La Antología del Rock Vol. 3: La Vieja Guardia (2020)

  Muy buenas a todos ustedes, sean bienvenidos a un post más de este especial de psicodelia mexicana con motivo de los 50 años de Avándaro, el cual tenía originalmente planeado publicar el 16 de Septiembre, pero como les venía diciendo anteriormente, no me sentía lo suficientemente lúcido y creativo para escribir, por lo que decidí posponer su publicación hasta hoy, que tuve por fin la lucidez y la energía suficientes para terminar las reseñas, por lo que espero que los que esperaban con ansia una nueva entrega, me disculpen por tardarme tanto y haber dejado la mayor parte del mes de Septiembre vacío, espero que esto se componga ahorita en Octubre. ¡Hasta la próxima!

Como nota, quiero decir que este post servirá tanto como una actualización de dos discos que ya habían sido publicados por aquí y como nuevo post por uno que nunca se había publicado en el blog. Muchas gracias.

CD 1: Pájaro Alberto y conjunto Sacrosaurio - Viaje Fantástico (1974)

Alberto Isordia más conocido como el "Pájaro Alberto", es otro de los personajes más celebres del rock mexicano de aquellos años, pues es conocido por su labor con Love Army, uno de los grandes ausentes en Avándaro, grupo que comenzó en Tijuana, Baja California con el nombre de los Tijuana Five y que más tarde con la adición de una sección de metales fue cuando empezó su época dorada en la que mezclaron influencias de jazz rock y soul psicodélico, dando resultado a la icónica Caminata Cerebral, editada en 1971, la cual fue especialmente conocida por su letra en español que contenía un mensaje político y lo cual significó un motivo para que la censuraran de varias radiodifusoras, sin embargo, también significó que fueran contratados para tocar en Avándaro, sin embargo no pudieron llegar, igualmente se hicieron conocidos por sus enérgicas tocadas en el club Tiberio's en Acapulco, Guerrero.

Una vez disueltos, el Pájaro se fue a formar a Sacrosaurio y no tardaron mucho en grabar su único álbum, que tuvo la participación del mismísimo Armando Nava en la producción y dirección artística (esto también fue motivo para que el Pájaro le regresara el favor al participar en el tercer disco de los Dug Dug's), así como la participación de las hermanas Valdez (conocidas por su labor con la Cosa Nostra) y de Carlos "el Nono" Zaldívar del Epílogo en los créditos de una canción, el cual salió en 1974 con el título de Viaje Fantástico.

Con un título ultrapsicodélico, el Viaje Fantástico es un disco de lo que yo le llamaría "psicodelia ecléctica", pues lo que tenemos es básicamente una combinación de muchos estilos en los que encontramos folk psicodélico, pop barroco de sabor lisérgico, rock sureño, soul, soft rock, heavy psych, rock ácido y raga rock, en donde podemos notar también ecos británicos, gringos y españoles (sí, lo leyeron bien), por lo que estamos ante un álbum muy completo y diverso que a pesar de que combina muchísimas influencias, todo ello está mezclado de una forma muy fina y artística, e igualmente algo que lo hace único es que está cantado en Español en su totalidad, por lo que (al menos en mi opinión) es completamente correcto que esté considerado entre los mejores discos mexicanos de la historia.

El disco comienza con la icónica Seguir al Sol, canción que por su letra partidaria del hippismo se podría decir que es uno de los himnos de la contracultura en México, pero además de la letra, la música ejemplifica a la perfección lo que podríamos etiquetar como folk rock psicodélico por excelencia, por su mezcla de instrumentos eléctricos y acústicos, en el que yo noto también ecos del enorme Phil Pearlman y Relatively Clean Rivers, no solo en lo musical, sino por la letra, pues precisamente este se fue a vivir al campo y hasta la fecha se dedica a la ganadería. Obra maestra.

Giselle es un tema en el que podemos notar una influencia muy marcada tanto de los Beatles en su época psicodélica (Blue Jay Way) como de Paul McCartney solista y por si no fuera poco, noto ecos del pop fino de Gilbert O'Sullivan, aunque en un plan mucho más psicodélico, pues por un lado tenemos la interpretación vocal del Pájaro que me suena muy a George Harrison, la cual incluye un parlante leslie (algo muy beatlesco) y el sintetizador que le da una atmósfera muy viajada (un recurso que retomaría Armando Nava para el Cambia, Cambia). Espléndido.

Vida es otro de los temas célebres del Pájaro y de hecho fue el lado B del sencillo de 1974 que incluía también Seguir al Sol, y de nuevo tenemos pop psicodélico beatlesco, aunque esta vez con adornos barrocos hechos por el clavecín, igualmente la letra es muy poética y espiritual, por lo que me veo tentado a decir que el Pájaro Alberto es uno de los mejores letristas del rock mexicano de la época junto con los de Antorcha (que se jodan los rupestres y su defensa del kitsch mexicano). Obra maestra.

Amor Libre, otra alusión a la filosofía del movimiento hippie como lo dice su título, en la que la música suena mucho a Grateful Dead, lo que me parece muy interesante, teniendo en cuenta que aquí en México ese grupo no generó mucho revuelo, pero posiblemente en Tijuana sí. Temazo.

Ven a verme es un cruce entre el folk psicodélico de la Revolución de Emiliano Zapata (So Long Ago) o The Yankee Dollar (Good Old Friends) con alguna especie de rock sureño souleado (el soul queda enfatizado en los coros de las hermanas Norma y Rubí Valdez) en el que destaco especialmente el violín, que me parece excelente. Temazo.

No pudo ser muestra que el Pájaro Alberto no es únicamente un maestro en distintas vertientes de la psicodelia, pues aquí nos muestra que también puede manejar de forma excelente el soft rock al estilo de Todd Rundgren (uno de los mayores íconos del rock y el pop de Estados Unidos) en el que también se incluyen unos arreglos muy refinados de cuerdas que quita el aliento. Espléndido.

La Isla en su letra vuelve a reiterar el hippismo del Pájaro Alberto, sin embargo, musicalmente lo encontramos en su faceta más cercana al heavy psych en el que podemos notar ecos de la Verdad Desnuda (Illusive World), el Amor (On The Midnight Bus), Deep Purple (The Painter), Vanilla Fudge (Shotgun), The Corporation (I Want To Get Out of My Grave) y Elderberry Jak (Vance's Blues), pues básicamente es un tema sumamente guitarrero en el que también podemos notar un órgano hammond y cierta influencia del soul que también nos hace recordar a su anterior agrupación Love Army. Espléndido.

Y llegamos al tema homónimo del disco: Viaje Fantástico, el cual es un rock ácido muy guitarrero en el que otra vez se notan ecos del Shady Grove de Quicksilver Messenger Service, por la inclusión del piano y por los solos de guitarra que de alguna manera recuerdan al gran John Cipollina, por otro lado, la letra es sobre una experiencia espiritual. Obra maestra.

A donde tú vayas vuelve el pop refinado al estilo de Gilbert O'Sullivan o de Bread, pero con cierta influencia beatlesca y con algunos arreglos que podrían considerarse como "proto-progresivos". Temazo.

Y el disco cierra con broche de oro con Raga, probablemente uno de los pocos acercamientos hubo en el rock mexicano con el raga rock junto con la peculiar versión del Matarilerilerón del Huevo Blues y Love Don't Go Away del Love Sindicate, en el que encontramos un ¿sintetizador? que imita a una tambura, guitarra acústica, tambores, cítara eléctrica y bajo en la instrumentación, mientras que el Pájaro Alberto vuelve a sonar reminiscente del gigantesco George Harrison, por lo que creo que podemos dar por sentado que el Pájaro es su fan, igualmente la letra es muy poética y hippie. Obra maestra y el mejor momento del disco sin duda alguna, belleza total.

El Viaje Fantástico es un discazo por donde se le vea, los temas brillan por su combinación de finura, eclecticismo y potencial comercial pasada por el filtro de la psicodelia y la reivindicación del hippismo en una época donde ya nadie hablaba de la mentada "era de acuario", pero que supo condensar perfectamente la filosofía que se vivió en la época de Avándaro.

CD 2: Los Spiders - Back (1970)

Los Spiders comenzaron desde 1960, con el auge del rock & roll y los covers en México, ellos durante los 60's fueron un fenómeno de los cafés cantantes de Guadalajara, Jalisco, y en 1966 grabarían su primer EP que contenía un refrito de For Your Love de los Yardbirds cantado en español, pero no sería hasta 1969, cuando surge su primer cambio de alineación en donde entran el excelso tecladista Servando Ayala y el vocalista Antonio Vierling y así comienzan a grabar su primer sencillo de música original, el cual tenía la canción Back, la cual recibió mucha difusión en las radiodifusoras de todo el país en 1970, lo que históricamente nos haría cuestionar sobre quiénes realmente popularizaron el movimiento conocido como "la Onda Chicana", si ellos o los también tapatíos la Revolución de Emiliano Zapata. Después sacarían un par de discos más: Nuevas Rutas del Sonido en 1973 y Corre, Corre, Corre en 1980, que a pesar de que no recibieron ni la mitad de la difusión que recibió su debut, estos debieron haber catapultado a los Spiders como la mejor banda tapatía. Hoy siguen vigentes junto con otros grandes como la Revo, la Fachada de Piedra, la Quinta Visión, Pastel Pilatos, Frankie Bizarro y Pelé y el 39.4, aunque con un nuevo guitarrista, ya que el "Tucky" se murió en Enero del 2008.

Back es un álbum de excepcional manufactura en el que podemos encontrar un rock ácido finísimo interpretado por unos músicos que brillan como pocos lo han hecho en este país, pues absolutamente todos los miembros del grupo destacan por su maestría en sus respectivos instrumentos, pero no solo eso, las canciones brillan por su insólita finura (como diría el buen Gus), delicadeza y precisión melódica, mostrándonos una vez más que fue esta época donde precisamente los músicos roqueros mexicanos estuvieron al nivel de los mayores exponentes extranjeros, cosa que no se volvió a repetir en otras épocas, lamentablemente. Por otro lado, la música de los Spiders muestra reminiscencias de grupos como Quicksilver Messenger Service, Country Joe & The Fish, H.P. Lovecraft, SRC, Hunger, The Fraternity of Man, los Them, Procol Harum, Love, los Zombies y Reign Ghost, pues por un lado el trabajo guitarrero de Reynaldo Díaz suena muy influenciado por John Cipollina y Barry "The Fish" Melton simultáneamente, mientras que Servando Ayala nos hace recordar al mejor trabajo de David Cohen, Matthew Fisher, Rod Argent (con los Zombies) y Dave Hair, igualmente podremos encontrar algo de flauta transversal (el instrumento omnipresente en la psicodelia mexicana) que recuerda a los Them y a Mad River tocada también por el "Tucky", un bajo que suena a contrabajo tocado por Manuel Olivera (hermano de Guillermo Olivera, bajista de la Fachada de Piedra), una batería precisa tocada por Enrique Chaurand, quien también contribuye en una canción junto con Antonio Vierling en las tablas (tambores hindúes) y por fin tenemos a Antonio, quien con su voz de tenor lírico muy expresiva hace su mejor trabajo.

El disco comienza con Thought, que es una canción que está dividida en dos partes, la primera es (A Song) que es la que abre y la segunda es (Prayer), la mayor diferencia es que la primera está cantada y la segunda está hablada, sin embargo ambas parecen ser exactamente la misma composición con la misma instrumentación y básicamente lo que nos encontramos es una canción acústica con tintes nostálgicos y melancólicos que incluye únicamente como instrumentación guitarra acústica, armónica y voz, haciendo eco de dos grupos mexicanos contemporáneos: los Dug Dug's y la Revolución de Emiliano Zapata. Espléndido tema para abrir y cerrar un discazo como este.

En el segundo tema ya comienza lo que yo digo que es el oro puro con Something I Heard (Last Night), compuesto por el enorme Reynaldo Díaz, y es que nos encontramos ante un tema bellísimo de una finura que nadie creería que se trata de un grupo mexicano, lo que me hace remitirme a lo que he venido diciendo en las reseñas anteriores y es que mientras que el común de la gente cree que el rock en México ha llegado tan solo a un nivel de aficionado por la pobrísima calidad tanto compositiva como interpretativa de los grupos y solistas de la mayoría que han surgido de 1984 a la actualidad, sin embargo, esta es otra muestra junto con Bajo el Sol y frente a Dios del Ritual, Voy hacia el Cielo (Voy hacia el Sol) de los Dug Dug's, Again de la Revolución de Emiliano Zapata, For Those Who Love de la Comuna, Hallelujah Everywhere de la Verdad Desnuda y Faith del 39.4 de que el rock mexicano sí se acercó alguna vez a la finura de numerosos grupos extranjeros. Obra maestra.

People Deceive es rock ácido de tintes melancólicos que evoca al Shady Grove de Quicksilver Messenger Service pero sin el piano de Nicky Hopkins, el cual es sustituido por el órgano de inspiración barroca (Bach y Pachelbel como influencias principales) de Servando Ayala, en el que Antonio Vierling hace una interpretación vocal especialmente expresiva y poderosa que va en excelente conjunción con el resto de la música, mientras que el "Tucky" nos trae a la mente al mejor John Cipollina y el bajo suena con muchísima clase. Obra maestra.

On The Road es probablemente el tema menos interesante del disco, pero eso no significa que no sea bueno, pues aquí nos encontramos con una canción con bastante humor que recuerda a los momentos más divertidos de Country Joe & The Fish y The Fraternity of Man, incluso la voz de Antonio me recuerda mucho a la de Lawrence "Stash" Wagner.

Now es otro de los mejores momentos del disco y es que nos encontramos con una pieza perfecta de psicodelia ácida en la que la guitarra se hace ausente para dar paso a una superlisérgica excursión de órgano Farfisa y piano eléctrico, ambos tocados por Servando Ayala, en la que recuerda tanto a Country Joe & The Fish como a los Zombies y a Hunger, haciendo de esta pieza una de las mejores y más psicodélicas que se hayan hecho en la historia del rock mexicano. Obra maestra de principio a fin.

It's You es otra balada de tintes melancólicos que vuelve a remitirnos a Quicksilver Messenger Service al igual que a Procol Harum, pues por un lado tenemos el órgano de Servando Ayala que aquí parece haber conectado su Farfisa a un Leslie para imitar el sonido llenador del Hammond y así darles más clase a sus barroquismos, mientras que Reynaldo Díaz nos vuelve a mostrar lo influenciado que estaba por John Cipollina, con sus melódicos solos de guitarra aderezados por el uso del trémolo, mientras que la interpretación de Antonio Vierling de alguna manera me recuerda al enorme Arthur Lee. Otra obra maestra.

Back es una canción icónica, una proeza como pocas, una auténtica obra cumbre de la psicodelia en México, en la cual encontramos una finura indescriptible guiada por el gariboleo barroco de Servando Ayala, la expresiva y poderosa voz de Antonio Vierling (su compositor, quien afirma haberla compuesto a los 14 años), el bajeo con muchísima clase de Enrique Chaurand y la extraordinaria guitarra melódica de Reynaldo Díaz Vélez el "Tucky", y es que si algo hay que mencionar es que esta fue la primera canción original de un grupo mexicano en ser un éxito al haber entrado a la mayor parte de las radiodifusoras del país, seguida de Nasty Sex de la Revolución de Emiliano Zapata, pero esa es otra historia que ya contamos. Obra maestra.

You Love Me de alguna manera suena como si Steppenwolf hubiese contratado a John Cipollina en el lugar de Michael Monarch, la canción tiene un ritmo prendido y mucha energía, a pesar de quedar opacada por tanta obra maestra aquí presente.

I'm A Man es una dulce e introspectiva balada de folk psicodélico con ecos del grupo hippie canadiense The Perth County Conspiracy, con una instrumentación tranquila que incluye guitarra eléctrica con efecto de vibrato, percusiones, órgano Hammond, piano y una interpretación vocal muy suave, en la que la letra va narrando la madurez y la toma de responsabilidad de un joven dispuesto a emanciparse de su familia (algo que hoy muchos anhelamos y que cada vez se hace más improbable debido a que el sistema cada vez hace más grande la brecha entre los ricos y los pobres), hacia el final Servando Ayala hace lo que mejor sabe hacer, llevarnos al edén psicodélico con sus solos de órgano. Obra maestra.

Movin' Up vuelve a recordarnos a Steppenwolf, y de nuevo encontramos un tema que a pesar de que tiene mucha energía y suena hasta bailable, queda un tanto opacado por tanta proeza creativa que está presente en este disco, pero podría decirse que es históricamente importante al igual que You Love Me por ser parte del heavy psych mexicano primigenio. Muy buen tema.

Love Is The Way es otra proeza, otro tema descomunal el cual pudo haber sido un cierre de broche de oro si no estuviese la segunda parte de Thought, sin embargo, eso no le quita ser una de las más bellas y mejor elaboradas piezas de la psicodelia mexicana, pues estamos ante una obra del nivel de Square Room de los Them, The Fool de Quicksilver Messenger Service, Workshop de Hunger y Grace de Country Joe & The Fish, en el que encontramos una parte de psicodelia jazzeada con flauta y piano claramente inspirada por Take Five de Dave Brubeck mientras que la flauta transversal va soleando de la forma más psicodélica posible, luego tenemos más rock ácido de tintes melancólicos que evoca a Quicksilver Messenger Service y a Hunger, para terminar volviendo a la psicodelia ácida jazzeada en donde encontramos unos de los paisajes musicales más lisérgicos jamás escuchados en la historia del rock mexicano, el cual de alguna manera recuerda tanto a QMS como a los Them y a Mad River (Wind Chimes), pues tanto Servando Ayala en el Farfisa como el "Tucky" en la flauta van improvisando con un aspecto al que yo situaría en un rock ácido de inspiración hindú, mientras que el bajo de Enrique Chaurand como siempre, sonando con muchísima clase y sumamente llenador, como si fuese un contrabajo, y para finalizar tenemos la guitarra Cipollinesca reafirmando la grandeza de este tema.

Back es una obra maestra sin lugar a dudas, un disco que no tiene temas de relleno y que muestra a un grupo dando lo mejor de sí, explotando su creatividad para crear obras que después de 51 años de haber sido lanzadas al mercado, se siguen escuchando y que indudablemente es parte de lo mejor en la historia del rock nacional.

CD 3: Enigma - Enigma (1972)

Los orígenes de Enigma se remontan a un grupo llamado las Ventanas, el cual tocaba una especie de bubblegum pop psicodélico a fines de los 60's, lo cual les trajo bastante popularidad, al punto de tocar en giras organizadas por la CBS -disquera en la que habían firmado- alrededor de todo el país, las cuales, irónicamente, estaban acompañadas por bandas y cantantes de música tropical, rancheras, boleros y demás, y según las anécdotas de los mismísimos miembros de las Ventanas como Pablo González y Héctor Zenil -quien entró en 1970-, la gente se prendía mucho más con los grupos de rock como ellos que con los de los otros géneros, lo cual -por supuesto- dejaba opacados a estos últimos, cosa que debería hacer que nos planteemos la pregunta: ¿Esto habrá sido un motivo oculto para que el gobierno implementara el infame Avandarazo? No podemos asegurarlo, sin embargo, no hay que descartarlo como una probabilidad, ya que en México se tiene la bonita costumbre de crear mafias y de que estas controlen de forma monopólica y criminal los medios de comunicación, el gobierno y las industrias, y aunque a muchos les suene a pura teoría de conspiración, esto último es un hecho y que el simple hecho de que unos grupos de jóvenes con ropas psicodélicas, pelos largos e instrumentos eléctricos los opacaran de esa manera, puede ser un motivo para que gente como Vicente Fernández, la Sonora Santanera o Armando Manzanero (que digan lo que digan, su música pecaba de kitsch) intentaran por todos los medios desaparecer al rock y con Avándaro finalmente vieron la oportunidad de lograrlo, al fin el gobierno veía a los hippies con desprecio, por lo que la propuesta de usar a Avándaro como motivo para acabar con el rock fue bien recibida tanto por el gobierno como por la mayor mafia de los medios de comunicación que ha tenido México, Telesistema Mexicano (luego conocida como Televisa), pero bueno, regresando a la historia de Enigma, el grupo había tenido mucha popularidad con el nombre de las Ventanas, sin embargo, se encontraban inconformes con el pop psicodélico que habían venido tocando en años previos, por lo que en 1970, cuando la Revolución de Emiliano Zapata lograron tener una fama sin precedentes con Nasty Sex, el grupo decidió cambiar radicalmente de estilo, pasando del pop a un hard rock de raíces bluseras y elementos psicodélicos, el cual estaba fuertemente influenciado por grupos anglosajones como Steppenwolf, Led Zeppelin, Deep Purple, Grand Funk Railroad y Ten Years After, sin embargo, algo que también cambió fue su nombre, pues sabían que si su nuevo disco salía con su antiguo nombre, probablemente no hubiese sido tan bien recibido por el público que ya escuchaba a los grupos de la llamada "Onda Chicana", por lo que se hicieron llamar Enigma y los miembros que estuvieron conformados en ese momento por los hermanos Carlos, Pablo y Sergio González más Héctor Zenil, se cambiaron los apellidos por signos zodiacales, por lo que en 1971 salió el primer sencillo de Enigma con la icónica Bajo el Signo de Acuario, que fue un éxito inmediato y fueron contratados para tocar en Avándaro, pero Armando Molina no los dejó por considerarlos "fresas" e hizo todo por sabotear su turno para tocar en dicho festival, aunque existen relatos de otros asistentes que afirman que esto no es cierto y que nunca fueron contratados para tocar en el festival, los cuales puedo constatar que son completamente falsos, ya que el ex-baterista Héctor Zenil/Virgo hace poco publicó todo un reportaje de la revista Pop en donde se mencionó que Enigma tocarían el 12 de Septiembre justo después de que el Three Souls lo hiciera e igualmente existe publicidad de su disquera (CBS) en la cual se promocionaba a Enigma como uno de los grupos que iba a tocar en el festival, por lo que el cuento de que nunca habían sido contratados y demás ha quedado desacreditado, pero bueno, en ese momento Enigma era uno de los grupos más populares y su debut, salido en 1972, resultó ser un trancazo.

Enigma es probablemente uno de los primeros discos pesados hechos en México junto con el disco En Vivo del Amor, lanzado poco antes en 1971, por lo que es un disco fundamental para rastrear los orígenes del rock pesado en el país. Por otro lado, musicalmente con lo que nos encontramos es básicamente una combinación de hard rock, heavy psych y boogie rock, en la que la ejecución suena cruda, directa y potente, la música es guitarrera a más no poder y la peculiarísima voz de Pablo Cáncer, a pesar de que no era una maravilla, cumple con su función, por lo que puedo decir que tenemos todos los elementos necesarios para que este disco esté al nivel de cualquier disco ultra-underground de heavy psych hecho en Estados Unidos en ese mismo tiempo, por lo que creo que ningún fan del Buster Browns, Bolder Damn, Top Drawer, Mariani, Bob Seger, Jamul, Grand Funk, Euclid, Mountain o Steppenwolf querrá perdérselo por nada del mundo, e igual, a pesar de que el estilo de Enigma era mucho más sencillo tanto compositiva como instrumentalmente hablando que el de otros de sus contemporáneos, eso no quita que podamos hablar de un disco que ya tiene el nivel que uno podría esperar de un grupo extranjero, cosa que lamentablemente no se volvió a ver hacia la siguiente década en adelante, y que igualmente afectó a Enigma, pues para sobrevivir a la época en la que el rock urbano comandado por el infame Alex Lora tuvo su apogeo, tuvieron que cambiarse a tan feo subgénero musical, sacando discos de una calidad muy variable, sin embargo, esto no duró tanto y en los últimos años en los que siguió comandando al grupo el fallecido Pablo Cáncer, este se tornó hacia un estilo más orientado al blues eléctrico, cosa que se agradece especialmente cuando uno tuvo la oportunidad de verlos en vivo al menos tres veces, no obstante, ahora el nombre de Enigma es cargado por los sobrinos de este y les queda muy grande, al punto de que han alejado a los seguidores del grupo que los habían estado acompañando desde antes de los Hoyos Fonquis.

El disco empieza con el icónico Under The Sign of Aquarius, un potente y espeso tema de heavy psych guitarrero, con un riff pegajoso y reminiscencias bluseras que bien podría pasar por ser un tema inédito del Buster Browns o hasta de los grandes Steppenwolf, cosa que convierte a este tema como uno de los más importantes de esa época por derecho propio, pues la composición es excelente y la ejecución es perfecta para el contexto de la canción, por lo que esta rola bien podría pasar a ser parte de numerosas recopilaciones de rarezas de heavy psych, si los pseudoarqueólogos que abundan se dedicaran más a investigar el género fuera de sus pretensiones de encontrar a alguna especie de Black Sabbath perdido en el basurero de la historia. Espléndido.

Save My Soul es más un boogie rock estándar, sin embargo, la canción es pegajosa y tiene un riff memorable, por lo que funcionó como el lado B del tema anterior, igualmente el trabajo guitarrero de Pablo Cáncer es admirable al igual que el de Sergio Acuario en el bajo y el de Héctor Virgo en la batería. Muy buen tema.

69 es de mis temas preferidos del disco, pues otra vez nos encontramos con heavy psych clásico, la cual recuerda bastante a Steppenwolf, pero al mismo tiempo noto ecos del sonido de Detroit, especialmente de Bob Seger, Savage Grace, MC5 y los Stooges, cosa que también me hace considerarla junto con ¿Cuál es tu Nombre? de los Dug Dug's y parte del material de Antorcha como proto-punk, igualmente la ejecución del grupo es excelente, por un lado tenemos la batería de Héctor Virgo que suena reminiscente de su ídolo Ian Paice, el bajo de Sergio Acuario que suena llenador y pesado y la guitarra de Pablo Cáncer que es la que toma la batuta de instrumento melódico y recuerda a Michael Monarch. Espléndido.

Simón en mi opinión es uno de los temas más flojos del disco, y es que de nuevo nos encontramos con un boogie rock algo genérico, pero esta vez creo que este tema fue hecho más que nada para rellenar el disco, por lo que no lo destaco gran cosa, sin embargo, a pesar de que no esté al nivel de los temas anteriores, esto es a lo que mínimo muchos grupos actuales quisieran llegar en cuanto a nivel musical.

Live It Up, Mama es más boogie rock, pero aquí, a diferencia de la canción anterior, noto más ganas, por lo que supongo que este tema no fue escrito como relleno, igualmente los integrantes del grupo muestran una excelente ejecución, por lo que se puede decir que tiene su mérito. Muy bueno.

The Call of The Woman es tal vez el otro tema icónico del grupo, especialmente porque luego en los 80's, los de Transmetal hicieron una versión que a mí en lo personal no me gusta y mejor no hablaré de la calidad de esa versión para no perder rumbo, pero igualmente aquí nos encontramos con otro puñetazo de heavy psych, esta vez más lento y con ecos de los grandes Mountain, pues es un tema más lento que Bajo el Signo de Acuario y 69, pero igual de guitarrero y pesado, en el que incluso la voz de Pablo Cáncer me recuerda de cierta forma a la del gran Leslie West. Con muy buena razón, este tema es icónico. Espléndido.

Interwine y Sunday's Coming suenan al mejor Grand Funk, es decir, al de los primeros discos en los que fueron un power trio, y es por eso que las disfruto muchísimo, todo en ellas me parece interesante. Temazos.

Para cerrar tenemos a Count Down, la cual es probablemente el tema más cercano al proto-progresivo que ha hecho el grupo en toda su carrera, pues encontramos ciertos cambios de ritmo con cierta influencia jazzera que de alguna manera me recuerdan un tanto a algunos de los grupos contemporáneos como los Dug Dug's, el Ritual o incluso a Nuevo México en sus inicios, cosa que hace a este tema muy meritorio, pues muestra que Enigma era un grupo con músicos excelentes que además podían hacer cosas con mucho nivel como esta canción. Espléndido.

El debut de Enigma no es simplemente un disco importante para la época de Avándaro, sino que es un álbum que tiene importancia por ser primerizo en su estilo y por tener temas que son de interés para cualquiera que se diga fan del heavy psych, pues además de mostrar mucha calidad, los temas son exactamente lo que los seguidores de dicho estilo buscamos, por lo que si eres de los nuestros, no esperes a bajarlo.

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Mariani - Perpetuum Mobile (1970)

Se nos va el año y ni siquiera tuve tiempo de acabar mi reseña del Forever Changes de Love, también se nos fue Armando Molina de la Máquina del Sonido después de haber estado muy mal de salud y cada vez están más cerca las festividades decembrinas, aunque bueno, al menos pude comprar mi bajo y hacerle una pequeña modificación. Ahora lo único que me queda es hablar de lo que más me gusta: la música.

Hoy les traigo un portento de obra, heavy psych de altos vuelos, que lamentablemente está bastante ignorado por aquellos pseudoarqueólogos del hard rock oscuro, que prefieren seguir viendo a grupos muy sobrevalorados y nada especiales antes que revisar esos discos olvidados que rebozan en calidad musical que curiosamente, abundan y uno de ellos es el debut y único disco de los texanos Mariani, que es una verdadera pasada.

Por otro lado, el disco original no tenía portada, venía en una cubierta completamente blanca al igual que todas las ediciones limitadas de Sonatone, luego en ediciones posteriores (la mayoría no-oficiales) le pusieron distintas portadas y también en la mayoría les cambiaron los títulos a las canciones, por lo que hoy una vez más, el disco recibe nuevas portada y contraportada, con los títulos corregidos, y el rip del disco lo saqué de un extinto sitio donde la gente subía discos vía emule, está sacado de la edición en CD de Akarma.

La historia de Mariani comienza en Austin, Texas, cuando el baterista Vince Mariani estaba haciendo una audición para sustituir a Mitch Mitchell en la Experiencia de Jimi Hendrix, pero los de la disquera Sonobeat lo convencieron de que formara su propio grupo y de que con este iba a triunfar, por lo que Vince puso carteles en donde buscaba a un guitarrista y a un bajista para formar un grupo al estilo de Cream, Jimi Hendrix y Blue Cheer, y es ahí cuando su colega Eric Johnson, quien aún era un puberto de unos escasos 15 años, terminó en las filas del aún sin nombre grupo de Vince Mariani, luego se les agregaría el bajista Bob Trenchard, que tan solo estaría un tiempo breve, pero que alcanzaría a grabar unos demos en 1970 para la disquera local Sonobeat.

Cuando Bob Trenchard se salió del grupo que ya había tomado como nombre el apellido de su fundador y baterista, se les unen el bajista Jimmy Bullock y el vocalista Jay Podolnick, que aunque sí estuvo presente en las sesiones del disco, solo grabó una canción, y lo sustituyeron otros vocalistas, debido a que los de Sonobeat pensaron que la voz de Podolnick no era lo suficientemente buena, aunque yo aquí diría que es una verdad a medias, ya que la voz de Darrell Peal suena muy parecida a la de Podolnick, mientras que Bill Wilson es el que hace el trabajo más destacable en cuanto a la voz, teniendo un rango más diverso, además de sonar con más fuerza.

Antes de lanzar el que sería su único álbum en 1970, sacaron dos sencillos, el primero fue acreditado a Vince Mariani como solista y salió en 1969, mientras que su segundo sencillo que viene con versiones distintas de dos canciones que fueron incluidas en en LP original, las cuales fueron grabadas con Jay Podolnick como vocalista y fueron acreditadas al grupo.

Mariani nunca lograron el triunfo prometido y su disco no tuvo gran repercusión, pero lograron abrirles a monstruos como Deep Purple, ZZ Top, Bloodrock y Johnny Winter entre 1970 y 1972.

Ahora a hablar de la música:

Perpetuum Mobile es un disco donde el rock ácido, el hard rock, el jazz y el blues se mezclan en perfecta armonía, gracias a las excelentes composiciones y a que el grupo estaba conformado por grandes músicos, y aunque si bien es cierto que aquí, Eric Johnson a veces suena a que intenta calcar a Jimi Hendrix, habría que decir que no todo en su forma de tocar es pura imitación como son los casos de Thunder and Roses y Velvert Turner o incluso sus contemporáneos Parish Hall, pues Johnson también tenía el don de crear riffs verdaderamente pesados y estridentes que bien pudieron haberlo consolidado entre los mejores guitarristas del momento y estar al tú por tú con Jimmy Page, Ritchie Blackmore, Tony Iommi, Leslie West, Paul Kossoff o incluso Leigh Stephens, Randy Holden y Jesse Harper, pero aquí a diferencia de otros discos de estilo similar, como el Stoned Guitar de The Human Instinct o incluso en parte Wicked Lady, aquí sí hay composiciones en serio y que no son meros pretextos para que Johnson se luzca, sino que todos los músicos ponen su parte y lo hacen de una manera soberbia, entre ellos Vince Mariani, que tenía toda la precisión jazzística que lo hubiese podido llevar entre los mejores bateristas de fines de los 60's, pero también tenía el plus de sonar tan crudo y potente como John Bonham, también habría que destacar que Jim Bullock, hizo un excelente trabajo como bajista y que los vocalistas que participaron aquí, entre ellos Bill Wilson (poseedor de un ronco y potente tenor dramático muy similar al de Bob Seger) el cual era un cantautor de folk, Darrel Peal (tenor lírico) y Jay Podolnick (que sería bajista un poco antes de que entrara Jim Bullock, después se convertiría en vocalista, el posee un registro de tenor lírico también). Ahora, la producción suena muy estándar para la época, pues básicamente lo que uno esperaría a escuchar en un disco de heavy psych de aquellos años, es decir, una producción cruda y orgánica con poca presencia de adornos, y aunque no sea una producción de George Martin, los instrumentos suenan perfectos para el estilo que manejaba el grupo.

El disco inicia con Last Milestone, que tiene un riff de guitarra, bajo y bataca digno de estar en un disco de Led Zeppelin, pero pronto muestran también el gusto incondicional que los miembros tenían por la música de Hendrix, incluyendo la guitarra de Johnson que incluye fuzz y wah-wah, mientras que la voz de Bill Wilson suena con muchos huevos, haciéndome recordar a Bob Seger, pero sin esa influencia directa del sonido Motown.

Sobre la serie de interludios jazzeros no hablaremos, ya que son muy cortos, pero diré que son interesantes y excelentes, aunque a algunos les podrían parecer un tanto innecesarias y que desestabilizan un poco al disco, pues hay que tener en cuenta que sí podrían sonar un tanto fuera de lugar al estar puestas junto a temas que desbordan energía y que además, son de un estilo completamente distinto, sin embargo, también muestra que el grupo estaba conformado por músicos versátiles y virtuosos que no se conformaban nada más con tocar rock, como ahora lo suelen hacer muchos grupos.

Re-Birth Day me suena un tanto similar a lo que harían un par de años después un grupo de Illinois llamado Hindenburg Lyon, e incluso con ese tipo de arreglos que comienzan de una forma pesadísima, donde destacan las influencias zeppelianas una vez más y luego se van por otra cosa, en este caso, Mariani se van primero por una parte blusera, luego regresan a la primera parte, para ir a un arreglo muy hendrixiano y aterrizar en el pop psicodélico, regresan al arreglo tipo Hendrix que incluye también un solo de Eric Johnson con fuzz y wah-wah, regresan a la parte popera y se termina con el arreglo del medio y un eco muy lisérgico. En esta canción canta Darrell Peal.

Memories Lost and Found empieza tal y como uno podría esperar que empezase una canción del Axis: Bold as Love o del Electric Ladyland, pero después aparecen riffs de guitarra que cabrían más en un disco de Led Zeppelin, para luego irse a uno solo que peca de hendrixiano, aunque aquí podríamos decir que faltó un poco más de diversidad, teniendo en cuenta que Re-Birth Day tiene más de 5 movimientos. En esta canción canta Jay Podolnick.

I Can't Hurt Myself es blues ácido y pesado con una introducción jazzera, que curiosamente ya no suena tan hendrixiano y ya va por caminos más en la línea de Eric Clapton o de Jimmy Page, aunque también recuerda un tanto a Frijid Pink, ya que regresa el vocalista Bill Wilson y aunque esta canción pudo haber sido más larga, teniendo en cuenta que el blues generalmente se cuelga, aun así con esta canción siguen gloriosos.

Mendor y Breaker son jams puramente instrumentales que suenan como una versión light de los Firebirds (aquel grupo de músicos de sesión de los Ángeles que grabó una triada de discos entre 1968 y 1969, que ahora son de culto en el heavy psych), pues a diferencia de estos, Mariani parecen no estar muy interesados en experimentar con las sonoridades oscuras y más bien les interesa crear paisajes sonoros que al mismo tiempo de sonar completamente lisérgicos, también suenan pesados, por lo que podemos decir que Mariani no se conformaban con sonar parecidos a Hendrix y a Cream, sino que también mostraban aprecio por Blue Cheer y Iron Butterfly.

Para finalizar el disco original de 1970, llega un tema que definitivamente no les gustará nada a los que dicen odiar los solos de batería, pues Pulsar es básicamente eso, un solo de batería por parte de Vince Mariani, adornado con diversos efectos psicodélicos, que recuerda tanto a los extendidos solos que solían hacer Mitch Mitchell y Ginger Baker en los directos, como a In-A-Gadda-Vida. Este tema puede que no sea brillante y que para muchos incluso justifique la llegada del punk a mediados de los 70's, pero muestra que Vince Mariani es un baterista muy desconocido por el público general, el cual pudo haber sido igual de grande que muchos otros que hoy gozan de un estatus inmenso en la historia del rock, pero prefirió mantenerse en un bajo perfil.

En los bonus, tenemos el primer sencillo de Vince Mariani con las canciones Pulsar y Boots, que básicamente son solos de batería, y el único sencillo del grupo, que incluye una versión de Re-Birth Day cantada por Jay Podolnick.

El disco fue editado de forma privada con apenas 100 copias impresas, el grupo nunca logró conseguir la popularidad que les prometieron, lo que provocó su separación en 1972.

Y pues para finalizar, si disfrutaste de grupos como Thunder and Roses, Parish Hall, los Firebirds, Sainte Anthony’s Fyre, Led Zeppelin, Zekes y Hindenburg Lyon, este disco es el correcto para ti.

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Keep Your Head! Volume 3 (Disco 2): 30 Dark and Evil Heavy Psych and Proto-Punk Monsterpieces from The US 1969-1974

Es 1 de Noviembre y los mexicanos comenzamos a poner nuestras ofrendas a los que se han ido, mientras estoy escribiendo, han dado la 1:41 de la mañana y no puedo conciliar el sueño, a pesar de estar agotado, por lo que me puse aquí a escribir la reseña del segundo disco del volumen 3 de la recopilación Keep Your Head!

Ahora es 4 de Noviembre, son un poco más de las 12 de la noche y contrario a mis planes, apenas estoy terminando esta reseña y pudiendo hacerle unos pequeños ajustes finales al volumen para poderlo compartir con todos ustedes, pues tuve tres días muy agotadores en mi trabajo y uno de descanso.

Este segundo disco está enfocado a tres partes distintas del heavy psych: la primera es la que terminó influenciando a lo que ahora conocemos como punk y que al mismo tiempo bebió de lo que salía de la escena de Detroit (esta es la liga al disco publicado en Julio), la segunda es la que tuvo cierta influencia de Led Zeppelin y que de alguna manera, la encabezó Sir Lord Baltimore y la tercera es la que parió directamente al doom metal a fines de los 70's, que es la más importante en este volumen y que es el motivo por el cual, el segundo disco está siendo publicado hoy.

En el primer tema tenemos a Glory, un extraño grupo de San Diego, California que grabó todo este material en 1970 para una estación de radio, dando como resultado, el disco On The Air, publicado en el 2001 por la disquera texana Rockadelic.

La canción que tocan aquí es Who Do You Love? de Bo Diddley, que curiosamente, también se convertiría en uno de los estándares de Quicksilver Messenger Service, ya que les servía como mero pretexto para improvisar durante varios minutos en sus directos, tal y como lo deja atestiguado el disco Happy Trails de 1969, pero Glory le quita ese carácter propio de la escena de San Francisco y nos entrega una cruda y áspera versión del tema, con ecos de la escena freak proveniente de Inglaterra (también hay que resaltar que existía una en Estados Unidos, aunque ahí estaban más enfocados en hacer música experimental antes que rock), haciéndonos recordar a grupos como los Pink Fairies, Stack Waddy, Hawkwind y Third World War.

Los Dickens fueron punks antes de los punks, pero además de todo, eran burlones y todo su concepto se originó ahí, cuando los roadies del grupo NRBQ, decidieron formar su propio conjunto, el cual se basaba en la actitud DIY (Do It Yourself!, por si las moscas), aunque en realidad no supieran tocar, pero su concepto básico en la música era mofarse del heavy psych y del rock ácido de la época, así como también de los hippies y hacer canciones satíricas al respecto, así como también otras de diverso corte cómico, así como también sus "conciertos" que en realidad fueron más como fiestas privadas, en los que los miembros del grupo salían en cuerdas como Tarzán y luego podían colgarse por varios minutos en los amplificadores Fender de NRBQ a todo volumen, haciendo acople con los instrumentos (también propiedad del grupo al que ayudaban), cosa que terminó molestando seriamente a Jimi Hendrix cuando los vio por primera y única vez por allá en Agosto-Septiembre de 1970 mientras estaba de gira por Nueva York.

La canción que presento aquí se llama Don't Talk About My Music, un tema de corte abiertamente proto-punk, pero con letras chuscas y con una música, que se supone, se hizo para parodiar a los grupos de heavy psych como Blue Cheer, Steppenwolf y Iron Butterfly, aunque más bien suena como una parodia al sonido de Detroit y a gente como MC5 y los Stooges.

Gold fue una de las bandas tardías del sonido de San Francisco, formada en 1967, pero logrando su mayor periodo de actividad hasta la época de declive del hippismo e idealismo del Verano del Amor, su estilo se conformaba por ser una mezcla entre Santana, Quicksilver Messenger Service y Big Brother and The Holding Company, aunque también parece que bebieron de Blue Cheer y de la escena de Detroit, tal y como lo atestigua su único material publicado en su periodo de actividad. No Parking es el lado B de su único sencillo de 1970 y es una canción de heavy psych con un sonido que de alguna manera, predice al punk por unos años, con una asperísima guitarra que vomita fuzz y un ritmo veloz, derivado del garage rock sesentero.

Los Five By Five venían de Magnolia, Arkansas, su labor es más conocida por haber sido un grupo de garage psicodélico de los 60's y por su relativo éxito que tuvieron con su versión de Fire de Jimi Hendrix, con la que llegaron al modesto #52 de las listas de popularidad gringas, pero en 1970 deciden imbuirse en un sonido más pesado y más psicodélico, con este sencillo llamado 15 Going on 20, que es un tema en el que parece ser que absorbieron por completo al sonido de Detroit, aunque también habría que decir que el grupo no se despegó por completo de sus influencias sesenteras, ya que aquí todavía se respira ese olor a incienso y hachís, aunque también nos da un buen indicio que nos traza el camino del garage y la psicodelia rumbo a tendencias que nacerían más adelante, en este caso, el punk.

Los Yesterday's Children al igual que muchos de los casos que veremos a lo largo de los volúmenes de la recopilación, pero especialmente en el 4, que vendrá dividido en 3 discos, empezaron como una banda de garage rock que abiertamente coqueteaba con la psicodelia de tintes "orientales" (seguramente por influencia de los Yardbirds) e incluso dentro de esta faceta, llegaron a sacar un sencillo en 1966. Ellos venían de Cheshire-Prospect, Connecticut y en 1970, al firmar con la reciente disquera llamada Map City, les tocó ser parte de la oleada de bandas de heavy psych proveniente de la costa este de Estados Unidos, en la que también se encontraban Banchee, Sir Lord Baltimore, The Illusion, Morgen, Dust y Euclid, aunque el estilo de Yesterday's Children es muy distinto al de esas bandas, pues al parecer, ellos bebían tanto de Led Zeppelin y Cactus como de Blue Cheer y de los grupos de Michigan, por lo que simultáneamente podían ser crudos, ásperos, bluseros, pesados, garajeros y psicodélicos, con un vocalista que intenta hacer su mejor impresión de Robert Plant, aunque los resultados finales sean más meritorios porque no se trata de una calca, sino de una gran influencia, así mismo, los guitarristas resultan ser excelentes a la hora de construir riffs machacantes y hacer solos estelares, como en esta canción que comienza con un riff que se adelanta al menos unos 7 años a lo que harían Motorhead, pero que rápidamente se mueve a los territorios de MC5, los Stooges y Blue Cheer para que al final terminen entre un heavy blues tipo Led Zeppelin y en una breve parte suavecita. Ahora sí que solo los grandes pueden hacer cosas como estas.

Dust venían de la ciudad de Nueva York y al igual que varios de sus contemporáneos, se dedicaban a los sonidos pesados de la época combinados con algunas influencias de la psicodelia y guiños muy abiertos hacia el rock sureño y el country rock, cosas que explorarían más en su segundo disco (que sería el más irregular de los dos que sacaron), también hay que destacar que entre sus filas se encontraba el baterista Marc Bell, que luego tendría una carrera más exitosa al unirse con los Ramones y sería más conocido como Marky Ramone.

Parece que Dust absorbieron influencias bastante diversas, entre las que escucho en su primer disco son: Led Zeppelin, Black Sabbath, Blue Cheer y los Allman Brothers, y en esta canción hay ecos de todas esas bandas y hay pequeñas partes con cierto aroma a flamenco, hasta con guitarras españolas.

 Kanaan fue en realidad el proyecto de estudio del guitarrista y compositor David Waldon y grabó y editó este sencillo en 1971 (y NO en 1969 como se suele acreditar en diversas fuentes del internet e incluso en la recopilación Brown Acid, pues de acuerdo a David Waldon, las fotos de la grabación fueron tomadas el 24 de Enero de 1971), el grupo se formó en Daingerfield, Texas y nunca tuvo ningún concierto.

Leave It tiene un sonido muy similar a lo que estaban haciendo más o menos por este tiempo el grupo neoyorkino Sir Lord Baltimore, incluso la voz gritona recuerda mucho a la del difunto John Garner, aunque David Waldon en lugar de tocar muy distorsionado, experimentó más con el flanger.

Este es uno de los grupos clásicos que no necesitan presentación, pero de todas maneras hablaré un poco sobre ellos. Sir Lord Baltimore se formaron en 1968 en Brooklyn, Nueva York, justo en la época en la que el guitarrista Louis Dambra también hacía su labor con el grupo de garage psicodélico The Koala, que lanzaría su debut en el tardío 1969. Con influencias de Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Cream, los Who, Blue Cheer y Vanilla Fudge, Sir Lord Baltimore lograron sacar dos discos en su primera etapa, el primero fue Kingdom Come de 1970 y su homónimo de 1971, logrando consolidarse entre la emergente escena del heavy psych de la costa este junto con otras bandas que he mencionado.

El tema que les traigo es el homónimo de su primer disco, la cual es notoria por el bajo distorsionado de Gary Justin, encargado de hacer riffs verdaderamente pesados, mientras que la labor guitarrera de Louis Dambra nos trae a lo mejor del heavy psych de la época, mientras que John Garner además de ser un baterista frenético, fue un vocalista con mucha actitud y una gran voz.

A Euphonious Wail eran originarios de Santa Rosa, California, una ciudad ubicada en la bahía de San Francisco y que al igual que otras ciudades del norte de California, no fueron ajenas al fenómeno contracultural que se dio dentro de San Francisco en los 60's. Logrando abrirles a grupos como Steppenwolf y Black Sabbath, ellos no lograron debutar hasta 1973, cuando el sonido de San Francisco estaba casi muerto y ellos ya habían absorbido influencias provenientes del hard rock, el funk y el rock sureño, por lo que su único disco es una mezcla de todo eso con el moribundo rock ácido sanfranciscano, y en la canción que incluyo aquí, hay mucho paralelismos con Sir Lord Baltimore, pero con órgano incluido.

Masalla fue algún grupo desconocido de Miami, no hay fotos de ellos, ni información al respecto, pero lo que sí se sabe es que este sencillo fue editado en 1970 y es curiosa la introducción, ya que la canción comienza con un viejo espantado mencionando todo lo que hacían los jóvenes en sus fiestas en aquellos años como fumar marihuana, tener sexo y otras cosas que hacían esos horribles greñudos psicodélicos y luego el grupo comienza con un potentísimo heavy psych que nos vuelve a recordar al power trio neoyorkino de Kingdom Come, pero con la diferencia de que son aún más crudos y duros, además de tener una muy mala producción (si es que la tuvo, porque suena a un demo grabado en el garaje de alguno de sus miembros), también habría que mencionar que las letras tienen similitudes con la de American Woman de los Guess Who, pero con la paradoja agregada de que la mujer protagonista es además de todo, lesbiana.

Groundshaker eran de San Francisco, pero se trasladaron a los Ángeles, donde al parecer, tuvieron una mejor aceptación por parte del público. Grabaron todo un demo entre el 71 y el 72, el cual terminó siendo editado en el 2007 por la disquera Red Lounge Records. El sonido de Groundshaker recuerda bastante al de Blue Cheer y al de Sudden Death, aunque tal vez no tan oscuro y además, habría que decir que Groundshaker no eran grandes compositores, ni siquiera para el estilo que manejaban, pero aquí incluyo, la que considero, su mejor composición.

Ya hemos hablado de Sudden Death por aquí, ellos venían de Pasadena, California y con sus influencias de Blue Cheer, Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple, lograron grabar todo un demo en 1972, el cual mandaron a la disquera Epic y fue rechazado por ser considerado "demasiado psicodélico", luego estas grabaciones serían editadas por la disquera Rockadelic en 1995.

El tema que les traigo se llama The Zoo, el cual tiene similitudes tanto con Sir Lord Baltimore como con Bedemon, Stone Garden, Black Sabbath, Led Zeppelin y las bandas de Detroit, además de que las letras hablan de como el narrador de la canción recuerda como en su niñez todo era color de rosa hasta que crece y se da cuenta de que todo es una mierda y que los zoológicos no son más que entretenimiento basura.

Esta canción está extraída del volumen siete de la recopilación Brown Acid de Riding Easy Records. Este extraño grupo llamado Pegasus, originario de Baltimore, Maryland tan solo sacó este sencillo en 1972, con un sonido muy influenciado por Black Sabbath y con un sonido que recuerda al Pentagram setentero, como ya lo veremos más adelante.

Los siguientes temas corresponden a Pentagram y otros grupos relacionados a ellos como Bedemon y Space Meat, así como los mismos Pentagram cuando se hacían llamar Macabre. Pentagram es sin duda, la mayor y más importante banda del doom metal, pero en sus inicios, fueron más bien un grupo de heavy psych influenciado por Black Sabbath y otros grandes de la época, y a pesar de haber grabado varias canciones, al parecer, nunca lograron tener un contrato para publicar un disco en su momento, pero aún así, gracias a varias de las recopilaciones que han salido, hemos podido escuchar todo este material que dejó la banda, así como los demos de Bedemon, Space Meat (o Stone Bunny) y Shades of Darkness. Pentagram es sin duda la prueba histórica de como el heavy psych parió directamente al doom metal.

Arrogance es un grupo originario de Chapel Hill, Carolina del Norte, formado en el 69. Son considerados como antecesores del rock alternativo debido a que el grupo, a pesar de tener considerable popularidad, siempre se mantuvieron en un bajo perfil. En 1970, sacaron su primer sencillo, que muestra al grupo en su faceta de heavy psych (luego cambiarían su estilo por el country rock), en la que también optaban por letras de corte oscuro, como la canción que les presento, que hace referencia a la peste negra, la pandemia de peste que mató a aproximadamente el 40% o más de la población de Europa en la edad media. Musicalmente, me recuerda bastante a los Bulbous Creation, así como al grunge de los 90's, pero más oscuro y psicodélico, mientras que las letras representan a ese pesimismo post-hippie que caracterizaría al heavy psych como el último bastión de la contracultura de los 60's.

De los Bulbous Creation ya hemos hablado, por lo que citaré mi reseña cuando hablo de esta canción:

"Let's Go to The Sea, posiblemente la obra maestra del disco, oscura como pocas. Es aquí en donde les pido que se olviden de falsificaciones como el disco de Jacula. Esta es una música que de verdad no escucharía a altas horas de la madrugada, por su sonido macabro, tétrico y espectral, y por si les quedaba la duda de por qué ingeniosamente los de la Rockadelic pusieron en la portada y la contraportada a esqueletos bastante tétricos, pues escuchen esta rola, estoy convencido que es una de las obras más escalofriantes y macabras que se hayan hecho en esa época, y un gran ejemplo de como los viajes de LSD se pueden convertir en una experiencia aterradora con imágenes atroces. También hay que destacar como Alan Lewis suena extremadamente similar a Stacy Sutherland e incluso en esta canción hace uso de unas reverberaciones muy similares a las que el guitarrista texano usó en el disco Bull of The Woods de 1969, se podría decir que Lewis suena aquí como su gemelo siniestro, también esta es la canción donde más se escuchan similitudes con un grupo llamado Stonehenge, que sacaron un sencillo en ese mismo año (1971, valga la redundancia), con un sonido casi igual de oscuro."

Stonehenge fue un grupo de Clinton, Iowa, el cual empezó sus andanzas en el garage rock, sus conciertos los hacían mayormente en bailes de secundaria y cosas por el estilo, pero a fines de los 60's, al escuchar a Grateful Dead y Jefferson Airplane, cambiaron su estilo al rock ácido pero a diferencia de sus contrapartes sanfranciscanas, lo empezaron a tocar de una forma pesada y oscura, además de incluir en sus letras referencias literarias a J.R.R. Tolkien y a Dante, por lo que es interesante escuchar que a diferencia de muchos de sus contemporáneos, Stonehenge apenas tenían una ligera distorsión en sus guitarras a la hora de hacer solos, el resto de tiempo estaban muy limpias, pero aún así lograron sonar oscuros, macabros, depresivos, nihilistas, pesimistas, pesados y psicodélicos, todo al mismo tiempo, hasta me atrevería a decir que por momentos podrían sonar hasta más macabros que Black Sabbath. Así que aquí hay una gran lección para aquellos grupos que tocan con los amplificadores Orange asquerosamente distorsionados.

Otro grupo que nos da una lección de como sonar oscuros y pesados sin la necesidad de sobresaturar la guitarra.

Stoned Mace, originarios de Attica, Indiana, estaban obsesionados con la edad media y los soldados de ese periodo histórico, aunque al final terminan romantizando mucho a estos (teniendo en cuenta que según los historiadores, los soldados medievales eran bastante patanes y descuidados), así como con el flamenco, la música árabe y la música de los Spaghetti Western, también hay un tufo de Jefferson Airplane en esta canción.

Fraction es otro clásico que no necesita presentación, pero aún así, hablaré de ellos (aunque es cierto que también he publicado este disco por el blog), ellos eran un grupo cristiano, por lo que sus letras pueden demostrar un fanatismo religioso excesivo, tanto que suenan un tanto oscurantistas y fundamentalistas, pero como sea, musicalmente, Fraction se encontraban entre los grandes, con su heavy psych de sonoridades oscuras que bebía principalmente de los Doors, pero a la vez de Black Sabbath, Love y Iron Butterfly, nos trae un tema que suena a todo un malviaje.

Randy Holden es (valga la redundancia), un clásico que no necesita presentación.

Él, acabando de salir de Blue Cheer, se puso a grabar su disco solista que salió en 1970 y es mucho más pesado que cualquier cosa que hayan hecho Black Sabbath en los 70's. Con su muralla de amplificadores Sunn de transistores, él también representa a ese sonido arquetípico del doom metal: lento, pesado y oscuro.

The Flow fue un power trio de trayectoria efímera originario de la ciudad de Nueva York, liderado por el músico Pete Fine, que luego seguiría su trayectoria como solista y sacaría un disco de folk psicodélico/progresivo en 1974. Lograron grabar un solo álbum en 1972, que en su momento fue editado de forma privada y que después, re-editaría la disquera alemana Shadoks Music con el satírico título de "The Flow's Greatest Hits" que podría hacernos pensar que se trata de una recopilación, aunque en realidad se trata de su único álbum. La canción que incluyo aquí es la que abre su único disco de 1972, que comienza de la forma más pesada y oscura posible, con un sonido que les daría envidia a Black Sabbath, después el rumbo de la canción va por un aspecto más "jazzístico", dándole un sabor muy experimental.

Punch fue un raro grupo originario de la ciudad de Nueva York, del cual no tengo más información de que sacaron este sencillo en el 70, del que dicen que tiene un lado A horrible, que yo no he escuchado, pero bueno. Deathhead es una canción tan pesada como tétrica, hasta parecería una especie de versión siniestra del grupo texano SEOMPI, con una guitarra pesadísima que nos brinda uno de los mejores momentos del heavy psych y una composición que da escalofríos escucharla.

SEOMPI es el abreviado de su larguísimo y pretencioso nombre que era "Self Expression On Musically Potential Instruments". Ellos venían de McAllen, Texas y su especialidad era el heavy psych con ciertos tintes de jazz experimental. Se les conoció en su momento como "el Black Sabbath texano" por su sonido pesado, lento y oscuro, similar al del cuarteto británico. En esta canción suenan bastante pesimistas e incluso la voz suena a llanto, mientras uno de los guitarristas hace unos oscuros riffs con un fuzz.

The Fort Mudge Memorial Dump fue uno de los grupos tardíos de la escena de Boston, se formaron en 1968 y su nombre lo tomaron por un cómic que salía en los periódicos, según mi entendimiento. En 1969 firmaron un contrato con la Mercury, que dio como resultado un disco muy diverso y ambicioso que combinaba variopintas influencias como el rock ácido sanfranciscano, el blues, el folk, el jazz y sonidos pesados, oscuros y lúgubres que se adelantan por un año a lo que harían Black Sabbath, pero con un estilo más psicodélico que incluye fuzz, wah-wah y cintas en reversa.

Image fue otro raro grupo del que ni siquiera se sabe su origen exacto, pero lo que sí se sabe es que editaron este sencillo en 1971.

Esta canción no tiene letras, es mayormente instrumental, comienza con un piano muy tétrico y después sigue una variación del riff de la canción homónima de Black Sabbath tocado con guitarra fuzzeada hasta que la canción se vuelve una locura con percusiones africanas, órgano y coros ritualísticos, recordándonos a los rituales de la religión yoruba (que en latinoamérica se fusionó con el catolicismo, dando variaciones como la santería, la macumba y el vudú).

The Purple Sun fue un grupo de League City, Texas que solo sacó este sencillo en 1971, el cual suena muy anticuado para su tiempo, pues tiene ese sonido post-garajero que hubiese encajado mejor en 1968 o 1969, pero como sea, incluyo este tema aquí por sus letras, que sugieren que el grupo fue posiblemente cristiano y que estaba obsesionado con el tema del "día del juicio final".

Para finalizar, tenemos a este grupo de Clinton, Missouri. Parece ser que nunca tuvieron conciertos, pero lograron grabar este sencillo en 1969, que suena a una versión depresiva y pesimista de lo que yo llamo "early heavy psych", pues hay una clara influencia garajera en su sonido, pero sonando ya a heavy psych, y esa atmósfera de llanto es aumentada por el vocalista, que canta como si estuviese apunto de cortarse las venas, aunque curiosamente la letra ni siquiera habla de esos temas, sino de las guerreras amazonas, pero bueno, por momentos, el grupo suena un tanto adelantado a lo que después se le llamaría "rock gótico" o "dark".

Ahora, a hablar de la portada y contraportada, en la portada tenemos una foto tomada por el fotógrafo Joel Brodsky (el mismo que tomó varias fotos históricas a los Doors, Tim Buckley, Van Morrison, entre otros) para la edición estadounidense del disco Kannibal Komix de un grupo alemán llamado Die Anderen, y para mi gusto quedó perfecta para la portada. En la contraportada tenemos una foto de un cráneo que me encontré por ahí en la red, no recuerdo donde, la cual edité con Corel.

Con esto, el volumen 3 concluye y esperemos que para la primavera del año que viene, se estrene el primer disco del volumen 4.

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