución de Emiliano Zapata - La Revolución de Emiliano Zapata (1971) y Hoy (1972) [Repost]

 
Hola de nuevo a todos, sean bienvenidos a este nuevo post del especial de psicodelia mexicana en conmemoración de los 50 años del Festival de Avándaro, esta vez tuve que apurarme en hacer esta reseña y en subir el disco, ya que resulta ser que el especial fue un éxito inesperado, pues por ejemplo, la entrada del Ritual en una semana llegó a más de 500 visitas e igualmente la publicación de los Dug Dug's llegó a un número lo suficientemente grande en un poco más de una semana, cosa que me dejó contento, pues cuando el blog regresó a la actividad constante en Abril, yo esperaba que las entradas de grupos gringos e ingleses levantaran al blog, sin embargo, todas lograron tener un número de visitas mediano en un transcurso de 1 a 2 semanas e incluso a algunas publicaciones tuve que hacerles doble publicidad para que llegaran a un número decente de visitas e incluso algunas tuviesen comentarios, por lo que tuve que llegar a la conclusión de que la mayor parte del público de OutsideInside Music no viene tanto por los grupos extranjeros, sino esperando a que aquellos discos de rock mexicano que alguna vez publiqué por allá entre el 2010 y el 2012 estuviesen actualizados, por lo que les tengo buenas noticias, el especial se extenderá hasta Octubre y si ustedes lo piden, es posible que lo pueda extender hasta Noviembre, por lo que espero que comenten su parecer e incluso que hagan sus proposiciones para publicar aquí, cosa que me ayudará muchísimo para hacer al especial más completo, por otro lado, no tengo más que decir al respecto y ¡Hasta la próxima!

Estos discos de la Revolución de Emiliano Zapata fueron publicados en el blog por primera vez en el otoño del 2010, cuando este blog comenzaba a hacerse un nombre, aunque estaban en unos ripeos en Mp3 bastante malos y sin el arte completo, luego el debut lo volví a publicar en el verano del 2012, esta vez siendo mi propio ripeo en FLAC y con el arte completo, después en Enero del 2013 volví a postear el segundo, igualmente con mi ripeo y el arte completo, debo mencionar que ambos son los remasters en Mini-LP que sacó la Universal en el 2009, después se pasaron años hasta que ahorita decidí volverlos a publicar, pero esta vez decidí hacer un post más o menos completo, ya que además de incluir los ripeos que hice, decidí incluir varias versiones que me he encontrado, entre ellas: las primeras ediciones en CD de ambos discos, un bootleg mexicano del debut ripeado por Carmor de Viaje al Espacio Visceral, otro que es un ripeo de una remasterización en vinilo en 24/96 que me encontré en Rutracker y finalmente un bootleg ruso del 2017 que también me encontré en esa página, todo esto para comparar la calidad de cada uno.

La Revolución de Emiliano Zapata se formaron en 1969, cuando la influencia de la contracultura proveniente de los anglosajones se estaba haciendo latente en México y ellos querían hacer un grupo que sonara similar a sus ídolos (Quicksilver Messenger Service, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Jeff Beck, entre otros), por lo que pronto, después de haber estado ensayando con guitarras acústicas, se compraron su equipo que constaba de guitarras Gibson, Rickenbacker, Vox y Fender junto con amplificadores Kustom (que en aquel entonces eran muy baratos por ser de transistores) y pronto comenzarían a tocar en fiestas, lugares nocturnos y escuelas, por lo que en 1970 comenzaron a escribir canciones originales, entre ellas la icónica Nasty Sex que básicamente fue compuesta para un concurso de la estación de radio Ondas de Alegría en el que terminaron ganando frente a los Papos (otro grupo popular de la escena de Guadalajara) y así firmaron un contrato con la Polydor que resultó en la grabación de su primer sencillo, que marcaría un antes y un después en la historia del rock nacional y así junto con los Spiders, ellos serían los principales impulsores del movimiento conocido como "la Onda Chicana" y así este tuviera una explosión importantísima que marcaría el rompimiento definitivo con los refritos y así comenzaría una época muy promisoria dentro del rock mexicano que finalmente terminaría siendo truncada por el Avandarazo y a unos de los primeros en afectarle esto fue a la Revolución de Emiliano Zapata, quienes en 1972 seguían siendo el grupo más popular del país y repentinamente se vieron reprimidos hasta tal punto que ya no podían tocar en los lugares donde solían hacerlo y esto dio paso a que cambiaran de estilo en 1975.

La Revolución de Emiliano Zapata (1971)

En Abril de 1971 salió su primer disco de larga duración también bajo el sello de Polydor, en el que básicamente podemos encontrar la fórmula que los hizo conocidos, por un lado está el rock ácido guitarrero influenciado por el sonido de San Francisco y por el otro está el folk rock psicodélico que incluye guitarra acústica, flauta transversal y armónica, sin embargo, habría que mencionar que aquí el grupo todavía suena algo inmaduro, pues a pesar de que sus canciones muestran muchísimo potencial, ya que la mayoría son grandes melodías, la ejecución del grupo muestra algunos riscos importantes que desbalancean un poco al álbum en general, como por ejemplo, cierta descoordinación entre los instrumentos, la producción un tanto rudimentaria -aunque muestre mucha mejoría en relación al sencillo original de 1970- y el inglés malísimo de Oscar Rojas y los demás integrantes que le hacen coros, sin embargo no todo está perdido, pues tenemos a un grupo capaz de componer melodías memorables y que a pesar de sus carencias, su ejecución desborda de honestidad y pasión, cosa que definitivamente los llevó a estar en un lugar muy alto dentro de la psicodelia mexicana, algo que incluso para muchos contemporáneos suyos fue una tarea imposible, teniendo en cuenta que en ese momento estaban en la cúspide grupos como el Ritual, los Dug Dug's, los Spiders, la Comuna, Antorcha, la Verdad Desnuda, la Fachada de Piedra, el 39.4 y Love Army, todos ellos músicos de primera.

El disco inicia con la icónica Nasty Sex, la canción más importante y trascendente de la psicodelia mexicana, pues fue tanta su magnitud cuando salió por primera vez en 1970, que su éxito no fue simplemente algo regional, sino que entró en las listas de popularidad de Estados Unidos y de Europa, cosa que ningún otro grupo mexicano de aquel entonces logró, lo que les hizo ganar 5 medallas por haber hecho tal logro. Ahora, hablamos más propiamente de la música, estamos ante un tema con una composición extremadamente sencilla en la que apenas se conjugan tres acordes y en la que su mayor base melódica son las canciones Born on The Bayou de los Creedence y Honky Tonk Women de los Rolling, sin embargo es en la guitarra solista de Javier Martín del Campo donde se encuentra el aspecto psicodélico que la sitúa dentro del rock ácido, pues aquí encontramos a un virtuoso que se encuentra en la escuela que dejó la escena de San Francisco, especialmente John Cipollina, pero igualmente se encuentra situado en la escuela que dejaron guitarristas como Jeff Beck y Alvin Lee y por otro lado, la letra ha sido motivo de controversia, por ejemplo esto hizo que Parménides García Saldaña los tildara de "fresas" y que el intento fallido de periodista y trovador lumpenburgués Hugo García Michel los llame "conservadores y retrógradas", pues básicamente lo que la letra nos relata es un regaño a una chava que anda teniendo sexo casual con hombres irresponsables para que se enfoque en el amor real, cosa que curiosamente hoy no suena nada retrógrada o conservadora, sino que al contrario, hoy resulta ser algo completamente honesto, especialmente en la actualidad donde las relaciones con otras personas ya no tienen ningún cimiento y esta carencia se ve reflejada en la promiscuidad y esta termina siendo justificada por el discurso identitario y políticamente correcto. Temazo.

Melynda es tal vez la canción que más se acerca al garage rock sesentero, por su relativa simpleza estructural, su ritmo algo veloz, sus acentos marcados por un bajo fuzzeado y su ataque guitarrero que de nuevo es lo que otorga el aspecto psicodélico a la canción. Temazo.

I Wanna Know es folk rock psicodélico garajero de tonos melancólicos que recuerda a los gringos Negative Space (The Long Hair) o a sus contemporáneos, también jaliscienses la Quinta Visión (Suddenly) y es que estamos ante un tema bastante tranquilo y melancólico en el que los instrumentos que toman protagonismo son la flauta transversal y la armónica. Muy bueno.

If You Want It es rock ácido al más puro estilo de Quicksilver Messenger Service, pues aquí encontramos esa atmósfera melodramática tan propia de aquel cuarteto sanfranciscano, así como también a Javier Martín del Campo haciendo su mejor impresión del estilo de John Cipollina e igualmente algo que se me hizo sumamente interesante fue la inclusión de un solo de bajo con fuzz, un recurso relativamente poco común que solo se los he escuchado a muy pocos grupos, entre ellos a los enormes Ill Wind (Dark World) y a unos cuantos grupos más. Obra maestra.

Shit City o Ciudad Perdida es un tema completamente instrumental de rock ácido, en donde los ecos del sonido de San Francisco se vuelven a hacer patentes pero igualmente noto un sospechoso parecido con Sacrifice of The Moon (In Four Parts) de los bostonianos Ultimate Spinach, aunque menos un poco menos viajada y más garagera. Otra cosa que habría que destacar es que esta es otra de las canciones icónicas de la psicodelia mexicana. Obra maestra.

A King's Talk o como la tradujeron en su momento, Pláticas de un Rey, es un rock ácido que de nuevo tiene tintes melancólicos, pero con la novedad de introducir la influencia de la música medieval, cosa que me parece también sumamente interesante, teniendo en cuenta que como he venido diciendo anteriormente, el rock mexicano tiene la mala fama de ser paupérrimo tanto en ejecución como compositivamente hablando, al punto de que un buen amigo de Tamaulipas dijo correctamente que en su mayoría está al nivel de aficionado, sin embargo, lo que notamos aquí, es que a pesar de que al grupo le faltaba pulir su ejecución y sus composiciones, aquí ya estamos hablando de una melodía magistral y que muestra un refinamiento que generalmente solo podríamos atribuirle a un grupo extranjero y que definitivamente pone a la Revo en un lugar muy alto dentro del rock mexicano de la época como venía diciendo más arriba e igualmente se incluye una sección que hace eco de The Fool de Quicksilver Messenger Service. Obra maestra.

Still Not, Not Yet vuelve al rock ácido guitarrero, de nuevo con ecos de San Francisco aunque esta vez más garajero y más crudo, en el que de nuevo la guitarra hace gala. Muy bueno.

At the Foot of the Mountain recuerda a Phil Pearlman en su época con Relatively Clean Rivers o al Pájaro Alberto con Sacrosaurio, es decir, es folk rock psicodélico algo campestre y con un sabor muy hippie que incluye guitarra acústica y flauta transversal, de nuevo, la melodía está en tono melancólico. Temazo.

El disco cierra con Under Heavens, un tema que suelo disfrutar mucho por su combinación del tono melancólico que venían manejando en algunos de los temas anteriores junto con lo guitarrero y me parece un excelente cierre para un disco que si bien no llega a ser una obra maestra absoluta a pesar de incluir tres temas que sí llegan a serlo, ya es un excelente comienzo para un grupo que de otra manera sí terminaría creando uno de los mejores discos hechos en México que curiosamente fue el soundtrack de la película la Verdadera vocación de Magdalena, pero aquí ya se nota a un grupo con mucho potencial artístico pero que todavía no pulía por completo sus ideas.

Hoy (1972)

A finales de 1971, la Revolución de Emiliano Zapata seguían siendo el grupo más popular de México, al punto de que la gente podía amontonarse en gran cantidad con tal de estar en uno de sus conciertos e incluso si no mal recuerdo (espero que alguien me lo confirme) incluso la gente llegó a romper algo en un salón de Veracruz por la cantidad inmensa de gente en un espacio relativamente reducido, por lo que estaban considerados en el plan original del Festival de Avándaro, en el que iba a haber una carrera de coches y una noche mexicana amenizada por los músicos jóvenes más importantes de ese momento: Javier Bátiz y la Revolución de Emiliano Zapata, cosa que finalmente terminó siendo descartada, debido a que Javier Bátiz se sentía una diva y quiso que le cubrieran todo, incluyendo una habitación en el hotel Avándaro y la Revo tuvieron que rechazar la propuesta porque tenían su agenda cubierta para Septiembre de 1971, por lo que no estuvieron en Avándaro. En ese mismo tiempo, el grupo se había mudado al Distrito Federal y empezaron las tensiones entre los miembros, sin embargo su popularidad era tan alta en ese momento, que fueron elegidos para que fuesen el grupo que saliera en el debut como guionista de Jaime Humberto Hermosillo La verdadera vocación de Magdalena que estaría protagonizada por Angélica María y nadie más, ni nadie menos que Javier Martín del Campo, guitarrista del grupo, en la cual el grupo hace una aparición ficticia en el Festival de Avándaro y ellos son los que hacen la mayor parte de la música del filme, igualmente la película aborda un tema espinoso en su tiempo, el de como la juventud de aquel entonces era reprimida por su familia y la sociedad.

El segundo disco de la Revo, que según el mismo "Javis" fue también homónimo, pero se le suele conocer con títulos como Hoy, Nada del hombre me es ajeno o Tema de la película..., salido en noviembre de 1972 a la par de la película (que se había filmado un año antes), muestra a un grupo maduro tanto en cuestiones compositivas como en la ejecución, pues se escucha mucho más esmero en ambas, pero también encontramos a un grupo con un sonido enriquecido, pues además de su firma que era el rock ácido combinado con momentos de folk psicodélico, encontramos más elementos de soul, blues, balada romántica, música de protesta latinoamericana, algunos elementos "latinos" y hasta algo de progresivo temprano, por lo que podemos decir que estamos ante un disco muy completo, diverso y que reboza en calidad, al punto de que definitivamente se encuentra entre lo más alto a lo que el rock nacional pudo alcanzar y es por eso que vale decir que es en pocas palabras, una obra maestra, igualmente la portada es una belleza de arte psicodélico que hace eco tanto del debut de Kaleidoscope como del Disraeli Gears de Cream.

El álbum inicia con In The Middle of The Rain, la cual comienza con unos cantos cuasi-gregorianos que bien podrían recordar a los enormes Ill Wind (Full Cycle) o a los Yardbirds (Still I'm Sad), para luego convertirse en un tema de psicodelia ácida frenética e intensa, con una pasión y una energía desbordantes y contagiosas, en el que el grupo suena completamente cohesionado y su ejecución es magistral en cada momento e incluso Oscar Rojas se escucha mucho mejor aquí, pues por un lado su voz se escucha más expresiva y su Inglés muestra mucha mejoría al punto de no sonrojar tanto como lo hacía en el debut, igualmente los solos del "Javis" ya no suenan tanto como intentos de clonar el estilo de John Cipollina, Jeff Beck o Alvin Lee, aunque aún se puede notar la influencia hasta cierto punto, sin embargo, aquí suena más psicodélico que nunca, igualmente la inclusión de las coristas Marylú Bano y Patricia McLean funciona de forma excelente en la canción, pues ambas contaban con unas voces muy dulces y bellas que quedaban perfectas para lo que estaban haciendo en este tema. Obra maestra de principio a fin.

En el segundo tema viene Now Listen This Song, que a diferencia del tema anterior, aquí estamos ante un sereno y delicado tema de folk psicodélico que incluye guitarra acústica arpegiada, una batería muy suave, bajo y flauta transversal, mientras que de la voz principal se hace cargo ahora Carlos Valle Ramos, quien posee un tono más delicado y limpio que Oscar Rojas, aunque también en el registro de tenor lírico, igualmente los coros de Marylú y Pati son bellísimos aquí también. Otra obra maestra.

Ahora le toca el turno al "Javis" de cantar en Petra y sus Camaradas, un tema de blues souleado y pesado con tintes "latinos" y cierto tufo de rock ácido hendrixiano que es guitarrero por donde se le vea y que hace eco de lo que habían venido haciendo sus también contemporáneos la Fachada de Pïedra, con quienes más tarde compartirían miembros, igualmente la interpretación vocal de Javier Martín del Campo, a diferencia de la de Oscar Rojas y la de Carlos Valle, suena más agresiva y blueseada, en la que puedo escuchar la influencia de John Fogerty, además del mismo peso de voz, por lo que yo supongo que en ese preciso momento, el "Javis" tenía el registro de tenor dramático o tal vez de tenor spinto. Temazo.

Again es otra de las grandes obras maestras del grupo, pues aquí estamos hablando de uno de los temas más hermosos que se hayan compuesto en toda la historia del rock mexicano, dejando en claro que fue en este preciso momento cuando el rock estaba en su punto más álgido en cuanto a creatividad y ejecución, algo que finalmente se probó irrepetible en los años venideros en los que el rock se vulgarizó a tal punto que la mayor parte del material resultó de mediano a patético. El tema en cuestión es también folk psicodélico, esta vez con algunos tintes de progresivo también, lo que lo enriquece aún más. Por otro lado, la instrumentación consiste en guitarra acústica arpegiada, piano, maracas, bajo, batería y flauta transversal y la interpretación de Oscar Rojas es muy expresiva, cosa que me hace preferirla sobre la de Angélica María, para la incomodidad de otros, pues a pesar de que Angélica María hizo una muy buena interpretación que lamentablemente solo salió en la película, creo que pudo haber dado mucho más, teniendo en cuenta que poseía una muy buena voz y que ella cantaba muy bien incluso en las baladas y los temas de pop que solía cantar por su lado, sin embargo, lo que me gusta de la interpretación de Oscar Rojas es que le dio la expresividad que va de acuerdo con la composición, además de darle ese aspecto psicodélico en algunas partes donde su voz se escucha empapada de eco. Por otro lado, este tema es una de las mayores (y de las más olvidadas, también) obras maestras del rock mexicano, pues está en un nivel que la mayoría de los grupos y cantautores (especialmente los penosos troveros del "movimiento rupestre") que vendrían especialmente hacia los 80's no lograrían alcanzar.

Preludio a la Felicidad es básicamente una balada de tonos melancólicos con una letra contrastantemente optimista y esperanzadora que para muchos pecará de empalagosa, la cual incluye instrumentos como violoncelo, violines, guitarra acústica y batería, por otro lado, es la única canción de la alineación original de la Revo que está cantada en Español en lugar del típico Inglés, lo que la hace muy interesante en su especie y musicalmente es excelente aunque poco tenga que ver con el rock, pero es una muestra de lo grandes que eran como banda y que podían darse el lujo de salirse brevemente de la rutina del rock para hacer cosas como esta. Espléndido tema.

Fatman o el Kuino, es tal vez el tema más flojo del disco y que posiblemente se conecta más estilísticamente con el debut, y es que es un tema enérgico, directo y guitarrero, pero tiene unos detalles muy puntuales que de algún modo la arruinan, pues por un lado tenemos la soberbia interpretación instrumental del grupo pero por el otro, la composición no es tan buena, pues por un lado tenemos un estribillo un poco molesto, a un vocalista que en temas anteriores había mejorado muchísimo en su labor que ahora muestra un retroceso al cantar bastante gangoso y forzado y por si no fuera poco, tenemos a unas coristas que tienen unas voces hermosas haciendo una infumable imitación de Janis Joplin (una vaca sagrada, temo decir), por lo que se podría decir que es un intento de alguna manera fallido de imitar el sonido de Big Brother & The Holding Company (Combination of The Two) y también uno de no querer alienar al público que se habían ganado con el disco anterior. Bueno a secas.

Las cosas se vuelven a componer con So Long Ago, que es una bellísima canción de folk psicodélico hippioso y campestre en el que se incluyen bongós, pandero, violín, flauta transversal, guitarra acústica rítmica y con slide, que guarda una muy sospechosa similitud con How Do You Feel? de Jefferson Airplane y Good Old Friends de The Yankee Dollar. Por otro lado, la interpretación vocal de Carlos Valle me recuerda al inmenso George Harrison, pues a pesar de que no fuese un cantante super entrenado, canta con mucha pasión y sentimiento lo cual inevitablemente se termina reflejando en la interpretación y los coros de Pati y Marylú son especialmente hermosos, lo que me hace compararlas aquí con la enorme Conny Devanney de Ill Wind o incluso con la gran Lynda Squires de Reign Ghost, pues sus interpretaciones realmente son para quitarse el sombrero, contrario a la que hicieron en el tema anterior. Otra obra maestra.

El disco cierra con broche oro con I Dig It, tema que suena a rock ácido con tintes "latinos" que parece una mezcla entre Santana, Big Brother and The Holding Company y hasta algo de Frijid Pink por su acercamiento momentáneo al heavy psych ocasionado por la guitarra del "Javis" que aquí parecería como si a Gary Ray Thompson le hubiese dado por tocar temas de Santana, lo que me parece algo sumamente interesante e igualmente se agradece que esto no haya sido breve y se haya convertido en un jam que dura más de 10 minutos que incluye el solo extendido de guitarra, percusiones, bajo y timbales, por otro lado, Oscar Rojas vuelve a sonar bastante bien aquí y la imitación de Janis de las coristas Marylú y Pati no suena forzada y molesta como en Fatman, lo que me parece una mejoría muy considerable, ya que aquí suenan mucho mejor y me recuerdan a Ruth Copeland. Extraordinario cierre.

Este disco es definitivamente es la joya perdida del rock mexicano de la época de Avándaro y es sorprendente que no suela ser mencionado entre los mejores discos de la época en las listas especializadas, pues es un álbum que reboza en calidad y que está en un nivel en el que muy pocos pudieron entrar, por lo que si alguien no lo ha escuchado, lo recomiendo ampliamente, es una obra maestra.

Ahora vamos a hablar de los temas extra incluidos en los remasters:

La versión del sencillo de Nasty Sex suena como un demo de audición, pues la producción es nula, sin embargo lo que podemos destacar aquí es la inclusión de congas que le dan un aire más "latino", aunque la versión del LP me sigue pareciendo superior.

Gonna Leave salió en un EP en 1973 y está interpretada por la segunda alineación del grupo que consistía en Javier Martín del Campo de la guitarra, Antonio Cruz en la batería, Adrián Cuevas en el bajo, Jorge Gamiz en la voz y Tomás Yoakum de la Fachada de Piedra en las congas y la segunda voz, y básicamente a lo que estamos enfrente es a un rock latino bastante genérico que deja escuchar, pero que no presenta ningún avance artístico para el grupo.

Pigs es todo lo contrario, pues es básicamente una combinación entre el heavy psych blusero de la Fachada de Piedra con el sonido de la Revo de este tiempo, lo que lo hace un tema muy bueno.

Congore Tumbero a la Mar salió en otro EP salido también en 1973, el cual concluiría la discografía rockera del grupo hasta el 2009, pero esa es otra historia. La música tiene esta vez ecos de la época de Quicksilver Messenger Service liderada por Dino Valenti y de Santana, es decir, es rock latino medio funkeado con algo de psicodelia con letra en Español.

Bad Dreams es más rock latino genérico en la línea de Gonna Leave, aunque de mejor calidad en mi opinión.

Mr. Jones vuelve a tener ecos del QMS de Dino Valenti al mismo tiempo de que Sympathy for The Devil de los Rolling, es decir, es psicodelia funkeada con elementos latinos, con percusiones pegajosas y un "Javis" que vuelve a sonar cipollinesco e incluso esta vez usa un echoplex que me recuerda a los jams extendidos de la canción Mojo de QMS en el que John Cipollina lo utilizaba extensamente. Temazo.

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