Seguidores

8 jun 2022

Aviso

 Muy buenas noches a todos, después de tantos meses de inactividad en este blog, creo que merecen una explicación, ya que cuando volvió a dejar de actualizarse, justo estaba intentando que volviese a funcionar, sin embargo, abruptamente dejé de actualizarlo y desde Octubre del año pasado, no he vuelto a actualizarlo, por lo que he decidido hacer este post, en el que intentaré ser breve, pero conciso y es que justo enmedio de querer hacer que volviese a funcionar como lo hacía en su época dorada por allá entre el 2009 y el 2012, la creatividad se vino abajo y es hasta hoy que no he podido escribir una reseña que me plazca, por lo que se me ha hecho extremadamente difícil volver a actualizarlo de manera regular, por lo que les pido disculpas, esperemos que pronto vuelvan las ganas y la creatividad para volver a poner en marcha a este pequeño espacio que prácticamente es un fósil viviente teniendo en cuenta que la caída de Megaupload terminó siendo el principal motivo para que la mayoría de blogs en la red desaparecieran, ya fuese porque el FBI los eliminó o porque sus redactores no se sintieron motivados a seguir con el trabajo, sin embargo, surgió también la moda de los "vlogs" musicales en el Youtube, cosa que en mi opinión, es una pérdida tiempo, porque no obliga a la gente a poner atención a lo que el crítico tiene para decir al respecto de un grupo, disco o canción, mientras que la lectura de un artículo de un blog, requiere atención y es por eso que me he negado a darle fin a esto, por lo que puedo decir que intentaré no tardarme mucho en volver por acá con algunas joyas que quedaron pendientes de reseñar, entre ellas, mucho del material mexicano que había estado publicando por los 50 años de Avándaro y otras más que tengo planeado publicar desde el otoño del año pasado.

Muchas gracias por su comprensión y nos veremos pronto.

9 oct 2021

La Antología del Rock Vol. 3: La Vieja Guardia (2020)

  Muy buenas a todos ustedes, sean bienvenidos a un post más de este especial de psicodelia mexicana con motivo de los 50 años de Avándaro, el cual tenía originalmente planeado publicar el 16 de Septiembre, pero como les venía diciendo anteriormente, no me sentía lo suficientemente lúcido y creativo para escribir, por lo que decidí posponer su publicación hasta hoy, que tuve por fin la lucidez y la energía suficientes para terminar las reseñas, por lo que espero que los que esperaban con ansia una nueva entrega, me disculpen por tardarme tanto y haber dejado la mayor parte del mes de Septiembre vacío, espero que esto se componga ahorita en Octubre. ¡Hasta la próxima!

Como nota, quiero decir que este post servirá tanto como una actualización de dos discos que ya habían sido publicados por aquí y como nuevo post por uno que nunca se había publicado en el blog. Muchas gracias.


CD 1: Pájaro Alberto y conjunto Sacrosaurio - Viaje Fantástico (1974)
Alberto Isordia más conocido como el "Pájaro Alberto", es otro de los personajes más celebres del rock mexicano de aquellos años, pues es conocido por su labor con Love Army, uno de los grandes ausentes en Avándaro, grupo que comenzó en Tijuana, Baja California con el nombre de los Tijuana Five y que más tarde con la adición de una sección de metales fue cuando empezó su época dorada en la que mezclaron influencias de jazz rock y soul psicodélico, dando resultado a la icónica Caminata Cerebral, editada en 1971, la cual fue especialmente conocida por su letra en español que contenía un mensaje político y lo cual significó un motivo para que la censuraran de varias radiodifusoras, sin embargo, también significó que fueran contratados para tocar en Avándaro, sin embargo no pudieron llegar, igualmente se hicieron conocidos por sus enérgicas tocadas en el club Tiberio's en Acapulco, Guerrero.

Una vez disueltos, el Pájaro se fue a formar a Sacrosaurio y no tardaron mucho en grabar su único álbum, que tuvo la participación del mismísimo Armando Nava en la producción y dirección artística (esto también fue motivo para que el Pájaro le regresara el favor al participar en el tercer disco de los Dug Dug's), así como la participación de las hermanas Valdez (conocidas por su labor con la Cosa Nostra) y de Carlos "el Nono" Zaldívar del Epílogo en los créditos de una canción, el cual salió en 1974 con el título de Viaje Fantástico.

Con un título ultrapsicodélico, el Viaje Fantástico es un disco de lo que yo le llamaría "psicodelia ecléctica", pues lo que tenemos es básicamente una combinación de muchos estilos en los que encontramos folk psicodélico, pop barroco de sabor lisérgico, rock sureño, soul, soft rock, heavy psych, rock ácido y raga rock, en donde podemos notar también ecos británicos, gringos y españoles (sí, lo leyeron bien), por lo que estamos ante un álbum muy completo y diverso que a pesar de que combina muchísimas influencias, todo ello está mezclado de una forma muy fina y artística, e igualmente algo que lo hace único es que está cantado en Español en su totalidad, por lo que (al menos en mi opinión) es completamente correcto que esté considerado entre los mejores discos mexicanos de la historia.

El disco comienza con la icónica Seguir al Sol, canción que por su letra partidaria del hippismo se podría decir que es uno de los himnos de la contracultura en México, pero además de la letra, la música ejemplifica a la perfección lo que podríamos etiquetar como folk rock psicodélico por excelencia, por su mezcla de instrumentos eléctricos y acústicos, en el que yo noto también ecos del enorme Phil Pearlman y Relatively Clean Rivers, no solo en lo musical, sino por la letra, pues precisamente este se fue a vivir al campo y hasta la fecha se dedica a la ganadería. Obra maestra.

Giselle es un tema en el que podemos notar una influencia muy marcada tanto de los Beatles en su época psicodélica (Blue Jay Way) como de Paul McCartney solista y por si no fuera poco, noto ecos del pop español más comercial de la época, particularmente de Camilo Sesto, aunque en un plan mucho más refinado y psicodélico, pues por un lado tenemos la interpretación vocal del Pájaro que me suena muy a George Harrison, la cual incluye un parlante leslie (algo muy beatlesco) y el sintetizador que le da una atmósfera muy viajada (un recurso que retomaría Armando Nava para el Cambia, Cambia). Espléndido.

Vida es otro de los temas célebres del Pájaro y de hecho fue el lado B del sencillo de 1974 que incluía también Seguir al Sol, y de nuevo tenemos pop psicodélico beatlesco, aunque esta vez con adornos barrocos hechos por el clavecín, igualmente la letra es muy poética y espiritual, por lo que me veo tentado a decir que el Pájaro Alberto es uno de los mejores letristas del rock mexicano de la época junto con los de Antorcha (que se jodan los rupestres y su defensa del kitsch mexicano). Obra maestra.

Amor Libre, otra alusión a la filosofía del movimiento hippie como lo dice su título, en la que la música suena mucho a Grateful Dead, lo que me parece muy interesante, teniendo en cuenta que aquí en México ese grupo no generó mucho revuelo, pero posiblemente en Tijuana sí. Temazo.

Ven a verme es un cruce entre el folk psicodélico de la Revolución de Emiliano Zapata (So Long Ago) o The Yankee Dollar (Good Old Friends) con alguna especie de rock sureño souleado (el soul queda enfatizado en los coros de las hermanas Norma y Rubí Valdez) en el que destaco especialmente el violín, que me parece excelente. Temazo.

No pudo ser muestra que el Pájaro Alberto no es únicamente un maestro en distintas vertientes de la psicodelia, pues aquí nos muestra que también puede manejar de forma excelente el soft rock al estilo de Todd Rundgren (uno de los mayores íconos del rock y el pop de Estados Unidos) en el que también se incluyen unos arreglos muy refinados de cuerdas que quita el aliento. Espléndido.

La Isla en su letra vuelve a reiterar el hippismo del Pájaro Alberto, sin embargo, musicalmente lo encontramos en su faceta más cercana al heavy psych en el que podemos notar ecos de la Verdad Desnuda (Illusive World), el Amor (On The Midnight Bus), Deep Purple (The Painter), Vanilla Fudge (Shotgun), The Corporation (I Want To Get Out of My Grave) y Elderberry Jak (Vance's Blues), pues básicamente es un tema sumamente guitarrero en el que también podemos notar un órgano hammond y cierta influencia del soul que también nos hace recordar a su anterior agrupación Love Army. Espléndido.

Y llegamos al tema homónimo del disco: Viaje Fantástico, el cual es un rock ácido muy guitarrero en el que otra vez se notan ecos del Shady Grove de Quicksilver Messenger Service, por la inclusión del piano y por los solos de guitarra que de alguna manera recuerdan al gran John Cipollina, por otro lado, la letra es sobre una experiencia espiritual. Obra maestra.

A donde tú vayas vuelve a la influencia beatlesca pero combinada con el rock ácido del tema anterior, en el que otra vez se notan acentos Cipollinescos en la guitarra y ese toque refinado de piano y clavecín que recuerdan al gran Nicky Hopkins. Espléndido.

Y el disco cierra con broche de oro con Raga, probablemente uno de los pocos acercamientos hubo en el rock mexicano con el raga rock junto con la peculiar versión del Matarilerilerón del Huevo Blues y Love Don't Go Away del Love Sindicate, en el que encontramos un sintetizador que imita a una tambura, guitarra acústica, tambores, cítara eléctrica y bajo en la instrumentación, mientras que el Pájaro Alberto vuelve a sonar reminiscente del gigantesco George Harrison, por lo que creo que podemos dar por sentado que el Pájaro es su fan, igualmente la letra es muy poética y hippie. Obra maestra y el mejor momento del disco sin duda alguna, belleza total.

El Viaje Fantástico es un discazo por donde se le vea, los temas brillan por su combinación de finura, eclecticismo y potencial comercial pasada por el filtro de la psicodelia y la reivindicación del hippismo en una época donde ya nadie hablaba de la mentada "era de acuario", pero que supo condensar perfectamente la filosofía que se vivió en la época de Avándaro.




CD 2: Los Spiders - Back (1970)
Los Spiders comenzaron desde 1960, con el auge del rock & roll y los covers en México, ellos durante los 60's fueron un fenómeno de los cafés cantantes de Guadalajara, Jalisco, y en 1966 grabarían su primer EP que contenía un refrito de For Your Love de los Yardbirds cantado en español, pero no sería hasta 1969, cuando surge su primer cambio de alineación en donde entran el excelso tecladista Servando Ayala y el vocalista Antonio Vierling y así comienzan a grabar su primer sencillo de música original, el cual tenía la canción Back, la cual recibió mucha difusión en las radiodifusoras de todo el país en 1970, lo que históricamente nos haría cuestionar sobre quiénes realmente popularizaron el movimiento conocido como "la Onda Chicana", si ellos o los también tapatíos la Revolución de Emiliano Zapata. Después sacarían un par de discos más: Nuevas Rutas del Sonido en 1973 y Corre, Corre, Corre en 1980, que a pesar de que no recibieron ni la mitad de la difusión que recibió su debut, estos debieron haber catapultado a los Spiders como la mejor banda tapatía. Hoy siguen vigentes junto con otros grandes como la Revo, la Fachada de Piedra, la Quinta Visión, Pastel Pilatos, Frankie Bizarro y Pelé y el 39.4, aunque con un nuevo guitarrista, ya que el "Tucky" se murió en Enero del 2008.

Back es un álbum de excepcional manufactura en el que podemos encontrar un rock ácido finísimo interpretado por unos músicos que brillan como pocos lo han hecho en este país, pues absolutamente todos los miembros del grupo destacan por su maestría en sus respectivos instrumentos, pero no solo eso, las canciones brillan por su insólita finura (como diría el buen Gus), delicadeza y precisión melódica, mostrándonos una vez más que fue esta época donde precisamente los músicos roqueros mexicanos estuvieron al nivel de los mayores exponentes extranjeros, cosa que no se volvió a repetir en otras épocas, lamentablemente. Por otro lado, la música de los Spiders muestra reminiscencias de grupos como Quicksilver Messenger Service, Country Joe & The Fish, H.P. Lovecraft, SRC, Hunger, The Fraternity of Man, los Them, Procol Harum, Love, los Zombies y Reign Ghost, pues por un lado el trabajo guitarrero de Reynaldo Díaz suena muy influenciado por John Cipollina y Barry "The Fish" Melton simultáneamente, mientras que Servando Ayala nos hace recordar al mejor trabajo de David Cohen, Matthew Fisher, Rod Argent (con los Zombies) y Dave Hair, igualmente podremos encontrar algo de flauta transversal (el instrumento omnipresente en la psicodelia mexicana) que recuerda a los Them y a Mad River tocada también por el "Tucky", un bajo que suena a contrabajo tocado por Manuel Olivera (hermano de Guillermo Olivera, bajista de la Fachada de Piedra), una batería precisa tocada por Enrique Chaurand, quien también contribuye en una canción junto con Antonio Vierling en las tablas (tambores hindúes) y por fin tenemos a Antonio, quien con su voz de tenor lírico muy expresiva hace su mejor trabajo.

El disco comienza con Thought, que es una canción que está dividida en dos partes, la primera es (A Song) que es la que abre y la segunda es (Prayer), la mayor diferencia es que la primera está cantada y la segunda está hablada, sin embargo ambas parecen ser exactamente la misma composición con la misma instrumentación y básicamente lo que nos encontramos es una canción acústica con tintes nostálgicos y melancólicos que incluye únicamente como instrumentación guitarra acústica, armónica y voz, haciendo eco de dos grupos mexicanos contemporáneos: los Dug Dug's y la Revolución de Emiliano Zapata. Espléndido tema para abrir y cerrar un discazo como este.

En el segundo tema ya comienza lo que yo digo que es el oro puro con Something I Heard (Last Night), compuesto por el enorme Reynaldo Díaz, y es que nos encontramos ante un tema bellísimo de una finura que nadie creería que se trata de un grupo mexicano, lo que me hace remitirme a lo que he venido diciendo en las reseñas anteriores y es que mientras que el común de la gente cree que el rock en México ha llegado tan solo a un nivel de aficionado por la pobrísima calidad tanto compositiva como interpretativa de los grupos y solistas de la mayoría que han surgido de 1984 a la actualidad, sin embargo, esta es otra muestra junto con Bajo el Sol y frente a Dios del Ritual, Voy hacia el Cielo (Voy hacia el Sol) de los Dug Dug's, Again de la Revolución de Emiliano Zapata, For Those Who Love de la Comuna, Hallelujah Everywhere de la Verdad Desnuda y Faith del 39.4 de que el rock mexicano sí se acercó alguna vez a la finura de numerosos grupos extranjeros. Obra maestra.

People Deceive es rock ácido de tintes melancólicos que evoca al Shady Grove de Quicksilver Messenger Service pero sin el piano de Nicky Hopkins, el cual es sustituido por el órgano de inspiración barroca (Bach y Pachelbel como influencias principales) de Servando Ayala, en el que Antonio Vierling hace una interpretación vocal especialmente expresiva y poderosa que va en excelente conjunción con el resto de la música, mientras que el "Tucky" nos trae a la mente al mejor John Cipollina y el bajo suena con muchísima clase. Obra maestra.

On The Road es probablemente el tema menos interesante del disco, pero eso no significa que no sea bueno, pues aquí nos encontramos con una canción con bastante humor que recuerda a los momentos más divertidos de Country Joe & The Fish y The Fraternity of Man, incluso la voz de Antonio me recuerda mucho a la de Lawrence "Stash" Wagner.

Now es otro de los mejores momentos del disco y es que nos encontramos con una pieza perfecta de psicodelia ácida en la que la guitarra se hace ausente para dar paso a una superlisérgica excursión de órgano Farfisa y piano eléctrico, ambos tocados por Servando Ayala, en la que recuerda tanto a Country Joe & The Fish como a los Zombies y a Hunger, haciendo de esta pieza una de las mejores y más psicodélicas que se hayan hecho en la historia del rock mexicano. Obra maestra de principio a fin.

It's You es otra balada de tintes melancólicos que vuelve a remitirnos a Quicksilver Messenger Service al igual que a Procol Harum, pues por un lado tenemos el órgano de Servando Ayala que aquí parece haber conectado su Farfisa a un Leslie para imitar el sonido llenador del Hammond y así darles más clase a sus barroquismos, mientras que Reynaldo Díaz nos vuelve a mostrar lo influenciado que estaba por John Cipollina, con sus melódicos solos de guitarra aderezados por el uso del trémolo, mientras que la interpretación de Antonio Vierling de alguna manera me recuerda al enorme Arthur Lee. Otra obra maestra.

Back es una canción icónica, una proeza como pocas, una auténtica obra cumbre de la psicodelia en México, en la cual encontramos una finura indescriptible guiada por el gariboleo barroco de Servando Ayala, la expresiva y poderosa voz de Antonio Vierling (su compositor, quien afirma haberla compuesto a los 14 años), el bajeo con muchísima clase de Enrique Chaurand y la extraordinaria guitarra melódica de Reynaldo Díaz Vélez el "Tucky", y es que si algo hay que mencionar es que esta fue la primera canción original de un grupo mexicano en ser un éxito al haber entrado a la mayor parte de las radiodifusoras del país, seguida de Nasty Sex de la Revolución de Emiliano Zapata, pero esa es otra historia que ya contamos. Obra maestra.

You Love Me de alguna manera suena como si Steppenwolf hubiese contratado a John Cipollina en el lugar de Michael Monarch, la canción tiene un ritmo prendido y mucha energía, a pesar de quedar opacada por tanta obra maestra aquí presente.

I'm A Man es una dulce e introspectiva balada de folk psicodélico con ecos del grupo hippie canadiense The Perth County Conspiracy, con una instrumentación tranquila que incluye guitarra eléctrica con efecto de vibrato, percusiones, órgano Hammond, piano y una interpretación vocal muy suave, en la que la letra va narrando la madurez y la toma de responsabilidad de un joven dispuesto a emanciparse de su familia (algo que hoy muchos anhelamos y que cada vez se hace más improbable debido a que el sistema cada vez hace más grande la brecha entre los ricos y los pobres), hacia el final Servando Ayala hace lo que mejor sabe hacer, llevarnos al edén psicodélico con sus solos de órgano. Obra maestra.

Movin' Up vuelve a recordarnos a Steppenwolf, y de nuevo encontramos un tema que a pesar de que tiene mucha energía y suena hasta bailable, queda un tanto opacado por tanta proeza creativa que está presente en este disco, pero podría decirse que es históricamente importante al igual que You Love Me por ser parte del heavy psych mexicano primigenio. Muy buen tema.

Love Is The Way es otra proeza, otro tema descomunal el cual pudo haber sido un cierre de broche de oro si no estuviese la segunda parte de Thought, sin embargo, eso no le quita ser una de las más bellas y mejor elaboradas piezas de la psicodelia mexicana, pues estamos ante una obra del nivel de Square Room de los Them, The Fool de Quicksilver Messenger Service, Workshop de Hunger y Grace de Country Joe & The Fish, en el que encontramos una parte de psicodelia jazzeada con flauta y piano claramente inspirada por Take Five de Dave Brubeck mientras que la flauta transversal va soleando de la forma más psicodélica posible, luego tenemos más rock ácido de tintes melancólicos que evoca a Quicksilver Messenger Service y a Hunger, para terminar volviendo a la psicodelia ácida jazzeada en donde encontramos unos de los paisajes musicales más lisérgicos jamás escuchados en la historia del rock mexicano, el cual de alguna manera recuerda tanto a QMS como a los Them y a Mad River (Wind Chimes), pues tanto Servando Ayala en el Farfisa como el "Tucky" en la flauta van improvisando con un aspecto al que yo situaría en un rock ácido de inspiración hindú, mientras que el bajo de Enrique Chaurand como siempre, sonando con muchísima clase y sumamente llenador, como si fuese un contrabajo, y para finalizar tenemos la guitarra Cipollinesca reafirmando la grandeza de este tema.

Back es una obra maestra sin lugar a dudas, un disco que no tiene temas de relleno y que muestra a un grupo dando lo mejor de sí, explotando su creatividad para crear obras que después de 51 años de haber sido lanzadas al mercado, se siguen escuchando y que indudablemente es parte de lo mejor en la historia del rock nacional.




CD 3: Enigma - Enigma (1972)
Los orígenes de Enigma se remontan a un grupo llamado las Ventanas, el cual tocaba una especie de bubblegum pop psicodélico a fines de los 60's, lo cual les trajo bastante popularidad, al punto de tocar en giras organizadas por la CBS -disquera en la que habían firmado- alrededor de todo el país, las cuales, irónicamente, estaban acompañadas por bandas y cantantes de música tropical, rancheras, boleros y demás, y según las anécdotas de los mismísimos miembros de las Ventanas como Pablo González y Héctor Zenil -quien entró en 1970-, la gente se prendía mucho más con los grupos de rock como ellos que con los de los otros géneros, lo cual -por supuesto- dejaba opacados a estos últimos, cosa que debería hacer que nos planteemos la pregunta: ¿Esto habrá sido un motivo oculto para que el gobierno implementara el infame Avandarazo? No podemos asegurarlo, sin embargo, no hay que descartarlo como una probabilidad, ya que en México se tiene la bonita costumbre de crear mafias y de que estas controlen de forma monopólica y criminal los medios de comunicación, el gobierno y las industrias, y aunque a muchos les suene a pura teoría de conspiración, esto último es un hecho y que el simple hecho de que unos grupos de jóvenes con ropas psicodélicas, pelos largos e instrumentos eléctricos los opacaran de esa manera, puede ser un motivo para que gente como Vicente Fernández, la Sonora Santanera o Armando Manzanero (que digan lo que digan, su música pecaba de kitsch) intentaran por todos los medios desaparecer al rock y con Avándaro finalmente vieron la oportunidad de lograrlo, al fin el gobierno veía a los hippies con desprecio, por lo que la propuesta de usar a Avándaro como motivo para acabar con el rock fue bien recibida tanto por el gobierno como por la mayor mafia de los medios de comunicación que ha tenido México, Telesistema Mexicano (luego conocida como Televisa), pero bueno, regresando a la historia de Enigma, el grupo había tenido mucha popularidad con el nombre de las Ventanas, sin embargo, se encontraban inconformes con el pop psicodélico que habían venido tocando en años previos, por lo que en 1970, cuando la Revolución de Emiliano Zapata lograron tener una fama sin precedentes con Nasty Sex, el grupo decidió cambiar radicalmente de estilo, pasando del pop a un hard rock de raíces bluseras y elementos psicodélicos, el cual estaba fuertemente influenciado por grupos anglosajones como Steppenwolf, Led Zeppelin, Deep Purple, Grand Funk Railroad y Ten Years After, sin embargo, algo que también cambió fue su nombre, pues sabían que si su nuevo disco salía con su antiguo nombre, probablemente no hubiese sido tan bien recibido por el público que ya escuchaba a los grupos de la llamada "Onda Chicana", por lo que se hicieron llamar Enigma y los miembros que estuvieron conformados en ese momento por los hermanos Carlos, Pablo y Sergio González más Héctor Zenil, se cambiaron los apellidos por signos zodiacales, por lo que en 1971 salió el primer sencillo de Enigma con la icónica Bajo el Signo de Acuario, que fue un éxito inmediato y que se supone, fueron llamados para tocar en Avándaro, pero Armando Molina no los dejó por considerarlos "fresas", aunque existen relatos de otros asistentes que afirman que esto no es cierto y que nunca fueron contratados para tocar en el festival, aunque ambas cosas no me constan -porque no estuve ahí-, pero como haya sido, la cosa es que Enigma fueron inmensamente populares en ese momento, sin embargo, esa popularidad pronto se les vería confinada a los Hoyos Fonquis cuando el gobierno impuso tácitamente el Avandarazo y justo en 1972 salió su debut homónimo del que hoy estamos hablando por aquí.

Enigma es probablemente uno de los primeros discos pesados hechos en México junto con el disco En Vivo del Amor, lanzado poco antes en 1971, por lo que es un disco fundamental para rastrear los orígenes del rock pesado en el país. Por otro lado, musicalmente con lo que nos encontramos es básicamente una combinación de hard rock, heavy psych y boogie rock, en la que la ejecución suena cruda, directa y potente, la música es guitarrera a más no poder y la peculiarísima voz de Pablo Cáncer, a pesar de que no era una maravilla, cumple con su función, por lo que puedo decir que tenemos todos los elementos necesarios para que este disco esté al nivel de cualquier disco ultra-underground de heavy psych hecho en Estados Unidos en ese mismo tiempo, por lo que creo que ningún fan del Buster Browns, Bolder Damn, Top Drawer, Mariani, Bob Seger, Jamul, Grand Funk, Euclid, Mountain o Steppenwolf querrá perdérselo por nada del mundo, e igual, a pesar de que el estilo de Enigma era mucho más sencillo tanto compositiva como instrumentalmente hablando que el de otros de sus contemporáneos, eso no quita que podamos hablar de un disco que ya tiene el nivel que uno podría esperar de un grupo extranjero, cosa que lamentablemente no se volvió a ver hacia la siguiente década en adelante, y que igualmente afectó a Enigma, pues para sobrevivir a la época en la que el rock urbano comandado por el infame Alex Lora tuvo su apogeo, tuvieron que cambiarse a tan feo subgénero musical, sacando discos de una calidad muy variable, sin embargo, esto no duró tanto y en los últimos años en los que siguió comandando al grupo el fallecido Pablo Cáncer, este se tornó hacia un estilo más orientado al blues eléctrico, cosa que se agradece especialmente cuando uno tuvo la oportunidad de verlos en vivo al menos tres veces, no obstante, ahora el nombre de Enigma es cargado por los sobrinos de este y les queda muy grande, al punto de que han alejado a los seguidores del grupo que los habían estado acompañando desde antes de los Hoyos Fonquis.

El disco empieza con el icónico Under The Sign of Aquarius, un potente y espeso tema de heavy psych guitarrero, con un riff pegajoso y reminiscencias bluseras que bien podría pasar por ser un tema inédito del Buster Browns o hasta de los grandes Steppenwolf, cosa que convierte a este tema como uno de los más importantes de esa época por derecho propio, pues la composición es excelente y la ejecución es perfecta para el contexto de la canción, por lo que esta rola bien podría pasar a ser parte de numerosas recopilaciones de rarezas de heavy psych, si los pseudoarqueólogos que abundan se dedicaran más a investigar el género fuera de sus pretensiones de encontrar a alguna especie de Black Sabbath perdido en el basurero de la historia. Espléndido.

Save My Soul es más un boogie rock estándar, sin embargo, la canción es pegajosa y tiene un riff memorable, por lo que funcionó como el lado B del tema anterior, igualmente el trabajo guitarrero de Pablo Cáncer es admirable al igual que el de Sergio Acuario en el bajo y el de Héctor Virgo en la batería. Muy buen tema.

69 es de mis temas preferidos del disco, pues otra vez nos encontramos con heavy psych clásico, la cual recuerda bastante a Steppenwolf, pero al mismo tiempo noto ecos del sonido de Detroit, especialmente de Bob Seger, Savage Grace, MC5 y los Stooges, cosa que también me hace considerarla junto con ¿Cuál es tu Nombre? de los Dug Dug's y parte del material de Antorcha como proto-punk, igualmente la ejecución del grupo es excelente, por un lado tenemos la batería de Héctor Virgo que suena reminiscente de su ídolo Ian Paice, el bajo de Sergio Acuario que suena llenador y pesado y la guitarra de Pablo Cáncer que es la que toma la batuta de instrumento melódico y recuerda a Michael Monarch. Espléndido.

Simón en mi opinión es uno de los temas más flojos del disco, y es que de nuevo nos encontramos con un boogie rock algo genérico, pero esta vez creo que este tema fue hecho más que nada para rellenar el disco, por lo que no lo destaco gran cosa, sin embargo, a pesar de que no esté al nivel de los temas anteriores, esto es a lo que mínimo muchos grupos actuales quisieran llegar en cuanto a nivel musical.

Live It Up, Mama es más boogie rock, pero aquí, a diferencia de la canción anterior, noto más ganas, por lo que supongo que este tema no fue escrito como relleno, igualmente los integrantes del grupo muestran una excelente ejecución, por lo que se puede decir que tiene su mérito. Muy bueno.

The Call of The Woman es tal vez el otro tema icónico del grupo, especialmente porque luego en los 80's, los de Transmetal hicieron una versión que a mí en lo personal no me gusta y mejor no hablaré de la calidad de esa versión para no perder rumbo, pero igualmente aquí nos encontramos con otro puñetazo de heavy psych, esta vez más lento y con ecos de los grandes Mountain, pues es un tema más lento que Bajo el Signo de Acuario y 69, pero igual de guitarrero y pesado, en el que incluso la voz de Pablo Cáncer me recuerda de cierta forma a la del gran Leslie West. Con muy buena razón, este tema es icónico. Espléndido.

Interwine y Sunday's Coming suenan al mejor Grand Funk, es decir, al de los primeros discos en los que fueron un power trio, y es por eso que las disfruto muchísimo, todo en ellas me parece interesante. Temazos.

Para cerrar tenemos a Count Down, la cual es probablemente el tema más cercano al proto-progresivo que ha hecho el grupo en toda su carrera, pues encontramos ciertos cambios de ritmo con cierta influencia jazzera que de alguna manera me recuerdan un tanto a algunos de los grupos contemporáneos como los Dug Dug's, el Ritual o incluso a Nuevo México en sus inicios, cosa que hace a este tema muy meritorio, pues muestra que Enigma era un grupo con músicos excelentes que además podían hacer cosas con mucho nivel como esta canción. Espléndido.

El debut de Enigma no es simplemente un disco importante para la época de Avándaro, sino que es un álbum que tiene importancia por ser primerizo en su estilo y por tener temas que son de interés para cualquiera que se diga fan del heavy psych, pues además de mostrar mucha calidad, los temas son exactamente lo que los seguidores de dicho estilo buscamos, por lo que si eres de los nuestros, no esperes a bajarlo.




27 sept 2021

Sobre las reseñas pendientes

 Buenas noches, hoy decidí comunicarme con ustedes, ya que les prometí desde la semana antepasada la nueva reseña, sin embargo, he tenido un bajón creativo importante debido a que desde el verano no he tenido un descanso de calidad y ahorita estoy intentando volver a dormir a mis horas, sin embargo, aún no me acabo de sentir tan lúcido como debería y eso me ha provocado que me esté tardando en escribir las nuevas reseñas, pero esperemos que para mañana o pasado ya estén, por otro lado, sigan al pendiente porque habrá más cosas durante todo Octubre y Noviembre con respecto a los 50 años de Avándaro.

¡Hasta la próxima!

9 sept 2021

La Revolución de Emiliano Zapata - La Revolución de Emiliano Zapata (1971) y Hoy (1972) [Repost]

 
Hola de nuevo a todos, sean bienvenidos a este nuevo post del especial de psicodelia mexicana en conmemoración de los 50 años del Festival de Avándaro, esta vez tuve que apurarme en hacer esta reseña y en subir el disco, ya que resulta ser que el especial fue un éxito inesperado, pues por ejemplo, la entrada del Ritual en una semana llegó a más de 500 visitas e igualmente la publicación de los Dug Dug's llegó a un número lo suficientemente grande en un poco más de una semana, cosa que me dejó contento, pues cuando el blog regresó a la actividad constante en Abril, yo esperaba que las entradas de grupos gringos e ingleses levantaran al blog, sin embargo, todas lograron tener un número de visitas mediano en un transcurso de 1 a 2 semanas e incluso a algunas publicaciones tuve que hacerles doble publicidad para que llegaran a un número decente de visitas e incluso algunas tuviesen comentarios, por lo que tuve que llegar a la conclusión de que la mayor parte del público de OutsideInside Music no viene tanto por los grupos extranjeros, sino esperando a que aquellos discos de rock mexicano que alguna vez publiqué por allá entre el 2010 y el 2012 estuviesen actualizados, por lo que les tengo buenas noticias, el especial se extenderá hasta Octubre y si ustedes lo piden, es posible que lo pueda extender hasta Noviembre, por lo que espero que comenten su parecer e incluso que hagan sus proposiciones para publicar aquí, cosa que me ayudará muchísimo para hacer al especial más completo, por otro lado, no tengo más que decir al respecto y ¡Hasta la próxima!

Estos discos de la Revolución de Emiliano Zapata fueron publicados en el blog por primera vez en el otoño del 2010, cuando este blog comenzaba a hacerse un nombre, aunque estaban en unos ripeos en Mp3 bastante malos y sin el arte completo, luego el debut lo volví a publicar en el verano del 2012, esta vez siendo mi propio ripeo en FLAC y con el arte completo, después en Enero del 2013 volví a postear el segundo, igualmente con mi ripeo y el arte completo, debo mencionar que ambos son los remasters en Mini-LP que sacó la Universal en el 2009, después se pasaron años hasta que ahorita decidí volverlos a publicar, pero esta vez decidí hacer un post más o menos completo, ya que además de incluir los ripeos que hice, decidí incluir varias versiones que me he encontrado, entre ellas: las primeras ediciones en CD de ambos discos, un bootleg mexicano del debut ripeado por Carmor de Viaje al Espacio Visceral, otro que es un ripeo de una remasterización en vinilo en 24/96 que me encontré en Rutracker y finalmente un bootleg ruso del 2017 que también me encontré en esa página, todo esto para comparar la calidad de cada uno.

La Revolución de Emiliano Zapata se formaron en 1969, cuando la influencia de la contracultura proveniente de los anglosajones se estaba haciendo latente en México y ellos querían hacer un grupo que sonara similar a sus ídolos (Quicksilver Messenger Service, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Jeff Beck, entre otros), por lo que pronto, después de haber estado ensayando con guitarras acústicas, se compraron su equipo que constaba de guitarras Gibson, Rickenbacker, Vox y Fender junto con amplificadores Kustom (que en aquel entonces eran muy baratos por ser de transistores) y pronto comenzarían a tocar en fiestas, lugares nocturnos y escuelas, por lo que en 1970 comenzaron a escribir canciones originales, entre ellas la icónica Nasty Sex que básicamente fue compuesta para un concurso de la estación de radio Ondas de Alegría en el que terminaron ganando frente a los Papos (otro grupo popular de la escena de Guadalajara) y así firmaron un contrato con la Polydor que resultó en la grabación de su primer sencillo, que marcaría un antes y un después en la historia del rock nacional y así junto con los Spiders, ellos serían los principales impulsores del movimiento conocido como "la Onda Chicana" y así este tuviera una explosión importantísima que marcaría el rompimiento definitivo con los refritos y así comenzaría una época muy promisoria dentro del rock mexicano que finalmente terminaría siendo truncada por el Avandarazo y a unos de los primeros en afectarle esto fue a la Revolución de Emiliano Zapata, quienes en 1972 seguían siendo el grupo más popular del país y repentinamente se vieron reprimidos hasta tal punto que ya no podían tocar en los lugares donde solían hacerlo y esto dio paso a que cambiaran de estilo en 1975.


La Revolución de Emiliano Zapata (1971)
En Abril de 1971 salió su primer disco de larga duración también bajo el sello de Polydor, en el que básicamente podemos encontrar la fórmula que los hizo conocidos, por un lado está el rock ácido guitarrero influenciado por el sonido de San Francisco y por el otro está el folk rock psicodélico que incluye guitarra acústica, flauta transversal y armónica, sin embargo, habría que mencionar que aquí el grupo todavía suena algo inmaduro, pues a pesar de que sus canciones muestran muchísimo potencial, ya que la mayoría son grandes melodías, la ejecución del grupo muestra algunos riscos importantes que desbalancean un poco al álbum en general, como por ejemplo, cierta descoordinación entre los instrumentos, la producción un tanto rudimentaria -aunque muestre mucha mejoría en relación al sencillo original de 1970- y el inglés malísimo de Oscar Rojas y los demás integrantes que le hacen coros, sin embargo no todo está perdido, pues tenemos a un grupo capaz de componer melodías memorables y que a pesar de sus carencias, su ejecución desborda de honestidad y pasión, cosa que definitivamente los llevó a estar en un lugar muy alto dentro de la psicodelia mexicana, algo que incluso para muchos contemporáneos suyos fue una tarea imposible, teniendo en cuenta que en ese momento estaban en la cúspide grupos como el Ritual, los Dug Dug's, los Spiders, la Comuna, Antorcha, la Verdad Desnuda, la Fachada de Piedra, el 39.4 y Love Army, todos ellos músicos de primera.

El disco inicia con la icónica Nasty Sex, la canción más importante y trascendente de la psicodelia mexicana, pues fue tanta su magnitud cuando salió por primera vez en 1970, que su éxito no fue simplemente algo regional, sino que entró en las listas de popularidad de Estados Unidos y de Europa, cosa que ningún otro grupo mexicano de aquel entonces logró, lo que les hizo ganar 5 medallas por haber hecho tal logro. Ahora, hablamos más propiamente de la música, estamos ante un tema con una composición extremadamente sencilla en la que apenas se conjugan tres acordes y en la que su mayor base melódica son las canciones Born on The Bayou de los Creedence y Honky Tonk Women de los Rolling, sin embargo es en la guitarra solista de Javier Martín del Campo donde se encuentra el aspecto psicodélico que la sitúa dentro del rock ácido, pues aquí encontramos a un virtuoso que se encuentra en la escuela que dejó la escena de San Francisco, especialmente John Cipollina, pero igualmente se encuentra situado en la escuela que dejaron guitarristas como Jeff Beck y Alvin Lee y por otro lado, la letra ha sido motivo de controversia, por ejemplo esto hizo que Parménides García Saldaña los tildara de "fresas" y que el intento fallido de periodista y trovador lumpenburgués Hugo García Michel los llame "conservadores y retrógradas", pues básicamente lo que la letra nos relata es un regaño a una chava que anda teniendo sexo casual con hombres irresponsables para que se enfoque en el amor real, cosa que curiosamente hoy no suena nada retrógrada o conservadora, sino que al contrario, hoy resulta ser algo completamente honesto, especialmente en la actualidad donde las relaciones con otras personas ya no tienen ningún cimiento y esta carencia se ve reflejada en la promiscuidad y esta termina siendo justificada por el discurso identitario y políticamente correcto. Temazo.

Melynda es tal vez la canción que más se acerca al garage rock sesentero, por su relativa simpleza estructural, su ritmo algo veloz, sus acentos marcados por un bajo fuzzeado y su ataque guitarrero que de nuevo es lo que otorga el aspecto psicodélico a la canción. Temazo.

I Wanna Know es folk rock psicodélico garajero de tonos melancólicos que recuerda a los gringos Negative Space (The Long Hair) o a sus contemporáneos, también jaliscienses la Quinta Visión (Suddenly) y es que estamos ante un tema bastante tranquilo y melancólico en el que los instrumentos que toman protagonismo son la flauta transversal y la armónica. Muy bueno.

If You Want It es rock ácido al más puro estilo de Quicksilver Messenger Service, pues aquí encontramos esa atmósfera melodramática tan propia de aquel cuarteto sanfranciscano, así como también a Javier Martín del Campo haciendo su mejor impresión del estilo de John Cipollina e igualmente algo que se me hizo sumamente interesante fue la inclusión de un solo de bajo con fuzz, un recurso relativamente poco común que solo se los he escuchado a muy pocos grupos, entre ellos a los enormes Ill Wind (Dark World) y a unos cuantos grupos más. Obra maestra.

Shit City o Ciudad Perdida es un tema completamente instrumental de rock ácido, en donde los ecos del sonido de San Francisco se vuelven a hacer patentes pero igualmente la influencia del surf, cosa que me parece sumamente interesante teniendo en cuenta que México no había tenido a grupos de surf durante principios y mediados de los 60's, y no fue hasta relativamente hace poco tiempo que surgieron grupos del estilo, por lo que estamos ante un tema que curiosamente se adelanta al surgimiento de ese subgénero en México y al mismo tiempo es una de las pocas canciones instrumentales del rock mexicano de aquella época, por eso es que también se convirtió en otro tema icónico del grupo. Obra maestra.

A King's Talk o como la tradujeron en su momento, Pláticas de un Rey, es un rock ácido que de nuevo tiene tintes melancólicos, pero con la novedad de introducir la influencia de la música medieval, cosa que me parece también sumamente interesante, teniendo en cuenta que como he venido diciendo anteriormente, el rock mexicano tiene la mala fama de ser paupérrimo tanto en ejecución como compositivamente hablando, al punto de que un buen amigo de Tamaulipas dijo correctamente que en su mayoría está al nivel de aficionado, sin embargo, lo que notamos aquí, es que a pesar de que al grupo le faltaba pulir su ejecución y sus composiciones, aquí ya estamos hablando de una melodía magistral y que muestra un refinamiento que generalmente solo podríamos atribuirle a un grupo extranjero y que definitivamente pone a la Revo en un lugar muy alto dentro del rock mexicano de la época como venía diciendo más arriba e igualmente se incluye una sección que hace eco de The Fool de Quicksilver Messenger Service. Obra maestra.

Still Not, Not Yet vuelve al rock ácido guitarrero, de nuevo con ecos de San Francisco aunque esta vez más garajero y más crudo, en el que de nuevo la guitarra hace gala. Muy bueno.

At the Foot of the Mountain recuerda a Phil Pearlman en su época con Relatively Clean Rivers o al Pájaro Alberto con Sacrosaurio, es decir, es folk rock psicodélico algo campestre y con un sabor muy hippie que incluye guitarra acústica y flauta transversal, de nuevo, la melodía está en tono melancólico. Temazo.

El disco cierra con Under Heavens, un tema que suelo disfrutar mucho por su combinación del tono melancólico que venían manejando en algunos de los temas anteriores junto con lo guitarrero y me parece un excelente cierre para un disco que si bien no llega a ser una obra maestra absoluta a pesar de incluir tres temas que sí llegan a serlo, ya es un excelente comienzo para un grupo que de otra manera sí terminaría creando uno de los mejores discos hechos en México que curiosamente fue el soundtrack de la película la Verdadera vocación de Magdalena, pero aquí ya se nota a un grupo con mucho potencial artístico pero que todavía no pulía por completo sus ideas.


Hoy (1972)
A finales de 1971, la Revolución de Emiliano Zapata seguían siendo el grupo más popular de México, al punto de que la gente podía amontonarse en gran cantidad con tal de estar en uno de sus conciertos e incluso si no mal recuerdo (espero que alguien me lo confirme) incluso la gente llegó a romper algo en un salón de Veracruz por la cantidad inmensa de gente en un espacio relativamente reducido, por lo que estaban considerados en el plan original del Festival de Avándaro, en el que iba a haber una carrera de coches y una noche mexicana amenizada por los músicos jóvenes más importantes de ese momento: Javier Bátiz y la Revolución de Emiliano Zapata, cosa que finalmente terminó siendo descartada, debido a que Javier Bátiz se sentía una diva y quiso que le cubrieran todo, incluyendo una habitación en el hotel Avándaro y la Revo tuvieron que rechazar la propuesta porque tenían su agenda cubierta para Septiembre de 1971, por lo que no estuvieron en Avándaro. En ese mismo tiempo, el grupo se había mudado al Distrito Federal y empezaron las tensiones entre los miembros, sin embargo su popularidad era tan alta en ese momento, que fueron elegidos para que fuesen el grupo que saliera en el debut como guionista de Jaime Humberto Hermosillo La verdadera vocación de Magdalena que estaría protagonizada por Angélica María y nadie más, ni nadie menos que Javier Martín del Campo, guitarrista del grupo, en la cual el grupo hace una aparición ficticia en el Festival de Avándaro y ellos son los que hacen la mayor parte de la música del filme, igualmente la película aborda un tema espinoso en su tiempo, el de como la juventud de aquel entonces era reprimida por su familia y la sociedad.

El segundo disco de la Revo, que según el mismo "Javis" fue también homónimo, pero se le suele conocer con títulos como Hoy, Nada del hombre me es ajeno o Tema de la película..., salido en noviembre de 1972 a la par de la película (que se había filmado un año antes), muestra a un grupo maduro tanto en cuestiones compositivas como en la ejecución, pues se escucha mucho más esmero en ambas, pero también encontramos a un grupo con un sonido enriquecido, pues además de su firma que era el rock ácido combinado con momentos de folk psicodélico, encontramos más elementos de soul, blues, balada romántica, música de protesta latinoamericana, algunos elementos "latinos" y hasta algo de progresivo temprano, por lo que podemos decir que estamos ante un disco muy completo, diverso y que reboza en calidad, al punto de que definitivamente se encuentra entre lo más alto a lo que el rock nacional pudo alcanzar y es por eso que vale decir que es en pocas palabras, una obra maestra, igualmente la portada es una belleza de arte psicodélico que hace eco tanto del debut de Kaleidoscope como del Disraeli Gears de Cream.

El álbum inicia con In The Middle of The Rain, la cual comienza con unos cantos cuasi-gregorianos que bien podrían recordar a los enormes Ill Wind (Full Cycle) o a los Yardbirds (Still I'm Sad), para luego convertirse en un tema de psicodelia ácida frenética e intensa, con una pasión y una energía desbordantes y contagiosas, en el que el grupo suena completamente cohesionado y su ejecución es magistral en cada momento e incluso Oscar Rojas se escucha mucho mejor aquí, pues por un lado su voz se escucha más expresiva y su Inglés muestra mucha mejoría al punto de no sonrojar tanto como lo hacía en el debut, igualmente los solos del "Javis" ya no suenan tanto como intentos de clonar el estilo de John Cipollina, Jeff Beck o Alvin Lee, aunque aún se puede notar la influencia hasta cierto punto, sin embargo, aquí suena más psicodélico que nunca, igualmente la inclusión de las coristas Marylú Bano y Patricia McLean funciona de forma excelente en la canción, pues ambas contaban con unas voces muy dulces y bellas que quedaban perfectas para lo que estaban haciendo en este tema. Obra maestra de principio a fin.

En el segundo tema viene Now Listen This Song, que a diferencia del tema anterior, aquí estamos ante un sereno y delicado tema de folk psicodélico que incluye guitarra acústica arpegiada, una batería muy suave, bajo y flauta transversal, mientras que de la voz principal se hace cargo ahora Carlos Valle Ramos, quien posee un tono más delicado y limpio que Oscar Rojas, aunque también en el registro de tenor lírico, igualmente los coros de Marylú y Pati son bellísimos aquí también. Otra obra maestra.

Ahora le toca el turno al "Javis" de cantar en Petra y sus Camaradas, un tema de blues souleado y pesado con tintes "latinos" y cierto tufo de rock ácido hendrixiano que es guitarrero por donde se le vea y que hace eco de lo que habían venido haciendo sus también contemporáneos la Fachada de Pïedra, con quienes más tarde compartirían miembros, igualmente la interpretación vocal de Javier Martín del Campo, a diferencia de la de Oscar Rojas y la de Carlos Valle, suena más agresiva y blueseada, en la que puedo escuchar la influencia de John Fogerty, además del mismo peso de voz, por lo que yo supongo que en ese preciso momento, el "Javis" tenía el registro de tenor dramático o tal vez de tenor spinto. Temazo.

Again es otra de las grandes obras maestras del grupo, pues aquí estamos hablando de uno de los temas más hermosos que se hayan compuesto en toda la historia del rock mexicano, dejando en claro que fue en este preciso momento cuando el rock estaba en su punto más álgido en cuanto a creatividad y ejecución, algo que finalmente se probó irrepetible en los años venideros en los que el rock se vulgarizó a tal punto que la mayor parte del material resultó de mediano a patético. El tema en cuestión es también folk psicodélico, esta vez con algunos tintes de progresivo también, lo que lo enriquece aún más. Por otro lado, la instrumentación consiste en guitarra acústica arpegiada, piano, maracas, bajo, batería y flauta transversal y la interpretación de Oscar Rojas es muy expresiva, cosa que me hace preferirla sobre la de Angélica María, para la incomodidad de otros, pues a pesar de que Angélica María hizo una muy buena interpretación que lamentablemente solo salió en la película, creo que pudo haber dado mucho más, teniendo en cuenta que poseía una muy buena voz y que ella cantaba muy bien incluso en las baladas y los temas de pop que solía cantar por su lado, sin embargo, lo que me gusta de la interpretación de Oscar Rojas es que le dio la expresividad que va de acuerdo con la composición, además de darle ese aspecto psicodélico en algunas partes donde su voz se escucha empapada de eco. Por otro lado, este tema es una de las mayores (y de las más olvidadas, también) obras maestras del rock mexicano, pues está en un nivel que la mayoría de los grupos y cantautores (especialmente los penosos troveros del "movimiento rupestre") que vendrían especialmente hacia los 80's no lograrían alcanzar.

Preludio a la Felicidad es básicamente una balada de tonos melancólicos con una letra contrastantemente optimista y esperanzadora que para muchos pecará de empalagosa, la cual incluye instrumentos como violoncelo, violines, guitarra acústica y batería, por otro lado, es la única canción de la alineación original de la Revo que está cantada en Español en lugar del típico Inglés, lo que la hace muy interesante en su especie y musicalmente es excelente aunque poco tenga que ver con el rock, pero es una muestra de lo grandes que eran como banda y que podían darse el lujo de salirse brevemente de la rutina del rock para hacer cosas como esta. Espléndido tema.

Fatman o el Kuino, es tal vez el tema más flojo del disco y que posiblemente se conecta más estilísticamente con el debut, y es que es un tema enérgico, directo y guitarrero, pero tiene unos detalles muy puntuales que de algún modo la arruinan, pues por un lado tenemos la soberbia interpretación instrumental del grupo pero por el otro, la composición no es tan buena, pues por un lado tenemos un estribillo un poco molesto, a un vocalista que en temas anteriores había mejorado muchísimo en su labor que ahora muestra un retroceso al cantar bastante gangoso y forzado y por si no fuera poco, tenemos a unas coristas que tienen voces hermosas haciendo una infumable imitación de Janis Joplin (una vaca sagrada, temo decir), por lo que se podría decir que es un intento de alguna manera fallido de imitar el sonido de Big Brother & The Holding Company (Combination of The Two) y también uno de no querer alienar al público que se habían ganado con el disco anterior. Bueno a secas.

Las cosas se vuelven a componer con So Long Ago, que es una bellísima canción de folk psicodélico hippioso y campestre en el que se incluyen bongós, pandero, violín, flauta transversal, guitarra acústica rítmica y con slide, que guarda una muy sospechosa similitud con How Do You Feel? de Jefferson Airplane y Good Old Friends de The Yankee Dollar. Por otro lado, la interpretación vocal de Carlos Valle me recuerda al inmenso George Harrison, pues a pesar de que no fuese un cantante super entrenado, canta con mucha pasión y sentimiento lo cual inevitablemente se termina reflejando en la interpretación y los coros de Pati y Marylú son especialmente hermosos, lo que me hace compararlas aquí con la enorme Conny Devanney de Ill Wind o incluso con la gran Lynda Squires de Reign Ghost, pues sus interpretaciones realmente son para quitarse el sombrero, contrario a la que hicieron en el tema anterior. Otra obra mestra.

El disco cierra con broche oro con I Dig It, tema que suena a rock ácido con tintes "latinos" que parece una mezcla entre Santana, Big Brother and The Holding Company y hasta algo de Frijid Pink por su acercamiento momentáneo al heavy psych ocasionado por la guitarra del "Javis" que aquí parecería como si a Gary Ray Thompson le hubiese dado por tocar temas de Santana, lo que me parece algo sumamente interesante e igualmente se agradece que esto no haya sido breve y se haya convertido en un jam que dura más de 10 minutos que incluye el solo extendido de guitarra, percusiones, bajo y timbales, por otro lado, Oscar Rojas vuelve a sonar bastante bien aquí y la imitación de Janis de las coristas Marylú y Pati no suena forzada y molesta como en Fatman, lo que me parece una mejoría muy considerable, ya que aquí suenan mucho mejor y me recuerdan a la gran Ruth Copeland. Extraordinario cierre.

Este disco es definitivamente es la joya perdida del rock mexicano de la época de Avándaro y es sorprendente que no suela ser mencionado entre los mejores discos de la época en las listas especializadas, pues es un álbum que reboza en calidad y que está en un nivel en el que muy pocos pudieron entrar, por lo que si alguien no lo ha escuchado, lo recomiendo ampliamente, es una obra maestra.

Ahora vamos a hablar de los temas extra incluidos en los remasters:

La versión del sencillo de Nasty Sex suena como un demo de audición, pues la producción es nula, sin embargo lo que podemos destacar aquí es la inclusión de congas que le dan un aire más "latino", aunque la versión del LP me sigue pareciendo superior.

Gonna Leave salió en un EP en 1973 y está interpretada por la segunda alineación del grupo que consistía en Javier Martín del Campo de la guitarra, Antonio Cruz en la batería, Adrián Cuevas en el bajo, Jorge Gamiz en la voz y Tomás Yoakum de la Fachada de Piedra en las congas y la segunda voz, y básicamente a lo que estamos enfrente es a un rock latino bastante genérico que deja escuchar, pero que no presenta ningún avance artístico para el grupo.

Pigs es todo lo contrario, pues es básicamente una combinación entre el heavy psych blusero de la Fachada de Piedra con el sonido de la Revo de este tiempo, lo que lo hace un tema muy bueno.

Congore Tumbero a la Mar salió en otro EP salido también en 1973, el cual concluiría la discografía rockera del grupo hasta el 2009, pero esa es otra historia. La música tiene esta vez ecos de la época de Quicksilver Messenger Service liderada por Dino Valenti y de Santana, es decir, es rock latino medio funkeado con algo de psicodelia con letra en Español.

Bad Dreams es más rock latino genérico en la línea de Gonna Leave, aunque de mejor calidad en mi opinión.

Mr. Jones vuelve a tener ecos del QMS de Dino Valenti al mismo tiempo de que Sympathy for The Devil de los Rolling, es decir, es psicodelia funkeada con elementos latinos, con percusiones pegajosas y un "Javis" que vuelve a sonar cipollinesco e incluso esta vez usa un echoplex que me recuerda a los jams extendidos de la canción Mojo de QMS en el que John Cipollina lo utilizaba extensamente. Temazo.


30 ago 2021

Los Dug Dug's - Antología del Rock Vol.1: De Durango al Sonido Tijuana (2020)

Estimados lectores, como ya sabrán, he tenido complicaciones con actualizar el blog semanalmente, sin embargo, debo decirles que estoy gratamente impresionado que la publicación anterior haya llegado a más de 500 visitas en un poco más de una semana, por lo que hoy les traigo esta caja de discos que salió a fines del año pasado, la cual tenía pendiente de subir desde que la tuve en las manos, pero decidí posponer su publicación y creo que con el acercamiento del aniversario de Avándaro, es menester publicar parte de mi colección de rock mexicano de la época que incluye tanto a grupos que estuvieron presentes como a los contemporáneos que no estuvieron, uno de ellos son los Dug Dug's, los cuales fueron un grupo fundamental en el movimiento conocido como "la Onda Chicana" y además de todo, fueron los que abrieron el Festival de Avándaro aquel 11 de Septiembre de 1971.

Por otro lado, este post de alguna manera es un repost, pues si tenemos en cuenta que casi todos los discos del grupo ya habían sido publicados por aquí hace un poco más de 10 años, esta entrada también cuenta como una actualización a estos, pues aquellas publicaciones tenían mis propios ripeos de los remasters anteriores que se los compré directamente a Armando Nava en el verano del 2010, los cuales estaban en Mp3 de 320kbps y ahora estos están en FLAC, pero en lo que quiero poner énfasis es que estos remasters tienen dos cosas que me gustaron, la primera es que están editados en Mini-LP y la otra es que el sonido es mejor que el de los anteriores, los cuales sonaban bastante sibilantes, es decir, con una ecualización que tenía exceso de frecuencias agudas que comienzan desde los 4 khz en adelante, mientras que estos suenan más atenuados, algo que me agradó bastante, por lo que espero que disfruten esta caja y ¡Hasta la próxima!

La historia de los Dug Dug's comienza hace 61 años en Durango, Durango, lugar en el que el grupo de covers Xippos Rock le habló a un jovensísimo Armando Nava, que en aquel entonces era conocido como "el Latino" por su gusto por el grupo argentino los 5 Latinos para que colaborara en el recién formado grupo que unos años después se trasladaría a Tijuana, California en búsqueda de la suerte y fue ahí donde descubrieron a los Beatles, grupo que les cambiaría la vida y del que tomarían la vestimenta y repertorio. Después de años de tocar en Tijuana, deciden pasarse al Distrito Federal, en el que adoptarían el nombre de los Dug Dug's (abreviación de DUranGo, DUranGo) y así comenzarían a hacerse de renombre, al punto que fueron contratados para grabar el tema de un programa de televisión infantil, de tocar como grupo de acompañamiento de Roberto Jordán para un sencillo y para salir en la película 5 de fresa y 1 de chocolate en la que colaborarían con Angélica María, grabando una música esta vez influenciada por la psicodelia gringa y la británica, poco después se irían a intentar algún éxito a Nueva York, en donde grabaron algunos demos de las canciones que terminarían en su debut de 1971, pero el éxito no les llegaría hasta que el nuevo movimiento de rock en México ganara popularidad y así su psicodelia con canciones originales se hiciese notar junto con la de otros grupos como la Revolución de Emiliano Zapata, el Ritual, la Fachada de Piedra, la Comuna, la Máquina del Sonido o los Spiders, lo que los llevó a ser contratados para el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, que se celebró el 11 y el 12 de Septiembre de 1971.

Después del Festival, llegó el famoso avandarazo, que fue la prohibición implícita y totalitaria del rock en los medios de comunicación masivos, por lo que al igual que otros de sus contemporáneos, los Dug Dug's se vieron en la necesidad de tocar en los famosos Hoyos Fonquis durante toda la década, sin embargo, el grupo persistió hasta nuestros días, gracias a que también el internet ha ayudado mucho a que su música tenga exposición en otros países como Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Suecia, España, Italia y Japón, de donde también han surgido ediciones piratas de sus discos que aún se pueden encontrar en Discogs o en el Chopo.

Hablar musicalmente de los Dug Dug's es hablar del grupo más variopinto y polifacético que ha tenido el rock mexicano, a pesar de lo que puedan decir muchos, lo que hace a los Dug Dug's merecer ese título es que empezaron justo en la época en la que el rock and roll comenzaba a tener eco en el país para luego adoptar la vestimenta y el sonido de los Beatles, los Rolling y los Yardbirds, aunque con el paso del tiempo también tomaron influencia del garage rock gringo, especialmente de los Seeds y de Tommy James y los Shondells, para finalmente pasar a psicodelizarse y a adoptar la vestimenta hippie proveniente de Estados Unidos lo que finalmente produjo un debut de una diversidad muy psicodélica, sin embargo, con el surgimiento de una nueva alineación, el grupo pasó a convertirse en un power trio que no olvidaba sus raíces psicodélicas y las enriquecía con hard rock, folk, pop y algo de progresivo temprano, cosa que dio como resultado al disco Smog lanzado en Enero de 1973, para los siguientes años, el grupo volvió a tomar un sonido más orientado al pop psicodélico sesentero con el fin de entrar a las estaciones de radio y a las listas de popularidad (cosa que solo pasó en algunos estados del pacífico y el norte, debido a que en la capital mexicana todo lo que oliera a psicodelia, hippies o a Avándaro estaba completamente vetado de los medios de comunicación masivos), sacando así Cambia, Cambia en 1975 y finalmente su último álbum de estudio que sería El Loco de 1978 sería una condensación de todo lo que habían recorrido anteriormente así como también una especie de transición a su nuevo sonido puramente progresivo, que explotarían al máximo con el tema Open Your Mind, que fue grabado en 1978 y lanzado hasta 1985 en la recopilación Abre Tu Mente, que pronto será reposteada también.


Dug Dug's (1971)
El debut homónimo de los Dug Dug's saldría en Noviembre de 1971, con la estrategia de que después del Festival de Avándaro, el disco se iba a vender como pan caliente, sin embargo, fue algo que al parecer no pasó, ya que con el Avandarazo el rock quedó sepultado en la clandestinidad de los Hoyos Fonquis, lugares en donde el nombre de los Dug Dug's era uno de los principales referentes junto con el Three Souls In My Mind, Enigma y Vox Populi, pero no nos adelantemos, ya que eso vendrá más adelante y es que este álbum fue grabado antes de Avándaro, al parecer las primeras canciones se grabaron en 1970 como demos de Armando Nava, los cuales curiosamente terminaron siendo musicalizados por el resto del grupo en lugar de re-grabarlos, mientras que el resto del disco fue grabado en el transcurso de 1971 antes de que Jorge de la Torre (alias "la Borrega") se saliera del grupo, por lo que es el único álbum de su discografía en tener presente de forma íntegra a la alineación original del grupo.

Dug Dug's (como dice en su logotipo con alguna variación de la tipografía Art Tone de Seymour Chwast) es un disco que yo definiría como una especie de psicodelia ecléctica, pues aquí podemos encontrar temas de rock ácido guitarrero, pop psicodélico colorido, soul, beat beatlesco y bellas baladas pastorales de folk psicodélico jazzeado que ponen al grupo en las mismas ligas que el Ritual, los Spiders, la Comuna, la Verdad Desnuda y la Revolución de Emiliano Zapata, al mismo tiempo que se acercan a grupos como Spirit, los Yardbirds, Country Joe & The Fish, Truth (ex-Them) y Jethro Tull, igualmente podemos encontrar un ligero aroma a progresivo temprano aunque muy discreto y sin una completa madurez, de esto se encargaría su siguiente álbum.

El disco abre con Lost In My World, todo un viaje en LSD que incluye diversos efectos sonoros, entre ellos explosiones, algún tipo de feedback, cintas en reversa, reverb, etc. Pero por si eso no fuese suficiente, hay una guitarra fuzzeada asesina tocada por Gustavo Garaizar que aumenta aún más el ambiente lisérgico de la canción e igualmente Armando Nava hace un uso muy inteligente de fusionar el rock ácido con el huapango en los estribillos y la parte del solo de guitarra, lo que aumenta toda la experiencia multicolor que su compositor tenía en mente (a pesar de nunca probar ninguna droga), creando así la canción más viajada de toda la historia del rock mexicano que además de todo tiene ecos de Country Joe & The Fish (Grace, Bass Strings), Kennelmus (Folkstone Prism) y Cold Sun (Dark Shadows). Obra maestra sin lugar a dudas.

Without Thinking es un breve tema de folk psicodélico de tonalidades melancólicas en la que Armando Nava es acompañado únicamente por su guitarra mientras canta sin ninguna palabra. Un temazo a pesar de su cortísima duración.

Eclipse es soul psicodélico con una guitarra fuzzeada matona tocada por Gustavo Garaizar de nuevo y esta vez con la voz de Jorge de la Torre, quien poseía una voz un tanto ronca en contraposición a la voz suave y limpia de Armando Nava. El tema es muy movido, claramente hecho para bailar en una fiesta hippiosa de la época. Temón.

Sometimes es de nuevo folk psicodélico, aunque esta vez está en plan un tanto surrealista y pacífico, ya que está impregnado de reverb tanto en la guitarra como en la voz, e igualmente la flauta (instrumento que se convertiría en uno de los sellos más característicos de la psicodelia mexicana) hace su primera incursión en este tema. Espléndido.

Let's Make It Now es rock ácido con un ritmo insistente, una guitarra machacona y unos estribillos muy enérgicos, un claro ejemplo de que cuando Frankie Barreño y Lalo Barceló abandonaron el grupo, los Dug Dug's necesitaban un tema tan insistente y pegajoso como Satanás, por lo que aquí está su respuesta que incluye ese doble bombo tan característico y el solo de batería alargado (una clara influencia de Iron Butterfly y su icónica In-A-Gadda-Da-Vida, en la que el recién fallecido Ron Bushy -Descanse en paz- hace un solo extendido de batería), por eso es que fue el tema que abrió al Festival de Avándaro y es posiblemente la canción emblema del grupo. Otra obra maestra.

World of Love es pop psicodélico colorido y florido, lleno de la imaginería del típico "niño de las flores", es decir: flores, arcoiris, mariposas y un ambiente muy alegre que es enfatizado por su clavecín, flauta y su atmósfera contagiosa. Temazo.

I Got The Feeling suena a una versión popera del rock ácido sanfranciscano, de hecho, no creo que sea coincidencia que aquí Gustavo Garaizar suene similar a Jorma Kaukonen o incluso a John Cipollina, mientras que las voces de Armando Nava y Jorge de la Torre dan ese toque más propio del pop lisérgico de la época, lo que me hace pensar que esta canción fue también creada para las fiestas hippies en las que solían tocar y no por nada terminó siendo parte del set que tocaron en Avándaro.

It's Over vuelve a sonar a soul psicodélico, aunque esta vez con cierto acento un tanto "latino" que se nota especialmente en el solo de guitarra que según Armando Nava, estaba influenciado por la rumba flamenca, mientras que la banda va tocando un ritmo muy pegadizo que trae un órgano matón y la voz de Jorge de la Torre que por su tonalidad ronca le aumenta esa negritud. Muy buen tema.

Going Home es garage/beat sesentero puro que no oculta la importantísima influencia beatlesca que tuvo el grupo, sin embargo, creo que es el tema más flojo del disco en general, ya que claramente es un tema de bajo perfil que nos estaba preparando para algo verdaderamente grande.

El disco cierra con broche de oro con Who Would Look at Me? una bellísima balada de folk psicodélico pastoral jazzeado, que al mismo tiempo que tiene la influencia beatlesca, también se nota que Spirit, Quicksilver Messenger Service y Jethro Tull jugaron un papel importantísimo en el sonido de esta canción que igualmente me remite mucho a Truth (el grupo ex-Them del que ya hablamos hace unos meses por aquí), por lo que aquí prácticamente los Dug Dug's ya entraban en las grandes ligas del rock, pero lamentablemente el contexto que les tocó vivir les impidió gozar de la popularidad que merecieron. Obra maestra.

Si bien este disco tiene aciertos muy importantes, tiene también algún risco muy mínimo que le impide convertirse en un disco que esté al nivel de lo que vendría en años posteriores, sin embargo, lo impresionante de este álbum es que siendo un debut, encontramos a un grupo perfectamente cohesionado en el que todos los miembros cumplen su labor con esmero y dedicación, pero ahí no termina la cosa, pues también algo que vemos es que tanto Armando Nava como Jorge de la Torre y Genaro García ya son desde este momento grandes compositores capaces de crear melodías memorables y universales que se encuentran al nivel de numerosas agrupaciones extranjeras, lo que hace que los coleccionistas de otros países encuentren sumamente interesante la música del grupo a diferencia de otros grupos mexicanos de la época que son más recordados por el público mexicano, pero que se quedaron estancados en el público de la periferia chilanga o de otras grandes ciudades y hoy su música demuestra no tener gran peso fuera del país.


Smog (1973)
En 1971, justo un poco antes de la presentación del grupo en Avándaro, la alineación original quedó reducida a cuarteto debido a que Jorge de la Torre había abandonado al grupo, y así duró hasta parte de 1972, cuando el resto de miembros dejaron solo de nuevo a Armando Nava completamente solo y este en algún rato libre terminó colaborando en el disco de Renaissance (proyecto de Alfredo Díaz Borja, el hijo de Díaz Ordaz) en el que también colaboraría Frankie Barreño, otro ex-Dug Dug's y también ex-Ritual. Después de que grabara su colaboración, Armando decidió reclutar al baterista Daniel Tello (quien ya había estado en alguna alineación anterior del grupo) y al bajista Jorge Torres Aguayo alias "Cochona", formando así a unos Dug Dug's que ahora eran un potente power trio que a pesar de seguir sonando psicodélicos, también miraban sin prejuicios al hard rock, el pop, el folk y el progresivo temprano, por lo que también podemos decir que tenemos a un grupo que estaba más empapado de influencias y que claramente su visión no iba hacia lo que había venido haciendo la alineación que grabó el primer disco y por si no fuera poco, el grupo incorpora las letras en Español en lugar del típico Inglés y según el autor de todas las letras, me platicó alguna vez que cuando el disco estaba íntegramente grabado en la parte instrumental, tan solo tenía 3 canciones listas con la voz (las cuales aparecieron en la recopilación Abre tu Mente de 1985), las cuales estaban cantadas en Inglés, sin embargo, él notó que algo no funcionaba por completo y decidió encerrarse durante una semana en una habitación para re-escribir las letras en Español y aunque él se mostró escéptico con ello en un principio, cuando por fin lo hizo, vio que las canciones funcionaban cantadas en su idioma nativo, por lo que así salieron al mercado en Enero de 1973.

El disco abre con el tema homónimo, el cual comienza con ruidos de tránsito para finalmente dar paso a la música que suena a una especie de Spirit en esteroides que además incorpora el instrumento por excelencia del hippie mexicano: la flauta transversal, lo cual lleva siempre a comparaciones con Jethro Tull, sin embargo (en esta canción, al menos) el grupo parece beber más del quinteto de Randy California (I Got a Line on You) o incluso de Grand Funk (Are You Ready, Got This Thing on The Move, Aimless Lady), igualmente algo que se tiene que decir es que esta canción fue determinante en como sonaría el heavy psych mexicano y es que su influencia se nota especialmente en lo que harían un poco después grupos como Ciruela, Toncho Pilatos o incluso Nuevo México (e incluso Carlos Matta se pintaba el pelo de plateado como lo hizo Armando Nava en la portada de este disco), aunque la cosa no se queda ahí, la letra claramente es un bienintencionado y meritorio, pero fallido intento de limpiar la estigmatizada imagen del hippie que hacía apenas un poco más de un año había sido vetado de los medios de comunicación después de Avándaro y básicamente Armando Nava lo que hace aquí es tomar una posición abiertamente anti-drogas (y me consta que nunca se metió nada porque para la edad que tiene, se conserva muy sano y lúcido, cosa que no se puede decir de muchos de sus contemporáneos con quienes he tenido también el placer de platicar un rato). Espléndido e icónico.

Búscalo es un pequeño interludio similar a los que se encuentran en el primer disco, sin embargo, la novedad aquí es que se trata de un tema acústico de folk psicodélico con tintes de flamenco completamente instrumental. Excelente.

Hagámoslo Ahora IIa Parte es como lo dice el título, la segunda parte de Let's Make It Now, pero aquí está extendida a un popurrí de cinco canciones unidas de una forma que recuerda al Abbey Road de los Beatles (y no dudaría que jugara una influencia importante a la hora de la creación de esta obra), en el que nos encontramos un potente heavy psych guitarrero que parece un cruce entre Deep Purple (Fireball), MC5 (Back In The USA) y , extensos jams de rock ácido que no sonarían fuera de lugar en la San Francisco de los 60's (Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead) y algo de progresivo con flauta, las letras parecen inconexas entre sí, lo que definitivamente me hace pensar que 4 de las cinco canciones se concibieron originalmente como temas separados pero que quedaron inconclusos y finalmente funcionaron como un popurrí. Obra maestra.

Yo no sé es un tema que se encuentra a medio camino entre el heavy psych, el rock latino y el rock experimental, en el que la composición resulta ser menos interesante que las otras, sin embargo, lo peculiar de este tema se encuentra en el uso del bajo fuzzeado, el cual suena casi como un sintetizador Moog e igualmente hay pequeñas partes de Wah-Wah que aumentan la lisergia de este tema.

¿Cuál es tu nombre? Es uno de los temas que más disfruto de todo el disco y es que me recuerda muchísimo a MC5 en la época del Back In The USA, pues lo que encontramos aquí es una sonoridad post-garage rock que suena a un cruce entre el heavy psych más guitarrero y el power pop primigenio, es decir, aquí podemos encontrar un tema con mucha energía que al mismo tiempo de que suena psicodélico y pesado, tiene la melodía y la sensibilidad propia del power pop, en la que parecería que Armando Nava está haciendo una imitación de nota por nota de Wayne Kramer, aunque menos sucio, por lo que yo diría que este tema podría considerarse como una especie de proto-punk mexicano. Espléndido.

Meditación es otro interludio acústico, aunque aquí nos encontramos con pausado folk psicodélico arpegiado que nos lleva a una atmósfera de ensueño, lástima que dure tan poco.

No somos malos es otro intento de limpiar la imagen del hippie, esta vez arremetiendo en contra del conservadurismo rampante de la sociedad mexicana de la época y cuestionando las críticas de esta a la juventud de la época en un tono que se mueve entre un hard rock un tanto zeppeliano y el folk progresivo jethrotullesco en el que la flauta es el instrumento principal. Excelente.

El disco cierra con broche de oro con Voy hacia el Cielo (Voy hacia el Sol), tema con el que yo diría que Armando Nava se acaba de consolidar como uno de los músicos y compositores más talentosos que ha dado el país -título que injustificadamente se les suele dar a nombres mucho más populares, pero que jamás hicieron, ni harán obras de este calibre, dígase Alex Lora, Jaime López, Saúl Hernández, Rodrigo González, Fernando Olvera y Rubén Albarrán-, pues aquí lo que tenemos es una bellísima obra que se encuentra a medio camino entre el folk psicodélico pastoral y el pop progresivo de aromas sinfónicos, la cual está compuesta e interpretada de una forma finísima, de una forma similar a lo que llegaron a hacer también grupos como el Ritual, los Spiders, la Revolución de Emiliano Zapata, la Comuna y la Verdad Desnuda, por lo que si alguna vez, alguien se hace la pregunta de que si el rock de México alguna vez llegó a tener una finura y sofisticación similar a la que llegaron grupos como Love, los Moody Blues, los Beatles, Ill Wind, The Music Emporium, los Animals o Procol Harum, esta es una de las obras indicadas para responder con un rotundo SÍ. Obra maestra de principio a fin.

Smog, como lo pudieron notar ustedes, es claramente un paso creativo agigantado de un grupo que ya estaba en la cúspide de la psicodelia mexicana, pero con este disco se consolidaron como el mejor grupo mexicano de la época (teniendo en cuenta que su principal competencia, el Ritual, ya estaban separados y que por ejemplo, Servando Ayala se había salido de los Spiders y la primera alineación de la Revolución de Emiliano Zapata se acababa de disolver) y así crearon uno de los clásicos más trascendentes de la psicodelia latinoamericana, y... ¿Por qué no? Uno de los primeros álbumes progresivos hechos en América Latina.


Cambia, Cambia (1975)
Desde 1973, los Dug Dug's buscaban no quedarse en la clandestinidad de los Hoyos Fonquis y así poder difundir su música en las estaciones de radio como mínimo, por lo que el grupo abandonó el pelo largo, el maquillaje tribal y las barbas por una moda que a pesar de que seguía siendo hippiosa, era más "limpia" y pulcra, con ello también vino la transformación del grupo de un heavy psych con tintes progresivos a uno de pop psicodélico que por momentos podía coquetear con el soft rock tipo Bread, el rock "latino", el garage rock y el folk psicodélico, también junto con la música, las letras tuvieron un giro más romántico y optimista, pero no sin abandonar el aspecto crítico de Armando Nava hacia la hipocresía y la estrechez mental de la sociedad de aquel entonces, lo que en parte provocó que Jorge Torres Aguayo "Cochona" se fuera del grupo y en su lugar quedara Gabino Araujo, igualmente aquí marca el debut de Enrique Nava (hermano de Armando) en la batería.

A pesar de que el intento de limpiar la imagen del grupo (al igual que en un par de canciones del Smog) fue completamente bienintencionado y hasta esmerado, fue de nuevo, fallido, pues para mal, el gobierno totalitario de Luis Echeverría y Octavio Sentíes Gómez claramente era anti-hippie y anti-rock, sin embargo, en algunas estaciones de radio del Bajío y del Norte de México se lograron transmitir canciones como Brillo de Sol y Al diablo (Con la gente) que se convirtieron en clásicos de la época perdida del rock mexicano y que hasta la fecha el grupo toca en sus conciertos.

A pesar de que Cambia, Cambia resultó ser el resultado de la faceta "comercial" del grupo, muchos podrán correctamente decir que suena un tanto anacrónico para 1975 y es que la mayor parte de las canciones incluidas en el disco fueron temas que datan de la época de la primera alineación pero que no lograron hacerla en ningún sencillo, ni en el debut de 1971, sin embargo, solían ser canciones recurrentes en los conciertos del grupo hasta la época de Avándaro, pero con la diferencia de que inicialmente fueron escritas en Inglés y aquí Armando Nava decide probar otra vez con la fórmula de cantar las canciones íntegramente en Español para intentar romper el vínculo con el entonces agonizante movimiento conocido como "la Onda Chicana" que se caracterizaba por sus letras en Inglés.

El disco inicia con No te asustes (Es sólo vivir) el cual está en clave de un festivo y optimista pop psicodélico guitarrero con reminiscencias "latinas", que curiosamente suena a lo que años después quisieron hacer los Caifanes/Jaguares o Ritmo Peligroso, aunque con resultados descafeinados y descaradamente siemprendomingueros, sin embargo, a pesar de que a muchos les pueda parecer un tema un tanto ñoño y edulcorado, los Dug Dug's salen bien parados, pues hay un riff de guitarra pegadizo, un estribillo pegadizo y un solo cipollinesco que nos recuerda que el grupo seguía siendo desde su núcleo uno de rock.

Tímido es pop psicodélico al más puro estilo de 1967, con un sonido deudor de grupos como los Turtles y los Cowsills o incluso de los grupos de la primera "Onda Grupera", el cual suena bastante anacrónico para 1975, es cierto, pero precisamente por eso y porque muestra que los Dug Dug's no eran solo capaces de ser un MAGISTRAL grupo de rock, sino también uno de un pop finísimo y delicado es que disfruto muchísimo este tema. Espléndido.

Brillo de Sol es tal vez uno de los temas más cercanos a la balada romántica de todo el disco, sin embargo, el grupo no cae en los típicos excesos de ese estilo -es decir, en lo vulgar, sentimentaloso o kitsch- y vuelve a mostrar que las baladas suaves pueden perfectamente combinar con su sonido psicodélico a tal punto que justo en medio queda introducido un solo de guitarra acústica que otra vez vuelve a tener reminiscencias de John Cipollina y de Anonymous (Sweet Lilac), lo que hace que este tema sea particularmente destacable y que muy merecidamente está entre los mayores clásicos del grupo.

Te quiero es soft rock al estilo de Bread (Make It With You, If), es decir, es una canción muy suave y tranquila con una letra romántica que suena a que tenía todo el potencial de volverse un éxito, lamentablemente ni así se les dejó salir del confinamiento. Temazo.

Felicidad es otra vuelta al pop psicodélico sesentero aunque esta vez con un acento más rockero y movido, el cual tiene un estribillo muy pegajoso y una guitarra que nos recuerda a lo mejor del rock ácido gringo, mientras que por detrás hay un sintetizador (según Armando Nava era un Korg que podía imitar el sonido de un Moog) que va haciendo un drone que emula al sonido de la Tambura (el instrumento hindú), lo cual aumenta la atmósfera lisérgica de la canción de una forma similar a como lo hacen grupos como The Fraternity of Man (disco debut) o The Beat of The Earth (The Electronic Hole) en sus canciones, lo que convierte a este tema en uno de mis preferidos de todo el disco y uno de los puntos más altos que podemos encontrar aquí.

Ya te dejé es beatlesco por donde se le vea, por lo que podría contar como el propio homenaje del grupo a su mayor influencia musical y con buena razón se convirtió en otro de los temas clásicos de la banda, pues además de las reminiscencias de los Beatles, tiene un estribillo pegajoso, una buena construcción, un buen solo de guitarra acústica de 12 cuerdas, una buena interpretación vocal y una letra fácil de entender que habla del desamor. Temazo.

No, sí, yo, tú, ya se encuentra a medio camino entre el estilo beatlesco de Ya te dejé y lo latino de No te asustes (Es sólo vivir) y de nuevo encontramos que se adelantaron al sonido que tomarían numerosos grupos mexicanos en los 80's, sin embargo, lo interesante del tema es que aquí introducen también un solo cipollinesco que nos recuerda que a pesar de que los Dug Dug's estuviesen experimentando con lo popero, no se olvidaban que esencialmente seguían siendo un grupo psicodélico.

Llegamos a Cambia, Cambia, uno de los mejores y más rocanroleros temas del disco, el cual es básicamente garage psicodélico enérgico, intenso, guitarrero por donde se le vea, con esas clásicas letras de Armando Nava en contra de la hipocresía y la deshonestidad de la gente y de nuevo, el sintetizador que acentúa la atmósfera lisérgica del tema, mientras que el solo no tiene desperdicio alguno y es por eso que esta es una de las canciones que más me gustan del grupo.

¿Dónde está A.N.? Tiene un título misterioso que me costó bastante tiempo descifrar que significaban esas iniciales que por supuesto son las del nombre del compositor y la música es básicamente un folk psicodélico con aires andinos y españoles completamente instrumental que incluye una guitarra de 12 cuerdas, percusiones, un bajo que hace unas líneas que huelen a los 60's y efectos de sonido que al parecer fueron generados a partir de unos platillos con phasing, lo que de nuevo aumenta lo viajado del tema. Otro de mis preferidos.

El disco cierra con otro de los clásicos del grupo que aún forma parte de sus conciertos: Al diablo (Con la gente) que es básicamente un rock and roll cincuentero con falsos gritos y aplausos de algún concierto (y que estoy seguro de que fueron grabados en alguna tocada), la letra de nuevo se refiere al moralismo y a la hipocresía de la gente, por otro lado, esta canción fue también compuesta en los primeros años del grupo con una letra en Inglés y era una de la canciones que servían para interactuar con el público, como se puede escuchar cuando Armando Nava grita: "¿QUIEREN ESCUCHAR MÁS ROCANROL?" y el público contesta enfáticamente con un "¡¡¡SÍÍÍÍÍÍÍÍ!!!!".

Si bien Cambia, Cambia no es un disco que les guste a todos y que incluso el público de los Hoyos llegó a rechazar por sonar "fresa" y porque el grupo había cambiado su imagen, sigue siendo un discazo por donde se le vea y me sorprende que siendo un disco accesible y popero no tenga grandes defectos, sino canciones que hoy son clásicos por mérito propio y que incluso suelen ser pedidas por el público en las tocadas de la banda, esperemos que para el setlist de los 50 años de Avándaro se introduzcan algunas piezas de este disco.


El Loco (1978)
Era 1976 y Gabino Araujo había abandonado al grupo, por lo que rápidamente Armando Nava reclutó a Miguel "el Gallo" Esparza, quien había estado en las filas de la Verdad Desnuda (otro de los grupos más interesantes que ha dado el rock nacional) y Ciruela, con los que se consolidaría como el mejor bajista de ese entonces y así el grupo entra a una faceta en la que abandona la vestimenta hippie por la del glam rock y su música vuelve a sus raíces rocanroleras, sin embargo, también encontramos a un grupo más ecléctico y versátil que es capaz de combinar su sonido psicodélico con lo progresivo, la balada romántica, el folk rock harrisoniano y también fusionarlo con el Mariachi, pero eso no es todo, también aquí encontramos una mezcla de letras en Inglés con otras en Español, por lo que podemos decir que El Loco de 1978 es una síntesis entre lo que venían haciendo desde otras alineaciones junto con lo que estaba por venir que fue su faceta progresiva que por mala suerte no acabó de grabar un quinto disco.

El disco empieza con Stupid People, uno de los clásicos del grupo que databan de la primera alineación y de la cual existen grabaciones, una en estudio que salió en sencillo junto con el debut y otra que fue grabada en Avándaro, esta versión en comparación con la del sencillo tiene más reminiscencias sanfranciscanas y también trae música de Mariachi (el famoso Mariachi Vargas de Tecatitlán). Por otro lado, la letra es una crítica a la estupidez social y curiosamente hoy cobra más relevancia que nunca al ver como la gente está sumida en su estupidez y lo peor de todo es que es cínica, pues sabe muy bien que lo que hace está mal y aún así lo hace. Mi opinión de la música es que lo más interesante del tema es que a pesar de tener el acompañamiento de Mariachi, no suena ni remotamente a lo que comúnmente se le suele llamar "mexican curious" -o para ponerlo en términos más específicos, el kitsch mexicano-, tendencia que fue empezada en la parte "rockera" por el mentado movimiento rupestre con gente como Rodrigo González y Jaime López y que luego se expandió a grupos como Mamá-Z, Botellita de Jerez y Café Tacuba.

Let Me Breath es progresivo pausado con el sintetizador como instrumento principal en lugar de la guitarra -que solo funge en el papel rítmico-, el cual muestra un gran avance del grupo hacia los territorios progresivo, teniendo en cuenta que en el disco Smog de 1973 ya habían más o menos experimentado con ello, pero sin haber logrado algo que estuviese completamente en ese estilo y que esa experimentación había sido interrumpida por el disco Cambia, Cambia de 1975, aquí se consolidan como un grupo que ya tenía un pie dentro del rock progresivo y que no tardaba en meterse de lleno en el subgénero. Temazo.

Joy To The People es otro tema que data de la época de la primera alineación y que fue el lado B de Stupid People, aunque esta vez, la reinterpretación del tema se acerca mucho más al sonido del Smog que al del debut, pues por un lado están las guitarras semi-pesadas y por el otro está la flauta, igualmente están los solos psicodélicos con el sello de Armando Nava, lo que hace que este tema sea muy disfrutable para los que se quedaron con ganas de más después del segundo disco de la banda.

We Always Hate Your Manners es psicodélica por donde se le vea y de alguna manera marca el único acercamiento que tuvo en la historia un grupo mexicano con el sonido de grupos como Fifty Foot Hose y The United States of America, pero también tenemos un riff claramente inspirado en Fresh Garbage de Spirit (un grupo al que admiraban numerosos músicos mexicanos, entre ellos Armando Nava) y un solo que de nuevo hace eco de John Cipollina e igualmente tenemos otra de las clásicas letras críticas con la hipocresía de la sociedad de la época. Obra maestra.

Llegamos a uno de los momentos clásicos del grupo y es que este es otro de los temas que suele corear la gente en los conciertos, pues finalmente para eso fue compuesta. Estamos hablando de La Gente, un tema de reminiscencias harrisonianas que incluye slide y guitarra acústica muy en la onda de Give Me Love de 1973, mientras que los coros se asemejan a Hey Jude y a Isn't it a Pity, igualmente la letra, a pesar de su simpleza, muestra un cuestionamiento a la cotidianeidad, en la que el autor se pregunta sobre el destino de la gente, sus problemas y demás. Obra maestra.

El Loco es progresivo desenfrenado con sintetizadores por doquier, con un Armando Nava tomando el papel de un científico loco tipo Frankenstein y una interpretación guitarrera magistral en la que volvemos a ver a unos Dug Dug's que cada vez se despegan más de la psicodelia y están más cerca del progresivo como finalmente lo vimos en Open Your Mind y I've Got To Run Away from Here que fueron también piezas de progresivo puro. Obra maestra.

Quiero Verte (Junto a Mí) es balada romántica que bien podría pasar por un tema perdido del Cambia, Cambia, aunque sin los aspectos psicodélicos de este, sin embargo podemos destacar la delicada interpretación de la guitarra acústica y de nuevo, las reminiscencias beatlescas que nos traen a la mente a I Want To Hold Your Hand. Temazo.

La Flauta del Fauno es folk progresivo jethrotullesco completamente instrumental en el que encontramos a Armando Nava llevando la melodía con su flauta, dejando en claro que ellos ya habían dado por concluida su etapa psicodélica y que estaban listos para abrazar de lleno al rock progresivo. Obra maestra.

El disco cierra con broche de oro con I Got My Emotion, un reclamo de rebeldía e independencia en el que el autor deja en claro que no le importa lo que diga la gente sobre él, él está en su onda, mientras que la música está en clave de psicodelia enérgica que incluye ese sintetizador viajadísimo que no estaría fuera de lugar en el disco anterior y el solo de guitarra matón como es de costumbre. Temazo de principio a fin y una excelente manera de cerrar un discazo como este.

El Loco es aún tema de debate entre los seguidores de los Dug Dug's, pues aún no nos ponemos de acuerdo si el mayor logro de la banda fue el Smog o este álbum, la respuesta puede ser más ambigua de lo que uno cree, pues ambos trabajos están al mismo nivel, sin embargo, El Loco es un disco que aún se encuentra un tanto en la obscuridad, al menos a nivel internacional, pues mientras que el Smog ya tiene reseñas en numerosas páginas especializadas tanto en Español como en Inglés, El Loco parece estar completamente ignorado por el público extranjero, sin embargo, esperemos que esta relativa obscuridad pronto cambie y este disco adquiera un mejor lugar en la discografía del grupo porque en efecto, es una obra maestra.

Bueno, este ha sido un recorrido un tanto largo, el cual me costó bastante trabajo escribir y tuve que posponer su fecha de publicación debido a los constantes bajones creativos que tuve a lo largo de Agosto, pero peor es nada y aquí está el segundo post del mes recién salido del horno, por lo que espero que disfruten de esta tan esperada publicación y que estén al pendiente de los nuevos posteos que se vienen en conmemoración de los 50 años de Avándaro. ¡Un abrazo a todos y nos vemos el próximo mes que ya está a la vuelta de la esquina!