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21 jul. 2019

Keep Your Head! Volume 3 (Disco 1): 30 Mindblowing Detroit Styled Heavy Psych and Protopunk Crushers from The US 1968-1975

En la portada, Brigitte Bardot en los 50's.

Por fin el tercer volumen de la recopilación, que se había estado cocinando desde hace un año, pero por fin llegó a su forma final (este no sufrirá más ediciones como los primeros volúmenes, que por cierto, tienen nuevas ediciones que espero sean las definitivas y que están disponibles para descarga), tenía planeado publicarlo en el otoño del año pasado junto con el segundo disco (sí, está divido en dos discos de 30 canciones cada uno, pero el otro será publicado hasta fines de Octubre), luego pospuse los planes para la primavera de este año, pero por una u otra razón, tampoco lo publiqué, pero por fin, después de un arduo trabajo en recopilar las canciones además de secuenciarlas de la forma más coherente posible y crear las portadas yo solo, está disponible para descarga, y pues espero que les guste mucho y les abra el panorama de esta (un tanto) olvidada escena que dio a grupazos que ya veremos abajo.

Estas son las influencias de la portada:





Ahora que ya expliqué con imágenes, la portada, hay que empezar a hablar de la escena de Detroit y sus alrededores, que tuvo muchísima presencia desde mediados de los 60's hasta principios de la siguiente década, cayendo en decadencia con el surgimiento del punk (que de alguna manera es producto de la de Detroit) y la música disco, ambas surgidas principalmente en Nueva York.

Detroit, fue la capital de dos prolíficas escenas musicales, por un lado estaba la Tamla/Motown, disquera que se dedicó a producir a miles de cantantes y grupos de soul en los 60's, convirtiéndose en la mayor y más importante productora de música negra de la época, y por el otro estaba el rock, el cual se manifestó con un sello musical crudo, directo y potente, con melodías descendientes del garage rock sesentero y con el sonido psicodélico de la época, y también habría que decir, que otro de sus sellos principales fue el de mostrarse altamente politizado, gracias a la influencia que tuvo el partido Panteras Negras en la juventud de Michigan de los 60's, por lo que se podría decir que en contraposición al hedonismo y la ingenuidad hippie que se vivía en San Francisco, los Ángeles (que no duró por tanto tiempo) o Boston, Detroit fue una ciudad de contestación y disturbios y la que provocó miedo en la conservadora sociedad gringa de la época, por lo que yo diría que Detroit fue el lado oscuro de la contracultura sesentera.

El mayor recinto musical de la escena fue el salón de bailes Grande, el cual, al igual que los auditorios Fillmore, también tuvo a su principal promotor: Russ Gibb, que además de ser organizador de conciertos, también era Disc Jockey en una estación de Michigan. Él fue el que además de darle promoción a toda la escena de Detroit, también llevó a los grupos más populares del momento al Grande, incluyendo a Cream, Deep Purple, Vanilla Fudge, Quicksilver Messenger Service, Traffic, Blue Cheer, Jefferson Airplane, Grateful Dead, los Who, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Love, Black Sabbath, entre otros, por lo que dejó un grandísimo legado en la música de Detroit de los últimos 100 años.

Ahora que ya intenté poner un pequeño (aunque incompleto y seguramente con muchos errores) contexto histórico, empecemos a hablar de la música.

Para abrir el disco tenemos a Frijid Pink, un clásico del blog que muchos recordarán. Ellos se formaron a mediados de los 60's, en la ciudad de Brighton, situada en el área metropolitana de Detroit, cuando el baterista Rick Stevers junto con el bajista Tom "Satch" Harris se unen para crear a The Detroit Vibrations, un grupo de garage que versionaba principalmente las canciones más populares de soul, rock y pop del momento, pero pronto llega la época psicodélica y en ese periodo se unen el vocalista Tom Beaudry (también conocido como Kelly Green) y el guitarrista Gary Ray Thompson, quienes venían más de un contexto rocanrolero, en contraposición de Stevers y Harris que venían del soul y el rhythm and blues, y fue durante este tiempo que cambiaron su nombre a Frijid Pink, debido a sus trajes rosados que usaban en sus inicios y su repertorio cambia a empezar a interpretar las canciones psicodélicas más populares del momento, pero se hicieron más conocidos por sus potentes interpretaciones de You Keep Me Hang In On, tema grabado primero por las Supremes y luego psicodelizado por Vanilla Fudge en su debut de 1967, después poco a poco irían incorporando su material original, haciéndose bastante populares en Detroit, incluso participando en el Festival de Pop de Detroit, celebrado el 7 de Abril de 1969 y esto llevándolos a firmar un contrato con la disquera Parrot, subsidiaria de London Records (conocida por editar el material de la Decca en Estados Unidos), sacando varios sencillos a lo largo del año que pasaron sin pena, ni gloria, hasta que deciden grabar el estándar del folk gringo The House of The Rising Sun, que se convertiría en un número uno en varios países del mundo, y esto llevándolos a sacar su debut en 1970, que era más bien, una recopilación de todos esos sencillos que no alcanzaron a tener ningún éxito. El tema que les presento es Crying Shame, que por excelencia, es uno de los que mejor representan a lo que en esencia es el heavy psych, con su guitarra fuzzeada hasta el máximo y su melodía con inspiración en Tales of Brave Ulysses de Cream.

En el segundo tema hacemos una breve excepción con el grupo neoyorkino Stonewall (que ya ha sido publicado por aquí). Ellos eran originarios de Queens, y grabaron este disco en 1972 (según uno de sus miembros), pero las grabaciones fueron editada de forma no oficial por la disquera fraudulenta Tiger Lily hasta 1976.
El grupo estaba influenciado por Led Zeppelin, aunque no dudaría que también por la escena de Detroit, pues su sonido crudo y ruidoso se asemeja muchísimo al de Frijid Pink, solo que sin el colosal fuzz de Gary Ray Thompson y unas composiciones todavía más bluseras, por lo que yo diría que es la versión limpia del Rosa Frígido. El tema que les dejo se llama Bloody Mary y aquí ustedes verán por qué incluí la canción en esta recopilación.

Glass Sun eran originarios de Ypsilanti, otra ciudad del área metropolitana de Detroit, se formaron a mediados de los 60's bajo el nombre de The Cyclones, pero luego de que los hermanos Rick y Bruce Roll regresaran de su servicio en la guerra de Vietnam, se cambiaron el nombre a Glass Sun para ajustarse al sonido psicodélico y pesado de la época, tomando influencia de Iron Butterfly, Cream y Led Zeppelin.
Silence of The Morning está inspirada en las vivencias de los hermanos durante su estancia en Vietnam, mientras que la música tiene muchas similitudes con grupos contemporáneos como Frijid Pink, The Maxx y The Bob Seger System, con un pesadísimo y dramático riff de guitarra fuzzeado.

The Jagged Edge fue uno de los grupos más populares de su localidad a fines de los 60's. Contemporáneos a MC5 y seguramente una de las más grandes influencias de los Stooges, ellos se especializaban en tocar un rock ácido extremadamente sucio y durísimo, con casi la misma actitud de los futuros grupos de Grunge, que tendrían sus orígenes de la ciudad de Seattle, Washington. El sonido del grupo se podría decir que es una combinación de Jimi Hendrix con MC5 y Blue Cheer. El guitarrista tenía como sello personal tocar su Gibson SG a través de un Fender Twin Reverb (según una foto que vi del grupo tocando en vivo), un fuzz y un wah-wah, mientras llevaba a la música del grupo a los viajes psicodélicos más extremos mientras lo acompañaba una sección rítmica machacante, que tenía tanto la energía de MC5 como la brutalidad de Blue Cheer. El tema Crystal Rain lo resume todo.

 The Maxx venían de Lansing, la capital de Michigan, y eran un power trio que tomó escuela de los grandes de la época (Cream, Hendrix y Blue Cheer) y se dedicó a tocar un heavy psych muy sucio, pero también algo melódico, sin caer en la visceralidad de The Jagged Edge o en la dureza extrema de Frijid Pink, Dick Rabbit o Attack, tanto que hasta la canción 200 Years, que es la que se incluye aquí, fue incluida en una recopilación de pop psicodélico, sin realmente serlo.


Dick Rabbit eran originarios de Saginaw, una ciudad situada en el centro de Michigan, y al igual que los grupos de tres componentes de la época, se especializaban en hacer una música muy poderosa, potente y directa al mismo tiempo que viajada. No dudaría que una de las mayores influencias que tuvo este trío de poder fue Blue Cheer y su titánico debut Vincebus Eruptum salido en Enero del 68, pues esta canción titulada You Come On Like A Train tiene el mismo espíritu visceral y altisonante que la banda sanfranciscana y es por eso que está incluida aquí.


Con una etiqueta muy psicodélica y que hace oda a las cajitas de distorsión primitivas, The Attack era un grupo originario de St. Claire Shores, tuvo conexiones con otro conjunto llamado The Illusions, que sacaron algunos sencillos de garage a mediados de los 60's, pero en 1969, The Attack llevó a la psicodelia al mayor de sus extremos, con una melodía derivada de Deserted Cities of The Heart de Cream y con un sonido todavía más pesado que el de Blue Cheer y que fácilmente podía competir con el de Stone Garden u otros grupos por el estilo en niveles de potencia, sino es que The Attack eran aún más potentes, las dos canciones de este sencillo son dignas de ser dos de los mejores y más genuinos ejemplos de heavy psych.

The Index eran un grupo de garage originario de Grosse Pointe, otra ciudad del área metropolitana de Detroit, que venía de una profunda herencia del surf, pero al ir adaptando su sonido a la nueva época, tomaron influencias de los Byrds y de Jimi Hendrix, para crear un par de discos rarísimos entre 1967 y 1968, donde hay una mezcla de todas sus influencias, pero la canción que les traigo es interesante, ya que suena a una especie de power trio garajero intentando interpretar alguna canción de Blue Cheer.





Alice Cooper realmente no eran un grupo de Detroit, Michigan, ni de su área metropolitana, sino que venían de Phoenix, Arizona, pero su vocalista Vincent Furnier (que luego tomaría el nombre del grupo como artístico), sí era originario de esa ciudad, pero como sea, habría que aclarar que sus andanzas comienzan como un grupo de garage rock llamado The Spiders (que no tiene nada que ver con el grupazo mexicano de principios de los 70's) que luego cambia el nombre a The Nazz (nada que ver con el grupo de Todd Rundgren) con el que se trasladan a los Ángeles, California, donde fueron bastante bien acogidos y hasta grabaron unos sencillos, luego se cambiarían el nombre a Alice Cooper, ya que el grupo del jovensísimo Rundgren ya estaba dando de qué hablar. El nombre, según, el mismo Alice, fue producto de pura broma, ya que sonaba inocente y bonito en contraposición a la apariencia del grupo. Pronto serían acogidos por el representante Shep Gordon, que después de una horrible tocada en el club Cheetah de Venice, California en el 68, donde todo el público abandonó el recinto después de 10 minutos de tocada, y fueron presentados por Frank Zappa, que en ese tiempo estaba en búsqueda de grupos extraños y freaks, y en la primera audición a la que los citó, que erróneamente pensaron que se trata de las 7 de la mañana, Zappa los acogió con calidez y los mandó con su banda de groupies las GTO's a que les diseñara la vestimenta y pronto grabaron su primer disco, salido en 1969, que básicamente era una mezcla entre el pop psicodélico británico con influencia directa de Syd Barrett y el heavy psych que se estaba cosechando en la escena subterránea angelina, y aunque su disco Pretties for You pasaría desapercibido en el panorama musical gringo, el grupo daría de qué hablar en su actuación en el Festival de Rock and Roll de Toronto, Canadá en ese mismo año, donde el público mataría a un pollo, y el resto es historia. La canción que incluyo aquí es Refleted, una que después se haría conocida cuando la regrabó y la retituló como Elected.

Esta es una curiosidad muy interesante encontrada en el blog Purepop, se trata de un oscuro y desconocido grupo originario de Ann Arbor, que sacó este sencillo en 1973, pero con un sonido que remite directamente a la Londres de fines de los 60's, pues su sonido recuerda las bandas del freakbeat tardío como The Open Mind, Bulldog Breed, Horse, Little Free Rock o Dark, con sus guitarras distorsionadas, la atmósfera psicodélica y unas voces que recordarán seguramente al gran Ray Davies, por lo que podríamos decir que es un grupo bastante anticuado para su tiempo y además único en su especie, teniendo en cuenta su procedencia.


The Unrelated Segments eran una banda de la ciudad de Taylor, ubicada también en el área metropolitana de Detroit, ellos se especializaron principalmente en el garage rock, aunque en esta grabación ya se empieza a notar que estaban transitando hacia el heavy psych. Luego su guitarrista Ron Stults, se iría a formar un grupo llamado Lost Nation (que será incluida en un futuro volumen), el cual tocaba un heavy psych combinado con tendencias proto-progresivas e incluía al tecladista Larry Zelanka, que después tocaría con Frijid Pink en su tercer disco, y aquí en este volumen también incluí una canción de Ron Stults como solista llamada Wait, que es un tema que se mueve entre el hard rock y el heavy psych, con una guitarra crudísima y enérgicos riffs.

The Third Power venían de Troy, Michigan, inspirados por sus ídolos Cream, Jimi Hendrix y MC5, decidieron crear un sonido psicodélico y pesado que pronto empezó a dar mucho de qué hablar en Detroit, donde se harían muy grandes e incluso se les consideró como la respuesta de Michigan hacia Cream, grabaron un sencillo en 1968, que pasó sin pena, ni gloria, pero aún así, eran extremadamente populares por ser unos músicos muy talentosos y por sus enérgicas presentaciones en vivo, y en 1970 logran firmar un contrato con la disquera Vanguard (quienes tenían en sus filas a sus colegas The Frost, otro grupo popularísimo en Detroit, además de numerosos grupos psicodélicos como Country Joe & The Fish, siendo el más popular), pero al ser una disquera mayormente dedicada al folk, grabaron también bellos y refinados temas de pop psicodélico, sin dejar a lado su heavy psych que tanto los caracterizó, su primer y único disco Believe (ya reseñado en el blog), aunque fue un tremendo éxito en Detroit y otras ciudades del estado de Michigan, fracasó en otras partes de Estados Unidos e incluso una revista los calificó muy mal, tachándolos de "iguales malos que Grand Funk Railroad", aunque bueno, eso resultó ser toda una mentira, pues Grand Funk lograron ser un grupo extraordinario entre 1969 y 1971, con composiciones excelentes y The Third Power también resultaron ser unos grandes, y esta canción que les incluyo, lo demuestra.

Hoy todo el mundo conoce al gran Sixto Rodriguez gracias al documental Buscando a Sugar Man, hecho por unos sudáfricanos hace algunos años. Todos sabemos la historia, como mientras en su natal Estados Unidos prácticamente pasó desapercibido, terminó siendo un albañil pobrísimo, pero de gran cultura, tanto que hasta hizo una licenciatura en filosofía y que hasta se postuló alguna vez como candidato a Alcalde de su natal Detroit, obviamente perdiendo. Pero no nos enfoquemos en lo que ya sabemos, vamos a hablar de su música. Él como buen músico de folk, es comunista hasta la médula, siempre tocando en sus temas, la extrema marginalización, la pobreza y la alienación de su ciudad, mientras su música se adereza de bellos y rebosantes elementos psicodélicos, pero en esta canción, se acerca abiertamente al sonido creado por bandas como Frijid Pink, Grand Funk y The Frost, con un colosal riff de guitarra fuzzeada y un bajo (seguramente Gibson) distorsionado, mientras él sigue sus características líneas de folk tardosesentero (sí, no me maten, ya sé que no existe la palabra) que recuerdan a otro grande llamado Jim Croce.

Sí, sí... Yo conozco en lo que se convirtió Bob Seger a fines de los 70's, y que irónicamente es uno de los mayores ídolos de la "White Trash" (los nacos gringos, pues, conocidos por ser de ultraderecha y extremadamente imbéciles), siendo que Seger es un fan de Bernie Sanders, pero no juzguemos su obra por lo comercial y por su fanaticada estúpida (el fanático siempre es estúpido), pues en sus inicios, Bob Seger fue un respetadísimo músico de garage psicodélico, empezando con su grupo The Last Heard, que en el 68 terminó cambiando de nombre a The System, sacando tres excelentes discos entre 1969 y 1970, que se podría decir que suenan a una especie de versión light y garajera de Frijid Pink, pero con excelentes composiciones, como es este caso. Death Row del 68, es un oscuro y desesperante tema que habla sobre las últimas horas de un preso antes de ser ejecutado, en un acto de plena desesperación y tormento.

 Para este grupo de Flint, Michigan no hay presentación, todos sabemos lo grandes que son. Pero como sea, aquí les traigo un demo de principios del 69, en la que tocan la canción que después se titularía Can't Be Too Long, incluida en el disco On Time, en el momento de grabación, aún no entraba Mel Schacher y aparece el tecladista Bobby Caldwell, y aún se hacían llamar The Pack, pero también incluyo Sin's A Good Man's Brother de su tercer disco, Closer To Home de 1970, que es una de las canciones más contundentes y genuinas de heavy psych que he escuchado, con su masivo riff de fuzz y el bajo distorsionado tan característico del grupo.


Master Danse es un grupo completamente desconocido para mí, lo más que sé es que eran de Detroit y que grabaron esta canción en 1974. Claramente se escucha que era un grupo influenciado por Grand Funk, e incluso se escuchan varias referencias a Heartbreaker, una de las canciones más icónicas del grupo. A falta de fotografía, pongo la ilustración de una calavera con flores.






The Frost era uno de los grupos más populares de Detroit, empezaron sus andanzas en el garage rock, luego con la expansión de la psicodelia, cambiaron su estilo, pero su etapa dorada se caracterizó por un sonido endurecido, enérgico y guitarrero, en el que la guitarra del gran Dick Wagner se hacía destacar por su destreza y rapidez. De alguna manera, The Frost se asemejaban a Grand Funk, aunque ellos habían sido anteriores a ellos y de hecho, no dudaría que Mark Farner haya tomado nota de ellos para esculpir el sonido de su power trio que curiosamente se haría tremendamente popular a principios de los 70's, pero como sea, The Frost eran unos verdaderos chingonazos y esta canción lo demuestra, y pues no es gratuito que Wagner terminara de guitarrista de Alice Cooper, Lou Reed y Kiss en la siguientes décadas. También hay que destacar que es muy probable que The Frost terminaran influyendo a Bolder Damn (un grupo del que ya se ha hablado aquí).

Savage Grace fueron otra de las grandes bandas de Detroit, en su debut de 1970 demuestran lo excelentes que eran en su titánica versión de All Along The Watchtower de Bob Dylan, donde se atreven a sonar como un Frijid Pink completamente abarrocado, pero su segundo disco de 1971 demuestra que el grupo aún podía llegar a más, pues bien pudieron dárselas al tú por tú con las más grandes agrupaciones de la época como Led Zeppelin, Grand Funk, Deep Purple o Mountain, y es que podían mezclar perfectamente un sonido descendiente de Frijid Pink con la energía de Grand Funk y The Frost, y con ese aspecto machante de Led Zeppelin, eso lo demuestran en la colosal Mother's Son, incluida en este volumen.

Half-Life fueron un extrañísimo grupo de Saginaw (misma tierra de Dick Rabbit), pero que llegaron a grabar una sola canción en 1970, con toda la parafernalia que terminaría influenciado al punk que nacería unos años después en Nueva York, y también muchas similitudes con Paranoid de Black Sabbath, aunque dudo que Black Sabbath se inspiraran en esta canción como muchos usuarios del internet afirman, este grupo ni siquiera sacó su grabación en aquel momento, así que todo se trata de una extraña coincidencia.

No hay mejor grupo que pueda definir con precisión lo que significó el rock de Detroit a lo largo de los 60's que MC5, influencia innegable del punk y uno de los mayores grupos que vieron la transición entre el garage y el heavy psych, además de ser uno de los primeros en ser abiertamente politizados y contestatarios, comunistas hasta la médula, temidos por el gobierno gringo y odiados tanto por los hippies como por los sectores más conservadores de Estados Unidos, considerados como léperos, patantes y provocadores, fieles adeptos a los Panteras Negras y amigos de Blue Cheer y los Pink Fairies, son conocidos por espantar a la estúpida y mojigata sociedad gerontocrática gringa con el clásico grito de Rob Tyner "KICK OUT THE JAMS, MOTHERFUCKERS!", por su rocanrol directo, intenso, rápido y sucio que mezclaba elementos de garage, psicodelia y hard rock. En esta recopilación incluyo la versión del sencillo de 1968 de Looking At You.

The Zoo venían de Bridgeport, Michigan, eran una conservadora banda de pop, que odiaban el ruidismo proveniente de Detroit, al igual que a todo lo que tuviera que ver con el hard rock, pero eran especialmente profundos odiadores de MC5, tanto que grabaron esta parodia del quinteto donde curiosamente suenan idénticos, hasta parece una banda tributo que un día decidió hacer sus propias canciones.






TNS (Take No Shit) venían de Grand Rapids, una ciudad situada en la zona oeste del estado de Michigan, eran eternos amantes del blues británico y en especial de Chicken Shack (tanto que hasta grabaron una canción de ellos), pero también fieles seguidores de MC5, lograron grabar un sencillo en 1972, donde se nota como el heavy psych también fue una de las mayores influencias en el desarrollo del punk, con un riff crudo y machacante y una composición altamente minimalista, ellos eran punks antes del punk.


Llamados como el cuadro de James McNeil Whistler, ellos venían de Barnesville, Ohio, y un día, aburridos de su vida rural, decidieron lanzarse a Detroit, donde conocieron a bandas como MC5 y los Stooges, y al regresar a su tierra de origen, decidieron grabar este tema inspirado por ambas bandas, pero con un sonido aún más psicodélico.





Sproton Layer venían de Ann Arbor, la misma ciudad que vio nacer a los Stooges, ellos eran unos chavos obsesionados con el Pink Floyd de Syd Barrett, Alice Cooper en su etapa psicodélica, SRC (un extraordinario grupo de rock ácido también de Ann Arbor), el Captain Beefheart, Tyrannosaurus Rex, Love, los 13th Floor Elevators, Jimi Hendrix y The Soft Machine, además de la literatura de ciencia-ficción y las improvisaciones inspiradas en el espacio exterior, Sproton Layer hicieron una propuesta extremadamente innovadora que combinaba psicodelia, hard rock y rock espacial con sonoridades oscuras y ese toque pre-punk que tanto identifica a la escena de Detroit, con un extenso uso de trompetas españolas e improvisaciones marcianas, con mucho parecido a otro grupo muy oscuro llamado C.A. Quintet.

Junto con MC5, esta es la otra banda que define a Detroit a la perfección. Caos, aburrimiento, violencia, peligro, desesperanza, pesimismo y drogas duras, eso era el grupo liderado por Iggy Pop (cuando tenía dignidad, esa que perdió cuando vino a México a abrirles a los pendejos de Metallica), que se especializaba en hacer un heavy psych directo del garaje, que bebía tanto de The Jagged Edge como de los Rolling Stones. Formados en Ann Arbor, al principio se hicieron llamar Iggy y los Chiflados Psicodélicos, inspirado en un trío de cómicos que aquí conocemos como "los 3 Chiflados" (que con precisión describió el gran José Agustín "un trío de cómicos gringos bastante pendejetes"), luego cambiarían su nombre a los Stooges (los Chiflados), con el que se darían a conocer. Iggy Stooge (así se hacía llamar en aquel momento), era la versión peligrosa y autodestructiva de Mick Jagger o la versión light de Jim Morrison. Se hizo conocer porque en sus actuaciones en directo se aventaba en un montón de vidrios hasta quedar con el vientre cortado (que hoy tiene lo más aguado que tu tía de 85 años). Su música como dije, era heavy psych en estado puro, pero sin olvidar sus raíces del garaje, con un montón de fuzz y wah-wah y con extrañas coincidencias con el tema Magic Potion de los ingleses The Open Mind.

The Up también venían de Ann Arbor (sí, me equivoqué al hacer la portada, no me regañen), eran conocidos por sus actuaciones caóticas, tanto que el periódico de su tierra, los consideró "la banda más peligrosa del país". Acérrimos seguidores de John Sinclair, poeta, uno de los más prestigios miembros del radical y ultracomunista Partido Internacional de la Juventud, defensor de la contracultura de los 60's y bien marihuano, tanto que lo encarcelaron en 1969 por posesión de la maría, luego es bien sabido que incluso John Lennon protestó en reiteradas ocasiones por la liberación de este e incluso se presentó en un festival organizado para dicho fin. Pero bueno, el estilo de The Up tampoco se diferenciaba tanto del de los Stooges, heavy psych con bases fundacionales para el futuro punk.

Los Punks venían de Waterford, otra ciudad muy cercana a Detroit, fueron una de las últimas que dio la escena local, en una época tardía, cuando en Nueva York ya estaba gestándose el punk, la psicodelia veía su ocaso y también en Nueva York, se ponía de moda la música disco entre los chavos de las clases medias y altas. Los Punks, son un grupo tardío, pero no de baja calidad, al contrario, incluso son mejores (a mi gusto) que los más conocidos Death, pero eso ya es cosa de cada quien. Hablemos del grupo y su música: Sus influencias además de ser el sagrado par de Detroit (MC5 y los Stooges), también lo estaban por The Velvet Underground y Blue Cheer. Su estilo justo está entre la transición entre el heavy psych y el naciente punk, pues su sonido es pesado, psicodélico, garajero, sucio y ruidoso, al mismo tiempo que minimalista, nihilista, autodestructivo y monótono, con ese característico 4/4, que se suele relacionar más con el krautrock alemán y el post-punk.

Y nuestro recorrido tiene su fin aquí, yo estoy cansado de escribir, son las 6:55 de la mañana, no he dormido y al rato me tengo que ir a chambear, pero aún así, yo les traigo esta recopilación que quedó con huevos, ahora que llegamos al último grupo, pues lo que tengo que decir es que Astaroth es un grupo completamente desconocido, lo único que sé es que sacaron este sencillo en una fecha muy tardía: 1975. Ellos tenían un sonido que fácilmente hubiese encajado en 1969 o 1970, garajeros, psicodélicos y pesados a más no poder, y valga la redundancia, satánicos. Y con esta canción les doy indicios de qué va a tratar el disco dos de este volumen, pero para ese, tendrán que esperar al otoño.




16 jun. 2019

Bulbous Creation - You Won't Remember Dying (1971) [Repost]

Antes de empezar la nueva reseña, ustedes preguntarán ¿Ahora qué le dio a este por repostear discos? No es que me haya dado "algo" para volver a publicar discos, es que al conseguir la remasterización del disco de Top Drawer, sentí que debí compartirla con todos ustedes e incluso un usuario de Avaxhome ya la publicó por ahí, y me alegro para que llegue ese disco con una mejor calidad del sonido a más gente, y esta vez les traigo este que publiqué por las mismas fechas por allá en el 2014, pero esta vez lo reposteo debido a que conseguí un rip en FLAC del vinilo original de la Rockadelic y también el remaster de la Numero Group (que me impresionó que no tuviese esa alteración del volumen de las grabaciones conocida como "guerra del volumen"), ya que la única edición que salió en CD tiene demasiado eco (o reverb, como quieran llamarle), también quiero re-hacer la reseña, ya que leyendo la otra, vi que me había quedado muy pobre, por lo que me dieron ganas de volver a traerles esta entrañable placa grabada por allá en 1971. Otra cosa que hay que recordar es que ya son 48 años del "halconazo", un acto repudiable por parte del gobierno fascista de Luis Echeverría y este disco en parte refleja la basura de las autoridades de la época.

Los Bulbous Creation son toda una banda de culto, especialmente entre aquellos círculos de locos cazadores de rarezas pesadas de los 60's y 70's, por su sonido crudo, sucio y oscuro pasado por el filtro de la psicodelia, el blues y el rock pesado, además de que sus letras tocan temas que para ese entonces eran vistos como tabú: satanismo, la guerra de vietnam, ecologismo, sexualidad, liberación femenina y drogas duras por lo que podríamos decir que son en efecto, una de las bandas que mejor representan la mentalidad post-hippie del subterráneo gringo de principios de los 70's: pesimismo, nihilismo, oscuridad y mucho radicalismo, de ahí que la gran mayoría de estas bandas no fuesen aceptadas dentro de lo que comúnmente llamamos "mainstream" o "corriente dominante", incluso si en sus letras se alejaban de estas posturas.

Del grupo se tiene muy poca información, pero todo comenzó en los 60's cuando el vocalista Paul Parkinson se unió al bajista Jim Wine en la secundaria y formaron una serie de proyectos temporales que no fueron a ningún lado, luego en 1966, Jim Wine terminó alistándose a la armada de Estados Unidos (una pésima decisión si fue realmente suya, y si fue de sus papás, aún peor), por lo que sus migas con Parkinson se detuvieron momentáneamente por tres años, cuando Wine fue expulsado del ejército, este estaba ansioso por regresar al mundo de la música y había estado viendo reclutar músicos en la ciudad de Kansas, donde poseía un pequeño departamento, y encontró a un talentoso guitarrista llamado Alan Lewis, quien tenía influencias de Black Sabbath y Uriah Heep, pero al no ser compositores, Wine le habló a su antiguo compañero Paul Parkinson para que este aportara sus composiciones e ideas en lo que estaban trabajando, pronto también se les uniría el baterista Chuck Horstmann, el nombre vendría por una sugerencia de Lewis que era la de "bulbous" (bulboso/a) y luego el grupo decidió agregarle la parte mística de "creation", con esto el grupo ya conformado y con una lista compuesta puramente por canciones originales, se las vio difíciles a la hora de poder agendar conciertos y lograr sus metas, sin embargo, en 1971 lograron grabar durante todo un día un disco en los estudios Cavern, ubicados en la otra ciudad de Kansas, en Misuri, pero al ser un grupo tan oscuro para su tiempo y que además no lograban cuajar en su escena local, pues no tenían dinero para poder editar sus grabaciones, que contenían 6 canciones originales y 2 refritos, pronto Parkinson se iría, pues era un tipo solitario y profundamente individualista y quería tocar sus composiciones como artista solitario, y el grupo recortó su nombre a Creation, además de que supuestamente cambiar hacia un sonido más "progresivo". Sus grabaciones serían editadas por primera vez en 1995 por la Rockadelic. En 1998 moriría el guitarrista Alan Lewis de cáncer de esófago, después, en el 2001, el vocalista Paul Parkinson moriría después de perder la batalla con la Leucemia que padecía. Ambos tenían en sus pertenencias la copia de la edición de Rockadelic.

You Won't Remember Dying es fundamentalmente un disco de heavy psych donde también hacen gala elementos del blues, el folk y el garage rock. La producción es cruda y terrosa, con ese ambiente directo del sótano. El sonido del grupo es sombrío, macabro, oscuro, siniestro, tétrico, pesimista y nihilista, o en pocas palabras, es la psicodelia dándose un mal viaje. Se podría decir que la música del grupo es exactamente todo lo opuesto al concepto de psicodelia que manejaban Strawberry Alarm Clock y todos esos conjuntos sesenteros (y eso que terminaron grabando una canción de heavy psych para una película), pues mientras la mayoría de esas bandas se dedicaron solo a resaltar los aspectos coloridos y positivos de los viajes lisérgicos, los Bulbous Creation nos invitan a recorrer un viaje lleno de imágenes mórbidas sobre la guerra de Vietnam, el día del juicio final, catástrofes ecológicas, drogas duras y rituales satánicos. Por otro lado, en la música de la banda se escuchan influencias de grupos como Ten Years After (hasta graban una canción de ellos), los 13th Floor Elevators, Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead, Jimi Hendrix, Black Sabbath y Uriah Heep, aunque bueno, por la época y el lugar donde surgieron, se escuchan también ecos de Arrogance, Stonehenge, Pentagram, Josefus, Fraction y Bolder Damn, o incluso de los australianos Buffalo, además de que la voz del vocalista Paul Parkinson por momentos recuerda muchísimo a la época del grunge, con su barítono oscuro lleno de pasión.

El álbum abre con End of The Page, una canción que se mueve en las aguas más oscuras y melancólicas del folk psicodélico, con una letra ecologista que aún conserva algo de la ingenuidad y el idealismo hippie de los 60's, pero a pesar de ello, es una letra con un mensaje contundente que hoy más que nunca, está muy vigente, pues llama a la gente a tomar consciencia de como la humanidad o mejor dicho, los medios y las formas de producción capitalista están acabando con el ecosistema, y aunque esto en la época en la que esta canción fue compuesta, sonaba más a ciencia ficción y a una fantasía moralista de aquellos "hippies mugrosos", hoy es una realidad que nos afecta a todos, queramos o no, y no por nada el barbón Marx llamaba a abolir a la propiedad privada de los medios de producción, ahora vemos las consecuencias de habernos quedado con el capitalismo. Por otro lado, es una composición que en contraste con los demás temas del disco, es una canción atmosférica, algo etérea y relajada. Una de las mejores.

Having a Good Time no es más que un refrito de Sugar The Road de Ten Years After, aunque curiosamente, los Bulbous Creation la interpretan de una manera muy original y distinta a la original, con un trabajo de guitarra magistral y la voz que recuerda muchísimo a Eddie Vedder, Chris Cornell,  o Layne Staley. Aquí es cuando me pregunto si todos esos grupos habrán escuchado estas grabaciones alguna vez o si solo es plena coincidencia. La letra de la canción es sobre una chava adolescente siendo aconsejada por su novio para rebelarse de su jefe y vivir una vida reventada. Curiosamente Alvin Lee sonaba mucho más feminista y honesto en esta rola que todas esas payasas liberales que predican la misandria. Temón.

Satan tal y como lo dice el título, habla del príncipe de las tinieblas, aunque curiosamente la letra no es tan satánica como sugiere el título, de hecho se podría decir que es hasta medio católica o que sé yo, pues habla del vocalista intentando correr al chamuco, diciéndole que lo deje en paz. Por otro lado, la música es oscurísima, con un riff de guitarra que envidiaría cualquier músico de doom metal y eso que la distorsión aquí es mínima, también habría que destacar que los solos de guitarra tienen ese sabor a Stacy Sutherland, por lo que no dudaría que los Bulbous Creation hayan escuchado aunque sea una vez a los 13th Floor Elevators.

Fever Machine Man sigue la misma tradición de riffs lentos y oscuros, aunque esta vez con más distorsión y acompañados de un órgano que da un ligero sabor a Uriah Heep, también la voz se escucha ligeramente distinta (de ahí que muchos crean que aquí colaboraron dos vocalistas distintos, pero en realidad es el mismo cantando en registros más agudos) y con un tono más atormentado. Por otro lado, la letra habla de como los soldados son convertidos en máquinas de matar a todo lo que se les ponga al frente.

Let's Go to The Sea, posiblemente la obra maestra del disco, oscura como pocas. Es aquí en donde les pido que se olviden de falsificaciones como el disco de Jacula. Esta es una música que de verdad no escucharía a altas horas de la madrugada, por su sonido macabro, tétrico y espectral, y por si les quedaba la duda de por qué ingeniosamente los de la Rockadelic pusieron en la portada y la contraportada a esqueletos bastante tétricos, pues escuchen esta rola, estoy convencido que es una de las obras más escalofriantes y macabras que se hayan hecho en esa época, y un gran ejemplo de como los viajes de LSD se pueden convertir en una experiencia aterradora con imágenes atroces. También hay que destacar como Alan Lewis suena extremadamente similar a Stacy Sutherland e incluso en esta canción hace uso de unas reverberaciones muy similares a las que el guitarrista texano usó en el disco Bull of The Woods de 1969, se podría decir que Lewis suena aquí como un gemelo siniestro, también esta es la canción donde más se escuchan similitudes con un grupo llamado Stonehenge, que sacaron un sencillo en ese mismo año (1971, valga la redundancia), con un sonido casi igual de oscuro.

Hooked comienza con un riff similar al de Kingdom Come de Sir Lord Baltimore pero más oscuro, es casi como si fuese tocado por Tony Iommi, y es aquí donde el grupo se escucha más desgarrador, pues es una canción sobre un ex-junkie seguramente encerrado en un centro de rehabilitación que está pasando por el efecto del "pavo frío" y lo único que desea es tener a su madre junto a él y morir.

Under The Black Sun es una canción que vuelve a las temáticas un tanto moralistas, esta vez habla del juicio de Dios hacia los pecadores en el día del juicio final, de ahí que incluso mezcle esta idea profundamente cristiana con simbolismo pagano germánico (el "Sol Negro" representaba para los antiguos pueblos germánicos pre-cristianos, el fin del mundo, luego los nazis, de forma irónica, lo usarían), por otro lado, la música tiene un acento bastante sabbathiano, los solos recuerdan mucho a Tony Iommi, aunque más blusero.

El disco finaliza con una versión de Stormy Monday, un clásico del blues de la autoría de T-Bone Walker, donde el grupo muestra sus influencias tanto en el sonido de San Francisco como en el de Texas, se escuchan ecos de cuando los grandes grupos del área de Frisco (como le suelen decir los gringos) se ponían a blusear durante largos minutos, aunque aquí vuelvo a escuchar ecos de los 13th Floor Elevators, esta vez del primer disco.

Para finalizar la reseña, tengo que decir que esta placa es obligatoria si es que te dices muy fan del heavy psych, y es aquí estará muy de acuerdo un muy buen amigo sueco que es pionero en dar a conocer este estilo que tanto nos gusta, You Won't Remember Dying tiene todos los componentes para decir que es una de las mejores y más genuinas representaciones de lo que es la psicodelia pesada, pues cuenta con ese aspecto crudo, pesado, terroso, sucio y siniestro que tanto caracterizó a este estilo en su época, cosa que por ejemplo, no tienen discos como el Growers of Mushroom o el debut de Captain Beyond, que resultan ser mucho más valorados por aquellos que dicen ser "fans" del estilo, a pesar de que estén muy lejos de ser discos que representen de manera genuina y consistente lo que representó este estilo, es por eso que si de verdad quieres conocer y entender al heavy psych, este disco es uno de los que te darán una idea de lo que de verdad es.

P.D. El rip del Vinilo tiene una parte cortada de la primera canción, este error venía desde que bajé el archivo, por lo que yo supongo que fue error del que lo pasó a flac o hasta un error del LP,

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17 may. 2019

Top Drawer - Solid Oak (1972) [Repost]

Antes que nada, perdón por la tardanza de volver a publicar por aquí, la recopilación todavía está en los últimos toques para ser publicada, esperemos que pronto esté, ya que se viene el volumen dedicado a la escena de Detroit y sus alrededores, además de que los sitios en donde estaba subiendo los discos, me limitaban los días de hospedaje de los archivos, por lo que tuve que volver a uloz.to, que es donde seguiré subiendo los discos, por otro lado, hoy les traigo un repost de un disco que se publicó aquí hace unos 5 años y es que hoy me trajeron esta edición remasterizada del 2002 que viene con temas extra (una versión instrumental de su clásico Song of A Sinner y una versión más larga del último tema del disco), además de fotos del grupo y su historia, y además resubo la versión original para que la comparen y emitan su juicio de cuál les gusta más.

Top Drawer se formaron en algún momento de principios de los 70's en Mansfield, Ohio, todos ellos eran adolescentes e iban a la misma secundaria, y como cualquier banda gringa, adolescente, empezaron a ensayar en el sótano de su baterista, después añadirían al tecladista y guitarrista rítmico para tener un sonido más completo, en ese momento, se trasladaron del sótano a la granja de los padres del baterista y empezaron a ensayar canciones de grupos como Grand Funk, Deep Purple y Uriah Heep, que fueron las que tocaban en los conciertos que daban en las fiestas de su secundaria, pero muy pronto comenzarían a componer su propio material y poco a poco las fueron añadiendo a sus tocadas y al ser excelentemente recibidas por el público, Top Drawer ya estaban dentro de los mejores grupos de la localidad, por lo que supieron que era hora de grabar un disco y se enteraron que en Kentucky había un estudio que estaba buscando grabar a grupos jóvenes de rock, ya que el country era lo que siempre habían grabado, por lo que los ingenieros se quedaron estupefactos cuando escucharon el potente y machacante sonido del quinteto. Grabaron el disco durante 2 sesiones de 12 horas cada una

El disco fue editado por la disquera Wish Bon en el 72, con tan solo un tiraje de 500 copias, las cuales fueron distribuidas por el mismo grupo en sus conciertos y en las tiendas locales de Mansfield, Ohio. En el 2002, con la ayuda y autorización del vocalista, fue remasterizado por el músico e ingeniero Patrick Damiani en los estudios Prosecco en Alemania y esta versión fue editada por la disquera Psychosound.

Miembros:
Steve Geary (Vocalista y trompetista, principal compositor y líder del grupo)
John Baker (Guitarrista líder y corista)
Alan Berry (Bajista y corista)
Ray Herr (Baterista y corista)
Ron Linn (Teclados, guitarrista rítmico y corista)

Ahora, la música:

Solid Oak es un disco de heavy psych directo del garaje, donde se cuelan elementos de country rock, boogie, pop y folk, su sonido es crudo, contundente, directo, pesado y psicodélico, con un estilo similar al de bandas como Morly Grey, Bolder Damn, Phafner, Joshua, The Damnation of Adam Blessing, Grand Funk, Homer e incluso Grateful Dead. Se podría decir que este disco suena a un heavy psych visto desde la perspectiva de la gringolandia rural de fines de los 60's y principios de los 70's. Por otro lado, todos los músicos logran cumplir con su objetivo, suenan enérgicos y tienen mucho talento de por medio a pesar de su temprana edad, el guitarrista John Baker es especialmente excelente y aquí demuestra que a pesar de que él dice que en ese tiempo, apenas y sabía tocar la guitarra, que ya era un músico muy talentoso y hasta con cierto virtuosismo en su ejecución, pero bueno, esto se podría decir que es un tanto relativo, teniendo en cuenta que para el fan promedio del rock progresivo, esto puede resultar ser en su opinión, un esfuerzo amateur y rudimentario, y puede que tengan razón hasta cierto punto, pero esos argumentos pueden ser muy sólidos en el progresivo, el jazz y la música clásica, donde se requiere de tocar con un virtuosismo sin igual y de tener composiciones complejísimas, pero en un disco de psicodelia pesada y garajera hecha por un conjunto de jóvenes idealistas y genuinos, es por demás, un argumento deshonesto y pretencioso que tiene que ver más con el esnobismo y el elitismo intelectual que con una verdadera comprensión de la música del grupo.

Song of A Sinner posiblemente es el tema más popular e importante del disco, con su duración de más de 8 minutos, es una balada psicodélica muy atmosférica y surrealista que al mismo tiempo logra ser desgarradora, acompañada de un omnipresente clavicordio eléctrico que remite al primer disco de la Damnation of Adam Blessing (Strings and Things), que curiosamente, también eran de Ohio y una guitarra que suena a una especie de John Cipollina deprimido.

What Happened Before They Took The People Away es justo lo contrario al tema que abre el disco, pues es alegre y tiene un elemento muy country en el ambiente, aunque viene acompañada de un riff machacante que bien pudieron firmar Morly Grey o Bolder Damn, es por eso que fue el tema que terminé añadiendo al primer volumen de la recopilación Keep Your Head!

Middle Class America es bastante similar a la canción anterior, aunque con un sonido todavía más psicodélico ocasionado por el efecto de phasing que se escucha en la batería, de alguna manera recuerda al grupo texano Homer, que sacó un solo disco en el 70 titulado Grown in The U.S.A, pero con la diferencia de que Top Drawer eran mucho mejores músicos y que no tenían esas por demás, ñoñas y bobaliconas pretensiones "progresivas" de los texanos.

Time Passes Too Quickly es posiblemente el tema más country del disco y estoy casi seguro de que el grupo la tocó así o la compuso para agradarles a los ingenieros que les produjeron el disco. Un tema no tan interesante como los tres primeros.

Messed Up recuerda mucho al garage rock de los 60's, con su estructura simple, un tanto veloz y su ejecución cruda y directa, acompañada de una guitarra super-psicodélica, y por otro lado, las letras reflejan el pesimismo y la decepción de la época post-hippie.

Baker's Boogie es el único tema escrito por el guitarrista John Baker y es posiblemente uno de los dos temas menos interesantes del disco junto con Time Passes Too Quickly, aunque no necesariamente malo o mediocre, al contrario, es un tema que reboza de energía, pero para algunos puede resultar algo desconcertante que hayan incluido un boogie en el tracklist final del disco.

What's In The Store me recuerda un tanto a la primera época de los Kinks con canciones como Set Me Free o Tired of Waiting For You, con su riff de guitarra muy a la Dave Davis.

Sweet Memories es la canción que más suena a los 60's junto con Messed Up, es una balada de pop con cierto tinte de folk, tocado con guitarra acústica y piano, que de alguna manera recuerda a los Walker Brothers y su mayor hit The Sun Ain't Gonna Shine Anymore, por lo que hubiese sido interesante que el o los productores hubiesen agregado un arreglillo de cuerdas, pues la composición se da para ello.

El disco cierra con Lies que contiene un riff que recuerda al de The Bird Has Flown (aquí en México conocida como "el Vuelo del Pájaro") de Deep Purple, aunque al final, la canción en general termina recordando más sus paisanos Phafner que sacaron un disco un año antes. Muy buen tema para cerrar el álbum.

Los temas extras son un extracto instrumental de Song of A Sinner y una versión más larga de Lies.

Ahora, comparando la versión original de 1972 y la remasterización de hace 7 años, la calidad de sonido mejora muchísimo y se corrigen ciertos errores de edición que estaban presente en la original, pero como sea, en ambas versiones, el disco suena bien.

Un disco que recomiendo mucho tanto a los fans de la psicodelia como a los del heavy psych.

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21 nov. 2018

Gadsby & Skol - Gadsby & Skol (2001)

En lo que termino de darle los últimos toques a la recopilación de heavy psych mexicano que estoy preparando, hoy les traigo un disco que salió desde hace ya casi 20 años de este power trio canadiense formado en 1968 bajo la inspiración de los grandes tríos de la época (Blue Cheer, Cream y Hendrix) pero que no grabó su disco hasta fines de los 90's y fue editado en el 2001 con la ayuda de Nick Saloman (alias The Bevis Frond).

En el 68, el canadiense Rick Skol después de haber quedado impresionado con dos presentaciones de Jimi Hendrix en Toronto y también por el Vincebus Eruptum de Blue Cheer, decidió que quería formar una banda y para eso contactó a su amigo Chuck Gadsby, quien es o era un muy buen guitarrista, para formarla y pronto se contactaron con su viejo amigo Drew Tjerstrom quien terminó de bajista.

El grupo tocaba canciones originales y covers de sus ídolos, pero durante sus "años dorados" nunca pudieron grabar un solo disco, después a fines de los 90's, conocieron a Nick Saloman y le dieron su demo, el cual, al parecer, le encantó al músico británico y este se ofreció a editar sus grabaciones, que salieron hasta el 2001.

La música contenida en el disco bebe mayoritariamente de Blue Cheer, aunque jamás con la idea de plagiarlos y aunque las canciones son muy buenas, la producción les resta algunos puntos. De alguna manera me recuerda vagamente al disco de los noruegos Lucifer Was, no tanto por el estilo musical, pero aquí tenemos un caso similar en que las canciones fueron grabadas 30 años después de haber sido compuestas, por lo que la composiciones tienen ese sabor a fines de los 60's, pero el sonido de la grabación es completamente noventero y digital, por lo que esto puede desconcertar a muchos.

Este disco es una rareza de las que son dificilísimas de conseguir, tanto que ni siquiera era posible conseguir este disco vía blogs, torrents, emule, youtube o soulseek, por lo que hoy se los traigo por primera vez y ustedes tendrán la última palabra sobre este.


4 nov. 2018

Los Spiders - Back (1970)

Hoy no postearé el volumen 3 de la recopilación Keep Your Head!, más que nada porque me está costando un poco de trabajo hacer la reseña del disco 1, por lo que la retrasaré un poco para unos días, pero lo que sí les traigo hoy es uno de los mejores y más grandes discos que ha dado el rock mexicano y que lamentablemente no se le recuerda como debería, y es que mientras muchos periodistas, críticos, historiadores e inclusos fans, prefieren seguir siendo felatrices de Alex Lora (que si bien, tuvo su gran época entre 1973 y 1984 aproximadamente, ahora da pena ajena, y sin embargo, aunque el Three Souls es el grupo de los hoyos fonkis por excelencia, tampoco son tan maravilloso y lo digo en serio, porque en su momento, existieron bandas que por mucho se comieron al Three Souls In My Mind) o hacerles ruido a grupos que de plano son una porquería (Molotov, Café Tacuba, Zoé, etcétera), y es que finalmente ellos sí se mochan con una lana ya sea con los medios de comunicación o con las empresas para que los promocionen como "los mejores" e incluso la gente de otros países, se va con la finta de que son grandes grupos, y aunque puede que suene medio "hipster" aquí, hay grupos que pocos conocen, que los ningunean, los ignoran o los desprecian, uno de estos son los Spiders, que en su natal Jalisco son una de las bandas más importantes surgidas en su escena, pero en el resto del país, poco se habla de ellos, siendo que ellos estaban a un nivel altísimo en cuestiones artísticas y si existiese la justicia, hoy estarían situados en la cúspide de la psicodelia mexicana junto con los Dug Dug's, el Ritual y la Revolución de Emiliano Zapata.

Los Spiders comenzaron desde 1960, con el auge del rock & roll y los covers en México, ellos durante los 60's fueron un fenómeno de los cafés cantantes de Guadalajara, Jalisco, y en 1966 grabarían su primer EP que contenía un refrito de For Your Love de los Yardbirds cantado en español, pero no sería hasta 1969, cuando surge su primer cambio de alineación en donde entran el excelso tecladista Servando Ayala y el vocalista Antonio Vierling y empiezan a grabar su primer álbum, al que titularon al igual que su canción más conocida que se supone, recibió mucha difusión en las estaciones de radio de todo el país en su año de lanzamiento, 1970. Después sacarían un par de discos más: Nuevas Rutas del Sonido en 1973 y Corre, Corre, Corre en 1980, que a pesar de que no recibieron ni la mitad de la difusión que recibió su debut, debieron haber catapultado a los Spiders como la mejor banda tapatía, hoy siguen vigentes junto con otros grandes como la Revo, la Fachada de Piedra, la Quinta Visión, Pastel Pilatos, Frankie Bizarro y París y el 39.4, aunque con un nuevo guitarrista, ya que el "Tucky" se fue al más acá en Enero del 2008.

Back es un magistral disco de una finísima y bellísima manufactura, con una interpretación verdaderamente excepcional y unos músicos que brillan como pocos, mientras se mueven sin ningún problema entre el rock ácido sanfranciscano y el pop psicodélico, aquí todos los instrumentos toman protagonismo desde el órgano hasta la batería al estar ejecutados de esa forma, sin embargo, por los teclados del gran Servando Ayala y el excelso trabajo guitarrero de Reynaldo Díaz el "Tucky", ambos deberían estar entre los mejores instrumentistas no solo salidos del país, sino que deberían estar entre los mejores instrumentistas del rock mundial, pero como siempre, vivimos en un país surrealista donde a los talentos inmensos no se les da el valor que se les debería dar.

Las influencias que puedo identificar en la música de los Spiders son Procol Harum, H.P. Lovecraft, Traffic, Steppenwolf, los Animals, los Zombies, Country Joe & The Fish y Quicksilver Messenger Service, aunque noto también reminiscencias de Hunger, SRC, Lee Michaels, Crystal Syphon, The Art of Lovin', Reign Ghost y Gandalf.

El disco comienza con una corta introducción acústica llamada Through (a song) que nos recordará un poco a los interludios que acostumbraron a meter los Dug Dug's en sus primeros 2 discos, después al final del disco vuelve a aparecer la misma composición pero con otra letra, pero lo grande llega en Something I Heard (Last Night) y People Deceive, dos temas de una belleza y finura que solo son superadas por Bajo el Sol y Frente a Dios del Ritual.

On The Road es de los más "flojitos" del disco y eso entre comillas, porque solo se queda chico en frente de tanta obra maestra presente aquí, más que nada por ser un tema tan corto, pero de que es muy bueno, lo es, y me recuerda un tanto al Country Joe más humorístico.

Now es otra proeza de tema, con uno de los órganos más psicodélicos jamás registrados en México, a mí me recuerda tanto a Country Joe & The Fish como a los Zombies, y los Spiders no nos dejan descansar, vienen un par de obras maestras más: It's You y Back, que recuerdan tanto a SRC y Procol Harum como a Quicksilver Messenger Service.

You Love Me y Movin' Up suenan a como si John Cipollina hubiese sustituido a Michael Monarch en Steppenwolf y Goldy McJohn estuviese tocando un Farfisa en lugar de su típico Hammond, por lo que no tienen la fiereza del heavy psych de los canadienses, pero sí 

I'm A Man me vuelve a recordar tanto a los Zombies como al sonido de San Francisco, se podría decir que me vienen a la mente Country Joe & The Fish, The Art Of Lovin' y The Peanut Butter Conspiracy (estas dos últimas bandas no eran de San Francisco, pero su estilo correspondía con el de las agrupaciones de la bahía de San Francisco)

En el penúltimo tema (la segunda parte de Through es la que cierra), Love Is The Way es la que suena más parecida a otros grupos mexicanos de la época como los Dug Dug's, el Ritual y Toncho Pilatos, más que nada por la flauta, aunque la diferencia con los Spiders es que estos son aún más ácidos. Aquí Servando Ayala hace unas figuras extremadamente lisérgicas en su órgano y la flauta va repitiendo esas mismas líneas, , de alguna forma esta canción me recuerda muchísimo a los respectivos debuts de Country Joe & The Fish, Mad River y Quicksilver Messenger Service así como a The Corporation (que aquí en México se hicieron bastante conocidos gracias al programa Vibraciones que se transmitía en Radio Capital a fines de los 60's y principios de los 70's, que ponía seguido su versión psicodélica de India de John Coltrane).

Para finalizar, este es un disco absolutamente esencial, no solo para el conocedor y el que quiere profundizar en el rock nacional (mexicano), sino también para el conocedor de la psicodelia.

3 nov. 2018

Nuevos sitios de descargas

Como lo saben, este blog se ha venido abajo desde la caída de Megaupload en enero del 2012, y desde ahí he tenido que buscar alternativas que me ofrezcan servicios buenos y gratuitos, ya que los servidores en la nube ofrecen poquísimo espacio y tienden a borrar todo lo que uno sube, incluyendo MEGA del alemán Kim Dotcom, y muchos de los sitios a los que acostumbraba a subir han muerto y hoy tuve el infortunio de enterarme que diskokosmiko está caído, por lo que me puse a buscar sitios que me ofrecieran un servicio ilimitado de espacio y que además sea gratuito, ya que no tengo el dinero para pagar mensualmente lo que me ofrecen los servicios en la nube como MEGA o Mediafire, es por eso que prefiero las alternativas.

Ahora que encontré estas gracias al buscador anónimo duckduckgo, pronto subiré el material que prometí e intentaré resubir el que fue eliminado ahora con la caída de diskokosmiko.

Estos serán los nuevos sitios donde se subirá el material:
Mirrorace.com
Megaup.net
Uptobox.com
Oceanhost.eu


P.D. Un conocido me dijo que mejor me convirtiera en vlogger, pero me niego a seguir tendencias hipsters, así como aquí nunca verás enlaces a Spotify o algo por el estilo, aquí lo que se intenta es fomentar la cultura musical, por lo que no estoy dispuesto a poner solo lo que las grandes disqueras me digan.

Un saludo a los lectores y pronto me verán por acá.

19 sep. 2018

Hunger - Strictly From Hunger (1969/2018)

Hoy se cumple 1 año del devastador terremoto que vivimos en la Ciudad de México y espero que dentro de mucho tiempo no vuelva a pasar una catástrofe de ese tamaño y mucho menos, hoy mismo, por lo que me pondré a escuchar de nuevo este discazo que les vuelvo a traer desde hace varios años, cuando el blog apenas comenzaba y los posts eran mucho más frecuentes. Por otro lado, espero acabar pronto con el volumen 3 de la recopilación Keep Your Head! que va a estar buenísimo, va a estar dividido en 2 partes: la primera será una recopilación de grupos de Michigan y uno de Nueva York y la segunda será una combinación de temas de heavy psych que antecedieron al punk y otros que se encuentran dentro de la parte más oscura y depresiva del estilo, no diré qué bandas voy a incluir, ustedes ya lo verán cuando sean publicados.

Este disco lo vengo posteando otra vez debido a que lo acabo de comprar vía Discogs y es que se trata de la nueva re-edición que además de estar remasterizada desde los máster análogos (a excepción del primer disco, que fue ripeado desde la copia más limpia en existencia del acetato original de 1968), es la primera vez que una re-edición de este disco está autorizada por los miembros del grupo, por lo que aquí viene todo el material que grabó la banda durante su corta existencia, en total, son 3 discos:

El primero es el disco tal y como el grupo quiso que saliera, pero que al final no salió por varios motivos, esta mezcla se caracteriza por ser más guitarrera y porque aquí, las canciones son más largas, además de incluir las partes de guitarra grabadas por Ed King de Strawberry Alarm Clock en Colors y Open Your Eyes.

El segundo es el disco tal y como salió en la primavera de 1969, esta versión es la que todos conocen y que se podría decir que es más "popera" debido a la duración de las canciones y a la carencia de solos de la mayoría.

El tercer disco es una recopilación de versiones alternas, canciones que salieron en sencillos, entre otras sorpresas.

También viene un libreto con fotos y toda la historia del grupo desde sus comienzos hasta su separación en el verano de 1969.

En fin, hablemos de la banda:

Hunger se forman por allá en la primavera de 1967 en su natal Portland, Oregon, después de que dos bandas locales llamadas los Outcasts y Don Marrs y los Bishops se unieran, ambas bandas eran garajeras, aunque más ambiciosas que otras de la época, sin embargo, L.K. Wright quien fuera representante de los Bishops, los convirtió en un grupo semi-profesional que empezó a tocar en otros lugares fuera de Oregon, durante este tiempo, el grupo ganó una batalla de bandas y fue premiada con amplificadores Fender y pronto, John Crispi, el baterista original se saldría y entrarían Mike Parkison, un tecladista muy talentoso y Don Marrs como baterista.

Parkison desde el principio quiso unirse a los Outcasts, él estaba en un grupo llamado The Courtmen, ellos entraron por recomendación de un amigo de la banda y se los llevó a los Ángeles, California a principios de 1968 y dicen que la vida ahí a fines de los 60's era como una fiesta sin fin, por lo que Don Marrs decidió salirse y regresó a su natal Portland, pero el ex-compañero de Parkison, Bill Daffern tomó su lugar después de que fuese rechazado por el ejército y rápidamente se acomodó a su repertorio inicial de covers y a su vestimenta tipo Paul Revere, pero pronto empezarían a componer su material propio a sugerencia de uno de los miembros de la West Coast Pop Art Experimental Band, pues en los Ángeles la gente ya no estaba interesada en los covers, ahora lo que estaba de moda era la psicodelia, por lo que empezaron a hacer canciones con paisajes largos y muchos solos de órgano y guitarra por parte de Parkison y John Morton, sin embargo, los conciertos no llegaron hasta un poco después, cuando algunos de los miembros del grupo andaban paseando por Sunset Strip y se encontraron con York McGavin, el hijo del actor Darren McGavin y este les ofreció tocar en su fiesta de cumpleaños que fue celebrada en casa de su papá en Beverly Hills y este fue su primer concierto en el sur de California en donde ganaron dinero.

Pronto, dejaron la lujosa casa de la novia del que se iba a convertir en su representante, debido a las presiones de esta y se fueron a vivir a una de las partes menos glamurosas de los Ángeles, además de haber obtenido trabajos aparte para poder sobrevivir, pero pronto lograron obtener un nuevo concierto en un lugar "bohemio" del lugar y ahí conocieron al que se convertiría en su representante, Stan Zipperman, él escribía para revistas y salía en la tele, por lo que conocía a toda la escena de los Ángeles y pronto Hunger empezarían a tener suerte, a pesar del incidente donde perdieron sus guitarras originales, sin embargo, pronto obtendrían nuevos instrumentos, además de escribir la canción No Shame, que fue presentada como un potencial hit.

Hunger aparecerían en la televisión tocando She's Not There de los Zombies (desafortunadamente, no ha salido esa presentación, a pesar de que existe) y pronto serían contratados para hacer el tema de una película de suspenso, esta canción se llamó She Let Him Continue al igual que la película, aunque curiosamente, donde grabaron otras canciones que saldrían en sencillos y finalmente en versiones diferentes en el LP de 1969, uno de los sencillos fue acreditado a The Touch, después la película cambiaría de título, fue editada y finalmente dejaron fuera a la canción del grupo.

Pronto se saldría Bill Daffern del grupo y ocuparía su lugar Gene Gunnels de Thee Sixpence (la banda que después de convertiría en Strawberry Alarm Clock), y el último concierto donde tocó Daffern fue para abrirles a nadie más, ni nadie menos que Cream.

Pronto la nueva alineación, con un sonido aún más psicodélico y potente, empezarían a tocar en otros lugares a parte de los Ángeles, incluyendo dos conciertos en las Vegas, también regresando tocaron en el Whiskey A Go-Go y no tardarían en empezar a grabar su primer álbum en un estudio construido en una base militar localizado en Arcadia, a 20 km de los Ángeles, por lo que no era un buen estudio, ni por el lugar, ni por la tecnología, pero el grupo se las ingeniaría para producir su álbum frente a un ingeniero de sonido bastante incompetente.

El grupo aquí estaba en su mejor momento, su música había evolucionado muchísimo tanto en su forma compositiva como instrumentalmente hablando, pero una vez más, después de 2 veces, les volvieron a robar todo su equipo y tuvieron que grabar con el equipo de Strawberry Alarm Clock, y al estar descontentos con los resultados de la grabación, el representante contrató a Ed King para grabar los solos de un par de canciones y de ahí, las cosas mejoraron muchísimo, el difunto King (un guitarrista muy talentoso que tocó con Strawberry Alarm Clock y Lynyrd Skynyrd) estuvo por días grabando con ellos y finalmente, dos de sus colaboraciones quedarían plasmadas en la mezcla original del disco y serían eliminadas o enterradas en la mezcla que salió en 1969, también el cantante de sesión Greg Munford (quien cantaría en Incense and Peppermints) re-grabaría la voz para Mind Machine y She Let Him Continue.

Después de grabar el disco, el grupo estaba en el limbo, sin instrumentos, ni nada, uno de los roadies fue encarcelado por haber sido cómplice del robo, pero aún así no pudieron recuperar sus instrumentos y por lo tanto, no podían tocar, ni nada, e incluso salieron noticias falsas de que estaban tocando por el norte del país para explicar su ausencia, pronto regresaron a Portland sin nada y rápidamente regresaron a los Ángeles por pedido de su representante que ahora había vendido todo y no les había proporcionado sus nuevos instrumentos, ni nada, y los nuevos representantes de la disquera hicieron lo que quisieron con el nuevo disco, provocando que el grupo terminara rompiendo en el verano de ese año.

Frente a las condiciones en las que estaban en las que estaban con un equipo de mala calidad, un nuevo mal vocalista, un disco que fue editado de acuerdo a una demanda de Strawberry Alarm Clock hacia el primer representante y que los nuevos representantes eran completamente irresponsables, el grupo no pudo hacer más nada que separarse a mediados del 69 y finalmente la mayoría terminarían haciendo carreras individuales o uniéndose a otros grupos, entre ellos Bill Daffern, que terminaría tocando con el grupo de heavy psych Truk, quienes sacarían un solo disco en 1970 y después se iría a tocar a varios proyectos con los que tendría algo de popularidad, también fue vocalista de los sobrevaloradísimos Captain Beyond y finalmente el que sigue activo en la música es el guitarrista John Morton, que se quedó con la marca de guitarras Hallmark y le va bastante bien, incluso tiene una nueva Swept-Wing, Ed King tocaría con Lynyrd Skynyrd y finalmente pasaría a mejor vida el 22 de Agosto de este año, una pena que se pasara un guitarrista tan bueno como él.

Ahora sí, pasemos a hablar del disco:

La música de Hunger se podría definir como un rock psicodélico muy garajero con varias tendencias hacia el pop psicodélico y con un sonido que por momentos se aproxima hacia el freakbeat que se hacía en el Reino Unido en esa época, pero a pesar de sus tendencias poperas, Hunger nunca cae en un barroquismo extremo como muchas otras bandas de pop psicodélico, tampoco en lo demasiado bobalicón, acaramelado, ñoño, infantiloide o inocentón, lo "popero" del grupo contrasta con su mentalidad psicodélica y su bagaje directo del garage que le da un sonido crudo pero a la vez con inusuales habilidades compositivas e instrumentales, dándonos a entender que Hunger eran bastante más talentosos que la banda promedio de garage gringa de mediados de los 60's, pues mientras las composiciones normales de garage eran bastante lineales (Es decir, los grupos de garage eran rocanrol "puro" y es que para ser sinceros y realistas, el rock no es música de conservatorio, uno cuando va a escuchar rock, no espera a escuchar una sinfonía de 15 movimientos, espera escuchar una música basada en el rhythm and blues, con guitarras distorsionadas y una composición sin pretensiones, al menos que lo que quieras escuchar sea rock progresivo o art rock, pero la cosa es que tampoco se les puede exigir tanto a un montón de bandas formadas generalmente por chavitos de entre 13 y 21 años que generalmente tocaban por puro hobby, por eso un académico generalmente nunca podrá entender al rock, ni cual es la magia que pueden tener las composiciones más elementales), las composiciones de Hunger tienden a ser un poco más elaboradas, con más desarrollo instrumental y cierta finura, y aunque se les compare mucho con los Doors, definitivamente pienso que Hunger traían su propio rollo, eran tan buenos que aquí las comparaciones serían ya demasiado ociosas, pues se podría decir que Hunger ya eran una banda con derecho propio, pero que por un mal manejo de los representantes y la mala suerte que les llegó en los Ángeles, no pudieron sacar todo el potencial que tenían, por lo que Hunger es una de esas grandes bandas que no les llegó la buena suerte y terminaron por desaparecer.

Colors (Con su parte inspirada en Happenings Ten Years Ago de los Yardbirds), Workshop, Mind Machine y Open Your Eyes deberían estar entre lo más representativo de los 60's, no solo por su contenido musical, sino por sus letras también, pues esas 4 canciones sintetizan de excelente manera la filosofía y la mentalidad de la contracultura de los 60's, sin embargo, al no haber sido hits, al no ser composiciones de corte académico y que además, Hunger apenas fueron conocidos en su momento, pues no están junto a grandes himnos de la época como All You Need Is Love, Get Together, Give Peace A Chance, San Francisco (Flowers In Your Hair), Monterey, Like A Rolling Stone o San Franciscan Nights, aunque deberían estar, el buen Gustavo, que es fan incondicional de Hunger, seguramente está de acuerdo conmigo.

Sin embargo, esas 4 canciones no son lo único que hay en el disco, también hay un extraordinario tema instrumental en donde la guitarra y el órgano hacen de las suyas llamado Portland 69, No Shame que fue originalmente escrita como un "éxito", es un exquisito rolón de pop psicodélico con clavicordio y unas letras sobre un músico que está cansado de la fama y le está escribiendo a su novia que va a regresar pronto a su casa, esto me recuerda en parte a lo que terminaron haciendo George Harrison y John Lennon en sus días post-Beatles, también Trying To Make The Best, The Truth (con sus partes jazzeras que nos recuerdan a Gold and Silver de Quicksilver Messenger Service) y She Let Him Continue son GRANDES, monumentales temas, que demostraron que Hunger eran una banda con un potencial tremendo como músicos, pero que simplemente el destino no les fue grato.

Sobre las mezclas, yo la verdad es que me voy más con la primera, con la de los temas largos y con más desarrollos instrumentales, aunque bueno, por más que a la banda les haya decepcionado la nueva mezcla, el grupo era tan bueno que incluso con los temas tan "macheteados", sonaban refrescantes y brillantes, también las versiones de los sencillos son grandes trabajos y eso que la producción ahí fue bastante pobre.

En fin, este es un clásico perdido, que merece más reconocimiento del que tiene.


P.D. El disco viene como es usual, en FLAC con las portadas escaneadas, después de salieran errores en los archivos originales, ahora lo he resubido en tres partes, espero que esta vez el internet no suba con errores a los RAR, pero de cualquier forma, avísenme si no les aparece algún error al descomprimir los archivos.
La primera alineación de Hunger en Diciembre de 1967