H.P. Lovecraft - Dreams In The Witch House: The Complete Philips Recordings (2005)

 

Muy buenas tengan todos ustedes, ya ha pasado más de un año que no he publicado nada tanto por la versión original de Blogger como por la extensión de Wix y lamentablemente las circunstancias jugaron más en mi contra que a mi favor y es que por un lado, no pude encontrar la inspiración para ponerme a escribir algo bueno, aunque lo intenté varias veces, siempre con resultados a medio hacer y que no me terminaban de convencer, igualmente a principios de año, mi viejo disco duro dejó de funcionar, por lo que perdí mucha música que hasta la fecha no he podido recuperar del todo, y eso también hizo que el tiempo que solía invertir en escuchar música se redujera considerablemente, además de que con el fin de la pandemia, he tenido la oportunidad de salir más a menudo y eso me ha restado tiempo, pero por si no fuera poco, mi computadora que compré justo antes de que el COVID-19 llegara a México, empezó a fallar y eso se debió a la tarjeta base, cosa que me costará algo de dinero arreglar, ya que las tarjetas base no son precisamente muy baratas que digamos, pero al menos es algo que se puede cambiar, por lo que tengo que usar una MacBook vieja y desactualizada de mi mamá, que sí, a pesar de que me ha complicado ciertas cosas, pues es lo que tengo y con esto estoy trabajando, por lo que a pesar de todo lo que podría tener en contra mía, tendré que ingeniármelas para poder actualizar el blog de manera más constante.

Los orígenes de H.P. Lovecraft datan desde 1966, cuando el cantante de folk George Edwards fungía como uno de los cantantes de sesión de la disquera Dunwich, Edwards ya tenía experiencia al ser un trovador bastante nómada al estar rondando por Chicago, California y Florida, y ya había tenido al menos un sencillo que no tuvo ningún éxito, no obstante, grabó un nuevo sencillo con los músicos del grupo de garage rock local The Rovin' Kind y además de todo se le unió su viejo amigo Dave Michaels, un cantante entrenado en bel canto con un poderoso rango de 4 octavas y registro de tenor lírico ligero, a quien conoció mientras tocaba en un trío de jazz y lounge que tocaba en un Holiday Inn de Chicago.

El sencillo salió bajo el alias de H.P. Lovecraft en lugar de salir como un sencillo de George Edwards, gracias a que los dueños de la disquera eran admiradores incondicionales del trabajo del escritor de terror Howard Phillips Lovecraft e incluso la disquera Dunwich se llamó así gracias a un cuento de Lovecraft. Edwards y Michaels, entusiasmados por el nombre y porque la familia del escritor autorizó que lo usaran, decidieron formar una banda estable con el nombre y en Marzo de 1967 hicieron las audiciones para reclutar a los miembros, que resultó en el reclutamiento del guitarrista Tony Cavallari, el baterista Mike Tegza y el bajista Tom Skidmore, quien no duró mucho en la alineación y fue sustituido por Jerry McGeorge, quien había sido uno de los guitarristas del grupo de garage rock los Shadows of Knight, por lo que pronto, con George Edwards y Dave Michaels como las fuerzas creativas del grupo, empezaron a desarrollar una mezcla de folk rock con psicodelia, con un repertorio que consistía en composiciones originales y refritos de canciones tradicionales de folk. El sonido de la banda estaba marcado por las armonías vocales de George y Dave, quienes hacían un trabajo que recordaba al de Jefferson Airplane, así como también su folk rock psicodélico recordaba a aquella banda sanfranciscana y fue a mediados de 1967 cuando entraron al estudio a grabar su primer disco de larga duración, que llevaba un título homónimo y salió al mercado hasta Octubre de ese año, y aunque el disco no tuvo gran éxito en las listas de popularidad nacionales o internacionales, sí logró bastante popularidad en Chicago, San Francisco y Los Ángeles, al punto que H.P. Lovecraft tuvieron que hacer una gira por la costa oeste y pronto se convirtieron en uno de los grupos preferidos de los hippies californianos.

Una vez bien consolidados como un grupo relativamente popular en la costa oeste de Estados Unidos, también tuvieron que hacer una gira por la costa este, tocando en el Boston Tea Party de Boston, el Electric Factory de Filadelfia y el Café Au Go Go de Nueva York, donde alternaron con Blood, Sweat and Tears. Al cumplir con las giras, se reestablecieron en Marin County, California en Febrero del 68 y pronto tuvieron que seguir tocando en el Fillmore y el Winterland con Traffic, así como también en el coliseo Utah State Fairgrounds de Salt Lake City con los Youngbloods y Buffalo Springfield, en el Whisky A Go-Go con Colors y en Palm Springs con la banda de blues de James Cotton.

Después de 8 semanas de haberse mudado a California, Jerry McGeorge se salió del grupo y apareció con ellos por última vez en sus conciertos en el Kaleidoscope de Los Ángeles en los días del 12 al 14 de Abril del 68 y en su lugar entró el bajista Jeffrey Boyan, quien había estado en otra banda de su natal Chicago, Illinois llamada Saturday's Children y eso sirvió como un gran cambio, ya que Boyan era un bajista mucho más completo que McGeorge y además también cantaba, y así H.P. Lovecraft logró alternar con grupos como Jefferson Airplane, y la magia de esta alineación logró capturarse por primera vez en el disco en vivo Live May 11, 1968 que salió hasta 1991 por Sundazed en Estados Unidos y Edsel en Inglaterra.

En Junio de 1968 fue hora de grabar un nuevo álbum y para eso se trasladaron a Los Ángeles, para grabarlo en los estudios I.D. Sound, la producción del disco estuvo a cargo de su representante George Badonsky y la ingeniería por el británico Chris Huston, quien fue parte fundamental para el disco, ya que la banda había estado extremadamente ocupada en las giras y no tenían material nuevo para grabar, por lo que Huston les ayudó a componer e improvisar en el estudio, así como también fue quien añadió los efectos psicodélicos al disco, y así el grupo pudo completar H.P. Lovecraft II, salido en Septiembre del 68, disco que mostró una expansión creativa del grupo, no obstante, el disco volvió a tener ventas muy bajas como para entrar en las listas nacionales y eso provocó que Dave Michaels se saliera del grupo a fines de ese año y finalmente H.P. Lovecraft se separaran definitivamente en Enero de 1969.

Michael Tegza se fue a tocar con Bangor Flying Circus, grupo con el que logró sacar un disco en 1969 y luego se reunió con George Edwards, quien había vuelto a ser un trovador y además, ya tocaba con su nombre real, Ethan Kenning, y formaron a Lovecraft, quienes sacaron un solo disco en ese año titulado The Valley of The Moon, el cual, suena a una psicodelia más estándar y menos compleja que la de H.P. Lovecraft, además de tener las típicas tendencias al funk y al country rock de la época. Tegza volvería a formar una nueva versión del grupo llamada Love Craft, que sacó un disco en 1976 y esta versión tocaría funk. Igualmente George y Dave se suelen juntar a menudo para tocar juntos.

Dreams In The Witch House: The Complete Philips Recordings es una recopilación editada por Rev-Ola en el 2005, la cual recopila todas las grabaciones del legendario grupo chicagüense para Dunwich Records, incluyendo el sencillo que grabó George Edwards en 1966 bajo el pseudónimo de H.P. Lovecraft y los dos álbumes lanzados en 1967 y 1968 respectivamente.

El disco abre con Wayfaring Stranger, una canción tradicional de Estados Unidos que data del siglo 19, sobre un alma quejumbrosa hablando sobre su vida, el autor de la letra en Inglés es completamente desconocido, no obstante la melodía data de 1666 y fue compuesta en Alemania con el nombre de Ich bin ja nur ein Gast auf Erden y su letra original estaba basada en los salmos 39:12 y 119:19 de la Biblia. La letra en Inglés (Wayfaring Stranger) fue publicada por primera vez en 1858 en una colección de himnos y canciones espirituales de Estados Unidos hecha por Joseph Bever, y un dato curioso es que Wayfaring Stranger fue conocida como "el himno de la prisión Libby", ya que un soldado agonizante prisionero en Libby, escribió la letra en la pared de su celda. Por otro lado, la música es folk rock psicodélico, muy similar a lo que ya hacían Jefferson Airplane. Temazo.

Let's Get Together es uno de esos himnos hippies de toda la vida... Al menos para los gringos, ya que en México no pegó, pero como sea, Let's Get Together ha sido versionada cientos de veces, pero podemos destacar entre sus versiones a las de los Youngbloods, The Yankee Dollar, los Dave Clark Five, los We Five, Jefferson Airplane, la de su autor Dino Valenti y la de H.P. Lovecraft, quienes grabaron una versión más alegre y con una instrumentación más compleja al incluir flauta, órgano Farfisa y la típica instrumentación de rock, así como las armonías vocales de Edwards y Michaels. Excelente.

I've Been Wrong Before es otro cover, esta vez de Randy Newman y está hecho en clave de una refinada y pausada psicodelia que incluye flauta dulce, órgano y un final con timbales, además de las exquisitas armonías vocales. No dudaría que esta fuese una influencia importante en los Spiders. Extraordinaria.

Drifter vuelve a sonar a Jefferson Airplane, es decir, es un tema más rocanrolero y enérgico que los anteriores, que además incluye más adornos de guitarra y las armonías vocales recuerdan todavía más a las de Grace Slick, Marty Balin y Paul Kantner, y lo mismo se podría decir de The Bag I'm In, que cabría destacar que ambas canciones son refritos de los cantantes de folk Travis Edmonson y Fred Neil, admirados por George Edwards y Dave Michaels. Temazos.

The White Ship es probablemente la obra maestra del debut y una de las obras más acabadas del grupo, por lo que no es de sorprenderse que esta fuese la canción que cautivó a los hippies californianos en el otoño de 1967, pues se trata de una canción basada en el cuento corto el Barco Blanco del escritor H.P. Lovecraft y que musicalmente es una exquisitez sonora, pues se trata de un tema compuesto a ritmo de bolero español y lleno de barroquismo, con una rica instrumentación que incluye campanas, órgano, un drone de feedback guitarrero, clarinete y clavicordio, además de las acostumbradas armonías vocales de George y Dave que son oro molido, poniendo a H.P. Lovecraft en el nivel de cualquiera de los grandes grupos de San Francisco y de Boston.

Country Boy & Bleeker Street es otro refrito de Fred Neil y que vuelve al rock ácido guitarrero de Jefferson Airplane, aunque esta vez me recuerda más al After Bathing At Baxter's que al Surrealistic Pillow o el Takes Off. Temazo, especialmente por las armonías vocales.

The Time Machine es un vaudeville psicodélico con Dave Michaels en la voz principal, la música en general me recuerda a muchas bandas de la época, entre ellas a The United States of America, los Beatles, los Animals, The Freeborne y a Mount Rushmore, quienes grabaron temas de corte similar. Espléndido.

That's How Much I Love You, Baby (More or Less) es otro refinado tema de suave psicodelia jazzeada, en el que de nuevo noto ecos de The Freeborne, quienes también tenían mucha influencia del jazz. Extraordinario.

Gloria Patria es básicamente un canto gregoriano en Latín y de nuevo, el grupo muestra sus capacidades tanto vocales como musicales, estando por encima del promedio. Excelente cierre.

H.P. Lovecraft II abre con Spin, Spin, un tema del cantautor de folk Terry Callier, que parece una combinación entre Jefferson Airplane y Sixto Rodriguez pero con mayor finura por su instrumentación que incluye piano y arreglos de cuerda a cargo de Dave Michaels. Espléndido.

It's About Time es otro tema de Terry Callier y al igual que el anterior, el sonido de Jefferson Airplane sigue presente, pero esta vez se hace mucho más complejo y con reminiscencias del Pink Floyd de Syd Barrett (Interstellar Overdrive) y de los largos jams de Quicksilver Messenger Service (The Fool, Calvary), así como también hay arreglos de cuerdas que también recuerdan a los Moody Blues y a The Mandrake Memorial, además de efectos electrónicos, mostrando que el grupo podía hacer cosas bastante complejas pero bien hechas, sin caer en los excesos incoherentes en los que ocasionalmente podían caer grupos como Vanilla Fudge o algunos grupos británicos de rock progresivo. Obra maestra.

Blue Jack o' Diamonds es folk psicodélico de la autoría del nuevo bajista Jeff Boyan, quien reusltó ser un excelente bajista, un buen cantante y un excelente compositor también, la canción tiene reminiscencias medievales y un excelente solo de clarinete tocado por Dave Michaels. Obra maestra.

Electrallentando es una composición de George Edwards, pero esta vez tiene un caracter más experimental y psicodélico, aunque conservando sus raíces en el folk, por lo que este tema es mayormente acústico, con excepción de los arreglos de órgano, piano, e igualmente tiene campanas tubulares de cristal, timbales y está lleno de efectos psicodélicos que recuerdan a las mejores obras de Ultimate Spinach. Obra maestra.

At The Mountains of Madness probablemente sea una de las pocas y primerizas obras del space rock gringo junto con May The Circle Remain Unbroken de los 13th Floor Elevators, lanzada un año después, además de mostrar una notoria influencia de Syd Barrett (Interstellar Overdrive, Astronomy Domine) y del material más psicodélico de Jefferson Airplane (The House at Pooneil's Corners) con el extenso uso del feedback guitarrero por parte de Tony Cavallari y de los efectos psicodélicos por parte de Chris Huson, igualmente las armonías vocales suenan mejor que nunca y la batería es toda una chingonería. Una obra maestra sin dudarlo y una de las piezas más psicodélicas de toda la historia.

Moebius Trip es probablemente la canción que más recuerda al debut, por su fina y sofisticada tendencia jazzística que recuerda a That's How Much I Love You, Babe (More or Less), aunque con la diferencia de que suena mucho más psicodélica gracias a Chris Huson. Temazo.

High Flying Bird es un clásico sesentero que fue versionado infinidad de veces, pero las versiones que más destaco son las de Ill Wind, Jefferson Airplane, los Wizards from Kansas y la de H.P. Lovecraft, la cual está a cargo de Jeff Boyan en la voz principal, demostrando de nuevo que es un muy buen cantante. Temazo.

Nothing's Boy es una pieza experimental y terrorífica muy corta que da paso a Keeper of The Keys, una canción del dúo de folk rock Brewer & Shipley, la cual está tocada a modo de un medio tiempo muy contundente y aquí Dave Michael es el cantante principal. Temazo y un excelente cierre.

De temas extra tenemos el primer sencillo lanzado con el nombre de H.P. Lovecraft, que está lejos de sonar psicodélico, pero definitivamente son canciones de folk rock de muy alto calibre y que ya muestran chispazos de lo que se convertiría el grupo posteriormente, igualmente viene las versiones del sencillo de The White Ship y Keeper of The Keys.

H.P. Lovecraft es un discazo que a pesar de que por momentos suena mucho a Jefferson Airplane al punto de sonar como una copia, lo que irónicamente, los hace más originales de lo que muchos podrían pensar -lo que realmente es la "originalidad" es aquello que se apega a sus orígenes y H.P. Lovecraft definitivamente suenan como Jefferson Airplane, e incluso Dave Michaels tiene un registro muy andrógino que notoriamente suena como Grace Slick por momentos-, es un disco excelente en general y un excelente comienzo para una de las bandas psicodélicas más importantes de Estados Unidos, no obstante, la obra maestra del grupo es su segundo disco, H.P. Lovecraft II, por su experimentalidad y por la calidad de las canciones que definitivamente fueron un avance creativo importante para la banda, creando así uno de los mejores discos psicodélicos de la historia, igualmente cabe destacar que en este segundo disco, Dave Michaels ya no suena tanto a Grace Slick, por lo que ambos están completamente recomendados.

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The Yardbirds - Roger The Engineer (1966)

Después de todo un mes y 8 días de descanso, el blog regresa a sus actividades semanales. Antes de pasar a hablar del disco y el grupo en cuestión, quiero platicarles lo que pasó en el transcurso del mes pasado, pues además de haberme sentido muy agotado (gracias a mis problemas de sueño que sufro desde que tengo memoria) durante la primera mitad de Junio, el día 28 de ese mes fui de nuevo bloqueado por la red neuronal del Facebook por 30 días, lo que me ha hecho volverme a cuestionar seriamente mi estancia ahí, ya que la corrección política ya no solo se aplica para las opiniones que critiquen a alguna minoría estúpida o algo por el estilo, sino que ya hasta para cualquier insulto, por más intrascendente e irrelevante que pueda parecer decirle a un trumpista "pendejo" en inglés británico ("you bloody cunt"), eso hizo que se me volviera a bloquear, por lo que estoy pensando seriamente en abandonar esa red social y tener a mis blogs como únicos medios de expresión, ya que al menos por aquí nunca se me ha censurado por decir alguna leperada o por criticar a la trivialidad pequeñoburguesa de la "izquierda" actual, pero bueno, por si eso no era suficiente terminé con una infección intestinal después de comer algo descompuesto o sucio que me provocó serios malestares el fin de semana pasado y hasta ahorita estoy acabando de recuperarme, lo que me imposibilitó poder ponerme a escribir seriamente e incluso de concentrarme para escuchar música, sin embargo, este blog está de regreso a las actividades y esperemos que esto de para mucho.

El disco que les presento hoy fue el que ganó la encuesta publicada a fines de Mayo, por lo que les agradezco a los que hayan votado, sin embargo, lo pospuse debido a que había encontrado una versión en SACD del Forever Changes y vi que era necesario compartirla por su excelente calidad de sonido, pero como sea, aquí les traigo este disco en su remasterización del 2007, ya que es lo que tengo disponible por ahora, esperemos que en el transcurso de este mes alguien suba la nueva remasterización que salió el 25 de Junio a rutracker o a alguna página rusa por el estilo... En fin, espero que disfruten este nuevo post que es un disco verdaderamente histórico.

Los Yardbirds se formaron en los suburbios del sur de Londres en 1963 por el vocalista Keith Relf y el bajista Paul Samwell-Smith, quienes habían estado en un grupo llamado The Metropolitan Blues Band, con el nombre de The Blue-Sounds, poco después se les unirían el guitarrista rítmico Chris Dreja, el baterista Jim McCarty y el guitarrista solista Top Topham. Uno de sus primeros conciertos fue como banda de acompañamiento para el músico de blues Cyril Davies a fines de Mayo de ese año, el cual les ayudó a conseguir más conciertos y sería en este periodo en el que se harían llamar definitivamente los Yardbirds, que según Dreja y Relf, venía de la novela En el Camino de Jack Kerouac, en donde se usa el término para referirse a los vagabundos que merodeaban en las estaciones de tren y Topham dice que se trataba de una referencia a Charlie Parker, a quien apodaban como "Yardbird".

Cuando Top Topham abandonó al grupo en Octubre de 1963, su puesto fue tomado por Eric Clapton, en aquel entonces, un guitarrista desconocido y fue aquí donde la banda comenzó a volverse cada vez más popular, al punto que al convertirse en el grupo de la casa del Crawdaddy Club, pronto el dueño del lugar Giorgio Gomelsky se convertiría en su representante y productor, lo que los llevó a convertirse brevemente en la banda de acompañamiento para Sonny Boy Williamson, que en ese año estaba de gira por Inglaterra y fue ahí donde se grabaron las canciones que finalmente serían editadas en 1966 en el disco Sonny Boy Williamson and The Yardbirds.

Pronto, en Febrero de 1964 firmarían un contrato con la Columbia, una disquera que en ese momento era subsidiaria de la EMI y en Marzo de ese año, grabarían su histórico Five Live Yardbirds, que consistía básicamente en covers de blues y rhythm and blues tocados en vivo.

Los Yardbirds eran cada vez más populares y su primer sencillo grabado profesionales no cumplió con las expectativas del grupo de convertirse en más populares, por lo que finalmente sus líderes Keith y Paul comenzarían a ver un panorama más allá de su blues, y es así como obtienen su primer gran éxito en 1965: For Your Love, una composición de Graham Gouldman inspirada en el sonido de los Beatles y con un clavecín prominente tocado por un jovensísimo Brian Auger, lo que finalmente tendría el costo de que Eric Clapton -en aquel entonces, un purista recalcitrante del blues- se saliera y en su lugar llegara Jeff Beck, un guitarrista que podía manejar más estilos y es aquí donde comenzaría su época de pioneros y de grandes innovadores.

A fines de la primavera de 1965, sale Heart Full of Soul, el gran debut discográfico de Jeff Beck en el grupo, el cual significó una importantísima innovación en el rock, pues por un lado, es la primera canción en insertar elementos propios de la música clásica de la India y por el otro, es el tema que popularizó el uso del fuzz en la guitarra, pues a pesar de que los Ventures ya lo usaran seguido y que Travis Wammack sacara su innovador sencillo Scratchy en 1964, ninguno había logrado masificar el uso de dicho pedal que hasta ese momento, era visto más que nada como una curiosidad y no como algo con potencial para convertirse en un sonido clave, por lo que es con esta canción que además de que el fuzz se hizo popular e importante, sus elementos exóticos la convirtieron en uno de los temas pioneros de la psicodelia y por si eso no fuera poco, en ese mismo año sacarían Still I'm Sad, la primera canción escrita por los miembros del grupo, la cual también significaría una gran innovación, pues es el primer tema de música popular moderna en incluir elementos propios de la música medieval, incluyendo cantos gregorianos (lo que finalmente terminaría derivando en el surgimiento del folk rock neo-medieval en años posteriores), además de ser una de las primeras canciones de corte netamente oscuro y depresivo que finalmente se convertiría en el sello de grupos como los Doors y Mad River.

A principios de 1966, la banda estaba en su punto álgido y era universalmente reconocida como una de las bandas más importantes de la "Ola Inglesa" o "Invasión Británica", y es aquí donde saca su mayor logro compositivo: Shapes of Things, que se convirtió en uno de los emblemas del grupo y que además de todo, es uno de los temas más importantes e influyentes de los 60's, pues por un lado, es la primera canción psicodélica en volverse popular y esto, finalmente la llevaría a convertirse en un tema extremadamente influyente, pues el solo de Jeff Beck, de nuevo con influencias hindúes, sería una parte fundamental para la construcción del tono quintaesencial de la guitarra psicodélica con su fuzz y su feedback controlado, además de que sus letras también resultaron ser muy relevantes, pues por un lado, fueron las primeras letras anti-guerra y pro-ecología en estar en un disco de rock, pero por otro habría que mencionar que su mensaje es incluso más relevante hoy que hace 54 años, pues es en estos tiempos donde el problema de la catástrofe ecológica está más presente que nunca, pero mientras exista un capitalismo que funcione a través de regímenes tecnocráticos/totalitarios para hacerles el caldo gordo a los lumpenburgueses, el problema crecerá aún más, pero bueno, volviendo a los Yardbirds, Shapes of Things también fue importantísima en el sentido de que significó la toma de conciencia artística del grupo en cuanto al potencial que existía al comenzar a escribir sus propias canciones y fue con esto que unos meses después de su grabación (que ocurrió entre Noviembre y Diciembre de 1965) y de su lanzamiento (Enero del 66), situándonos en la primavera de 1966, el grupo se metió a grabar Roger The Engineer, disco del que hablaremos más adelante, el cual salió en Julio de ese año, justo cuando el bajista Paul Samwell-Smith había decidido dejar al grupo para dedicarse exclusivamente a la producción musical y en su lugar entró Jimmy Page, que luego se cambiaría a la guitarra rítmica para grabar Happenings Ten Years Time Ago y Psycho Daisies, temas de los que también hablaremos más adelante.

Poco tiempo después, Jeff Beck se saldría del grupo y Jimmy Page tomaría su lugar como guitarrista, grabando así el disco Little Games, salido en 1967. En 1968 terminarían separándose y el resto es historia.

Roger The Engineer es un disco importantísimo, que se podría decir que marcó un antes y un después, pues estamos frente a una de las piedras angulares de lo que vino después y ante un álbum en donde el grupo en cuestión se consolidó como parte de los grandes innovadores no solo del rock, sino de la música popular en un tiempo donde la música académica había tomado el giro masturbatorio e incoherente del avant-garde y el jazz ante su imposibilidad de renovarse melódicamente, había tomado también un giro masturbatorio en la improvisación libre y lo modal, lo que finalmente había dejado a los músicos jóvenes el campo abierto para la innovación y la creatividad en la música popular, lo que finalmente terminó produciendo discazos como el Revolver y el Sargento Pimienta de los Beatles, el Forever Changes de Love, el Days of Future Passed de los Moody Blues, el Piper At The Gates of Dawn de Pink Floyd, el Their Satanic Majesties Request de los Rolling Stones, entre otros, y uno de ellos se podría decir que es Roger The Engineer, que a pesar de ser una obra cumbre que fue extremadamente influyente para todo lo que vendría posteriormente, es una obra incomprendida tanto por los "expertos" como por los que se autonombran "conocedores", quienes la tienen como una obra menor de la época, sin embargo, ya veremos más adelante el motivo de su importancia como obra.

Roger The Engineer resultó ser la culminación de lo que la banda había venido haciendo desde 1965 y su mayor esfuerzo creativo, pues es con este disco que su mezcla ecléctica de blues, rhythm and blues, rock and roll y rockabilly cincuenteros, folk rock, pop anglófilo, garage rock y raga rock toma la forma de un rock psicodélico diversamente colorido que incluye además de todas las influencias antes mencionadas, elementos de música medieval con cantos gregorianos, gospel, música tribal y freakbeat, haciendo de los Yardbirds, no solo uno de los primeros grupos psicodélicos de la historia, sino que también los hace de alguna manera pioneros del rock ácido en su forma británica, es decir, lo que vendrían a hacer grupos como Cream, la Experiencia de Jimi Hendrix y Ten Years After, pero de una forma menos tecnicista y más coherente, pues aquí se nota que no hay ningún exceso que finalmente se convertiría en la norma para el rock tiempo después (y que finalmente sería la justificación para el surgimiento del pub rock británico y el punk neoyorquino) y se nota un esfuerzo creativo e intelectual importante que finalmente terminó en un disco extraordinariamente compuesto y tocado, y bueno, su importancia radica tanto en la influencia que ejerció en lo posterior como en la calidad general, dejando en claro que los Yardbirds estaban ya en el olimpo del rock.

El disco inicia con Lost Woman, un blues psicodélico que estoy seguro de que serviría como plantilla para Cream, pues aquí se notan todos los ingredientes que tomaría aquel power trio para crear su sonido, sin embargo, aquí tenemos a mejores músicos y compositores (a excepción de Jack Bruce, quien era el alma del trío y un GRANDE), e igualmente algo que me llama la atención es como el riff y el tono del bajo de Paul Samwell-Smith evocan a un contrabajo (la magia de la pastilla Sidewinder) y e igual la armónica con fuzz de Keith Relf es también algo muy interesante para la época, ya que en aquel entonces, el fuzz era usado exclusivamente en la guitarra y aquí ya se escucha un uso distintivo del pedal para otro instrumento, mientras que la guitarra está acompañada con un ligero overdrive. Temazo.

Over, Under, Sideways, Down es uno de los temas más icónicos del grupo y posiblemente uno de sus mayores logros en combinar la psicodelia de tonos hindúes con una composición evocadora del viejo rock and roll cincuentero, e igualmente, es un tema que marcaría lo que se conocería como "Swinging London", aunque irónicamente, la letra es una crítica al estilo de vida de ese movimiento, por otro lado, tanto la composición como la instrumentación son magistrales y definitivamente merece ser llamada obra maestra, a pesar de que a muchos "listillos" les incomode.

The Nazz are Blue es el homenaje de Jeff Beck a Elmore James, por lo que podemos decir que estamos ante a un boogie rock potente que de nuevo remite a Cream o incluso a Ten Years After, pero con una ejecución más interesante e igualmente este fue el tema que le dio nombre a un joven grupo de Filadelfia en el que estaba un puberto Todd Rundgren.

I Can't Make Your Way es un tema de base folk, que estoy seguro que está hecho a modo de parodia u homenaje a Bob Dylan, aunque sin la voz aguardentosa y desafinada de este, además de que también tiene ese regusto a psicodelia de tintes hindúes que tanto identificó a los Yardbirds en su periodo con Jeff Beck, pero igualmente algo que quiero destacar son sus letras que otra vez guardan esta tendencia a la crítica social y su abierto rechazo a la superficialidad y al inútil estilo de vida de la clase media, y aquí sucede algo que yo llamo el "Efecto Ill Wind", pues estas letras quedan todavía mejor en el contexto actual que en el particular de su época. Temazo.

Rack My Mind es otra vez un homenaje a un viejo blusero, esta vez a Slim Harpo, y de nuevo Jeff Beck se luce en su trabajo de guitarra y otra vez está antecediendo al rock ácido, pues esto es blues psicodelizado completamente guitarrero que pone a Beck al nivel de grandes como Mike Bloomfield, John Cipollina, Jerry García, Jorma Kaukonen o Elliot Ingber y hace trizas a Eric Clapton a la hora de combinar los fraseos bluseros con una postura abiertamente psicodélica. Temazo.

Farewell es pop anglófilo de muy corta duración, que pone a los Yardbirds en una postura similar a la que se puede escuchar en grupos como los Kinks, Bulldog Breed, los Dave Clark Five o incluso a la primera época de Pink Floyd.

Hot House of Omagarashid es un tema un tanto experimental que incluye percusiones y cantos tribales sin ninguna palabra combinados con diversos efectos de estudio, incluso algo que suena como burbujas que al parecer fue hecho con algún tipo de oscilador.

Jeff's Boogie es otro homenaje, esta vez a Chuck Berry y se trata de un tema que está a medio camino entre el boogie guitarrero y el rock and roll cincuentero, mostrando de nuevo que los Yardbirds a pesar de ser ya un grupo pionero de la psicodelia y de haber creado algunas de las innovaciones más importantes de la época, no se olvidan del viejo blues y del rock and roll, pero con la diferencia de que mientras aquí en México se agarran de los patrones más trillados y aburridos que además están mal tocados y que con eso se agarran para decir que son "verdadero rock", los Yardbirds supieron manejar bien esas raíces sin caer en lo repetitivo, aburrido y trillado, por eso es que son un grupo infravalorado por los viejos.

He's Always There es psicodelia garagera guiada por el áspero fuzz de Jeff Beck y que tiene una atmósfera un tanto oscura y misteriosa que de alguna manera recuerda a lo que harían finalmente en Happenings Ten Years Time Ago, pero menos perturbada y de alguna manera me recuerda a los enormes Hunger, de quienes ya hemos hablado en el blog hace unos tres años atrás. Temazo.

Turn Into Earth es una especie de música medieval "modernizada" con instrumentación de rock, una atmósfera muy psicodélica y una sección rítmica que por momentos raya con lo jazzero, además de que tiene cantos gregorianos, lo que de alguna manera pone también a los Yardbirds como pioneros en el folk rock neo-medieval/renacentista que finalmente se convertiría en la impronta de Ritchie Blackmore en los últimos años (antes de reformar a Rainbow). Obra maestra.

What Do You Want? es garage psicodélico y uno de los rave-ups tan característicos de los Yardbirds, que los pone también entre los mayores representantes del breve y oscuro garage rock británico junto con los Them, los Troggs, los Sorrows y posiblemente también los Kinks.

Ever Since The World Began es el tema que cierra al disco original y este comienza con una introducción de gospel muy pausada y con mínima instrumentación para finalmente convertirse en un tema de rhythm and blues con el típico sello de los Yardbirds. Temazo y excelente cierre.

Happenings Ten Years Time Ago es el debut de Jimmy Page en el grupo y aún tiene la presencia del gran Jeff Beck en los solos, y es otra obra maestra, pero esta vez de una psicodelia cargada de oscuridad y paranoia, que por momentos se podría decir que se adelanta a lo que harían grupos como Mad River o incluso los mismos Doors, pero igualmente se adelanta a las sonoridades que agarrarían como sello propio los grupos de rock gótico de los 80's, e igualmente podríamos mencionar que sirvió de inspiración para los gringos Hunger para su temazo Colors de 1969.

Psycho Daisies es boogie psicodelizado muy enérgico, esta vez no sé si fue un homenaje, pero suena muy potente y muestra cuanta energía desprendía este grupo incluso en estudio.

Si no han escuchado esta joya olvidada, no esperen a hacerlo, es un disco obligatorio en toda colección.

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Love - Forever Changes (1967)

Hola a todos los lectores, me disculpo por la tardanza de no haber publicado ayer como prometí, pero estuve fuera de mi casa y cuando llegué estaba muy agotado para ponerme a escribir, sin embargo, el ganador de la encuesta que hice el Martes lo decidí posponer para la próxima semana, pues resulta ser que ayer encontré la versión SACD de esta obra maestra, y aunque yo no estaba familiarizado con ese formato y tampoco entendía como funcionaba, debo decir que quedé completamente impresionado y me hizo ver que el remaster del 2018 sonaba muy plano y comprimido, al punto de que la separación de los canales no se notaba mucho, por lo que esta versión en SACD me dejó una experiencia muy grata y decidí compartirla con ustedes junto con el mencionado remaster del 2018 como extra, ya que este último, tiene una mezcla alterna del disco y temas extra, igualmente tenía planeado subir el DVD, pero en última instancia decidí sustituirlo por el SACD que viene comprimido en una imagen de disco ISO que pueden reproducir fácilmente por medio de una herramienta para Foobar2000 que les dejaré en el JustPaste de las descargas. ¡Buen provecho!

Los orígenes de Love se encuentran en cuando el adolescente Arthur Lee (quien ya era un compositor brillante, según fuentes cercanas) fue invitado a ver a una de las bandas de garage de su escuela en la que participaba su vecino Johnny Echols como guitarrista, por lo que pronto se uniría y se harían llaman The American Four, que pronto cambiarían de nombre a The Grass Roots y no tardarían en conocer a Bryan MacLean, quien en ese tiempo fungía como roadie de los Byrds, resultó ser que era un músico y compositor brillante quien había sido un niño prodigio, por lo que Arthur Lee lo invitó a unirse a su nuevo grupo que combinaba tanto el garage como el folk rock, que en ese tiempo marcaban a la escena rockera de los Ángeles, California.

Pronto el grupo quedaría completado por el baterista Don Conka y el bajista Johnny Fleckenstein, sin embargo, no duraron mucho en el grupo y serían sustituidos por Alban "Snoopy" Pfisterer en la batería y Ken Forssi, no obstante, antes de siquiera poder conseguir un contrato discográfico, resultó salir otro grupo con el nombre The Grass Roots, por lo que Arthur Lee le cambiaría el nombre a Love y así, el grupo debutó en 1966 con un disco homónimo que estaba mayormente conformado por temas de garage rock, folk rock y algunos tintes de psicodelia primigenia, logrando tener una popularidad considerable en la escena angelina, y en ese mismo año, el grupo lograría su único sencillo que entró a las listas de popularidad de Estados Unidos en un relativamente modesto lugar número 33 de nombre 7 and 7 is, que terminaría siendo incluido en su segundo disco Da Capo, el cual ya muestra algunos chispazos de la genialidad que vendría para Forever Changes y tendría el debut del baterista Michael Stuart-Ware.

En 1967, el grupo decidió meterse a grabar su tercer disco que a petición del productor Bruce Botnick, tendría un sonido alejado del estridente garage rock de sus primeros 2 álbumes y estaría más orientado al folk rock, este disco se titularía Forever Changes y comenzaría a ser grabado en Agosto de ese año, sin embargo, los miembros del grupo no tenían ensayadas las nuevas canciones de Arthur Lee, por lo que los tuvieron que suplir The Wrecking Crew, el grupo de músicos de sesión más importante de la historia, sin embargo, todos los miembros de este grupo tuvieron que aprender nota por nota la forma de tocar de los miembros de Love, y esto llevó al grupo a irse a ensayar el resto de canciones que conformarían al disco, el cual fue terminado en Septiembre y fue lanzado el 1° de Noviembre de 1967, logrando un modesto número 58 en las listas de popularidad de Estados Unidos y un mucho mejor 24 en las del Reino Unido.

El grupo lanzaría un sencillo más en 1968 y la primera época de Love daría por concluida al separarse, después Arthur Lee encontraría nuevos miembros y grabaría 3 álbumes más, sin embargo, esos discos serán comentados en el futuro.

Love es uno de los grupos más importantes de la historia de la música popular, a pesar de que el reconocimiento les llegó muy tarde, cuando el grupo ya no existía y fue gracias a toda una oleada de jóvenes músicos de origen británico que a finales de los 80's hasta el amanecer de la siguiente década, tenían entre sus discos preferidos al Forever Changes, que había sido un disco que alcanzó a tener bastante éxito en el Reino Unido entre 1967 y 1968, llegando al número 24 de las listas de popularidad, pero el pleno reconocimiento como un clásico llegó hasta las épocas de la neo-psicodelia y el baggy e incluso uno de los grupos icónicos de esta última escena, los Stone Roses llegaron a afirmar que Forever Changes era el mejor disco de la historia (aquí, podemos disentir, pero sea o no el mejor, eso es lo que menos importa) y eso los hizo tener una amistad inmediata con su productor.

Por otro lado, aquí muchos podrán objetarme o incluso regañarme, pero la verdad soy un férreo crítico del purismo intelectual y además de todo, de los arbitrarios y anticuados consensos de los expertos, pues sufren a la hora de hacer un análisis musical sólido, teniendo como bases únicas a los tecnicismos, la popularidad y lo más equivocado de todo, tener solamente en cuenta la impresión que una obra pudo generar en su momento particular, lo que me hace pensar que todo este purismo intelectual posmoderno simplemente termina teniendo este giro elitista y torpe al querer seguir reivindicando lo "auténtico", en este caso, seguir reivindicando esa actitud completamente acrítica y consumista que tuvo la generación de los "Baby Boomers" frente a la música que les vendían las grandes disqueras y los medios de comunicación, sin embargo, yo aquí doy un salto políticamente incorrecto (al menos para el academicismo posmo y su reaccionaria reivindicación de las particularidades) para tomar de Hegel su idea de "universalidad" y de aquí reformular el significado de "obra maestra", pues la semana pasada recibí regaños por parte de una autoridad académica por las reseñas que escribí de los Animals, en donde catalogué al menos 10 temas como "obras maestras", y sus regaños fueron por no tener en cuenta que "lo único que puede hacer a una obra, una "obra maestra" es la popularidad que adquirió en su momento particular", lo que se me hizo que pecaba de insensato y deshonesto, pues si hay algo que debemos tener en cuenta con las grandes "obras maestras" de todas las artes, NO ES su particularidad, sino lo que siguen dejando después de tantos años de haber sido creadas, incluso si en su tiempo, lugar, circunstancia o contexto no se les conoció o se les consideró un trabajo menor, por lo que un grupo como Love nos confirma esta lectura de corte hegeliano, pues su reconocimiento llegó demasiado tarde, cuando la época de la psicodelia, el hippismo, el racismo contra los negros, la guerra de Vietnam, entre otras cosas, ya eran cosa del pasado y Forever Changes resurgió, para decir más de lo que incluso pudo decir en su contexto particular, por lo que aquí la pregunta correcta cuando vamos a analizar una obra, no debería ser la típica: ¿Cuál fue el impacto que generó la obra en su tiempo? Sino, ¿Qué es lo que tiene esta obra para decir después de tanto tiempo de su creación? Solo aceptando el rompimiento que una obra tiene con su particularidad, puede reafirmarse como "obra maestra" y Forever Changes definitivamente lo es.

Aquí una cita del prólogo de La Filosofía del Derecho:

"Al decir, aún, una palabra acerca de la teoría de cómo debe ser el mundo, la filosofía, por lo demás, llega siempre demasiado tarde. Como pensar del mundo surge por primera vez en el tiempo, después que la realidad ha cumplido su proceso de formación y está realizada. Esto, que el concepto enseña, la historia lo presenta, justamente, necesario; esto es, que primero aparece lo ideal frente a lo real en la madurez de la realidad, y después él crea a este mismo mundo, gestado en su sustancia, en forma de reino intelectual. Cuando la filosofía pinta el claroscuro, ya un aspecto de la vida ha envejecido y en la penumbra no se le puede rejuvenecer, sino sólo reconocer: el búho de Minerva inicia su vuelo al caer el crepúsculo." 

-Georg Wilhelm Friedrich Hegel

 Como dice el buen Slavoj Žižek, Hegel es un filósofo muy abierto y universal para leer, pues prácticamente su pensamiento se puede aplicar incluso a otras disciplinas que no son filosofía o política, como en este caso: la música, y es que si hay algo que puede explicar el resurgimiento de grupos y discos raros o que quedaron opacados por conjuntos mucho más populares en su tiempo es precisamente esta cita de Hegel, pues esos discos llegaron a la gente cuando la psicodelia, el movimiento hippie, el verano del amor, los movimientos estudiantiles del 68, los primeros festivales de música, la guerra de Vietnam, entre otros sucesos, ya estaban realizados y por lo tanto, ya eran historia, y estos discos, incluso si muchos no llegan a ser "obras maestras", con el resurgimiento que tuvieron y con que sigan dando de qué hablar, es afirmativo que han reafirmado su universalidad.

Por si no fuera poco, algo que también es muestra de su universalidad y que incluso dejó a Arthur Lee atónito fue que en el 2002, el parlamento británico reconoció a Forever Changes como uno de los mejores discos de la historia, por lo que podemos decir que el gran Arthur pudo morir con una sonrisa en la boca sabiendo que había creado un disco casi tan importante como el Sargento Pimienta en el 2005.

Procedamos con la reseña:

El disco comienza con la magistral Alone Again Or, tema compuesto por Bryan MacLean, el cual resultó ser un niño prodigio que empezó a componer sus propias canciones desde una tempranísima edad por medio de un piano de juguete. Alone Again Or fue originalmente compuesta como una canción de country, pero ante la imposibilidad de que ninguno de los integrantes sabía tocar el banjo y que el músico de sesión se estaba tardando muchísimo por cuestiones de tráfico para llegar a la sesión, Bruce Botnick (el productor) decidió ponerle atención a lo que estaba tocando el gran Johnny Echols y resultó ser que eran unas figuras de flamenco, por lo que Bryan terminó cediendo a que la canción tuviese un distintivo sabor español y para que este aumentara, Botnick terminó llamándole al trompetista de sesión Bud Brisbois -quien ya era conocido por haber colaborado en una infinidad de discos y además de todo, por haber colaborado con Herb Alpert y la Tijuana Brass- para que hiciese un solo al estilo del pasodoble taurino, por lo que podemos decir que estamos ante una de las primeras canciones de la música popular en la que se volteó a ver a la música española como influencia principal. Magnum opus.

A House Is Not a Motel es un tema que fue compuesto por Arthur Lee, el cual parece ser que tiene la inspiración de Burt Bacharach y Hal David, dos de los compositores preferidos de Arthur, especialmente en una canción que tiene un título similar (A House Is Not a Home), aunque honestamente no me suena muy similar, por lo que supongo que la influencia de ese tema se limita al título, sin embargo, la música está compuesta a medio camino del folk psicodélico y el rock ácido con un ligero tinte español, mientras que las letras van narrando desde una especie de fantasía psicodélica que al parecer se refieren a The Castle, la casa en donde vivía el grupo en sus inicios, situada en los Ángeles, California y además también incluye referencias a la guerra de Vietnam, las cuales están basadas en lo que un veterano le contó a Arthur en un bar de San Francisco y si no fuera poco, termina futurizando al predecir que el tema de la guerra que en ese tiempo era noticia se iba a convertir en un tema recurrente para las películas hollywoodenses. Por otro lado, la interpretación del grupo es magistral, con un Bryan MacLean que muestra maestría en la guitarra de 12 cuerdas y un Johnny Echols verdaderamente impresionante que suena psicodélico, estridente, apocalíptico, fresco y siempre fino y sofisticado. Obra maestra.

Andmoreagain es una preciosa balada de folk combinada con la finura del Brill Building, donde la influencia de Burt Bacharach vuelve a aparecer, así como también la de sus colegas Buffalo Springfield y su canción Nowadays Clancy Can't Even Sing, compuesta por Neil Young (quien también tuvo su colaboración en este disco como arreglista de The Daily Planet), mientras que la interpretación vocal de Arthur Lee suena mucho más cercana a Johnny Mathis que a cualquier cantante de rock de la época, por lo que también se puede decir que esta canción confirma su alejamiento del garage rock de los primeros 2 discos de Love y su envolvimiento completo en un sonido más influenciado por el folk, que básicamente fue resultado de una petición de Botnick al mismo Arthur, igualmente las letras son filosóficas y un tanto espirituales, mientras que en este tema no toca ningún miembro del grupo, sino The Wrecking Crew, el grupo de músicos de sesión más importante de los Ángeles. Obra maestra.

The Daily Planet está en el número 4 y se podría decir que estilísticamente se encuentra dentro de un pop psicodélico "más estándar" en comparación con los primeros tres temas, sin embargo, empiezo a notar aquí reminiscencias del gran Syd Barrett en la forma en la que Arthur Lee va describiendo su vida cotidiana en la ciudad de los Ángeles combinando imágenes perturbadoras con otras más naif y otras más rutinarias, en las que se incluyen accidentes de tránsito, ambulancias, una madre comprándoles a sus hijos soldaditos de juguete, comer chicle, comer helado, hacer juegos de palabras un tanto infantiles o las más rutinarias que uno se puede imaginar, como despertarse de la cama en un día más en el que te esfuerzas por hacer lo mejor posible, lo que convierte a Arthur en el equivalente gringo de Syd Barrett, pues ambos son grandes compositores y ambos usan al menos de forma parcial los mismos recursos literarios para sus letras, aunque Arthur Lee puede llegar a ser más oscuro y perturbador. Por otro lado, la música incluye algunas ligeras influencias hindúes en algunas partes e incluso las partes de guitarra que están tocadas por Johnny Echols llegan a sonar parecidas a una cítara, mientras que los que están tocando son The Wrecking Crew de nuevo. Extraordinario tema.

Llega otro tema de Bryan MacLean, esta vez Old Man, una preciosa balada romántica de folk con una de las letras más poéticas que he leído, en la que Bryan toca la guitarra acústica y canta con su voz de tenor lírico-ligero, la cual también es una voz más cercana a un crooner que a un cantante promedio de rock o folk, mientra que lo acompañan Ken Forssi en el bajo y Michael Stuart-Ware en un suave acompañamiento de hi-hat, mientras que atrás hay una orquesta que adorna a este Magnum opus que me ha llegado a sacar las lágrimas.

Para este grupo es muy poco tener ya 4 obras maestras en un solo lado y Arthur Lee nos trae tal vez el tema más icónico del disco junto con Alone Again Or, The Red Telephone, el cual es un tema verdaderamente precioso de pop barroco que incluye, guitarra de 12 cuerdas y clavecín, mientras que Arthur Lee nos muestra su faceta más politizada e histérica (en un sentido totalmente psicoanalítico) en la que usa su usual mezcla de imaginería naif con otra perturbadora en la que menciona temas escabrosos para su época y él termina definiéndose como un ferviente crítico con los nacientes movimientos estudiantiles que alcanzarían su auge en 1968, especialmente en Francia y lo que se conoció como "Mayo Francés", por su reivindicación de la perversión (que finalmente derivó en una tecnocracia distópica y totalitaria de una pequeña burguesía pervertida, lumpenizada e híper-moralista) y con el movimiento hippie también, así como también muestra su inconformidad con la guerra de Vietnam y la segregación racial que se vivía en su país natal, así como también muestra al final un excelente guiño a la lucha de clases marxista al citar la frase de la obra teatro de Peter Weiss Marat/Sade de 1963 "¡Somos todos normales y queremos nuestra libertad!" y a la Biblia con "¡Todos los hijos de Dios tendrán su libertad!". Obra maestra.

El lado B abre con Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale que contrasta con la ominosidad y el escepticismo de The Red Telephone, con una tonada alegre y movida de tintes flamencos con una letra críptica sobre las calles que fueron de alguna manera, una especie de equivalente angelino a las calles de Haight y Ashbury en San Francisco o a la calle de Carnaby en Londres, Inglaterra, pues era el lugar donde se expresaba la contracultura en los Ángeles y donde también estaba localizado el famosísimo Whiskey A Go-Go, también debo decir que una de las frases finales de la canción (que además tiene una estructura rarísima que la hace aún más críptica) me sonó sospechosamente hegeliana, pues básicamente lo que dice es: "La luna es una escena común en mi pueblo, aquí donde todos tienen la cara pintada de café y si no sentimos que esa no es la forma correcta, entonces vamos a pintar a todos de gris". Mientras que la interpretación del grupo es excelente y me llama la atención como Arthur Lee en su tendencia a cantar como crooner, termina acompañando a la trompeta en su solo. Excelente tema.

Live and Let Live es más pop psicodélico con letras que por momentos son perturbadoras y en otras muestran gran conciencia política por parte de Arthur Lee, pues aquí se podría decir que a pesar de que usa toda una imaginería naif para narrar una letra perturbadora que al mismo tiempo de hacer referencia a los colonos europeos vestidos de azul, hace también referencia al reclamo de los Indios por formar parte de la universalidad (o como dice Zizek, "nosotros también tenemos el derecho a ser malvados"), por lo que de alguna forma hace una especie de profecía sobre cómo los descendientes de los movimientos políticos de esa época agarrarían una actitud paternalista y políticamente correcta que básicamente ejerce un totalitarismo paralizante para que esas "minorías" que aparentan defender, no puedan entrar a su propia universalidad e igualmente Arthur llama a cuestionar el motivo por el que los líderes quieren escribir sus reglas en el cielo". Por otro lado, la música es de nuevo, magistral y tenemos a un Johnny Echols que suena mejor que nunca. Obra maestra.

En el número 9 tenemos a The Good Humor Man He Sees Everything Like This, que sigue la misma tendencia de Arthur Lee a escribir canciones con influencia de Burt Bacharach, por lo que esta es otra balada pausada y de aires románticos que va describiendo toda una imaginería colorida que incluye colibríes cantando, niñas peinadas de colas, carruseles y campos floridos en el verano, cuando termina la canción de forma perturbadora, mostrando algo horroroso que nadie podía ver: El Verano del Amor estaba podrido y pronto el movimiento hippie iba a sacar lo peor de sí, otra vez una especie de pensamiento hegeliano en donde todo lo que tiene el potencial de volverse algo excelente termina convirtiéndose en una pesadilla. Magistralmente enfermo.

Bummer In The Summer es tal vez el tema más estándar en su composición de todo el disco, pues es un tema de psicodelia un tanto "countryficada" similar a Plastic Fantastic Lover de Jefferson Airplane en el que también se incluye influencia del talking blues, y de nuevo Arthur Lee muestra su escepticismo con el movimiento hippie y el Verano del Amor: ¡No hay nada de emancipador en ello, lárguense con sus perversiones a otro lugar, escorias totalitarias!

Para cerrar con broche de otro tenemos uno de los mejores cierres de la historia de la música popular, You Set The Scene, un tema que de nuevo tiene la influencia de Bacharach presente y también es aquí donde escucho algo reminiscente a lo que alguna vez dijeron los Beatles que querían que fuese el Sargento Pimienta, pues aquí abundan esas trompetas y orquestaciones que tenía en mente Paul McCartney cuando llegó a los estudios Abbey Road con el concepto del Sargento Pimienta, por otro lado, la canción está compuesta como una mini-suite de 4 movimientos, mientras que las letras de nuevo son crípticas y según lo que he leído se tratan de una serie metáforas sobre los viajes de LSD, por lo que es una letra difícil de entender, pero que tiene mucha poesía como es común en las letras de Arthur Lee. Obra maestra sin ninguna duda.

Solo quiero comentar un par de temas extra de la edición del 2018 para terminar:

Wonder People (I Do Wonder) es otro tema que muestra de nuevo la admiración que tenía Arthur Lee por Burt Bacharach, que incluso los metales incluidos aquí suenan a lo mejor de dicho compositor, esto es pop del brill building del más alto nivel, es una lástima que no se incluyera en el Forever Changes.

Your Mind and We Belong Together es pop psicodélico de filigrana con un sonido guitarrero, movido y un tanto rockero, pero con la misma finura y calidad compositiva del Forever Changes, aunque al final termina volcándose al rock ácido más guitarrero en donde Johnny Echols de verdad brilla y es donde uno puede entender como es que terminó convirtiéndose en un guitarrista de jazz justo cuando salió de Love poco después de lanzar este sencillo, por otro lado, es una lástima que esta alineación nunca pudiera juntarse, pero hubiese sido una maravilla que hubiesen acabado de grabar ese cuarto disco que traían en mente. Obra maestra.

Este no es solo un disco imperdible, sino que es un álbum obligatorio en cualquier colección de quien tenga las agallas de hacerse llamar "conocedor".

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Relatively Clean Rivers - Relatively Clean Rivers (1976)

Esta semana tuve un bloqueo creativo que me impidió tanto elegir un disco como escribir una reseña por acá, por lo que decidí volver a publicar este disco, ya que además de que me sacó de apuros hacerlo, tuvo una acogida tibia por los lectores, llegando apenas a 50 visitas desde hacía 2 semanas que había sido posteado, por lo que en esta actualización tuve que reescribir esta pequeña introducción y platicarles que después de haber salido a un parque hace 2 días, pude confirmar de nuevo que las redes sociales son un lastre que no dejan pensar y que además de todo, acaban con la soledad, por lo que puedo decirles sin ningún tapujo que además de que los parques están bastante solitarios, uno ahí se puede desestresar un poco de la cada vez más aburrida vida en las redes sociales a la que nos hemos tenido que resignar forzosamente con la pandemia. En fin, espero que disfruten esta reseña escrita el 5 de Abril junto con esta extraordinaria obra:

Creo que ya viene siendo buen momento para publicar este discazo que tuve arrumbado por ahí durante mucho tiempo y es que el gran Phil Pearlman no me ha decepcionado con una sola placa de su corta, pero efectiva discografía, sin embargo lo que sí hay que tener en cuenta es que Relatively Clean Rivers es tan diferente y al mismo tiempo tan parecido a sus proyectos anteriores que placerá a cualquiera que le guste el segundo disco de The Beat of The Earth, pero también a quienes les guste Grateful Dead, The Fraternity of Man, CS&N, Blue Mountain Eagle, Christopher, Mountain Bus, Quicksilver Messenger Service (Shady Grove) y otros grupos por el estilo, así como también tiene ciertas cosas que seguro les serán interesantes a los fans del krautrock.

Relatively Clean Rivers básicamente fue el regreso de Phil Pearlman a la música desde 1970 cuando sacó The Electronic Hole que básicamente fue el último disco de The Beat of The Earth y en este regreso, aunque el buen Phil sigue conservando su estilo psicodélico intacto ahora lo que cambia es la instrumentación, el tipo de composición y las influencias, pues aquí hay un evidente alejamiento del ruidismo, las composiciones cuasi-mántricas y las ragas presentes en sus trabajos anteriores y ahora optó por formalizar aún más el aspecto compositivo que ya se veía en The Electronic Hole, pero no solo eso, también se escucha una instrumentación mucho más acústica y limpia donde apenas aparece algún fuzz muy leve en alguna canción, mientras que en el resto hay guitarras limpias que nos recordarán a Jerry García en su punto más alto (el que escuchamos en discos como Anthem of The Sun, Aoxomoxoa y Live/Dead), mientras que las influencias de la música clásica de la India son ahora mínimas y en general son sustituidas por la influencia de la música persa e incluso la música medieval, así como también escuchamos la inclusión de nuevos instrumentos que no estuvieron presentes en sus discos anteriores como el saz iraní, la flauta y los sintetizadores, también escuchamos osciladores, cintas en reversa y otros efectos psicodélicos, aunque de forma más breve y con un uso más decorativo que en The Beat of The Earth (en el que varios efectos se usaron como parte integral de la música), y también se nota que ahora el grupo está reducido en integrantes, pues en The Beat of The Earth tengo entendido que fueron más de 5 miembros los que participaron en los discos, mientras que aquí se reducen a solamente 3 miembros, lo que hace a este disco en cierto sentido más minimalista pero no de menor calidad, y aunque la música del grupo podrá haber sonado anacrónica en 1976, cuando se editó el disco, teniendo en cuenta que en ese año lo que estaba de moda era el punk, la música disco, el funk y comenzaba el metal, sin embargo, nada de eso sonó tan artístico y bello como esto.

El disco fue editado por Pacific Is, una nueva etiqueta formada por Phil Pearlman que solo editó este álbum en 1976. El grupo estaba integrado por Phil Pearlman (Voz, guitarra, bajo, sintetizador, flauta, armónica y saz), Kurt Baker (Guitarra y voz) y Dwight Morouse (Batería y efectos de sonido).

La música de Relatively Clean Rivers se podría describir principalmente como una mezcla entre folk rock psicodélico con algo de country rock que básicamente tiene una instrumentación más acústica que eléctrica, pero con resultados iguales de psicodélicos que si tuviese una instrumentación completamente eléctrica, sin embargo, con la aparición de influencias persas y medievales así como del uso de efectos de estudio, hacen que el grupo también se acerque por momentos a ciertas sensibilidades propias del krautrock alemán, por lo que puedo decir que musicalmente es un álbum muy completo en lo que podría parecer minimalismo para algunos.

El disco inicia con Easy Ride, una canción de country rock psicodélico que recuerda mucho a Grateful Dead, tanto al de la época psicodélica como al de la época country, pues aquí hay ecos del Aoxomoxoa y del American Beauty, pero con la diferencia de que Phil Pearlman no suena tan idiosincráticamente gringo como sí lo hizo el célebre grupo sanfranciscano en sus discos setenteros y más bien Phil Pearlman suena como un hippie casi apátrida que vive en un paisaje bucólico similar a la carretera que va de la Ciudad de México a Huatusco, Veracruz. Y de alguna manera eso es cierto, pues Phil Pearlman de verdad vive casi recluso en una granja aislada de la sociedad en el condado de Orange, por lo que esta canción describe perfectamente su entorno y su estilo de vida. Temazo.

Journey Through The Valley of O es una de las canciones que más recuerdan a The Electronic Hole pero sin el fuzz ruidoso, pues básicamente la composición es casi idéntica, por lo que creo que es probable que la haya sacado del baúl y le haya cambiado la letra o es una variación de ese tema, pero en fin, este es folk rock psicodélico de altos vuelos con una guitarra fuzzeada en plan muy ligero. Temazo.

Babylon tiene ecos del Pájaro Alberto y Sacrosaurio, especialmente de su tema más conocido Seguir al Sol, pues aquí Phil Pearlman incluye armónica, sin embargo también incluye un fuzz muy ligero en el solo de guitarra, sintetizador, cintas en reversa y algún otro efecto psicodélico que lo acerca brevemente al krautrock o incluso a Fifty Foot Hose, The United States of America y los suecos Älgarnas Trädgård. Obra maestra.

Last Flight To Eden es una pieza acústica instrumental con aires medievales en el que se incluye una flauta también y algo que me encantó fue la descripción que el mismo Phil Pearlman dio en la portada de en medio del álbum:

En el comienzo Dios creó todo; al final todas las naciones fueron destruidas; el hecho de que esta información venga directamente del libro más vendido de todos los tiempos, no necesariamente significa que será bien recibida por los gobernantes mojigatos o por entidades nacionalistas-evangelistas en varios países. Se habla mucho del "Reino de Dios" en este libro; nunca vi una "democracia de Dios" o "cualquier cosa unida de Dios"; (nosotros esperamos alguna especie de dictadura absoluta, una monarquía absoluta para ser más precisos en donde no exista gente privilegiada de ningún tipo, a excepción del mismo Dios, quien ni siquiera necesita ver la televisión)

Phil Pearlman parece estar suscrito a alguna especie de comunismo cristiano y eso me hace que lo admire más, porque no solo es un gran músico y compositor, sino una persona pensante que bien hizo en tomarse en serio la filosofía del movimiento hippie y renunciar a los abusos del movimiento que finalmente lo llevaron a las peores perversiones, desde sectas peligrosas hasta volverse tecnócratas completamente totalitarios.

 Otra obra maestra.

Prelude simplemente es un pequeño fragmento de Last Flight To Eden en reversa, por lo que hablaremos de Hello Sunshine, que otra vez tiene ecos del segundo disco de The Beat of The Earth pero con una instrumentación algo country rock, por lo que también se escuchan ecos de Mountain Bus, aquí también aparece la flauta y guitarras en reversa. Obra Maestra.

They Knew What To Say parece una mezcla del Aoxomoxoa de Grateful Dead con The Beat of The Earth, es decir es una psicodelia "countrificada" con muy buenas guitarras (acústica y eléctrica), excelentes armonías vocales y armónica. Excelente.

The Persian Caravan es posiblemente la mayor obra maestra del disco, aquí se muestra lo que podía llegar a hacer Phil Pearlman con su psicodelia y hasta dónde podía llevarla, pues comienza con una introducción de saz para después convertirse en un rock ácido de tendencias orientalista con excelentes solos de guitarra y flauta, recordándonos vagamente a The Freak Scene. Trascendental.

Para cerrar con broche de oro tenemos A Thousand Years (1975) en donde se vuelven a notar ecos de The Beat of The Earth pero en versión más acústica donde se incluye otra vez saz, y Phil Pearlman va haciendo solos con influencia persa e hindú mientras suenan cintas en reversa. Otra obra maestra.

Un disco que nadie debe perderse.

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Pintura de Phil Pearlman presente en la portada, cortesía de ThePoodleBites (Thanks a lot!)

Ill Wind - Flashes (1968) [Repost]

 

Tengo a mi gato junto espiando por la ventana en una mañana soleada mientras que por el pequeño estéreo que tengo suena la música que escucho todas las mañanas mientras tomo un poco de café y escribo esta reseña, y ver a mi gato espiar para la calle me hace pensar en cómo el confinamiento ha hecho que nuestras vidas se sientan más monótonas y rutinarias, sin embargo, algo que últimamente me ha dado por hacer es subir a la azotea del lugar a donde vivo a pasar el rato mientras uno puede ver edificios, azoteas, pájaros, el cielo o incluso algunos cerros llenos de contaminación, sin embargo, esto me relaja mientras no pueda hacer mis caminatas matutinas que tenía acostumbradas, todo sea por cuidar a los que tengo cerca, sin embargo, estas pequeñas salidas matutinas me dejaron agotado, ya que la contaminación acumulada en la ciudad entró a mi organismo y eso provocó que estuviese un par de días con un cansancio tremendo al punto de quedar tirado en la cama y babear sin que estuviese dormido siquiera, por lo que aquí me atrevo a decir que las típicas críticas del pequeñoburgués promedio que ve sus nimios privilegios amenazados son todas falsas, pero especialmente las que acusan al Peje de "autoritario", pues si este de verdad ejerciera su autoridad, ahorita ni siquiera se hubiesen multiplicado los contagios luego de las estúpidas vacaciones de semana santa de la gente imbécil y al menos la Ciudad de México no hubiese tenido los niveles de contaminación que se fueron acumulando desde que toda la gente llegó de sus vacacioncitas, todo esto último lo tuve que agregar ayer en la noche, ya que esta reseña la empecé a escribir desde el domingo.

Por otro lado, esta obra maestra fue publicada por primera vez en el blog hace 9 años y creo que merecía ser actualizada, ya que estaba inconforme con la reseña que había hecho en ese tiempo y pensé que era oportuno volverlo a reseñar, además de poner mi propio ripeo, ya que en ese tiempo usé el del buen Marios del blog Rockasteria, pero como ya tengo mi copia precisamente desde hace casi 9 años, pues decidí compartirles lo propio.

También les recomiendo mucho visitar la página del difunto Richard Griggs Zvonar, quien subió muchas grabaciones del grupo, tanto demos como temas en vivo grabados entre 1966 y 1971, por lo que se las dejaré al final junto con las descargas para que la visiten.

Los orígenes de Ill Wind se remontan a 1965, cuando el guitarrista Ken Frankel y el bajista Carey Mann se conocieron en el Instituto Tecnológico de Cambridge, Massachusetts, ambos ya tenían como experiencia como músicos y habían tocado en varios grupos de Los Ángeles, San Francisco y Pensilvania, en aquel entonces, Frankel fungía como guitarrista del dúo de folk Norm and Judy en el cual estaba también la cantante Judy Bradbury (con quien se casaría años después), mientras que Mann tocaba en un grupo de jazz como guitarrista y pronto este se uniría al dúo de folk como bajista, pronto Ken y Carey les hablarían a otros de sus compañeros universitarios que también eran músicos para convertirse en un grupo de rock con canciones creativas y originales, lo que les complicó poder conseguir lugares para tocar, ya que en el área de Nueva Inglaterra, los clubes de la época solo buscaban grupos que tocaran los éxitos del momento y se vistiesen de forma "conservadora", mientras que The Prophets/The Blues Crew ya eran hippies desde ese primer momento y su música no se parecía nada a los éxitos de la época. Pronto los primeros integrantes abandonarían el grupo por diferencias creativas con Frankel y Mann, por lo que por medio de un anuncio en una revista, llegaría el guitarrista rítmico Richard Zvonar Griggs que pronto encajó con el grupo y su propuesta así como el baterista Dave Kinsman.

Pronto se cambiarían el nombre a Ill Wind, que era el nombre de una de las canciones de Ken Frankel y comenzaron a ensayar de forma más intensiva, pero aún así los clubes nos los aceptaban porque no tocaban covers, pero en el verano de 1966, los contratarían para un par de conciertos en unos salones de baile con un público conformado por adolescentes donde tuvieron una respuesta tan buena, que pronto se convertirían en uno de los grupos más populares del área, por sus canciones que incluían armonías de tres voces distintas y por sus jams psicodélicos. Y por la demanda que estaban teniendo, decidieron grabar un demo con un pequeño equipo de sonido que compraron, pero Judy Bradbury no estaba contenta con la repentina popularidad del grupo y decidió dejarlos en medio de las grabaciones, por lo que hicieron varias audiciones en donde no consiguieron lo que querían hasta que conocieron a Conny Devanney, una cantante de folk que tenía experiencia con varios grupos, incluyendo algunos de Nueva Jersey, por lo que inmediatamente cuajó con el grupo y terminaron de grabar los demos.
En ese mismo año, el grupo comenzó a tocar en el Boston Tea Party (el equivalente bostoniano al Fillmore West y al Avalon Ballroom de San Francisco), donde obtuvieron tanto éxito que pronto se convertirían en el grupo de la casa. Esto los llevó a hacer giras por toda Nueva Inglaterra, la Costa Este e incluso San Francisco.

Pronto conseguirían el interés de la Capitol por un demo de su canción más "popera", pero ese interés se desvanecería porque la Capitol buscaba algo más pop y no algo psicodélico, por lo que conocerían a Tom Wilson, que había producido a Bob Dylan y a Simon & Garfunkel y en ese entonces había puesto su propia compañía de producción que buscaba nuevos grupos, sin embargo, según los miembros del grupo, la grabación de su disco fue un desastre, ya que Wilson era un productor irresponsable y descuidado que se la pasaba leyendo el periódico o hablando por teléfono, y además los excluyó de las sesiones de mezcla, por lo que el disco no fue del agrado del grupo y también para la decepción de los miembros, no les dejaron poner la portada que querían y tuvieron que aceptar tomarse una foto en un estudio que ellos describieron como "no inspirada", también el disco tuvo una mezcla defectuosa, lo que provocó que la banda exigiera que se corrigieran los defectos y finalmente salió una segunda edición corregida, aún así, el disco Flashes salió en Mayo de 1968 y fue bien recibido en su natal Boston, aunque en el resto del país no, y eso los llevó a abrirles a grupos como los Who, Fleetwood Mac, los Byrds, Mitch Ryder, Moby Grape, entre otros, así como también se convirtieron en la banda de acompañamiento de Chuck Berry mientras hizo algunos conciertos en el Boston Tea Party, también esto los convirtió en uno de los grupos más importantes de la escena, pues la gente los reconocía en la calle y los conciertos tenían gran demanda.

En ese mismo año, Carey Mann abandonó el grupo y fue sustituido por el bajista Michael Walsh, luego cuando Ken Frankel se casó con Judy Bradbury y se fue a vivir a California, el grupo se separó, en 1970 se reunirían sin Frankel y Carey Mann lo sustituiría, pero ya no sería lo mismo y se separarían en 1973.

Antes de pasar a hablar directamente de la música, quiero mencionar que la banda se sintió decepcionada al trabajar con Tom Wilson, pues al igual que muchos otros artistas, los miembros de Ill Wind han llegado a decir que Tom Wilson además de ser un productor negligente, descuidado e irresponsable que no les ponía atención a los artistas que producía por estar hablando por teléfono o leyendo el periódico, ya que a él lo único que le interesaba era ganar la popularidad de productor de grandes nombres de la música popular de la época y así volverse popular, sin embargo, Wilson no era realmente un buen productor y tal vez donde mostró mejor su falta de profesionalidad fue en este disco, pues además de que no dejó que los miembros de Ill Wind estuviesen presentes en las sesiones de mezcla, la primera tirada del disco salió con varios defectos, entre ellos versos que se repetían y una ausencia casi total de producción en la que el grupo sonaba a que estaba tocando en vivo, pero afortunadamente los miembros se dieron cuenta rápido de los errores y exigieron que estos estuviesen corregidos, por lo que tuvo que salir una segunda tirada de 2500 copias corregidas.

Flashes es un disco de folk rock ácido que a pesar de tener ecos del sonido de San Francisco, no se puede decir que Ill Wind hayan sido una copia de aquellos grupos, sino que sus orígenes en el folk y su consecuente electrificación, además de su suscripción a la contracultura de los 60's, es lo que les da la similitud, sin embargo, Ill Wind tenían un aura muy gótica e intimista, además de que sus composiciones rebozan en finura y clase, así como también la performance es perfecta, ya que al mismo tiempo de que suena fina y esmerada, suena contundente y bien posicionada, lo que me hace afirmar sin temor a equivocarme que si Ill Wind hubiesen tenido mucha más publicidad, hubiesen sido incluso más grandes que cualquier grupo sanfranciscano de la época, pero la cosa no termina ahí, las letras de las canciones poseen mucha poesía y filosofía, además de que tocan algunos de los temas que aún siguen siendo escabrosos como el aislamiento, la soledad, las drogas, el desamor, la muerte, la guerra, el egoísmo y la política, así como también la introspección y la felicidad más pueblerina, por lo que podemos decir perfectamente que Ill Wind no era un grupo de hippies cualquiera, sino un grupo de músicos intelectuales.

El álbum comienza con Walkin' and Singin' que es un country rock bastante animado y de letras optimistas que describen la perfecta (o más bien, idealizada) vida pueblerina en una mañana soleada, y aunque se trata de la canción que palidece un poco en comparación a las otras en cuanto a calidad, se puede decir que es un excelente comienzo a un disco en el que abundan las grandes composiciones y además de todo, es mil veces mejor que todo el country rock que saldría un poco después, pues este tema no tiene esa estúpida idiosincrasia gringa, ni el tufo a patrioterismo ridículo que se volvería firma de los grupos de country rock setenteros, además de que hay un aura gótica que acompaña a todo el tema que contrasta ligeramente con la atmósfera alegre y optimista que está presente en toda la canción.

People of The Night se convirtió en el emblema de los conciertos de Ill Wind, pues contiene todos los ingredientes para hacerla la melodía perfecta para los conciertos psicodélicos de la época: es una magistral composición de folk rock psicodélico que tiene una extraordinaria ejecución y unas armonías vocales bellísimas, así como también la interpretación de Conny Devanney es sublime, además de un jam guitarrero con influencias hindúes para recrear toda la experiencia psicodélica y si eso no es suficiente, las letras son muy poéticas e introspectivas y hablan del aislamiento nocturno en las calles solitarias para ponerse a pensar en silencio. Obra maestra.

Little Man es rock ácido con ecos de Big Brother and The Holding Company y Quicksilver Messenger Service y con una letra que cuestiona la idiosincrasia del hombre clasemediero gringo y le hace ver su mediocridad. Hoy posiblemente esto siga aplicando y todavía más de lo que lo hizo en el tiempo en el que fue escrita, lo que hace que Ill Wind tengan la universalidad requerida para ser recordados como uno de los mejores grupos de su momento, pues su letra traspasa el contexto en el que fue escrita y sigue teniendo relevancia en un contexto completamente distinto. Temazo.

Dark World es tal vez la mayor obra maestra del disco. Se trata de una balada semi-acústica de un folk psicodélico un tanto gótico e introspectivo, con una melodía verdaderamente hermosa, además de que la ejecución instrumental del grupo es perfecta, la voz de Conny Devanney suena preciosa (y es por este motivo por el que debió haber sido más popular e importante que Janis Joplin o Grace Slick, pero la justicia no existe), el solo de bajo fuzzeado es bellísimo e íntimo y la letra aunque básicamente se trate de la drogadicción y el ensimismamiento que provoca, está escrita de una forma muy poética e introspectiva, por lo que puedo decir sin temor a equivocarme que es la canción perfecta del grupo y de alguna manera, creo que los hermanos Frankel podrían merecerse ser comparados con otros grandes compositores de la época como la dupla Lennon/McCartney, George Harrison, Arthur Lee, Syd Barrett, Brian Wilson, Tommy Hall, entre otros, pues sus composiciones al mismo tiempo de ser tan psicodélicas, poseen una finura y una clase que definitivamente supera a la mayoría de grupos sanfranciscanos con los que suelen ser comparados frecuentemente.

LAPD básicamente significa "Los Ángeles Police Department" y se trata de una canción de protesta inspirada en una marcha de protesta en contra de la guerra de Vietnam realizada el 23 de Junio de 1967 afuera del hotel Century Plaza de los Ángeles, California, la cual le exigía al presidente Lyndon Johnson parar la guerra de forma pacífica, sin embargo, en su cinismo, Johnson hizo caso omiso y la policía de los Ángeles llegó a violentar a los manifestantes, lo que hizo que Richard Griggs escribiera esta canción que también tiene referencias a la ciencia ficción y a las películas de terror, por lo que se trata de un rock ácido muy ominoso que a la vez de que es un tema completamente psicodélico, tiene un aura bastante macabra y oscura. Espléndido.

High Flying Bird es uno de los temas más emblemáticos de los 60's, pues fue versionado por miles de artistas, entre ellos Judy Henske, Jefferson Airplane, The Wizards from Kansas, Jeremy Dormouse e Ill Wind, que a mi parecer, hizo la mejor interpretación. Por otro lado, esta interpretación me parece interesante ya que Ken Frankel hace algunos fraseos influenciados por Oh, Pretty Woman de Albert King.

Hung Up Chick es posiblemente el tema más "popero" del disco, pues es una psicodelia bastante alegre, pero con letras que hablan del desamor, la traición y el cinismo, por lo que les puedo preguntar, ¿No les suena esto mucho más actual en estos momentos que hace 53 años cuando se grabó este disco? Aquí estamos ante otro tema que tiene mucho mérito, especialmente en la letra, pues lidia con un tema que sobrepasa a su contexto y que de hecho, adquiere mayor sentido muchos años después y no es gratuito que en el cinismo de hoy, ninguna relación romántica se tome seriamente y termine en una promiscuidad horrorosa que termina justificándose con un atroz discurso identitario completamente reaccionario, pero a la vez de que vivimos en una época cínica, también vivimos en una época de totalitarismo en donde la pequeña burguesía funciona de una forma muy similar a la Thinkpol de Orson Wells, por lo que probablemente, este tema sería censurado en este momento y el grupo sería cancelado y acusado de "machista" o "misógino". Obra maestra.

Sleep es un bluegrass ominoso y gótico que vuelve a tocar el tema del desamor y de la vida nocturna, haciendo eco tanto de People of The Night y Walking and Singing, con una interpretación excelente de Conny, Carey y Richard, además de la gran ejecución de banjo de Ken Frankel.

El disco cierra con broche de oro con Full Cycle, canción a la que la banda describe como su intento de hacer un tema con cantos gregorianos y vaya que lo lograron, pues se trata de una composición con una clara tendencia neo-medieval, es decir, el tema está compuesto en un estilo propio de la edad media pero está tocado con instrumentos modernos. Se podría decir que es la canción más oscura del disco, pues no solo la composición es ominosa y un tanto tétrica de una forma similar a The War Goes On de Mad River, sino que también la letra habla del luto por los jóvenes soldados asesinados en la guerra de Vietnam de una forma casi apocalíptica y pesimista, por lo que podemos decir que Ill Wind no eran los típicos hippies que solo pensaban en paz, amor y drogas, sino que podían hacer letras con críticas muy duras y rayar con el pesimismo. Obra maestra.

La reedición de Sunbeam Records trae un disco extra que compila demos grabados entre 1966 y 1968, así como un tema en vivo, pero como son bastantes temas, solo reseñaré mis preferidos y dejaré a la gente, de una forma democrática que se forme una opinión personal de las demás canciones.

Ill Wind es uno de los primeros temas que grabó la banda en 1966 y que finalmente les dio el nombre final, y se trata de un tema de bluegrass gótico con letras bastante ominosas que de nuevo, tienen más sentido en la actualidad que en el contexto en el que fueron escritas, pues básicamente parece que fue escrita como un cuestionamiento a la tecnocracia, la clase media y su terror totalitario que esta genera al querer regular directamente el lenguaje, el pensamiento y el conocimiento, por lo que puedo decir que este grupo me dejó todavía más impresionado de lo que incluso estuve cuando lo descubrí en el 2013 y me enamoré de su música, pues ahora también me siento enamorado de sus letras, pues como lo dije anteriormente, son universalistas y de alguna manera, multiculturalistas en un sentido completamente zizekiano, pues superan a su contexto y toman mucho más sentido en un contexto posterior. Obra maestra y mil aplausos a los hermanos Frankel por ser tan buenos compositores y letristas, además de que Ken es un gran guitarrista (que aquí toca el banjo).

I Can See You, a pesar de tener una letra bastante sencilla en comparación con lo que podía hacer el grupo, es una canción encantadora al igual que I Tell You I Know.

Tomorrow You'll Come Back fue la primera canción que grabaron para su audición para la Capitol en 1967 y aunque los miembros digan que es una canción muy popera en comparación a lo que hacían, es realmente un tema precioso con una interpretación vocal por parte de Conny, Carey y Richard que incluso me ha llegado a sacar las lágrimas. Obra maestra.

Are You Right? es un cuestionamiento directo a la gente que siempre quiere tener la razón no importa si está completamente equivocada, ¿Les suena familiar? Pues sí, parecería que fue escrita para los relativistas posmodernos más vulgares que se justifican por medio de un pseudo-foucaultianismo penoso o de un estilo arrogante derivado del empirismo británico combinado con la vulgaridad relativista del populismo derechista, ambos al final son la misma mierda en diferente presentación y ustedes podrán decir que estoy viendo posmodernos por todos lados, pero como diría John Lennon: No soy el único, es un problema que se vive en carne y hueso, pero volviendo a la canción, el tema está a ritmo de psicodelia muy sesentera con cierta similitud a Out of Limits de los Marketts. Obra maestra.

La primera versión de People of The Night la siento más animada, además de que es más corta y sin el jam que la caracterizaba en los conciertos, sin embargo, la ejecución es magistral como siempre.

It's Your Life es posiblemente el tema más popero que haya escrito el grupo, pues tiene ecos tanto de la primera época de los Beatles así como de Quicksilver Messenger Service, especialmente por la guitarra de Ken, que hace un trabajo muy cipollinesco aquí, sin embargo, el resto del grupo hace su mejor impresión de los Beatles en su época "fresa" e incluso los supera en muchos aspectos.

Flashes es un tema ultra-psicodélico que raya por momento con el heavy psych de una forma similar a The House at Pooneil Corners de Jefferson Airplane, pues hay un bajo repleto de fuzz que hace unos power chords que pondrían a envidiar a cualquier grupo de psicodelia pesada que se les ocurra, mientras que la letra, según su autor Richard Griggs, describe sus primeros tres viajes en LSD, la canción fue grabada en vivo en la secundaria de Westborough, Massachusetts en 1967. Como extra, este fue el tema que le dio título al disco e irónicamente no fue incluído, ya que las tomas del tema no salieron como los miembros del grupo quisieron, pero afortunadamente tenemos esta grabación en vivo que suena excelente. Obra maestra.

Los demos grabados en 1968 incluyen a la tercera alineación del grupo con el bajista Michael Walsh sustituyendo a Carey Mann y son todos obras maestras, sin embargo yo me quedo con la ultra-psicodélica Mauti, el rock ácido con ciertos despliegues de heavy psych de 1 and a 100, el folk rock pastoral de Waking In The Water y el suave folk rock lisérgico de Frosted Summer's Drink.

Si no han escuchado este disco, no sé qué esperan, no se lo deben perder por nada del mundo.

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