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13 jun. 2021

Blog inactivo hasta Julio

He decidido dejar inactivo el blog hasta Julio, ya que este mes me he sentido mal física y psicológicamente hablando, no puedo concentrarme, no puedo escuchar música, no puedo pensar claramente, me siento agotado, apático y deprimido, lo único que quiero es mantenerme aislado, por lo que el regreso a las actividades será hasta el próximo mes.

Gracias por su comprensión.

30 may. 2021

Love - Forever Changes (1967)

Hola a todos los lectores, me disculpo por la tardanza de no haber publicado ayer como prometí, pero estuve fuera de mi casa y cuando llegué estaba muy agotado para ponerme a escribir, sin embargo, el ganador de la encuesta que hice el Martes lo decidí posponer para la próxima semana, pues resulta ser que ayer encontré la versión SACD de esta obra maestra, y aunque yo no estaba familiarizado con ese formato y tampoco entendía como funcionaba, debo decir que quedé completamente impresionado y me hizo ver que el remaster del 2018 sonaba muy plano y comprimido, al punto de que la separación de los canales no se notaba mucho, por lo que esta versión en SACD me dejó una experiencia muy grata y decidí compartirla con ustedes junto con el mencionado remaster del 2018 como extra, ya que este último, tiene una mezcla alterna del disco y temas extra, igualmente tenía planeado subir el DVD, pero en última instancia decidí sustituirlo por el SACD que viene comprimido en una imagen de disco ISO que pueden reproducir fácilmente por medio de una herramienta para Foobar2000 que les dejaré en el JustPaste de las descargas. ¡Buen provecho!

Los orígenes de Love se encuentran en cuando el adolescente Arthur Lee (quien ya era un compositor brillante, según fuentes cercanas) fue invitado a ver a una de las bandas de garage de su escuela en la que participaba su vecino Johnny Echols como guitarrista, por lo que pronto se uniría y se harían llaman The American Four, que pronto cambiarían de nombre a The Grass Roots y no tardarían en conocer a Bryan MacLean, quien en ese tiempo fungía como roadie de los Byrds, resultó ser que era un músico y compositor brillante quien había sido un niño prodigio, por lo que Arthur Lee lo invitó a unirse a su nuevo grupo que combinaba tanto el garage como el folk rock, que en ese tiempo marcaban a la escena rockera de los Ángeles, California.

Pronto el grupo quedaría completado por el baterista Don Conka y el bajista Johnny Fleckenstein, sin embargo, no duraron mucho en el grupo y serían sustituidos por Alban "Snoopy" Pfisterer en la batería y Ken Forssi, no obstante, antes de siquiera poder conseguir un contrato discográfico, resultó salir otro grupo con el nombre The Grass Roots, por lo que Arthur Lee le cambiaría el nombre a Love y así, el grupo debutó en 1966 con un disco homónimo que estaba mayormente conformado por temas de garage rock, folk rock y algunos tintes de psicodelia primigenia, logrando tener una popularidad considerable en la escena angelina, y en ese mismo año, el grupo lograría su único sencillo que entró a las listas de popularidad de Estados Unidos en un relativamente modesto lugar número 33 de nombre 7 and 7 is, que terminaría siendo incluido en su segundo disco Da Capo, el cual ya muestra algunos chispazos de la genialidad que vendría para Forever Changes y tendría el debut del baterista Michael Stuart-Ware.

En 1967, el grupo decidió meterse a grabar su tercer disco que a petición del productor Bruce Botnick, tendría un sonido alejado del estridente garage rock de sus primeros 2 álbumes y estaría más orientado al folk rock, este disco se titularía Forever Changes y comenzaría a ser grabado en Agosto de ese año, sin embargo, los miembros del grupo no tenían ensayadas las nuevas canciones de Arthur Lee, por lo que los tuvieron que suplir The Wrecking Crew, el grupo de músicos de sesión más importante de la historia, sin embargo, todos los miembros de este grupo tuvieron que aprender nota por nota la forma de tocar de los miembros de Love, y esto llevó al grupo a irse a ensayar el resto de canciones que conformarían al disco, el cual fue terminado en Septiembre y fue lanzado el 1° de Noviembre de 1967, logrando un modesto número 58 en las listas de popularidad de Estados Unidos y un mucho mejor 24 en las del Reino Unido.

El grupo lanzaría un sencillo más en 1968 y la primera época de Love daría por concluida al separarse, después Arthur Lee encontraría nuevos miembros y grabaría 3 álbumes más, sin embargo, esos discos serán comentados en el futuro.

Love es uno de los grupos más importantes de la historia de la música popular, a pesar de que el reconocimiento les llegó muy tarde, cuando el grupo ya no existía y fue gracias a toda una oleada de jóvenes músicos de origen británico que a finales de los 80's hasta el amanecer de la siguiente década, tenían entre sus discos preferidos al Forever Changes, que había sido un disco que alcanzó a tener bastante éxito en el Reino Unido entre 1967 y 1968, llegando al número 24 de las listas de popularidad, pero el pleno reconocimiento como un clásico llegó hasta las épocas de la neo-psicodelia y el baggy e incluso uno de los grupos icónicos de esta última escena, los Stone Roses llegaron a afirmar que Forever Changes era el mejor disco de la historia (aquí, podemos disentir, pero sea o no el mejor, eso es lo que menos importa) y eso los hizo tener una amistad inmediata con su productor.

Por otro lado, aquí muchos podrán objetarme o incluso regañarme, pero la verdad soy un férreo crítico del purismo intelectual y además de todo, de los arbitrarios y anticuados consensos de los expertos, pues sufren a la hora de hacer un análisis musical sólido, teniendo como bases únicas a los tecnicismos, la popularidad y lo más equivocado de todo, tener solamente en cuenta la impresión que una obra pudo generar en su momento particular, lo que me hace pensar que todo este purismo intelectual posmoderno simplemente termina teniendo este giro elitista y torpe al querer seguir reivindicando lo "auténtico", en este caso, seguir reivindicando esa actitud completamente acrítica y consumista que tuvo la generación de los "Baby Boomers" frente a la música que les vendían las grandes disqueras y los medios de comunicación, sin embargo, yo aquí doy un salto políticamente incorrecto (al menos para el academicismo posmo y su reaccionaria reivindicación de las particularidades) para tomar de Hegel su idea de "universalidad" y de aquí reformular el significado de "obra maestra", pues la semana pasada recibí regaños por parte de una autoridad académica por las reseñas que escribí de los Animals, en donde catalogué al menos 10 temas como "obras maestras", y sus regaños fueron por no tener en cuenta que "lo único que puede hacer a una obra, una "obra maestra" es la popularidad que adquirió en su momento particular", lo que se me hizo que pecaba de insensato y deshonesto, pues si hay algo que debemos tener en cuenta con las grandes "obras maestras" de todas las artes, NO ES su particularidad, sino lo que siguen dejando después de tantos años de haber sido creadas, incluso si en su tiempo, lugar, circunstancia o contexto no se les conoció o se les consideró un trabajo menor, por lo que un grupo como Love nos confirma esta lectura de corte hegeliano, pues su reconocimiento llegó demasiado tarde, cuando la época de la psicodelia, el hippismo, el racismo contra los negros, la guerra de Vietnam, entre otras cosas, ya eran cosa del pasado y Forever Changes resurgió, para decir más de lo que incluso pudo decir en su contexto particular, por lo que aquí la pregunta correcta cuando vamos a analizar una obra, no debería ser la típica: ¿Cuál fue el impacto que generó la obra en su tiempo? Sino, ¿Qué es lo que tiene esta obra para decir después de tanto tiempo de su creación? Solo aceptando el rompimiento que una obra tiene con su particularidad, puede reafirmarse como "obra maestra" y Forever Changes definitivamente lo es.

Aquí una cita del prólogo de La Filosofía del Derecho:

"Al decir, aún, una palabra acerca de la teoría de cómo debe ser el mundo, la filosofía, por lo demás, llega siempre demasiado tarde. Como pensar del mundo surge por primera vez en el tiempo, después que la realidad ha cumplido su proceso de formación y está realizada. Esto, que el concepto enseña, la historia lo presenta, justamente, necesario; esto es, que primero aparece lo ideal frente a lo real en la madurez de la realidad, y después él crea a este mismo mundo, gestado en su sustancia, en forma de reino intelectual. Cuando la filosofía pinta el claroscuro, ya un aspecto de la vida ha envejecido y en la penumbra no se le puede rejuvenecer, sino sólo reconocer: el búho de Minerva inicia su vuelo al caer el crepúsculo." 

-Georg Wilhelm Friedrich Hegel

 Como dice el buen Slavoj Žižek, Hegel es un filósofo muy abierto y universal para leer, pues prácticamente su pensamiento se puede aplicar incluso a otras disciplinas que no son filosofía o política, como en este caso: la música, y es que si hay algo que puede explicar el resurgimiento de grupos y discos raros o que quedaron opacados por conjuntos mucho más populares en su tiempo es precisamente esta cita de Hegel, pues esos discos llegaron a la gente cuando la psicodelia, el movimiento hippie, el verano del amor, los movimientos estudiantiles del 68, los primeros festivales de música, la guerra de Vietnam, entre otros sucesos, ya estaban realizados y por lo tanto, ya eran historia, y estos discos, incluso si muchos no llegan a ser "obras maestras", con el resurgimiento que tuvieron y con que sigan dando de qué hablar, es afirmativo que han reafirmado su universalidad.

Por si no fuera poco, algo que también es muestra de su universalidad y que incluso dejó a Arthur Lee atónito fue que en el 2002, el parlamento británico reconoció a Forever Changes como uno de los mejores discos de la historia, por lo que podemos decir que el gran Arthur pudo morir con una sonrisa en la boca sabiendo que había creado un disco casi tan importante como el Sargento Pimienta en el 2005.

Procedamos con la reseña:

El disco comienza con la magistral Alone Again Or, tema compuesto por Bryan MacLean, el cual resultó ser un niño prodigio que empezó a componer sus propias canciones desde una tempranísima edad por medio de un piano de juguete. Alone Again Or fue originalmente compuesta como una canción de country, pero ante la imposibilidad de que ninguno de los integrantes sabía tocar el banjo y que el músico de sesión se estaba tardando muchísimo por cuestiones de tráfico para llegar a la sesión, Bruce Botnick (el productor) decidió ponerle atención a lo que estaba tocando el gran Johnny Echols y resultó ser que eran unas figuras de flamenco, por lo que Bryan terminó cediendo a que la canción tuviese un distintivo sabor español y para que este aumentara, Botnick terminó llamándole al trompetista de sesión Bud Brisbois -quien ya era conocido por haber colaborado en una infinidad de discos y además de todo, por haber colaborado con Herb Alpert y la Tijuana Brass- para que hiciese un solo al estilo del pasodoble taurino, por lo que podemos decir que estamos ante una de las primeras canciones de la música popular en la que se volteó a ver a la música española como influencia principal. Magnum opus.

A House Is Not a Motel es un tema que fue compuesto por Arthur Lee, el cual parece ser que tiene la inspiración de Burt Bacharach y Hal David, dos de los compositores preferidos de Arthur, especialmente en una canción que tiene un título similar (A House Is Not a Home), aunque honestamente no me suena muy similar, por lo que supongo que la influencia de ese tema se limita al título, sin embargo, la música está compuesta a medio camino del folk psicodélico y el rock ácido con un ligero tinte español, mientras que las letras van narrando desde una especie de fantasía psicodélica que al parecer se refieren a The Castle, la casa en donde vivía el grupo en sus inicios, situada en los Ángeles, California y además también incluye referencias a la guerra de Vietnam, las cuales están basadas en lo que un veterano le contó a Arthur en un bar de San Francisco y si no fuera poco, termina futurizando al predecir que el tema de la guerra que en ese tiempo era noticia se iba a convertir en un tema recurrente para las películas hollywoodenses. Por otro lado, la interpretación del grupo es magistral, con un Bryan MacLean que muestra maestría en la guitarra de 12 cuerdas y un Johnny Echols verdaderamente impresionante que suena psicodélico, estridente, apocalíptico, fresco y siempre fino y sofisticado. Obra maestra.

Andmoreagain es una preciosa balada de folk combinada con la finura del Brill Building, donde la influencia de Burt Bacharach vuelve a aparecer, así como también la de sus colegas Buffalo Springfield y su canción Nowadays Clancy Can't Even Sing, compuesta por Neil Young (quien también tuvo su colaboración en este disco como arreglista de The Daily Planet), mientras que la interpretación vocal de Arthur Lee suena mucho más cercana a Johnny Mathis que a cualquier cantante de rock de la época, por lo que también se puede decir que esta canción confirma su alejamiento del garage rock de los primeros 2 discos de Love y su envolvimiento completo en un sonido más influenciado por el folk, que básicamente fue resultado de una petición de Botnick al mismo Arthur, igualmente las letras son filosóficas y un tanto espirituales, mientras que en este tema no toca ningún miembro del grupo, sino The Wrecking Crew, el grupo de músicos de sesión más importante de los Ángeles. Obra maestra.

The Daily Planet está en el número 4 y se podría decir que estilísticamente se encuentra dentro de un pop psicodélico "más estándar" en comparación con los primeros tres temas, sin embargo, empiezo a notar aquí reminiscencias del gran Syd Barrett en la forma en la que Arthur Lee va describiendo su vida cotidiana en la ciudad de los Ángeles combinando imágenes perturbadoras con otras más naif y otras más rutinarias, en las que se incluyen accidentes de tránsito, ambulancias, una madre comprándoles a sus hijos soldaditos de juguete, comer chicle, comer helado, hacer juegos de palabras un tanto infantiles o las más rutinarias que uno se puede imaginar, como despertarse de la cama en un día más en el que te esfuerzas por hacer lo mejor posible, lo que convierte a Arthur en el equivalente gringo de Syd Barrett, pues ambos son grandes compositores y ambos usan al menos de forma parcial los mismos recursos literarios para sus letras, aunque Arthur Lee puede llegar a ser más oscuro y perturbador. Por otro lado, la música incluye algunas ligeras influencias hindúes en algunas partes e incluso las partes de guitarra que están tocadas por Johnny Echols llegan a sonar parecidas a una cítara, mientras que los que están tocando son The Wrecking Crew de nuevo. Extraordinario tema.

Llega otro tema de Bryan MacLean, esta vez Old Man, una preciosa balada romántica de folk con una de las letras más poéticas que he leído, en la que Bryan toca la guitarra acústica y canta con su voz de tenor lírico-ligero, la cual también es una voz más cercana a un crooner que a un cantante promedio de rock o folk, mientra que lo acompañan Ken Forssi en el bajo y Michael Stuart-Ware en un suave acompañamiento de hi-hat, mientras que atrás hay una orquesta que adorna a este Magnum opus que me ha llegado a sacar las lágrimas.

Para este grupo es muy poco tener ya 4 obras maestras en un solo lado y Arthur Lee nos trae tal vez el tema más icónico del disco junto con Alone Again Or, The Red Telephone, el cual es un tema verdaderamente precioso de pop barroco que incluye, guitarra de 12 cuerdas y clavecín, mientras que Arthur Lee nos muestra su faceta más politizada e histérica (en un sentido totalmente psicoanalítico) en la que usa su usual mezcla de imaginería naif con otra perturbadora en la que menciona temas escabrosos para su época y él termina definiéndose como un ferviente crítico con los nacientes movimientos estudiantiles que alcanzarían su auge en 1968, especialmente en Francia y lo que se conoció como "Mayo Francés", por su reivindicación de la perversión (que finalmente derivó en una tecnocracia distópica y totalitaria de una pequeña burguesía pervertida, lumpenizada e híper-moralista) y con el movimiento hippie también, así como también muestra su inconformidad con la guerra de Vietnam y la segregación racial que se vivía en su país natal, así como también muestra al final un excelente guiño a la lucha de clases marxista al citar la frase de la obra teatro de Peter Weiss Marat/Sade de 1963 "¡Somos todos normales y queremos nuestra libertad!" y a la Biblia con "¡Todos los hijos de Dios tendrán su libertad!". Obra maestra.

El lado B abre con Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale que contrasta con la ominosidad y el escepticismo de The Red Telephone, con una tonada alegre y movida de tintes flamencos con una letra críptica sobre las calles que fueron de alguna manera, una especie de equivalente angelino a las calles de Haight y Ashbury en San Francisco o a la calle de Carnaby en Londres, Inglaterra, pues era el lugar donde se expresaba la contracultura en los Ángeles y donde también estaba localizado el famosísimo Whiskey A Go-Go, también debo decir que una de las frases finales de la canción (que además tiene una estructura rarísima que la hace aún más críptica) me sonó sospechosamente hegeliana, pues básicamente lo que dice es: "La luna es una escena común en mi pueblo, aquí donde todos tienen la cara pintada de café y si no sentimos que esa no es la forma correcta, entonces vamos a pintar a todos de gris". Mientras que la interpretación del grupo es excelente y me llama la atención como Arthur Lee en su tendencia a cantar como crooner, termina acompañando a la trompeta en su solo. Excelente tema.

Live and Let Live es más pop psicodélico con letras que por momentos son perturbadoras y en otras muestran gran conciencia política por parte de Arthur Lee, pues aquí se podría decir que a pesar de que usa toda una imaginería naif para narrar una letra perturbadora que al mismo tiempo de hacer referencia a los colonos europeos vestidos de azul, hace también referencia al reclamo de los Indios por formar parte de la universalidad (o como dice Zizek, "nosotros también tenemos el derecho a ser malvados"), por lo que de alguna forma hace una especie de profecía sobre cómo los descendientes de los movimientos políticos de esa época agarrarían una actitud paternalista y políticamente correcta que básicamente ejerce un totalitarismo paralizante para que esas "minorías" que aparentan defender, no puedan entrar a su propia universalidad e igualmente Arthur llama a cuestionar el motivo por el que los líderes quieren escribir sus reglas en el cielo". Por otro lado, la música es de nuevo, magistral y tenemos a un Johnny Echols que suena mejor que nunca. Obra maestra.

En el número 9 tenemos a The Good Humor Man He Sees Everything Like This, que sigue la misma tendencia de Arthur Lee a escribir canciones con influencia de Burt Bacharach, por lo que esta es otra balada pausada y de aires románticos que va describiendo toda una imaginería colorida que incluye colibríes cantando, niñas peinadas de colas, carruseles y campos floridos en el verano, cuando termina la canción de forma perturbadora, mostrando algo horroroso que nadie podía ver: El Verano del Amor estaba podrido y pronto el movimiento hippie iba a sacar lo peor de sí, otra vez una especie de pensamiento hegeliano en donde todo lo que tiene el potencial de volverse algo excelente termina convirtiéndose en una pesadilla. Magistralmente enfermo.

Bummer In The Summer es tal vez el tema más estándar en su composición de todo el disco, pues es un tema de psicodelia un tanto "countryficada" similar a Plastic Fantastic Lover de Jefferson Airplane en el que también se incluye influencia del talking blues, y de nuevo Arthur Lee muestra su escepticismo con el movimiento hippie y el Verano del Amor: ¡No hay nada de emancipador en ello, lárguense con sus perversiones a otro lugar, escorias totalitarias!

Para cerrar con broche de otro tenemos uno de los mejores cierres de la historia de la música popular, You Set The Scene, un tema que de nuevo tiene la influencia de Bacharach presente y también es aquí donde escucho algo reminiscente a lo que alguna vez dijeron los Beatles que querían que fuese el Sargento Pimienta, pues aquí abundan esas trompetas y orquestaciones que tenía en mente Paul McCartney cuando llegó a los estudios Abbey Road con el concepto del Sargento Pimienta, por otro lado, la canción está compuesta como una mini-suite de 4 movimientos, mientras que las letras de nuevo son crípticas y según lo que he leído se tratan de una serie metáforas sobre los viajes de LSD, por lo que es una letra difícil de entender, pero que tiene mucha poesía como es común en las letras de Arthur Lee. Obra maestra sin ninguna duda.

Solo quiero comentar un par de temas extra de la edición del 2018 para terminar:

Wonder People (I Do Wonder) es otro tema que muestra de nuevo la admiración que tenía Arthur Lee por Burt Bacharach, que incluso los metales incluidos aquí suenan a lo mejor de dicho compositor, esto es pop del brill building del más alto nivel, es una lástima que no se incluyera en el Forever Changes.

Your Mind and We Belong Together es pop psicodélico de filigrana con un sonido guitarrero, movido y un tanto rockero, pero con la misma finura y calidad compositiva del Forever Changes, aunque al final termina volcándose al rock ácido más guitarrero en donde Johnny Echols de verdad brilla y es donde uno puede entender como es que terminó convirtiéndose en un guitarrista de jazz justo cuando salió de Love poco después de lanzar este sencillo, por otro lado, es una lástima que esta alineación nunca pudiera juntarse, pero hubiese sido una maravilla que hubiesen acabado de grabar ese cuarto disco que traían en mente. Obra maestra.

Este no es solo un disco imperdible, sino que es un álbum obligatorio en cualquier colección de quien tenga las agallas de hacerse llamar "conocedor".


21 may. 2021

Them - Discografía (1968-1970) y Truth - Truth of Them and Other Tales (1969-71)

Hace 10 años y 7 meses, publiqué la discografía de este grupo irlandés en su etapa post-Van Morrison, sin embargo, a este repost se le sustituyó un disco, ya que el álbum Belfast Gypsies, según la información que encontré, fue grabado por un grupo fraudulento que incluso tuvo problemas legales con Van Morrison y Alan Henderson por usar el nombre de "Them" y aún así lograron grabar todo un disco entre 1965 y 1966 que salió hasta el verano de 1967 exclusivamente en Suecia, cuando este grupo ya estaba disuelto y los Them originales no solo tenían una nueva alineación, sino que ya estaban restablecidos en Estados Unidos y grabando lo que sería su primer disco sin Van Morrison, por lo que decidí sustituir el disco de los Them espurios por el disco de los ex-miembros de la alineación psicodélica que se llamaban Truth y grabaron un disco en 1969.

Todos los discos están en FLAC, el homónimo de 1969 es un ripeo del vinilo original en 24/96, por lo que pesa más, todos los saqué de distintas fuentes que estarán acreditadas en el JustPaste de los enlaces.

En 1967, después de varios fracasos que tuvieron después de sus más grandes éxitos, los Them decidieron separarse pero no por mucho tiempo, pues el bajista Alan Henderson, que co-lideraba al grupo junto con el ahora solista Van Morrison, se quedó con el nombre de "Them" y decide reformarlo junto con el guitarrista Jim Armstrong (quien ya había estado en otra alineación del grupo), el tecladista y flautista Ray Elliot (quien también ya había estado en otra alineación), el baterista Dave Harvey (otro antiguo miembro) y el vocalista Kenny McDowell, esta vez el grupo resurge en el formato de la psicodelia y pronto son invitados a Estados Unidos por el productor Ray Ruff, quien se ofrece a producirles un sencillo a finales de 1967.

En Enero de 1968 sale Now-And "Them", disco que muestra al grupo en transición de su viejo garage rock y rhythm and blues a la psicodelia y que incluye la obra maestra Square Room, pronto, luego de hacer algunas giras por Texas y otros lugares de Estados Unidos, Ray Elliot decide salirse y regresarse a Irlanda del Norte, donde terminaría formando parte del grupo de folk psicodélico Trader Horne, formado por uno de los ex-miembros de los Them espurios y la primera vocalista de Fairport Convention Judy Dyble, de mientras, los Them hacen su completa transformación a la psicodelia con Time out! Time in for Them que es una mezcla entre rock ácido blusero, pop psicodélico y música clásica de la India.

En 1969, descontentos con la mala administración de Ray Ruff, Armstrong y McDowell se salen del grupo, regresando a Belfast en donde tocarían por un breve tiempo como Sk'Boo, pero pronto regresarían a Chicago y formarían Truth con el bajista Curtis Bachman y el baterista Reno Smith, que básicamente continuaron con el mismo sonido que se escuchó en los discos de los Them, mientras tanto Henderson se quedó con Ruff y recluyó a músicos de sesión, entre ellos al guitarrista Jerry Cole, así como también al guitarrista Jim Parker y al baterista John Stark, con quienes graba un par de álbumes en 1969 y 1970, editados por la disquera angelina Happy Tiger, en los que se muestra ahora a unos Them transformados en un grupo de heavy psych, y al no tener éxito, terminaron separándose en 1973.


Now-And "Them" (1968)
Now-and "Them" es el primer disco de los Them sin Van Morrison, sustituído por Kenny McDowell, y el tercero en la discografía oficial del grupo, grabado a finales del 1967 y lanzado en Enero de 1968.

Now-and "Them" es el disco que da inicio a la etapa psicodélica del grupo, sin embargo, aún sigue siendo un disco transitorio, pues aunque el material está mayormente influenciado por la psicodelia, aún se puede encontrar mucha variedad estilística, además de varios covers, por lo que podremos encontrar temas de pop psicodélico, blues, rhythm and blues, soul, garage rock y raga rock, mostrando un carácter similar a lo que significaron Rubber Soul para los Beatles o Aftermath para los Rolling Stones, sin embargo, hay ciertas irregularidades que impiden que este disco se convierta en una obra maestra completa, sin embargo, es el disco que les abrirá las puertas a algo todavía mejor.

El disco empieza con I'm Your Witch Doctor, un clásico tema de John Mayall y los Bluesbreakers el cual es un blues rock bastante movido y al cual el grupo no le hace gran modificación más que el inicio cuasi-tribal y algunas pequeñas partes de fuzz. Temazo.

What's The Matter Baby es otro cover, esta vez de la cantante Timi Yuro (quien poseía un registro de contralto bastante andrógino que le hizo ganarse el apodo de "la muchacha chiquita con voz gigante"), que además de todo, también sería grabada por los Small Faces en 1965. Se trata de un tema de soul bastante popero con metales que suena completamente sesentero. Temazo.

En el tercer tema tenemos a Time Machine, que fue escrita por la cantante y compositora de jazz Teri Thornton para el grupo y se trata de otro tema de soul pop con metales aunque con tinte más psicodélico. Muy buen tema.

Para el cuarto tema tenemos la obra maestra del disco: Square Room, un tema de raga rock que está instrumentado en la forma tradicional de una canción de rock con el extra de una flauta y violines, la cual fue inspirada por los Doors, quienes un año antes les habían abierto e incluso un caballeroso y cortés Jim Morrison se subió con ellos a palomear su clásico Gloria (que después sería grabado por los Doors), por lo que Square Room guarda muchas similitudes con The End, sin embargo, no se puede decir que sea copia de ese tema, al contrario, es un tema muy original y una de las mayores obras maestras del género junto con todas las contribuciones al subgénero de George Harrison con los Beatles, los Yardbirds, los Animales, Spirit, The Beat of The Earth, los Byrds, Quintessence, entre otros.

You're Just What I Was Looking For Today es una composición de la pareja Gerry Goffin y Carol King, quienes combinaban perfectamente lo comercial con lo refinado, melodioso y de gran calidad. Este tema fue versionado por gente como los Everly Brothers, Status Quo, The Yellow Payges y también los Them. Por otro lado, la canción es un sunshine pop psicodélico con metales que no sonaría completamente fuera de lugar en un disco de los Turtles o algún grupo del estilo. Temazo.

Dirty Old Man (At The Age of Sixteen) es un tema compuesto por Tom Lane (conocido por haberles compuesto temas a gente como las Mamás y los Papás, Cass Elliot y demás), la cual está hecha en una especie de mezcla entre garage rock y pop psicodélico sesentero con el riff de Gloria repetido todo el tiempo, lo que me pareció una medida innecesaria teniendo en cuenta que los Them tenían mucho más que ofrecer que esa canción, pero en fin, muy buen tema.

Nobody Loves You (When You're Down and Out) es un estándar del blues escrito por Jimmy Cox en 1923 popularizado por la gran Bessie Smith y versionado por miles de artistas a lo largo de los años, la versión de los Them tiene algunos ligeros cambios en la letra, el más notorio, haber cambiado "knows" por "loves" e igualmente algo que quiero destacar es la emotiva interpretación de Kenny McDowell, el cual le añade mucho carácter con su ronca voz. Extaordinaria.

Walking In The Queens Garden es otra de las tres obras originales del grupo presentes en este disco, la cual se podría definir como una canción típica de psicodelia británica primigenia que guarda mucha similitud con las primeras incursiones de los Yardbirds en el estilo e incluye un solo de guitarra fuzzeada con influencia hindú que simplemente suena excelente. Excelente.

I Happen To Love You es otra composición de la pareja Goffin/King, la cual fue grabada por numerosos grupos de la época, entre ellas la más destacada es la de los Electric Prunes que incluyeron en su segundo disco de 1967, sin embargo, mientras que originalmente fue concebida como una balada psicodélica, los Them la convierten en un garage al estilo de los Troggs -Wild Thing- pero con la inclusión de piano, metales y flauta. Temazo.

El disco cierra con un casi broche de oro con el medio tiempo Come To Me, la última de las 3 composiciones originales del grupo presentes en el álbum, que es un tema de pop psicodélico completamente comercial y romántico que incluye órgano, buenos coros, flautas, metales y un Kenny McDowell que suena muy bien. Temazo.

A pesar de ser un álbum transitorio que todavía incluye reminiscencias de su pasado con Van Morrison, por lo que no es un disco completamente psicodélico, sin embargo, ya se nota en la mayor parte de las canciones esta influencia y eso serviría como la semilla que finalmente daría como fruto lo que vendría después.

Time out! Time in for Them (1968)
Time out! Time in for Them es el segundo disco de la etapa psicodélica de la banda y el cuarto en la discografía general, aquí quedan reducidos a un cuarteto, ya que el tecladista y flautista Ray Elliot se había salido del grupo para regresar a Belfast, Irlanda del Norte, por lo que los Them toman una postura mucho más guitarrera y psicodélica en la que las canciones de rock ácido de base blusera están adornadas por un fuzz verdaderamente lisérgico, así como también hay canciones de pop psicodélico con influencias de jazz, folk y waltz y canciones de raga rock con cítara, tablas, tambura, címbalos, etc. Lo que hasta la fecha sigue siendo motivo de crítica para los fans puristas del grupo que alguna vez lideró Van Morrison, sin embargo, para los aficionados de la psicodelia, este disco es una de las mayores obras maestras olvidadas del subgénero -incluyéndome-, por otro lado, la mayor parte de las canciones están compuestas por la pareja Tom Lane/Sharyn Pulley, sin embargo, el grupo tiene un par de composiciones, una que comparte con la pareja y otra que está atribuida únicamente a ellos y otra que está compuesta por Don Dunn y Tony McCashen. 

Time out! Time in for Them huele a incienso, flores, patchouli y hachís así como también remite a mantas hindúes, luces fluorescentes y estroboscópicas, ropas coloridas y demás, es decir, es un disco que transpira a los 60's en cada uno de sus surcos, lo que a muchos "expertólogos" (les digo así porque en un programa solían burlarse de las secciones de "expertos" de los noticieros o programas de televisión) no les gustará, ya sea por su estúpido intelectualismo que no pueden aceptar nada que no sea "innovador" o "transgresor" o simplemente porque se les hace demasiado viajado y no le entienden, sin embargo, para los que gustamos de la psicodelia más ácida nos será toda una experiencia placentera.

 El disco abre con el tema casi homónimo Time out for Time In que es un pop psicodélico waltzeado bastante etéreo que incluye cítara también y unos coros completamente lisérgicos que recuerdan al mejor Strawberry Alarm Clock o incluso a Spirit. Obra maestra.

She Put a Hex on You es rock ácido blusero con fuzz omnipresente por parte de Jim Armstrong, una sección rítmica omnipresente, algunos efectos de vibrato extraños y un Kenny McDowell que suena más viajado que nunca, dándonos una buena lección de cómo debieron haber sonado los discos de Cream en estudio sin la blanda producción que tuvieron. Obra maestra.

Bent over You sigue con la misma línea del anterior, pero esta vez se incluye una guitarra rítmica con wah-wah, armónica y un McDowell que suena entre que está viajando en ácidos y está teniendo un orgasmo e igualmente los ecos de Cream, los Animals o los Yardbirds se hacen notar, este es uno de los dos temas del disco donde aparece el grupo como autor de la canción. Obra maestra.

Waltz of The Flies es pop psicodélico waltzeado al igual que el tema que abre al álbum pero sin cítara, así como también forma parte de la trilogía de canciones que hablan de artrópodos, esta es la primera que menciona a las moscas desde su título. Obra maestra.

Black Widow Spider está a medio camino entre el pop psicodélico y el raga rock, el cual incluye un trabajo magistral de cítara por parte de Armstrong y un excelente trabajo vocal de McDowell, y es el segundo tema de la trilogía de los artrópodos, esta vez hablando de la viuda negra. Obra Maestra.

We've All Agreed To Help es un tema de folk pop psicodélico que tiene guitarra rítmica acústica, guitarra de 12 cuerdas eléctrica, piano y buenas armonías vocales. Este tema no quedaría fuera de lugar en un disco de The Yankee Dollar, The Art of Lovin' o incluso de los Morning Glory, pues este era el estilo que manejaban aquellos grupos e incluso esas armonías vocales me recuerdan muchísimo a las de esos grupos, aunque sin las voces femeninas. Temazo.

Market Place suena a los Yardbirds en su periodo psicodélico e incluso el fuzz de Armstrong recuerda muchísimo al de Jeff Beck, por lo que no dudaría que este tema estuviese inspirado totalmente en aquel grupo inglés. Temazo.

Por fin hemos llegado al mejor tema del disco: Just One Conception, el cual es un tema completamente hindú incluso en su instrumentación, pues aquí hay cítara, tambura, tablas y címbalos, además de que la composición tiene una estructura de mantra, lo que sin lugar a duda hace de este tema, música de hare krishnas secularizada, ya que en efecto suena a eso, a los mantras de los templos de los krishnas pero con letras en inglés referentes a la experiencia psicodélica, por lo que me atrevo a decir que esta es posiblemente la mejor canción compuesta por los Them por mucho. Obra maestra de principio a fin.

Young Woman es psicodelia sesentera a más no poder que incluye un riff de guitarra de 12 cuerdas, fuzz, efectos de estudio y una atmósfera que suena propia de una fiesta hippie. Extraordinario.

The Moth vuelve al pop psicodélico, pero aquí ya hay orquestación e instrumentos que me suenan griegos-turcos (tal vez a buzuki o saz), además de algo de guitarra fuzzeada y un buen guión melódico. También es el tema que finaliza con la trilogía de los artrópodos, esta vez con la polilla. Extraordinario.

But It's Alright cierra con broche de oro este disco, el cual vuelve al rock ácido de base blusera con fuzz asesino, excelente sección rítmica y un vocalista que se desgañita al mejor estilo del soul y el rhythm and blues, además de que este tema está al nivel de lo mejor de Hendrix o Cream. Obra maestra.

De temas extra se incluyen las versiones de los sencillos de Square Room y Dirty Old Man, además del sencillo con las canciones Corrina y Dark Are The Shadows, por lo que las comentaré a excepción de las versiones recortadas de las mismas que salen en el Now-And Them:

Dirty Old Man suena mejor aquí que en el disco, pues es mucho más cruda, garagera y psicodélica, mientras que la del disco suena más popera y refinada, además de que incluye ciertas partes de guitarra fuzzeada que suenan excelentes y un final que al parecer incluye tablas.

Square Room en la primera versión del sencillo suena más orgánicas y los violines suenan mucho más, además de que Jim Armstrong improvisa sus líneas de guitarra y Kenny McDowell suena un poco tímido aquí, por lo que pienso que aquí la versión del LP es mejor, sin embargo, no deja de ser una obra maestra.

Corrina es un cover del clásico del gran Taj Mahal que está tocada en una especie de country blues psicodélico que incluye cítara eléctrica, guitarra eléctrica normal y un solo de guitarra acústica, sobre el que canta no estoy seguro de quién sea, pero cumple bastante bien, aunque a mi gusto no acaba de superar a la versión de Stoned Circus. Temazo.

Dark Are The Shadows suena entre country rock y rock ácido sanfranciscano que incluye guitarra de 12 cuerdas y buenos solos de guitarra. Muy buen tema.

Time out! Time in for Them es sin duda alguna una obra maestra perdida del rock ácido, un disco que tenía el potencial de convertirse en un clásico, no obstante, los malos manejos que hizo Ray Ruff como representante llevaron al grupo a pasar completamente desapercibido, sin embargo, este álbum ha sobrevivido a su tiempo y ha logrado tener un seguimiento de culto por parte de los aficionados de la psicodelia rara.

Truth - Truth of Them and Other Tales (1969-71)
En 1969, la nueva alineación de los Them se separó gracias a los malos manejos del representante Ray Ruff, por lo que todos regresaron a Irlanda y pronto Ray Ruff le habló al bajista Alan Henderson para que regresara a Estados Unidos para grabar dos nuevos discos bajo el nombre de Them, mientras que Jim Armstrong y Kenny McDowell tocaron por un breve tiempo con el nombre de Sk'Boo, pero pronto recibirían una oferta de un representante de Chicago para que crearan un nuevo grupo al que llamaron Truth, el cual terminó siendo completado por el bajista Curtis Bachman y el baterista Reno Smith, pronto se meterían a grabar una triada de temas para el soundtrack de una película junto con otros tres para un posible disco para Epic Records, pero los planes nunca se concretaron, el grupo terminaría separándose en 1970.

Las canciones de este disco fueron grabadas entre 1969 y 1970, pero las cintas fueron descubiertas hasta 1993 y no fueron editadas hasta 1996 con el nombre de Truth of Them and Other Tales.

El estilo de Truth es el mismo rock ácido que venían practicando los Them antes de su segunda separación, pero enriquecido con más influencias tanto de la costa oeste como el underground británico, por lo que al mismo tiempo que hay influencias de Grateful Dead y Quicksilver Messenger Service, también las hay de Traffic e igualmente noto ecos de Mighty Baby, Spirit, el Ritual y los Dug Dug's, por lo que estamos ante un disco de rock ácido guitarrero, melódico e inteligente que tiene buenos jams e incluye también elementos de raga rock, jazz, blues, por lo que hay flautas, cítaras, tamburas, tablas y demás instrumentos. Por otro lado, a pesar de que aquí estamos con un grupo verdaderamente magistral con canciones sublimes, la producción no me encantó, lo que me hace suponer que estas canciones simplemente fueron grabadas pero nunca recibieron ningún tratamiento apropiado, sin embargo, son las únicas grabaciones disponibles de este grupazo.
 
El disco empieza con Music is Life que suena al mejor Grateful Dead, es decir, al de la época psicodélica, incluso la ejecución de cada uno de los integrantes está al nivel de aquel grupo sanfranciscano, por lo que aquí tenemos junto con Mighty Baby, Help Yourself, Crystalline/Axe, entre otros, otro grupo británico que de verdad interpretó al sonido de San Francisco de forma magistral. Obra maestra.

Le sigue 6 o' Clock Alarm empieza como un tema de pop psicodélico que incluye un poco de guitarra con slide y clavicémbalo que pronto termina derivando en un jam al estilo de Grateful Dead que incluye un solo de bajo ejecutado por Curtis Bachman y una guitarra con wah-wah viajadísima, dejando en claro que eran unos músicos de muchísimo nivel y que debieron haber sido muy populares. Obra maestra.

Mysterios es la viajada introducción para Music from Big Puce que es una especie de pop psicodélico con una estructura compleja que incluye un acompañamiento de guitarra psicodélica repetitiva con wah-wah, excelentes armonías vocales y un solo con slide. Extraordinario tema.

Country Funk es una breve introducción de bluegrass con armónica que da paso a Blackboard Words que esta vez suena al Grateful Dead de la época del Workingman's Dead y el American Beauty, lo que me hace estar casi completamente seguro de que este tema fue grabado en 1971, y básicamente se trata de una balada de country rock que curiosamente es muy buena, a pesar de que ese estilo no sea el que especialmente me fascine.

Sonic Sitar tal vez no necesita ser explicado, teniendo en cuenta el título, como sea, es un tema de raga rock que suena como una canción descartada del Time out! Time in for Them, sin embargo, tiene 2 diferencias mínimas, pero notorias, una de ellas es que es un tema instrumental y la otra es que aquí no hay tablas, ni tambura, sino algún tambor más común, guitarra y sí, también hay cítara y címbalos. Obra maestra.

High suena a otra canción descartada del Time out! Time in for Them, es decir, es un tema que mezcla el pop psicodélico con el rock ácido, el cual incluye excelentes armonías vocales, fuzz asesino, guitarra rítmica acústica y ciertas partes jazzeadas que curiosamente recuerdan a Quicksilver Messenger Service -Gold and Silver- e igualmente noto ecos de los Yardbirds y de la primera alineación de los Dug Dug's. Obra maestra.

Archimed's Pad es básicamente una versión instrumental y de jam de Square Room, que curiosamente suena todavía más parecido a The End que la versión original de los Them.

En el número 10 tenemos un tema llamado Getting Better, que por supuesto, nada tiene que ver con el de los Beatles, pero como sea, aquí suenan como una combinación del sonido de los Them con el de Truth, por lo que hay atmósferas de pop psicodélico combinadas con rock ácido sanfranciscano que recuerda a China Cat Sunflower de Grateful Dead. Excelente.

Circle 'Round The Sun es una pausada balada psicodélica que empieza con unas campanas extrañas y que en general tiene una atmósfera muy etérea, de alguna manera tiene similitudes con la interpretación que hicieron los Wizards from Kansas de Codeine de Buffy St. Marie.

Ride The Wind es psicodelia jazzeada con la flauta transversa como instrumento principal que si bien recuerda a Traffic, igualmente suena a la psicodelia mexicana de la época de Avándaro, pues bien pudo haber sido firmada por Armando Nava de los Dug Dug's, Frankie Barreño del Ritual, la Revolución de Emiliano Zapata o incluso Manuel Olivera de los Spiders, lo único que no me encanta es que al parecer fue grabada como un demo o en vivo, por lo que la calidad de sonido no es muy buena, sin embargo es toda una obra maestra.

Castles In The Sand suena a lo que estaban haciendo grupos como Bulldog Breed -Austin Osman Spare- o Traffic, es decir, pop psicodélico con flauta, ejecutada por Ray Elliot, también ex-Them, aunque igualmente hay un solo por parte de Jim Armstrong (quien curiosamente fue votado como el tercer mejor guitarrista del mundo justo después de Jimi Hendrix y Frank Zappa y con buenas razones). Obra maestra.

Para cerrar con broche de oro tenemos October '68 (The Tears That You Cry) el cual tiene una introducción viajada que no sonaría fuera de lugar en los dos primeros discos de Pink Floyd o en el Their Satanic Majesties Request de los Rolling, para después convertirse en otra canción de pop psicodélico con flauta, aunque después termina convirtiéndose en una especie de heavy psych británico primitivo que suena sorprendentemente oscuro, lo que hace a este tema una joyita escondida de la psicodelia británica.

Si les gustaron el Now-and "Them" y el Time out! Time in for Them, no pueden perderse este disco.

Them (1969)
En 1969, después de la segunda separación de los Them que fue básicamente consecuencia de la mala administración de Ray Ruff, el bajista y miembro fundador Alan Henderson había regresado a Irlanda y Ray Ruff le pidió que regresara a Estados Unidos para grabar 2 discos bajo el nombre de Them para la pequeña disquera Tiger Lily, ubicada en los Ángeles, California, por lo que Henderson se vió obligado a hacer una alineación provisional con el guitarrista de sesión Jerry Cole -que también se encargó de parte de la voz principal, de algunas composiciones y otros instrumentos durante la grabación-, el baterista y cantante John Stark y el guitarrista Jim Parker -quienes no aparecen acreditados en el disco, pero se cree que participaron-, para grabar la tercera entrega de su periodo psicodélico y el quinto álbum de la discografía general del grupo, el cual salió en ese mismo año y básicamente muestra a los Them convirtiéndose en un potente, crudo y áspero grupo de heavy psych donde la guitarra fuzzeada de Cole cobra protagonismo.

Them es en general un disco de heavy psych hecho y derecho, sin embargo, también incluye breves momentos de country rock, algunas ligeras influencias del raga rock de la alineación anterior, algo de garage rock, rhythm and blues y hasta algunas baladas de corte más pop, por lo que a pesar de ser un disco enfocado mayormente en un solo estilo, no está peleado con otros.

El disco inicia con I Keep Singing, escrita y cantada por Jerry Cole -quien poseía una voz aguda y rasposa, perfecta para el heavy psych que estaba tocando el grupo en este tiempo-, básicamente es un tema de psicodelia pesada guitarrera que también incluye algunos ligeros elementos santanescos, por lo que es un tema curiosamente muy original para su tiempo y muy prendido que además de todo incluye una letra que llama a la gente a bailar y cantar con su "rock ácido" (sí, así le llamaban de forma genérica a todo lo que no fuera psicodelia estándar, aunque ahora sabemos que el verdadero "rock ácido" es en realidad mucho más cercano a la psicodelia estándar que a este subgénero áspero, sucio y pesado que desde los 90's se conoce como "heavy psych", incluso si la Wikipedia insiste en lo contrario). Temazo.

Lonely Weekends es una canción del cantante de country y rockabilly Charlie Rich, la cual está interpretada al estilo de Gloria, sin embargo también escucho cierta influencia de los Rolling Stones cuando volvieron al rhythm and blues -Jumpin' Jack Flash- y también incluye algo de fuzz en el fondo. Muy buen tema.

Take A Little Time, escrita por Roel Johnson de The Collage -un grupo de sunshine pop-, es posiblemente el tema más de relleno de todo el disco, pues básicamente es un country rock muy típico de la época y bastante comercial, lo que me hace tener la impresión de que lo grabaron más que nada para aumentarle la comercialidad al disco y así los pervertidos ejecutivos de la industria discográfica aceptaran lanzar el disco del grupo.

You Got Me Good es tal vez el tema que más recuerda a la alineación anterior por su coqueteo con el raga rock, pero a pesar de eso, sigue siendo un tema muy original, especialmente porque ese toque exótico se volvió especialmente raro para el heavy psych, que solía tener un mayor énfasis en una estructura mucho más cercana al hard rock que a la psicodelia ácida o a la experimental, además de que el registro de voz de Jerry Cole, que era de tenor lírico-ligero, tiene cierto acento exótico y peculiar que hace que este tema suene aún más original y eso sin mencionar que su uso del fuzz es magistral al igual que en los discos exploitation que grabó antes con The Animated Egg, The Id, The Generation Gap, 101 Strings, entre otros. Obra maestra.

Jo Ann suena como a una versión más ligera y garagera de Bolder Damn, es decir, esto es heavy psych con cierta influencia del último rock and roll cincuentero -especialmente se escuchan similitudes con temas como Oh Charlena de The Sevilles, que anacrónicamente aparece en película la Bamba de 1987, ambientada en los 50's-, en el que Henderson hace un gran trabajo en el bajo y Cole suena brutal, casi en los niveles de Blue Cheer o Frijid Pink. Temazo.

Memphis Lady -otra composición de Jerry Cole- suena a una combinación entre los Rolling Stones de 1968-69 con el nuevo sonido de los Them, que es una combinación que no suena para nada mala y funciona excelente, además de que la voz de Jerry Cole combina perfectamente. Temazo.

In The Midnight Hour de Wilson Pickett sigue sonando a soul pero combinado con los agresivos power chords y solos fuzzeados de Jerry Cole, lo que le da puntos al grupo de nuevo por originalidad y por sus arreglos que no son nada bombásticos, pero sí enérgicos y bailables. Muy buen tema.

Nobody Cares es otro tema más o menos flojo, aunque más interesante que Take A Little Time, ya que también suena a country rock bastante estándar, aunque la destaco por el trabajo de guitarra slide.

I Am Waiting es una canción de la dupla Jagger/Richards (tal vez de lo mejor que hicieron), la cual está interpretada más como una balada de soft rock comercial que estoy seguro que no sonaría fuera de lugar en una estación como la desaparecida Universal Stereo, además de que la interpretación de Jerry Cole en la voz es curiosamente muy buena, mostrando que no solo podía cantar de forma áspera, sino que también podía cantar baladas más suaves. Obra maestra.

El disco cierra con Just a Little que suena a una combinación del nuevo sonido del grupo con folk pop sesentero (algo así como The Letter de los Box Tops), los arreglos, la guitarra, la sección rítmica y la interpretación vocal son todos excelentes. Excelente cierre.

Aunque no es un disco perfecto y se trata de la primera incursión del grupo en el heavy psych, es un álbum excelente, que gana puntos por el excelente trabajo de Jerry Cole, que además de ser un excelente guitarrista, su uso del fuzz es especialmente interesante e igualmente la originalidad de la ejecución del grupo e incluso de las composiciones hacen que esta placa sea un trabajo esencial.


Them In Reality (1970)
La nueva alineación de los Them ahora sí queda consolidada como un potentísimo power trio de heavy psych. Algo que también hay que notar es que aquí ya no participa Jerry Cole, por lo que ese puesto es tomado por el guitarrista y cantante Jim Parker que junto con el baterista John Stark, comparten la autoría de la mayoría de las canciones, por lo que estamos ante el primer trabajo del grupo en donde la mayor parte de las composiciones no fueron hechas por algunos compositores externos para que las tocaran ellos, sino que aquí se escucha un disco hecho por un grupo bien cuajado que no solo se dedica a tocar, sino a hacer sus propias composiciones y el único cover que aparece realmente es Baby Please Don't Go. Una lástima que este fuera el último disco que sacaran hasta 1979, cuando se reformaría el grupo con una combinación de ex-miembros y nuevos integrantes.

Them In Reality es un disco de heavy psych genuino que a pesar de no tener mucha producción y suene bastante lo-fi, es un álbum muy disfrutable y que muestra a un grupo que aún estaba en forma y tenía potencial de seguir grabando discos interesantes, sin embargo, la falta de ventas los terminó alienando de la industria discográfica y su fijación tecnocrática por el country rock y el rock sureño. Por otro lado, el álbum suena crudo, sucio, áspero y directo, no muy distinto a grupos como Grand Funk (primeros discos), Zekes, Bolder Damn, Morly Grey, Sainte Anthony's Fyre, James Gang (con Joe Walsh) o Frijid Pink, por lo que a pesar de que tiene toda la estética underground que incluye una producción precaria y un sonido más propio del underground gringo de la época, sin duda las canciones tienen ese tinte de "comercialismo", es decir, tienen esa parte pegajoza que bien las pudo haber convertido en hits medianos o al menos en canciones que fácilmente pudieron haber sido reproducidas en las estaciones de radio de FM de la época, ya que incluso se escucha un ligero tinte de country rock al estilo de CSN&Y -que incluye buenas armonías vocales- en algunos temas.

El disco inicia con una recreación de Gloria en versión de heavy psych funkeado que incluye fuzz y wah-wah, no muy distinto a lo que estaban haciendo Grand Funk en el Álbum Rojo o al único sencillo de los angelinos Zekes, también hay que mencionar que la voz de John Stark suena igual de áspera que la de Jerry Cole, pero menos aguda y más melódica, además de que la guitarra de Jim Parker suena asesina, como debe sonar la guitarra en el heavy psych. Temazo.

La nueva versión de Baby Please Don't Go me suena mejor aquí, no solo porque suene a heavy psych, sino que incluye un jam guitarrero con wah-wah que suena brutal y extiende al tema a casi 5 minutos, llevándola al paraíso psicodélico, incluso me atrevo a decir que la forma de tocar de Jim Stark me recuerda aquí a la de John Cipollina, por lo que no dudaría que el grupo haya tomado nota de los shows que solía dar el grupo antes de que se saliera Gary Duncan y de los primeros 2 álbumes. Obra maestra.

Laugh al mismo tiempo de sonar cruda y sucia (o lo que inglés llaman "woolly" y es por este tipo de producción lo-fi que suena así), suena melódica y comercial, lo que me hace pensar que lo que algunos suelen afirmar de que el heavy psych solo pudo quedarse en el underground por falta de "atractivo comercial" en las canciones es una completamente mentira, pues aquí tiene todo lo "amigable" que también tenían James Gang en ese momento, por lo que este tema tiene potencial comercial e igualmente me trae a la mente a los grandes Top Drawer y a Bolder Damn. Obra maestra.

Let My Song Through tiene aires de country rock e incluso el comienzo sospechosamente me suena a Sweet Home Alabama de Lynyrd Skynyrd -¿Se habrán inspirado en este tema?- y unas excelentes armonías vocales que comparten John Stark y Alan Henderson que curiosamente me recuerdan a Morly Grey al igual que la guitarra de Jim Parker me suena similar a la de Tim Roller, además de que tiene cierto potencial comercial para que mínimo estuviese en un lugar relativamente alto de las listas de popularidad o fuese puesta en las estaciones de FM. Obra maestra.

California Man y Lessons of The Sea siguen con la misma línea del tema anterior, es decir, heavy psych con tintes de country rock, comercialismo y excelentes melodías, de alguna manera me recuerdan al Strawberry Alarm Clock que grabó dos temas para la película Beyond The Valley of The Dolls en el mismo año que salió este disco de los Them, e igualmente la guitarra de Jim Parker en Lessons vuelve a recordarme a un John Cipollina versión heavy. Excelentes temas.

Rayn vuelve al heavy psych funkeado que incluye buena voz, armonías vocales, gran melodía y un excelente trabajo guitarrero de Parker, aquí vuelven a recordar a Grand Funk, Zekes y James Gang. Temazo.

Back in The Country suena a una versión menos agresiva y underground de Bolder Damn, incluso las armonías recuerdan al debut de aquella banda originaria de Florida o incluso también recuerda al segundo disco de The Damnation of Adam Blessing, pero sin la batería y el bajo tan brutales. Temazo.

Can You Believe? cierra el disco con broche de oro, pues es una canción acústica en la tradición del folk psicodélico sesentero con cierta similitud a los texanos Christopher -Magic Cycles-, aunque sin la flauta, además de que incluye excelentes armonías vocales que curiosamente recuerdan a los Music Emporium. Obra maestra.

Them In Reality es un disco obligatorio para todo aficionado del heavy psych, especialmente del gringo, pues aquí básicamente tenemos todos los ingredientes importantes para satisfacer a los que les gusta el heavy psych y para que este disco llegase a tener aunque sea un lugar relativamente moderado en las listas de popularidad, no obstante, a este grupo le jugó la mala suerte y tuvieron que vivir bajo la sombra de su ex-vocalista Van Morrison, sin embargo, a pesar de tener una producción de baja fidelidad -cosa que a muchos no les suele gustar-, las canciones son extraordinarias, los músicos son impresionantes y una gran muestra de lo que los "expertos" presentes tanto en la industria musical como en los medios de comunicación se perdieron por no considerarlo "auténtico", por lo que aquí digo en voz alta: ¡LARGA VIDA A LOS THEM!


14 may. 2021

Eric Burdon & The Animals - When I Was Young: The MGM Recordings 1967-1968 (2020)

 
Elegir un disco no siempre es cuestión fácil, especialmente si se trata de hacerlo desde una semana antes, por lo que tuve varios candidatos en mente e incluso me puse a revisar viejas entradas que alguna vez estuvieron publicadas por aquí y me llevé una nada grata sorpresa de ver que este blog tuvo un periodo decadente por allá entre el 2011 y el 2012 donde tanto mis reseñas como las elecciones iban de regulares a patéticas, y es que la desafortunada influencia que ejercieron un par de metalerdos esnobs del desaparecido sitio Yahoo! Respuestas no se limitó exclusivamente a los discos que publicaba, sino a que las reseñas que hice en aquel entonces eran pésimas y aunque aquí algunos podrán justificar la poca calidad de estas por mi edad o porque aún estaba en un periodo de descubrimiento, lamento decirles que es probable que no sea así y que ahí el factor haya sido la grotesca influencia de los tipejos esos, ya que al igual que las suyas, mis reseñas estaban llenas de mala redacción, faltas de ortografía, vulgaridades, ooparts y demás porquerías, por lo que definitivamente no quise que este blog se resucitara tan vergonzoso periodo, sin embargo, la mayor de candidatos a publicar no me acabaron de convencer del todo, por lo que decidí publicar esta obra maestra aprovechando que el Martes fue el cumpleaños número 80 del gran Eric Burdon, por lo que creo que no hay mejor forma de festejarlo con los enormes e infravalorados álbumes de la etapa psicodélica de los Animales, los cuales en general no son considerados como grandes obras por los extranjeros puristas, los cuales en general comparten un fetichismo consumista totalmente absurdo por las rarezas, pero aquí no compartimos ese esnobismo y reconocemos cuando las obras en cuestión son GRANDES.

Esta caja contiene 5 discos:

Winds of Changes (1967) en Estéreo
The Twain Shall Meet (1968)
Every One of Us (1968)
Love is (1968)
Winds of Change (1967) en Mono

Todos los discos están en FLAC con el arte en PNG.

Después de que los Animales originales se separaran en 1966, Eric Burdon grabó el disco Eric Is Here en el otoño del mismo año -y salido hasta la primavera del 67-, no se sabe bien si fue por obligaciones contractuales o si fue un giro completamente comercial para no dejar al nombre del grupo morir, ya que básicamente se trata de un disco solista de música de crooners, con dos orquestas acompañando a Eric, la de Benny Golson y la de Horace Ott, el disco fue producido por Tom Wilson, quien ya había producido dos de los álbumes de la primera época: Animalization y Animalisms/Animalism (y también es el responsable de otras obras maestras como el Freak Out de los Mothers of Invention, el Flashes de Ill Wind y los dos discos de The Fraternity of Man)

Los nuevos Animales estaban conformados por Vic Briggs (guitarra, piano, cítara y arreglos), John Weider (guitarra y violín), Danny McCulloch (bajo) y Barry Jenkins (batería, el cual ya había colaborado con el primer grupo en sus últimos álbumes), aparte de Eric Burdon, el único integrante original que ha estado en todas las alineaciones del grupo.

El nuevo grupo después de hacer varias giras, se presentó en el Festival de Monterey en Junio de 1967, donde fueron un éxito.

Las grabaciones para el primer disco de los nuevos Animals Winds of Changes se dieron entre Febrero y Agosto de 1967, de nuevo fue producido por Tom Wilson, el álbum saldría hasta Octubre de ese mismo año.

En Diciembre de 1967 regresaron a grabar lo que sería su segundo disco The Twain Shall Meet que no saldría hasta Abril de 1968, el cuál sería la epítome psicodélica del grupo.

En Junio de 1968, regresaron al estudio, esta vez con ciertas tensiones internas, y el producto de eso sería Every One of Us salido en Agosto de ese año, cuando Vic Briggs y Danny McCulloch ya habían salido del grupo, mientras que en las sesiones del álbum se les añadiría Zoot Money del grupo psicodélico inglés Dantalian's Chariot en los teclados.

Para Octubre regresarían de nuevo al estudio, esta vez con el guitarrista Andy Summers de Dantalian's Chariot para grabar lo que sería su último disco, Love Is que saldría en Diciembre de 1968, poco tiempo después se separarían por problemas con su representante y Eric Burdon se iría con el grupo de soul y funk War.

Winds of Change (1967)
Winds of Change es el disco que muestra al grupo metido de lleno en la psicodelia, sin embargo, no concuerdo del todo en que este álbum haya sido su primer experimento en el subgénero, contrario a como afirman ciertos "expertos", ya que si tenemos en cuenta que por ejemplo I'm Gonna Change The World es un experimento primigenio del subgénero y que por ejemplo, varios de los temas que lanzaron en 1966 ya tenían una acentuada influencia psicodélica como OutcastShakeInside Looking Out (después inmortalizada por Grand Funk Railroad en su segundo álbum de 1969) y Don't Bring Me Down, sin embargo, este álbum muestra un completo desenvolvimiento de Eric Burdon en el estilo e incluso para completarlo se mudó a San Francisco, California, donde también adoptó la filosofía de los hippies.

La música presentada aquí tiene una postura ecléctica, creativa y de raigambre intelectual en donde encontramos una combinación de raga rock, spoken word, pop barroco nostálgico, música medieval, pop psicodélico españolizado -muy similar a lo que estaban haciendo en aquel entonces los enormes Love de Arthur Lee-, soul, folk psicodélico y rock ácido, por lo que estamos frente a un álbum que podría ser considerado de las grandes ligas, sin embargo, llegó su siguiente disco que incluso superó a este.

El disco abre con un popurrí completamente lisérgico de tres canciones:

Winds of Change, la que le da nombre al disco, es un homenaje a los ídolos de Eric Burdon que está narrado como poesía lisérgica, nombrando a gente como Elmore James, Duke Ellington, Bessie Smith, B.B. King, Elvis, Chuck Berry, los Beatles, los Rolling Stones, Bob Dylan, Frank Zappa, entre otros, mientras que el grupo acompaña a Eric con una música que se mueve entre el raga rock y la psicodelia ácida que incluye cítara y violín, para así pasar a Poem by The Sea, una balada lisérgica con diversos efectos de estudio que finalmente da paso a Paint It, Black, cover de los Rolling, pero hecho en un formato de un raga rock completamente oscuro, al punto de que raya con lo gótico, el cual está acompañado por el violín de John Weider, quien hace unas figuras completamente psicodélicas y la guitarra de Vic Briggs que guarda paralelismos con Square Room de los Them, The End de los Doors y Wind Chimes de Mad River, por lo que podemos decir que estamos frente a una obra maestra como pocas.

The Black Plague es un tema de música medieval que incluye cantos gregorianos, órgano y guitarra acústica, mientras que Eric Burdon va narrando en forma de prosa lo que pasó durante la plaga conocida como "la Peste Negra", ocurrida en la europa medieval. De alguna manera recuerda a otra obra maestra que también apuesta por el sonido medievalista-gregoriano: Still I'm Sad de los Yardbirds o incluso a una obra que es igual de oscura y tétrica: Full Cycle de Ill Wind.

Por otro lado, para ilustrar esta obra maestra ominosa y macabra, les dejo esta joya de presentación en un programa canadiense en Abril del 68:

Yes, I Am Experienced es una respuesta y un homenaje a su ídolo y amigo Jimi Hendrix, a quien Burdon estimaba y admiraba muchísimo, y la música pues se trata de un rock ácido a medio tiempo donde igualmente se escuchan referencias a algunos temas del primer disco de Hendrix. Temazo.

San Franciscan Nights es un tema que tuvo mucha popularidad en varios países, uno de ellos es México, y se trata de nuevo, de un homenaje a la ciudad de San Francisco, California, lugar al que terminó yéndose a habitar Eric, sin embargo, las letras, según los habitantes de la ciudad, tienen errores al describir el clima, pues a los Animales les tocó tocar por 10 días en un tiempo en los que hubo un clima excepcionalmente caluroso, sin embargo, el resto de la letra describe con exactitud lo que estaba pasando en aquella ciudad desde antes del famoso Verano del Amor. Por otro lado, la música es un pop-folk psicodélico de tintes barrocos con ese sello nostálgico que tuvo Burdon durante este periodo. Obra Maestra.

Man—Woman es básicamente soul al estilo de James Brown, pero completamente psicodelizado, no dudaría que este tema fuese influencia para Bob Seger, quien grabó un tema muy similar llamado Cat, para su segundo disco de larga duración en 1969 junto con su grupo de aquel entonces, The System.

Hotel Hell es un tema melancólico y nostálgico que habla sobre la vida de un músico solitario con insomnio que lleva una vida nomádica y describe todas las escenas citadinas que se pueden presenciar en un hotel, como luces de neón, televisiones silenciadas, sirenas de patrullas, desayunos, cigarros, etc. Mientras extraña su casa y a su novia, lo que me hace recordar a los grandes Hunger con su tema No Shame, en donde tocan un tema similar, en donde la estrella no aguanta más serlo y solo quiere regresar a su casa. Por otro lado, la música parece una combinación entre el pop psicodélico con tintes de flamenco y pasodoble taurino de Love y el folk pop lisérgico de The Art of Lovin'. Obra maestra.

Good Times es un tema de folk pop barroco que recuerda a la mejor época de los Rolling Stones (la del pop psicodélico, olvídense de su aburrida época setentera que empezó muy bien y terminó produciendo muchas obras mediocres) o a los Love más barrocos, mientras que va narrando como un tipo se lamenta por haber desperdiciado su tiempo en cosas inútiles como emborracharse y drogarse en lugar de haberse convertido en alguien exitoso y con una vida relativamente buena, por lo que aquí puedo decir que Burdon junto con Hotel Hell, tocó dos temas escabrosos para la época: la soledad y las adicciones, cosas que terminaron destruyendo a varias grandes celebridades de la época como Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin, Brian Jones, entre otros. Obra maestra.

Anything es otra balada que sigue el sello nostálgico y romántico del Burdon de la época, sin embargo, según el mismo Eric, uno de los compositores acreditados, afirma que no es simplemente un tema que habla del amor desde una perspectiva romántica, sino desde una perspectiva más abstracta y universal, es decir, desde el ágape, por lo que se podría decir que es un prototípico himno de la "Generación del Amor", mientras que la música vuelve a tener ecos de Arthur Lee. Obra maestra.

It's All Meat cierra el disco y se trata de un tema de rock ácido blusero que combina lo mejor de Jimi Hendrix y Cream con lo mejor del sonido de San Francisco (Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead, Moby Grape, etc.), e igualmente recuerda a los Them más psicodélicos del Time Out! Time In For Them!, con su guitarra fuzzeada y sus efectos de estudio. Mientras que las letras vuelven a ser un homenaje a otros de sus ídolos, entre ellos Muddy Waters, Jimmy Reed, Ray Charles, Ravi Shankar, Eric Clapton, entre otros. Temazo.

En los temas extra tenemos 4 que solo salieron en sencillos, pero que fueron grabados en las mismas sesiones:

When I Was Young es pop psicodélico con tintes de raga rock y letras contraculturales que suena un tanto turbia en la producción, pero la canción en general es una obra maestra. Por otro lado, he visto que muchos afirman que se trata de un tema de heavy psych, aunque honestamente yo no le escucho dicha tendencia por ningún lado.

A Girl Named Sandoz es rock ácido blusero que bien pudo haber cabido en el primer disco de Quicksilver Messenger Service o incluso en el Wheels of Fire de Cream, pues por un lado Vic Briggs hace su mejor impresión de John Cipollina y sus solos con trémolo, mientras que Danny McCulloch imita a la perfección a Jack Bruce, mientras que Eric Burdon va describiendo básicamente su primera experiencia con el LSD pero con el eufemismo de una chava llamada Sandoz, como los laboratorios que crearon el ácido lisérgico.

Ain't That So es tal vez el tema que más recuerda a la primera alineación del grupo, pues es rhythm and blues británico, pero psicodelizado.

Gratefully Dead es rock ácido al estilo de San Francisco en homenaje a la escena musical de dicha ciudad y el movimiento hippie que la habitaba en aquel entonces. Temazo.

Un disco que nadie debe perderse.

The Twain Shall Meet (1968)
The Twain Shall Meet de alguna manera continúa con lo que ya venían haciendo en Winds of Change, sin embargo, aquí podemos encontrar que el concepto que tenían en mente de un sonido completamente psicodélico ya está mucho más maduro y pensado, por lo que se escucha a una banda mucho más cohesionada que ya no tiene que experimentar con tantos estilos como en el disco anterior y los aspectos psicodélicos de la música ahora hacen mucha más gala. Este es EL ÁLBUM de los Animales y es aquí donde se podría decir que se consolidan por completo en las grandes ligas de la psicodelia.

Monterey es todo un homenaje al histórico Festival de Pop de Monterey, donde los Animales tuvieron una interpretación gloriosa que quedó plasmada en el documental Monterey de 1968, en donde menciona como los hippies disfrutaron de la música y a algunos de los grupos y músicos que estuvieron presentes, como los Byrds, Jefferson Airplane, Ravi Shankar, los Who, Hugh Masakela, Grateful Dead y Jimi Hendrix, así como también a Brian Jones, quien estuvo presente como parte del público. La música por otro lado es soul psicodélico con cítara eléctrica, metales y un Eric Burdon que brilla. Este tema salió en sencillo el 30 de Diciembre de 1967. Obra maestra.

Just The Thought es una balada romántica de sonido nostálgico muy similar a las que se pueden encontrar en su placa anterior, pero aquí está cantada por el bajista Danny McCulloch, quien posee un timbre ronco y un tanto avejentado que curiosamente queda perfecto para este tipo de canciones. Obra Maestra.

Closer To The Truth es una especie de boogie psicodélico que parece una mezcla entre los Doors y Jimi Hendrix que incluye efectos de sonido y una letra extraña.

No Self Pity es una bellísima obra de raga rock compuesta en modo mántrico, la cual contiene cítara eléctrica y clavicémbalo, mientras que la letra es básicamente poesía psicodélica. Obra Maestra.

Orange and Red Beams recuerda a lo mejor del Forever Changes de Love, es decir, es una delicada y fina balada romántica que sin lugar a dudas pudo haber sido firmada por el genio Arthur Lee, sin embargo, la voz de Danny McCulloch (también el autor del tema) con su raspor, suena casi como un retrato musical de la Caverna de Platón, además de que está adornada de efectos ultra-psicodélicos que igualmente traen a la mente a lo mejor de los Ultimate Spinach -Mind Flowers-, mientras que las letras al parecer son una metáfora sobre el nacimiento de la última parte de la Generación del Silencio durante la Segunda Guerra Mundial. Obra Maestra.

Sky Pilot no necesita presentación, probablemente sea la obra más importante y significativa de Eric Burdon y los Animales, aunque no necesariamente la más popular, al menos en el resto del mundo, donde llegó a lugares relativamente bajos en las listas de popularidad, pero aquí en México tuvo un éxito radial.

Sky Pilot es un himno anti-guerra que va narrando primero como un capellán bendice al cuerpo de tropas que están apunto de ir a combate, mientras este se retira a esperar su regreso, luego se escucha como se cae el avión y explota, al final canta un Burdon apunto de estallar en lágrimas cuando regresa el cuerpo de tropas glorioso de vencer a sus enemigos pero al mismo tiempo llorando sabiendo que lo que hicieron no estaba bien. El tema se compone por tres movimientos:

I. Introducción
II. Interludio
III. Conclusión

Por lo que es una composición que tiene un aspecto muy propio de la música académica, sin embargo, estilísticamente se sigue situando en la psicodelia más ácida e incluye efectos de estudio como phasing, además de efectos pre-grabados de bombas, aviones, balazos, explosiones y demás, y si no era poco, también hay gaitas, flautas, trompetas, violines y demás instrumentos, así como un solo de guitarra con fuzz. Esta es la obra maestra definitiva de Eric Burdon.

We Love You Lil empieza haciendo cita de Lili Marleen del alemán Norbert Schultze, una canción escrita durante la Primera Guerra Mundial que adquirió popularidad en la Segunda para convertirse en una oscura y bélica pieza de rock ácido guitarrero que recuerda al mejor Quicksilver Messenger Service -The Fool-. Otra obra maestra.

All Is One cierra con broche de oro y es que si bien la letra raya asquerosamente con lo new age, la música es oro puro, pues empieza con una sección de gaitas al más puro estilo escocés para convertirse en un tema de raga rock que incluye cítara, tambura, oboe, metales, violines, chelos y flautas, todo dentro de una atmósfera completamente lisérgica. De alguna manera vuelve a haber ecos de los Them en su periodo psicodélico, The Beat of The Earth del gran Phil Pearlman y a The Fraternity of Man, con los que el grupo comparte afición por la música clásica de la India. Obra maestra.

Un álbum que por nada del mundo nadie debe perderse.


Every One of Us (1968)
Every One of Us es el último disco de la alineación Burdon/Jenkins/Weider/Briggs/McCulloch, a los que se les añade el tecladista Zoot Money, quien en ese tiempo tocaba con Dantalian's Chariot, un grupo psicodélico inglés, por invitación de Eric Burdon.

Aquí tenemos un álbum que a pesar de haber sido despreciado incluso por los propios ex-integrantes del grupo, especialmente por el guitarrista Vic Briggs, quien afirma que básicamente fue un ejercicio egocéntrico de Eric Burdon para reafirmar su papel del líder de facto de la agrupación y que él fue el que básicamente produjo el disco, y aunque yo aquí no diré que esto es la verdad absoluta, si puedo decir que la mayoría de las canciones aparecen atribuidas únicamente a Eric Burdon, por lo que no estoy completamente seguro de qué creer, sin embargo, lo que sí puedo decir es que a pesar de que no todo está perdido, es un álbum que posee bastantes irregulares, además de que el abuso del spoken word es más una traba para que el disco acabe de funcionar, por lo que podemos decir que este álbum es algo así como el equivalente de los Animals al Álbum Blanco.

El disco comienza con White Houses un tema bastante relajado con tintes latinos que recuerda a los momentos más ligeros de los californianos Sweetwater o incluso a las últimas grabaciones de Ill Wind, pero sin la voz de Conny Devanney. Muy buen tema.

Uppers and Downers es una especie de mini-ópera en a capella que dura apenas 25 segundos.

Serenade To A Sweet Lady es un tema instrumental de bossa nova escrito por John Weider para su novia de aquel entonces, el cual tiene una excelente sección rítmica y un excelente trabajo de guitarras acústica y eléctrica que recuerdan al mejor Quicksilver Messenger Service. Obra Maestra.

The Immigrant Lad comienza como una balada de corte medieval que pronto termina siendo una grabación de una conversación. Temazo.

Year of The Guru parece exactamente lo opuesto a All Is One, pues mientras que aquel tema que cerraba con broche de oro a The Twain Shall Meet tiene una letra con tendencias new age, este parece expresar todo un sentido crítico con la conversión de muchos hippies a las religiones orientales o a sectas de corte new age, lo que me hace recordar a John Lennon cuando dijo que no creía en absolutamente nada por allá en 1970. Por otro lado, la música es rock ácido blusero con fuzz asesino y un Eric Burdon muy influenciado por el talking blues de Bob Dylan -Subterranean Homesick Blues-.

El cover de St. James Infirmary se mueve entre el blues psicodélico con cítara eléctrica, el jazz lisérgico tipo Quicksilver Messenger Service -Gold and Silver- y el bossa nova. Temazo.

El disco finaliza con New York 1963-America 1968, tema que se divide en tres partes:

1. Folk de tintes célticos
2. Spoken Word
3. Rock ácido souleado

Aunque pudo haber sido una obra maestra, la parte de spoken word hace que se caiga por completo hasta que surge la parte del rock ácido que se acerca muchísimo al heavy psych souleado de The Corporation.

Love Is (1968)
Último disco de la banda -hasta 1979, cuando se volvió a juntar la alineación original-, el cual también es el único donde colabora Andy Summers, quien también formaba parte de Dantalian's Chariot.

Love Is es de alguna manera, un intento de recuperar al público británico que mayormente los había abandonado con su completa transformación a la psicodelia que al parecer había tenido mejor recepción en Estados Unidos, por lo que aquí hay una especie de retorno a sus raíces, es decir, al rhythm and blues, el blues y el soul, por lo que este álbum está mayormente conformado por covers de Ike y Tina Turner, Sly and The Family Stone, Fenton Robinson y Johnny Carter, e igualmente hay covers de los Bee Gees, Traffic y Dantalian's Chariot junto con una sola composición original de Eric Burdon, sin embargo, todo es pasado por el filtro de la psicodelia, aunque en un estilo más británico y cercano a lo que hacían grupos como Traffic, los Bee Gees, Jimi Hendrix, Cream o incluso los mismos Dantalian's Chariot.

El disco comienza con River Deep, Mountain High, que a pesar de que empieza como una versión más (a diferencia de la de Deep Purple que incluye todo un fragmento de Also Sprach Zarathustra), se termina convirtiendo en una especie de jam psicodélico con coros gritando "Tina". Temazo.

I'm An Animal es funk psicodélico cachondón que incluye algunas imitaciones bastante bobaliconas del sonido de coito, las cuales suenan más bien como gorilas y a un Eric Burdon que canta de forma cachonda.

I'm Dying, or Am I? es el típico pop psicodélico británico con bellas melodías y excelentes armonías vocales, de hecho, no quedaría fuera de lugar en alguna recopilación de Dantalian's Chariot o en alguno de los primeros discos de Traffic. Temazo

Ring of Fire es una interpretación dramática y psicodelizada del clásico de Johnny Cash, el cual me recuerda a los gringos Gandalf y su interpretación del tema Me About You de los Turtles, que era un tema muy alegre y Peter Sando la hizo dramática, pues básicamente esta versión es eso y es una obra maestra.

Coloured Rain es un cover de Traffic y está completamente al nivel de la original o tal vez sea incluso mejor, además de que el solo fuzzeado de más de 4 minutos de Andy Summers es excelente, por lo que me atrevo a decir que aquí él muestra más su capacidad como guitarrista que en The Police e igualmente los arreglos de soul con metales son excelentes. Obra maestra.

El cover de To Love Somebody está tocado en modo de soul psicodélico que va deconstruyendo la composición original con los coros al principio y después los versos, además de que las voces negras femeninas son oro puro. Obra maestra.

As The Years Go Passing By es blues psicodélico extremadamente elegante con un piano extraordinario por parte de Zoot Money y la guitarra ácida de Andy Summers que en mi opinión es todavía mejor que Eric Clapton o incluso Jimi Hendrix, además de que el barítono de Eric Burdon brilla como nunca, con este tema me atrevo a decir que ni Cream, ni la Experiencia hicieron esta mezcla de blues con psicodelia con tanta finura y clase. Obra maestra.

Gemini fue un tema de Dantalian's Chariot, el cual era uno de los estelares en sus conciertos, sin embargo, todo parece indicar que nunca lo grabaron o que la grabación se encuentra perdida, sin embargo tenemos como único testimonio disponible grabado de la canción esta versión de los Animales, la cual es una psicodelia muy viajada que incluye fuzz, wah-wah y varios efectos de estudio, mostrando también que Andy Summers es un guitarrista que sabe hacer uso de los efectos sin caer en el exceso o en lo incoherente, y fue por eso que lo terminó eligiendo Sting para The Police, igualmente se incluye algo de spoken word, aunque no de manera excesiva como en Every One of Us. Obra Maestra.

The Madman (Running Through The Fields) es otro tema de Dantalian's Chariot, aunque a diferencia del anterior, este sí fue grabado o al menos eso se cree porque la versión de aquel grupo está disponible en las recopilaciones que han salido. Por otro lado, este tema representa (para mí) parte de lo mejor de la psicodelia británica, con su excelente melodía y armonías vocales, además de su instrumentación que incluye guitarra de 12 cuerdas, órgano, guitarra acústica, flauta, fuzz, reverb, cintas en reversa y otros efectos de estudio. Obra maestra y un cierre de broche de oro.

En fin, aquí tienen esta caja de este grupazo. ¡Hasta la próxima semana!