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19 jul 2021

The Freak Scene - Psychedelic Psoul (1967)

 
Han pasado 11 días desde el regreso a la actividad del blog, la demora de la publicación de esta entrada se debe a que no me sentía lo suficientemente lúcido para escribir y por lo que veo es que la humedad del ambiente que viene en el verano es lo problemático, ya que durante los últimos días de la primavera y todo lo que lleva de este verano, no he descansado bien y por lo que veo, es que siempre me pasa lo mismo todas las épocas de lluvias, por lo que puedo decir abiertamente que detesto el verano, los huracanes y los cielos nublados y que por mí estaría perfecto vivir todo el tiempo en un clima otoñal o hasta invernal, ya que no hace calor y el clima se mantiene seco la mayor parte del tiempo, pero bueno, antes de pasar a hablar sobre el disco que está siendo publicado hoy, quiero mencionar que otra de las cosas que me impiden ser puntual con las publicaciones es que soy muy perfeccionista con mis reseñas y es difícil que quede satisfecho con lo que escribo, lo que me hace volverlo a escribir una y otra vez hasta que me agrade lo que escribí. Por otro lado, algo que posiblemente me ayude a ser más puntual es lo que estoy haciendo ahora que es elegir los discos con una semana o de mínimo unos 5 días de anticipación, lo que me complica menos a la hora de escribir una reseña, ya que evito este enfoque pragmático que resulta ser mucho más problemático en la práctica que enfocarme en un solo disco. En fin, espero que disfruten este discazo y espero que este fin de semana, el blog pueda ser actualizado una vez más para cumplir con la meta de 4 entradas mensuales.

Rusty Evans fue una figura muy interesante, ya que los inicios de su carrera se remontan al rockabilly y al folk, sin embargo, poco a poco fue adoptado el discurso contracultural de la época y también fue adoptando un nuevo sonido, que en este caso es la psicodelia y en 1966 sacó su primer disco de larga duración que básicamente fue un álbum conceptual que buscaba recrear la experiencia con el LSD, este disco fue Psychedelic Moods de The Deep, el cual se dice que fue el primer álbum en tener en su título la palabra "psicodélico" (esto puede ser cuestionable hasta cierto punto, pero no quiero ahondar en eso ahora). Psychedelic Moods presentaba un garage rock con muchas tendencias que yo denominaría como "proto-psicodélicas", ya que aún suena primigenio y tanto la ejecución amateur como la producción artesanal le dan un sabor más cercano al garage rock de mediados de los 60's, como sea, a pesar de ser un álbum relativamente ambicioso y experimental para su tiempo, no alcanzó a venderse, ya que además de que la disquera Cameo-Parkway hizo una pésima promoción, The Deep nunca fue un grupo formal, sino un proyecto formado por músicos de estudio, por lo que no hubo tampoco conciertos que lo promocionaran.

En 1967, tanto Rusty Evans como Mark Barkan y los músicos de sesión que habían tocado en el disco de The Deep decidieron firmar un contrato con Columbia para grabar un nuevo disco que sonara más psicodélico y más profesional, y otro de los cambios que acompañarían a este álbum sería el cambio de nombre del "grupo" a The Freak Scene. Psychedelic Psoul saldría justo en la época del Verano del Amor y sería un fracaso comercial al igual que su antecesor, por lo que Rusty terminó perdiendo el interés en el proyecto y relanzaría su carrera como cantautor de folk psicodélico y terminaría renombrándose como Marcus, su verdadero nombre y sacaría un disco en 1970, pero eso es otra historia que será contada en el futuro.

Psychedelic Psoul es un disco que al mismo tiempo que comparte varios elementos con su antecesor, tiene muchas mejorías importantes y esto lo hace consolidarse como todo un clásico de la psicodelia más subterránea, y es que en este disco no solo vemos a unos The Deep que pasaron de ser un grupo amateur y verde con una producción artesanal a un grupo profesional con una clara postura artística y contracultural que además de todo tiene una excelente producción, sino que estamos ante todo un clásico de la psicodelia más subterránea que presenta una propuesta que yo diría que suena bastante innovadora para su tiempo, teniendo en cuenta que muchos de los elementos presentes en este disco se convertirían en la posteridad como algo recurrente y habitual de escuchar en los discos psicodélicos de 1968 a 1975, por otro lado, algo que se me hizo muy interesante es que Rusty Evans no apostaba simplemente por la psicodelia y el discurso contracultural de la época, sino que miraba sin ningún prejuicio a la world music y al avant-garde, pero al mismo tiempo, las canciones de todo el álbum se mantienen accesibles, inteligentes y coherentes sin caer en ningún cliché estúpido y anticuado o en la masturbación pseudo-artística, lo que me parece un gran logro teniendo en cuenta que muchos discos de corte similar suelen terminar siendo directa o indirectamente parodias molestas de la psicodelia y la contracultura de los 60's, como mucho de lo que hizo Frank Zappa en su momento o incluso The Velvet Underground (aunque estos últimos de manera muy ocasional) o discos con mucha incoherencia de por medio.

El disco abre con A Million Grains of Sand, una icónica canción para los entusiastas de la psicodelia más underground de la época, y es que lo tenía todo para ser un gran éxito: era experimental, viajada e innovadora, sin embargo, el hecho de que el grupo no se consolidara como un grupo de conciertos hizo que este disco no entrara a las listas de popularidad, como sea, aquí estamos ante una verdadera obra maestra del estilo, pues aquí notamos que a pesar de ser de 1967, suena totalmente fresca incluso para la actualidad y también podemos notar la tendencia de Rusty Evans de abrazar a la música del mundo como parte esencial de su sonido, pues nos encontramos con una marcadísima influencia árabe que la convierte en una canción extremadamente rítmica y exótica al mismo tiempo que incluye varios efectos sonoros, entre ellos un parlante leslie en la voz (herencia de Tomorrow Never Knows), delay en la guitarra y cintas en reversa. Luego Rusty Evans, rebautizado como Marcus grabó una versión más pausada y larga que tenía una influencia más hindú e incluía cítara, tablas y tambura, que a mi gusto está al nivel de esta y muestra la adaptabilidad de esta obra a otros estilos, e igualmente el demo de 1966 (que lo pueden encontrar por el Youtube) muestra que originalmente era una obra más "dylanesca" en un principio. Obra maestra de principio a fin.

...When in the Course of Human Events (Draft Beer, Not Students) e Interpolitation: We Shall Overcome se trata de una sola obra que incluye atrás un ritmo repetitivo con reminiscencias de samba o bossa nova mientras que al frente encontramos todo un collage de consignas de marchas estudiantiles, una conversación sobre los tópicos políticos más importantes de la época y la canción We Shall Overcome de fondo, y a pesar de que este tema sea de los menos brillan en el disco, me sigue pareciendo un gran logro que un tema de "spoken word" con reminiscencias un tanto "zappianas" no suene aburrido o ridículo, por otro lado, cabe mencionar que la frase "Draft Beer, NOT Students!" fue una de las consignas de la época en contra del reclutamiento de jóvenes para llevarlos a la guerra de Vietnam, sin embargo, la frase se traduciría literalmente como "Cerveza de barril, NO estudiantes", por lo que pierde sentido, sin embargo, "draft" en inglés tiene muchos significados, entre ellos "barril" y "reclutamiento", por lo que es una frase irónica y al mismo tiempo de protesta.

Rose of Smiling Faces es otro de los temas que más me gustan de todo el disco y es que si A Million Grains of Sand resultó ser un experimento exitoso al combinar la psicodelia más viajada y experimental con la música árabe, este otro tema lo hace también de forma exitosa, pero esta vez es la música clásica de la India con una psicodelia hipnótica, lo que me hace pensar seriamente que aquí The Freak Scene suenan como una versión "light" de The Beat of The Earth, pues aquí está esa misma influencia hindú y de las guitarras del surf, pero con la diferencia de que aquí no hay ruidismo, ni sinfonismo, ni temas largos, e incluso creo que hay cierto paralelismo entre Rusty Evans y Phil Pearlman, teniendo en cuenta que ambos comenzaron tocando un derivado del rock and roll cincuentero (Rusty tocaba rockabilly y Phil surf) y terminaron involucrados en la psicodelia más viajada e igualmente ambos abrazaron a la contracultura de los 60's de forma muy seria, aunque con la diferencia de que uno terminó convirtiéndose en pintor y el otro terminó recluido en una granja al sur de California. Otra obra maestra.

Behind The Mind tiene ecos del sonido de San Francisco, especialmente de Jefferson Airplane y Quicksilver Messenger Service, aunque menos enfocado al aspecto guitarrero de la escena y más hacia el experimental, ya que algo que caracteriza a este tema es su uso de las cintas en reversa y el delay. Temazo, lástima que sea muy corto.

The Subway Ride Thru Inner Space suena como a una versión light de Eric Burdon y los Animales en el Winds of Change, ya que está esta composición ultra-psicodélica en el fondo mientras que Rusty Evans está haciendo alguna especie de Spoken Word, mientras que hay detrás una guitarra con influencia del surf que va haciendo unos arreglos muy extraños, lo que me hace pensar que el propósito de Rusty no era hacer solos al nivel de Jorma Kaukonen o de John Cipollina, sino jugar con los arreglos psicodélicos de una forma en que la guitarra sirviese más como un adorno que como un instrumento principal. Muy buen tema.

Butterfly Dream suena a Jefferson Airplane más experimental y menos guitarrero o a unos United States of America sin los efectos electrónicos de Joe Byrd. Otro muy buen tema que dura muy poco.

My Rainbow Life fue un tema que grabaron primero The Third Bardo, otro de los grandes grupos de la primera psicodelia o garage psych, el cual fue producido por Rusty Evans, aquí The Freak Scene la reviven aunque con un sonido más limpio, pero no menos viajado e hipnótico que el original, además de conservar esa influencia hindú que de alguna manera recuerda a los sanfranciscanos Mad River, pero sin las atmósferas disonantes y oscuras de estos. Obra maestra.

The Center of My Soul suena como unos The Art of Lovin' pasados de ácidos que además incluyen una armónica blusera que suena extremadamente psicodélica, por lo que yo supongo que debe tener algún fuzz o algo por el estilo, ya que suena extraña. Excelente pop psicodélico.

Watered Down Soul comienza como un blues rural completamente acústico para convertirse en una especie de soul en ácido con unos melismas de corte hindú que vuelven a remitir al Revolver de los Beatles y de nuevo, la guitarra de Rusty Evans vuelve a imitar de forma muy interesante a la cítara, mientras que también se incluyen una serie de efectos de estudio que no he podido identificar del todo más que algún líquido burbujeante. Temazo.

Red Roses Will Weep tiene cierta sonoridad española combinada con unos cantos medio gregorianos que recuerdan a los mejores Yardbirds pero con más LSD, ya que las voces incluyen un delay y un trémolo ultra-psicodélicos. Temazo.

Mind Bender es otro experimento extraño que vuelve a recordar a The Beat of The Earth, ya que aquí se incluyen unas guitarras que recuerdan a Phil Pearlman y sus ragas, mientras que Rusty Evans va haciendo algún tipo de spoken word mientras que la cantante femenina que ya habíamos escuchado en la mayoría de los temas, va haciendo alguna especie de Grace Slick "hinduizada" (si es que existe esa palabra) y por detrás hay algún ritmo de corte "latino" que se repite una y otra vez. Lástima que dure tan poco tiempo.

El disco cierra con Grok! un instrumental de un poco más de 1 minuto que otra vez suena a raga rock, pero con un montón de efectos que no puedo identificar, supongo que nunca lo haremos y que es un secreto de Mark Barkan. Temazo y excelente cierre.

Un disco que nadie debe perderse, aunque no lo recomiendo para los que apenas se están iniciando en la psicodelia, pues mientras que la mayoría comienza con lo más "estándar" que por lo general siempre va enfocado, ya sea a la guitarra o al órgano, mientras que aquí no hay un enfoque a un instrumento en específico, sino a la recreación de los viajes psicodélicos a través de la música, a pesar de la cortísima duración de la mayoría de canciones, pero definitivamente su carácter experimental y que tiene cierto "fetiche" por la música del mundo puede resultar un tanto difícil de digerir para algunos.

Postdata: Incluí un ripeo del vinilo original de 1967 que encontré por Soulseek y uno de la reedición en compacto de 1994. Lamentablemente, el ripeo del vinilo está en 16/44, sin embargo, creo que sigue siendo la mejor opción para los audiófilos, ya que la del CD suena un tanto aumentada en los graves y tiene cierta sibilancia en la voz, pero aún así la incluí por motivos más que nada, documentales.

9 jul 2021

The Yardbirds - Roger The Engineer (1966)

Después de todo un mes y 8 días de descanso, el blog regresa a sus actividades semanales. Antes de pasar a hablar del disco y el grupo en cuestión, quiero platicarles lo que pasó en el transcurso del mes pasado, pues además de haberme sentido muy agotado (gracias a mis problemas de sueño que sufro desde que tengo memoria) durante la primera mitad de Junio, el día 28 de ese mes fui de nuevo bloqueado por la red neuronal del Facebook por 30 días, lo que me ha hecho volverme a cuestionar seriamente mi estancia ahí, ya que la corrección política ya no solo se aplica para las opiniones que critiquen a alguna minoría estúpida o algo por el estilo, sino que ya hasta para cualquier insulto, por más intrascendente e irrelevante que pueda parecer decirle a un trumpista "pendejo" en inglés británico ("you bloody cunt"), eso hizo que se me volviera a bloquear, por lo que estoy pensando seriamente en abandonar esa red social y tener a mis blogs como únicos medios de expresión, ya que al menos por aquí nunca se me ha censurado por decir alguna leperada o por criticar a la trivialidad pequeñoburguesa de la "izquierda" actual, pero bueno, por si eso no era suficiente terminé con una infección intestinal después de comer algo descompuesto o sucio que me provocó serios malestares el fin de semana pasado y hasta ahorita estoy acabando de recuperarme, lo que me imposibilitó poder ponerme a escribir seriamente e incluso de concentrarme para escuchar música, sin embargo, este blog está de regreso a las actividades y esperemos que esto de para mucho.

El disco que les presento hoy fue el que ganó la encuesta publicada a fines de Mayo, por lo que les agradezco a los que hayan votado, sin embargo, lo pospuse debido a que había encontrado una versión en SACD del Forever Changes y vi que era necesario compartirla por su excelente calidad de sonido, pero como sea, aquí les traigo este disco en su remasterización del 2007, ya que es lo que tengo disponible por ahora, esperemos que en el transcurso de este mes alguien suba la nueva remasterización que salió el 25 de Junio a rutracker o a alguna página rusa por el estilo... En fin, espero que disfruten este nuevo post que es un disco verdaderamente histórico.

Los Yardbirds se formaron en los suburbios del sur de Londres en 1963 por el vocalista Keith Relf y el bajista Paul Samwell-Smith, quienes habían estado en un grupo llamado The Metropolitan Blues Band, con el nombre de The Blue-Sounds, poco después se les unirían el guitarrista rítmico Chris Dreja, el baterista Jim McCarty y el guitarrista solista Top Topham. Uno de sus primeros conciertos fue como banda de acompañamiento para el músico de blues Cyril Davies a fines de Mayo de ese año, el cual les ayudó a conseguir más conciertos y sería en este periodo en el que se harían llamar definitivamente los Yardbirds, que según Dreja y Relf, venía de la novela En el Camino de Jack Kerouac, en donde se usa el término para referirse a los vagabundos que merodeaban en las estaciones de tren y Topham dice que se trataba de una referencia a Charlie Parker, a quien apodaban como "Yardbird".

Cuando Top Topham abandonó al grupo en Octubre de 1963, su puesto fue tomado por Eric Clapton, en aquel entonces, un guitarrista desconocido y fue aquí donde la banda comenzó a volverse cada vez más popular, al punto que al convertirse en el grupo de la casa del Crawdaddy Club, pronto el dueño del lugar Giorgio Gomelsky se convertiría en su representante y productor, lo que los llevó a convertirse brevemente en la banda de acompañamiento para Sonny Boy Williamson, que en ese año estaba de gira por Inglaterra y fue ahí donde se grabaron las canciones que finalmente serían editadas en 1966 en el disco Sonny Boy Williamson and The Yardbirds.

Pronto, en Febrero de 1964 firmarían un contrato con la Columbia, una disquera que en ese momento era subsidiaria de la EMI y en Marzo de ese año, grabarían su histórico Five Live Yardbirds, que consistía básicamente en covers de blues y rhythm and blues tocados en vivo.

Los Yardbirds eran cada vez más populares y su primer sencillo grabado profesionales no cumplió con las expectativas del grupo de convertirse en más populares, por lo que finalmente sus líderes Keith y Paul comenzarían a ver un panorama más allá de su blues, y es así como obtienen su primer gran éxito en 1965: For Your Love, una composición de Graham Gouldman inspirada en el sonido de los Beatles y con un clavecín prominente tocado por un jovensísimo Brian Auger, lo que finalmente tendría el costo de que Eric Clapton -en aquel entonces, un purista recalcitrante del blues- se saliera y en su lugar llegara Jeff Beck, un guitarrista que podía manejar más estilos y es aquí donde comenzaría su época de pioneros y de grandes innovadores.

A fines de la primavera de 1965, sale Heart Full of Soul, el gran debut discográfico de Jeff Beck en el grupo, el cual significó una importantísima innovación en el rock, pues por un lado, es la primera canción en insertar elementos propios de la música clásica de la India y por el otro, es el tema que popularizó el uso del fuzz en la guitarra, pues a pesar de que los Ventures ya lo usaran seguido y que Travis Wammack sacara su innovador sencillo Scratchy en 1964, ninguno había logrado masificar el uso de dicho pedal que hasta ese momento, era visto más que nada como una curiosidad y no como algo con potencial para convertirse en un sonido clave, por lo que es con esta canción que además de que el fuzz se hizo popular e importante, sus elementos exóticos la convirtieron en uno de los temas pioneros de la psicodelia y por si eso no fuera poco, en ese mismo año sacarían Still I'm Sad, la primera canción escrita por los miembros del grupo, la cual también significaría una gran innovación, pues es el primer tema de música popular moderna en incluir elementos propios de la música medieval, incluyendo cantos gregorianos (lo que finalmente terminaría derivando en el surgimiento del folk rock neo-medieval en años posteriores), además de ser una de las primeras canciones de corte netamente oscuro y depresivo que finalmente se convertiría en el sello de grupos como los Doors y Mad River.

A principios de 1966, la banda estaba en su punto álgido y era universalmente reconocida como una de las bandas más importantes de la "Ola Inglesa" o "Invasión Británica", y es aquí donde saca su mayor logro compositivo: Shapes of Things, que se convirtió en uno de los emblemas del grupo y que además de todo, es uno de los temas más importantes e influyentes de los 60's, pues por un lado, es la primera canción psicodélica en volverse popular y esto, finalmente la llevaría a convertirse en un tema extremadamente influyente, pues el solo de Jeff Beck, de nuevo con influencias hindúes, sería una parte fundamental para la construcción del tono quintaesencial de la guitarra psicodélica con su fuzz y su feedback controlado, además de que sus letras también resultaron ser muy relevantes, pues por un lado, fueron las primeras letras anti-guerra y pro-ecología en estar en un disco de rock, pero por otro habría que mencionar que su mensaje es incluso más relevante hoy que hace 54 años, pues es en estos tiempos donde el problema de la catástrofe ecológica está más presente que nunca, pero mientras exista un capitalismo que funcione a través de regímenes tecnocráticos/totalitarios para hacerles el caldo gordo a los lumpenburgueses, el problema crecerá aún más, pero bueno, volviendo a los Yardbirds, Shapes of Things también fue importantísima en el sentido de que significó la toma de conciencia artística del grupo en cuanto al potencial que existía al comenzar a escribir sus propias canciones y fue con esto que unos meses después de su grabación (que ocurrió entre Noviembre y Diciembre de 1965) y de su lanzamiento (Enero del 66), situándonos en la primavera de 1966, el grupo se metió a grabar Roger The Engineer, disco del que hablaremos más adelante, el cual salió en Julio de ese año, justo cuando el bajista Paul Samwell-Smith había decidido dejar al grupo para dedicarse exclusivamente a la producción musical y en su lugar entró Jimmy Page, que luego se cambiaría a la guitarra rítmica para grabar Happenings Ten Years Time Ago y Psycho Daisies, temas de los que también hablaremos más adelante.

Poco tiempo después, Jeff Beck se saldría del grupo y Jimmy Page tomaría su lugar como guitarrista, grabando así el disco Little Games, salido en 1967. En 1968 terminarían separándose y el resto es historia.

Roger The Engineer es un disco importantísimo, que se podría decir que marcó un antes y un después, pues estamos frente a una de las piedras angulares de lo que vino después y ante un álbum en donde el grupo en cuestión se consolidó como parte de los grandes innovadores no solo del rock, sino de la música popular en un tiempo donde la música académica había tomado el giro masturbatorio e incoherente del avant-garde y el jazz ante su imposibilidad de renovarse melódicamente, había tomado también un giro masturbatorio en la improvisación libre y lo modal, lo que finalmente había dejado a los músicos jóvenes el campo abierto para la innovación y la creatividad en la música popular, lo que finalmente terminó produciendo discazos como el Revolver y el Sargento Pimienta de los Beatles, el Forever Changes de Love, el Days of Future Passed de los Moody Blues, el Piper At The Gates of Dawn de Pink Floyd, el Their Satanic Majesties Request de los Rolling Stones, entre otros, y uno de ellos se podría decir que es Roger The Engineer, que a pesar de ser una obra cumbre que fue extremadamente influyente para todo lo que vendría posteriormente, es una obra incomprendida tanto por los "expertos" como por los que se autonombran "conocedores", quienes la tienen como una obra menor de la época, sin embargo, ya veremos más adelante el motivo de su importancia como obra.

Roger The Engineer resultó ser la culminación de lo que la banda había venido haciendo desde 1965 y su mayor esfuerzo creativo, pues es con este disco que su mezcla ecléctica de blues, rhythm and blues, rock and roll y rockabilly cincuenteros, folk rock, pop anglófilo, garage rock y raga rock toma la forma de un rock psicodélico diversamente colorido que incluye además de todas las influencias antes mencionadas, elementos de música medieval con cantos gregorianos, gospel, música tribal y freakbeat, haciendo de los Yardbirds, no solo uno de los primeros grupos psicodélicos de la historia, sino que también los hace de alguna manera pioneros del rock ácido en su forma británica, es decir, lo que vendrían a hacer grupos como Cream, la Experiencia de Jimi Hendrix y Ten Years After, pero de una forma menos tecnicista y más coherente, pues aquí se nota que no hay ningún exceso que finalmente se convertiría en la norma para el rock tiempo después (y que finalmente sería la justificación para el surgimiento del pub rock británico y el punk neoyorquino) y se nota un esfuerzo creativo e intelectual importante que finalmente terminó en un disco extraordinariamente compuesto y tocado, y bueno, su importancia radica tanto en la influencia que ejerció en lo posterior como en la calidad general, dejando en claro que los Yardbirds estaban ya en el olimpo del rock.

El disco inicia con Lost Woman, un blues psicodélico que estoy seguro de que serviría como plantilla para Cream, pues aquí se notan todos los ingredientes que tomaría aquel power trio para crear su sonido, sin embargo, aquí tenemos a mejores músicos y compositores (a excepción de Jack Bruce, quien era el alma del trío y un GRANDE), e igualmente algo que me llama la atención es como el riff y el tono del bajo de Paul Samwell-Smith evocan a un contrabajo (la magia de la pastilla Sidewinder) y e igual la armónica con fuzz de Keith Relf es también algo muy interesante para la época, ya que en aquel entonces, el fuzz era usado exclusivamente en la guitarra y aquí ya se escucha un uso distintivo del pedal para otro instrumento, mientras que la guitarra está acompañada con un ligero overdrive. Temazo.

Over, Under, Sideways, Down es uno de los temas más icónicos del grupo y posiblemente uno de sus mayores logros en combinar la psicodelia de tonos hindúes con una composición evocadora del viejo rock and roll cincuentero, e igualmente, es un tema que marcaría lo que se conocería como "Swinging London", aunque irónicamente, la letra es una crítica al estilo de vida de ese movimiento, por otro lado, tanto la composición como la instrumentación son magistrales y definitivamente merece ser llamada obra maestra, a pesar de que a muchos "listillos" les incomode.

The Nazz are Blue es el homenaje de Jeff Beck a Elmore James, por lo que podemos decir que estamos ante a un boogie rock potente que de nuevo remite a Cream o incluso a Ten Years After, pero con una ejecución más interesante e igualmente este fue el tema que le dio nombre a un joven grupo de Filadelfia en el que estaba un puberto Todd Rundgren.

I Can't Make Your Way es un tema de base folk, que estoy seguro que está hecho a modo de parodia u homenaje a Bob Dylan, aunque sin la voz aguardentosa y desafinada de este, además de que también tiene ese regusto a psicodelia de tintes hindúes que tanto identificó a los Yardbirds en su periodo con Jeff Beck, pero igualmente algo que quiero destacar son sus letras que otra vez guardan esta tendencia a la crítica social y su abierto rechazo a la superficialidad y al inútil estilo de vida de la clase media, y aquí sucede algo que yo llamo el "Efecto Ill Wind", pues estas letras quedan todavía mejor en el contexto actual que en el particular de su época. Temazo.

Rack My Mind es otra vez un homenaje a un viejo blusero, esta vez a Slim Harpo, y de nuevo Jeff Beck se luce en su trabajo de guitarra y otra vez está antecediendo al rock ácido, pues esto es blues psicodelizado completamente guitarrero que pone a Beck al nivel de grandes como Mike Bloomfield, John Cipollina, Jerry García, Jorma Kaukonen o Elliot Ingber y hace trizas a Eric Clapton a la hora de combinar los fraseos bluseros con una postura abiertamente psicodélica. Temazo.

Farewell es pop anglófilo de muy corta duración, que pone a los Yardbirds en una postura similar a la que se puede escuchar en grupos como los Kinks, Bulldog Breed, los Dave Clark Five o incluso a la primera época de Pink Floyd.

Hot House of Omagarashid es un tema un tanto experimental que incluye percusiones y cantos tribales sin ninguna palabra combinados con diversos efectos de estudio, incluso algo que suena como burbujas que al parecer fue hecho con algún tipo de oscilador.

Jeff's Boogie es otro homenaje, esta vez a Chuck Berry y se trata de un tema que está a medio camino entre el boogie guitarrero y el rock and roll cincuentero, mostrando de nuevo que los Yardbirds a pesar de ser ya un grupo pionero de la psicodelia y de haber creado algunas de las innovaciones más importantes de la época, no se olvidan del viejo blues y del rock and roll, pero con la diferencia de que mientras aquí en México se agarran de los patrones más trillados y aburridos que además están mal tocados y que con eso se agarran para decir que son "verdadero rock", los Yardbirds supieron manejar bien esas raíces sin caer en lo repetitivo, aburrido y trillado, por eso es que son un grupo infravalorado por los viejos.

He's Always There es psicodelia garagera guiada por el áspero fuzz de Jeff Beck y que tiene una atmósfera un tanto oscura y misteriosa que de alguna manera recuerda a lo que harían finalmente en Happenings Ten Years Time Ago, pero menos perturbada y de alguna manera me recuerda a los enormes Hunger, de quienes ya hemos hablado en el blog hace unos tres años atrás. Temazo.

Turn Into Earth es una especie de música medieval "modernizada" con instrumentación de rock, una atmósfera muy psicodélica y una sección rítmica que por momentos raya con lo jazzero, además de que tiene cantos gregorianos, lo que de alguna manera pone también a los Yardbirds como pioneros en el folk rock neo-medieval/renacentista que finalmente se convertiría en la impronta de Ritchie Blackmore en los últimos años (antes de reformar a Rainbow). Obra maestra.

What Do You Want? es garage psicodélico y uno de los rave-ups tan característicos de los Yardbirds, que los pone también entre los mayores representantes del breve y oscuro garage rock británico junto con los Them, los Troggs, los Sorrows y posiblemente también los Kinks.

Ever Since The World Began es el tema que cierra al disco original y este comienza con una introducción de gospel muy pausada y con mínima instrumentación para finalmente convertirse en un tema de rhythm and blues con el típico sello de los Yardbirds. Temazo y excelente cierre.

Happenings Ten Years Time Ago es el debut de Jimmy Page en el grupo y aún tiene la presencia del gran Jeff Beck en los solos, y es otra obra maestra, pero esta vez de una psicodelia cargada de oscuridad y paranoia, que por momentos se podría decir que se adelanta a lo que harían grupos como Mad River o incluso los mismos Doors, pero igualmente se adelanta a las sonoridades que agarrarían como sello propio los grupos de rock gótico de los 80's, e igualmente podríamos mencionar que sirvió de inspiración para los gringos Hunger para su temazo Colors de 1969.

Psycho Daisies es boogie psicodelizado muy enérgico, esta vez no sé si fue un homenaje, pero suena muy potente y muestra cuanta energía desprendía este grupo incluso en estudio.

Si no han escuchado esta joya olvidada, no esperen a hacerlo, es un disco obligatorio en toda colección.