The Freak Scene - Psychedelic Psoul (1967)

 
Han pasado 11 días desde el regreso a la actividad del blog, la demora de la publicación de esta entrada se debe a que no me sentía lo suficientemente lúcido para escribir y por lo que veo es que la humedad del ambiente que viene en el verano es lo problemático, ya que durante los últimos días de la primavera y todo lo que lleva de este verano, no he descansado bien y por lo que veo, es que siempre me pasa lo mismo todas las épocas de lluvias, por lo que puedo decir abiertamente que detesto el verano, los huracanes y los cielos nublados y que por mí estaría perfecto vivir todo el tiempo en un clima otoñal o hasta invernal, ya que no hace calor y el clima se mantiene seco la mayor parte del tiempo, pero bueno, antes de pasar a hablar sobre el disco que está siendo publicado hoy, quiero mencionar que otra de las cosas que me impiden ser puntual con las publicaciones es que soy muy perfeccionista con mis reseñas y es difícil que quede satisfecho con lo que escribo, lo que me hace volverlo a escribir una y otra vez hasta que me agrade lo que escribí. Por otro lado, algo que posiblemente me ayude a ser más puntual es lo que estoy haciendo ahora que es elegir los discos con una semana o de mínimo unos 5 días de anticipación, lo que me complica menos a la hora de escribir una reseña, ya que evito este enfoque pragmático que resulta ser mucho más problemático en la práctica que enfocarme en un solo disco. En fin, espero que disfruten este discazo y espero que este fin de semana, el blog pueda ser actualizado una vez más para cumplir con la meta de 4 entradas mensuales.

Rusty Evans fue una figura muy interesante, ya que los inicios de su carrera se remontan al rockabilly y al folk, sin embargo, poco a poco fue adoptado el discurso contracultural de la época y también fue adoptando un nuevo sonido, que en este caso es la psicodelia y en 1966 sacó su primer disco de larga duración que básicamente fue un álbum conceptual que buscaba recrear la experiencia con el LSD, este disco fue Psychedelic Moods de The Deep, el cual se dice que fue el primer álbum en tener en su título la palabra "psicodélico" (esto puede ser cuestionable hasta cierto punto, pero no quiero ahondar en eso ahora). Psychedelic Moods presentaba un garage rock con muchas tendencias que yo denominaría como "proto-psicodélicas", ya que aún suena primigenio y tanto la ejecución amateur como la producción artesanal le dan un sabor más cercano al garage rock de mediados de los 60's, como sea, a pesar de ser un álbum relativamente ambicioso y experimental para su tiempo, no alcanzó a venderse, ya que además de que la disquera Cameo-Parkway hizo una pésima promoción, The Deep nunca fue un grupo formal, sino un proyecto formado por músicos de estudio, por lo que no hubo tampoco conciertos que lo promocionaran.

En 1967, tanto Rusty Evans como Mark Barkan y los músicos de sesión que habían tocado en el disco de The Deep decidieron firmar un contrato con Columbia para grabar un nuevo disco que sonara más psicodélico y más profesional, y otro de los cambios que acompañarían a este álbum sería el cambio de nombre del "grupo" a The Freak Scene. Psychedelic Psoul saldría justo en la época del Verano del Amor y sería un fracaso comercial al igual que su antecesor, por lo que Rusty terminó perdiendo el interés en el proyecto y relanzaría su carrera como cantautor de folk psicodélico y terminaría renombrándose como Marcus, su verdadero nombre y sacaría un disco en 1970, pero eso es otra historia que será contada en el futuro.

Psychedelic Psoul es un disco que al mismo tiempo que comparte varios elementos con su antecesor, tiene muchas mejorías importantes y esto lo hace consolidarse como todo un clásico de la psicodelia más subterránea, y es que en este disco no solo vemos a unos The Deep que pasaron de ser un grupo amateur y verde con una producción artesanal a un grupo profesional con una clara postura artística y contracultural que además de todo tiene una excelente producción, sino que estamos ante todo un clásico de la psicodelia más subterránea que presenta una propuesta que yo diría que suena bastante innovadora para su tiempo, teniendo en cuenta que muchos de los elementos presentes en este disco se convertirían en la posteridad como algo recurrente y habitual de escuchar en los discos psicodélicos de 1968 a 1975, por otro lado, algo que se me hizo muy interesante es que Rusty Evans no apostaba simplemente por la psicodelia y el discurso contracultural de la época, sino que miraba sin ningún prejuicio a la world music y al avant-garde, pero al mismo tiempo, las canciones de todo el álbum se mantienen accesibles, inteligentes y coherentes sin caer en ningún cliché estúpido y anticuado o en la masturbación pseudo-artística, lo que me parece un gran logro teniendo en cuenta que muchos discos de corte similar suelen terminar siendo directa o indirectamente parodias molestas de la psicodelia y la contracultura de los 60's, como mucho de lo que hizo Frank Zappa en su momento o incluso The Velvet Underground (aunque estos últimos de manera muy ocasional) o discos con mucha incoherencia de por medio.

El disco abre con A Million Grains of Sand, una icónica canción para los entusiastas de la psicodelia más underground de la época, y es que lo tenía todo para ser un gran éxito: era experimental, viajada e innovadora, sin embargo, el hecho de que el grupo no se consolidara como un grupo de conciertos hizo que este disco no entrara a las listas de popularidad, como sea, aquí estamos ante una verdadera obra maestra del estilo, pues aquí notamos que a pesar de ser de 1967, suena totalmente fresca incluso para la actualidad y también podemos notar la tendencia de Rusty Evans de abrazar a la música del mundo como parte esencial de su sonido, pues nos encontramos con una marcadísima influencia árabe que la convierte en una canción extremadamente rítmica y exótica al mismo tiempo que incluye varios efectos sonoros, entre ellos un parlante leslie en la voz (herencia de Tomorrow Never Knows), delay en la guitarra y cintas en reversa. Luego Rusty Evans, rebautizado como Marcus grabó una versión más pausada y larga que tenía una influencia más hindú e incluía cítara, tablas y tambura, que a mi gusto está al nivel de esta y muestra la adaptabilidad de esta obra a otros estilos, e igualmente el demo de 1966 (que lo pueden encontrar por el Youtube) muestra que originalmente era una obra más "dylanesca" en un principio. Obra maestra de principio a fin.

...When in the Course of Human Events (Draft Beer, Not Students) e Interpolitation: We Shall Overcome se trata de una sola obra que incluye atrás un ritmo repetitivo con reminiscencias de samba o bossa nova mientras que al frente encontramos todo un collage de consignas de marchas estudiantiles, una conversación sobre los tópicos políticos más importantes de la época y la canción We Shall Overcome de fondo, y a pesar de que este tema sea de los menos brillan en el disco, me sigue pareciendo un gran logro que un tema de "spoken word" con reminiscencias un tanto "zappianas" no suene aburrido o ridículo, por otro lado, cabe mencionar que la frase "Draft Beer, NOT Students!" fue una de las consignas de la época en contra del reclutamiento de jóvenes para llevarlos a la guerra de Vietnam, sin embargo, la frase se traduciría literalmente como "Cerveza de barril, NO estudiantes", por lo que pierde sentido, sin embargo, "draft" en inglés tiene muchos significados, entre ellos "barril" y "reclutamiento", por lo que es una frase irónica y al mismo tiempo de protesta.

Rose of Smiling Faces es otro de los temas que más me gustan de todo el disco y es que si A Million Grains of Sand resultó ser un experimento exitoso al combinar la psicodelia más viajada y experimental con la música árabe, este otro tema lo hace también de forma exitosa, pero esta vez es la música clásica de la India con una psicodelia hipnótica, lo que me hace pensar seriamente que aquí The Freak Scene suenan como una versión "light" de The Beat of The Earth, pues aquí está esa misma influencia hindú y de las guitarras del surf, pero con la diferencia de que aquí no hay ruidismo, ni sinfonismo, ni temas largos, e incluso creo que hay cierto paralelismo entre Rusty Evans y Phil Pearlman, teniendo en cuenta que ambos comenzaron tocando un derivado del rock and roll cincuentero (Rusty tocaba rockabilly y Phil surf) y terminaron involucrados en la psicodelia más viajada e igualmente ambos abrazaron a la contracultura de los 60's de forma muy seria, aunque con la diferencia de que uno terminó convirtiéndose en pintor y el otro terminó recluido en una granja al sur de California. Otra obra maestra.

Behind The Mind tiene ecos del sonido de San Francisco, especialmente de Jefferson Airplane y Quicksilver Messenger Service, aunque menos enfocado al aspecto guitarrero de la escena y más hacia el experimental, ya que algo que caracteriza a este tema es su uso de las cintas en reversa y el delay. Temazo, lástima que sea muy corto.

The Subway Ride Thru Inner Space suena como a una versión light de Eric Burdon y los Animales en el Winds of Change, ya que está esta composición ultra-psicodélica en el fondo mientras que Rusty Evans está haciendo alguna especie de Spoken Word, mientras que hay detrás una guitarra con influencia del surf que va haciendo unos arreglos muy extraños, lo que me hace pensar que el propósito de Rusty no era hacer solos al nivel de Jorma Kaukonen o de John Cipollina, sino jugar con los arreglos psicodélicos de una forma en que la guitarra sirviese más como un adorno que como un instrumento principal. Muy buen tema.

Butterfly Dream suena a Jefferson Airplane más experimental y menos guitarrero o a unos United States of America sin los efectos electrónicos de Joe Byrd. Otro muy buen tema que dura muy poco.

My Rainbow Life fue un tema que grabaron primero The Third Bardo, otro de los grandes grupos de la primera psicodelia o garage psych, el cual fue producido por Rusty Evans, aquí The Freak Scene la reviven aunque con un sonido más limpio, pero no menos viajado e hipnótico que el original, además de conservar esa influencia hindú que de alguna manera recuerda a los sanfranciscanos Mad River, pero sin las atmósferas disonantes y oscuras de estos. Obra maestra.

The Center of My Soul suena como unos The Art of Lovin' pasados de ácidos que además incluyen una armónica blusera que suena extremadamente psicodélica, por lo que yo supongo que debe tener algún fuzz o algo por el estilo, ya que suena extraña. Excelente pop psicodélico.

Watered Down Soul comienza como un blues rural completamente acústico para convertirse en una especie de soul en ácido con unos melismas de corte hindú que vuelven a remitir al Revolver de los Beatles y de nuevo, la guitarra de Rusty Evans vuelve a imitar de forma muy interesante a la cítara, mientras que también se incluyen una serie de efectos de estudio que no he podido identificar del todo más que algún líquido burbujeante. Temazo.

Red Roses Will Weep tiene cierta sonoridad española combinada con unos cantos medio gregorianos que recuerdan a los mejores Yardbirds pero con más LSD, ya que las voces incluyen un delay y un trémolo ultra-psicodélicos. Temazo.

Mind Bender es otro experimento extraño que vuelve a recordar a The Beat of The Earth, ya que aquí se incluyen unas guitarras que recuerdan a Phil Pearlman y sus ragas, mientras que Rusty Evans va haciendo algún tipo de spoken word mientras que la cantante femenina que ya habíamos escuchado en la mayoría de los temas, va haciendo alguna especie de Grace Slick "hinduizada" (si es que existe esa palabra) y por detrás hay algún ritmo de corte "latino" que se repite una y otra vez. Lástima que dure tan poco tiempo.

El disco cierra con Grok! un instrumental de un poco más de 1 minuto que otra vez suena a raga rock, pero con un montón de efectos que no puedo identificar, supongo que nunca lo haremos y que es un secreto de Mark Barkan. Temazo y excelente cierre.

Un disco que nadie debe perderse, aunque no lo recomiendo para los que apenas se están iniciando en la psicodelia, pues mientras que la mayoría comienza con lo más "estándar" que por lo general siempre va enfocado, ya sea a la guitarra o al órgano, mientras que aquí no hay un enfoque a un instrumento en específico, sino a la recreación de los viajes psicodélicos a través de la música, a pesar de la cortísima duración de la mayoría de canciones, pero definitivamente su carácter experimental y que tiene cierto "fetiche" por la música del mundo puede resultar un tanto difícil de digerir para algunos.

Postdata: Incluí un ripeo del vinilo original de 1967 que encontré por Soulseek y uno de la reedición en compacto de 1994. Lamentablemente, el ripeo del vinilo está en 16/44, sin embargo, creo que sigue siendo la mejor opción para los audiófilos, ya que la del CD suena un tanto aumentada en los graves y tiene cierta sibilancia en la voz, pero aún así la incluí por motivos más que nada, documentales.

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The Yardbirds - Roger The Engineer (1966)

Después de todo un mes y 8 días de descanso, el blog regresa a sus actividades semanales. Antes de pasar a hablar del disco y el grupo en cuestión, quiero platicarles lo que pasó en el transcurso del mes pasado, pues además de haberme sentido muy agotado (gracias a mis problemas de sueño que sufro desde que tengo memoria) durante la primera mitad de Junio, el día 28 de ese mes fui de nuevo bloqueado por la red neuronal del Facebook por 30 días, lo que me ha hecho volverme a cuestionar seriamente mi estancia ahí, ya que la corrección política ya no solo se aplica para las opiniones que critiquen a alguna minoría estúpida o algo por el estilo, sino que ya hasta para cualquier insulto, por más intrascendente e irrelevante que pueda parecer decirle a un trumpista "pendejo" en inglés británico ("you bloody cunt"), eso hizo que se me volviera a bloquear, por lo que estoy pensando seriamente en abandonar esa red social y tener a mis blogs como únicos medios de expresión, ya que al menos por aquí nunca se me ha censurado por decir alguna leperada o por criticar a la trivialidad pequeñoburguesa de la "izquierda" actual, pero bueno, por si eso no era suficiente terminé con una infección intestinal después de comer algo descompuesto o sucio que me provocó serios malestares el fin de semana pasado y hasta ahorita estoy acabando de recuperarme, lo que me imposibilitó poder ponerme a escribir seriamente e incluso de concentrarme para escuchar música, sin embargo, este blog está de regreso a las actividades y esperemos que esto de para mucho.

El disco que les presento hoy fue el que ganó la encuesta publicada a fines de Mayo, por lo que les agradezco a los que hayan votado, sin embargo, lo pospuse debido a que había encontrado una versión en SACD del Forever Changes y vi que era necesario compartirla por su excelente calidad de sonido, pero como sea, aquí les traigo este disco en su remasterización del 2007, ya que es lo que tengo disponible por ahora, esperemos que en el transcurso de este mes alguien suba la nueva remasterización que salió el 25 de Junio a rutracker o a alguna página rusa por el estilo... En fin, espero que disfruten este nuevo post que es un disco verdaderamente histórico.

Los Yardbirds se formaron en los suburbios del sur de Londres en 1963 por el vocalista Keith Relf y el bajista Paul Samwell-Smith, quienes habían estado en un grupo llamado The Metropolitan Blues Band, con el nombre de The Blue-Sounds, poco después se les unirían el guitarrista rítmico Chris Dreja, el baterista Jim McCarty y el guitarrista solista Top Topham. Uno de sus primeros conciertos fue como banda de acompañamiento para el músico de blues Cyril Davies a fines de Mayo de ese año, el cual les ayudó a conseguir más conciertos y sería en este periodo en el que se harían llamar definitivamente los Yardbirds, que según Dreja y Relf, venía de la novela En el Camino de Jack Kerouac, en donde se usa el término para referirse a los vagabundos que merodeaban en las estaciones de tren y Topham dice que se trataba de una referencia a Charlie Parker, a quien apodaban como "Yardbird".

Cuando Top Topham abandonó al grupo en Octubre de 1963, su puesto fue tomado por Eric Clapton, en aquel entonces, un guitarrista desconocido y fue aquí donde la banda comenzó a volverse cada vez más popular, al punto que al convertirse en el grupo de la casa del Crawdaddy Club, pronto el dueño del lugar Giorgio Gomelsky se convertiría en su representante y productor, lo que los llevó a convertirse brevemente en la banda de acompañamiento para Sonny Boy Williamson, que en ese año estaba de gira por Inglaterra y fue ahí donde se grabaron las canciones que finalmente serían editadas en 1966 en el disco Sonny Boy Williamson and The Yardbirds.

Pronto, en Febrero de 1964 firmarían un contrato con la Columbia, una disquera que en ese momento era subsidiaria de la EMI y en Marzo de ese año, grabarían su histórico Five Live Yardbirds, que consistía básicamente en covers de blues y rhythm and blues tocados en vivo.

Los Yardbirds eran cada vez más populares y su primer sencillo grabado profesionales no cumplió con las expectativas del grupo de convertirse en más populares, por lo que finalmente sus líderes Keith y Paul comenzarían a ver un panorama más allá de su blues, y es así como obtienen su primer gran éxito en 1965: For Your Love, una composición de Graham Gouldman inspirada en el sonido de los Beatles y con un clavecín prominente tocado por un jovensísimo Brian Auger, lo que finalmente tendría el costo de que Eric Clapton -en aquel entonces, un purista recalcitrante del blues- se saliera y en su lugar llegara Jeff Beck, un guitarrista que podía manejar más estilos y es aquí donde comenzaría su época de pioneros y de grandes innovadores.

A fines de la primavera de 1965, sale Heart Full of Soul, el gran debut discográfico de Jeff Beck en el grupo, el cual significó una importantísima innovación en el rock, pues por un lado, es la primera canción en insertar elementos propios de la música clásica de la India y por el otro, es el tema que popularizó el uso del fuzz en la guitarra, pues a pesar de que los Ventures ya lo usaran seguido y que Travis Wammack sacara su innovador sencillo Scratchy en 1964, ninguno había logrado masificar el uso de dicho pedal que hasta ese momento, era visto más que nada como una curiosidad y no como algo con potencial para convertirse en un sonido clave, por lo que es con esta canción que además de que el fuzz se hizo popular e importante, sus elementos exóticos la convirtieron en uno de los temas pioneros de la psicodelia y por si eso no fuera poco, en ese mismo año sacarían Still I'm Sad, la primera canción escrita por los miembros del grupo, la cual también significaría una gran innovación, pues es el primer tema de música popular moderna en incluir elementos propios de la música medieval, incluyendo cantos gregorianos (lo que finalmente terminaría derivando en el surgimiento del folk rock neo-medieval en años posteriores), además de ser una de las primeras canciones de corte netamente oscuro y depresivo que finalmente se convertiría en el sello de grupos como los Doors y Mad River.

A principios de 1966, la banda estaba en su punto álgido y era universalmente reconocida como una de las bandas más importantes de la "Ola Inglesa" o "Invasión Británica", y es aquí donde saca su mayor logro compositivo: Shapes of Things, que se convirtió en uno de los emblemas del grupo y que además de todo, es uno de los temas más importantes e influyentes de los 60's, pues por un lado, es la primera canción psicodélica en volverse popular y esto, finalmente la llevaría a convertirse en un tema extremadamente influyente, pues el solo de Jeff Beck, de nuevo con influencias hindúes, sería una parte fundamental para la construcción del tono quintaesencial de la guitarra psicodélica con su fuzz y su feedback controlado, además de que sus letras también resultaron ser muy relevantes, pues por un lado, fueron las primeras letras anti-guerra y pro-ecología en estar en un disco de rock, pero por otro habría que mencionar que su mensaje es incluso más relevante hoy que hace 54 años, pues es en estos tiempos donde el problema de la catástrofe ecológica está más presente que nunca, pero mientras exista un capitalismo que funcione a través de regímenes tecnocráticos/totalitarios para hacerles el caldo gordo a los lumpenburgueses, el problema crecerá aún más, pero bueno, volviendo a los Yardbirds, Shapes of Things también fue importantísima en el sentido de que significó la toma de conciencia artística del grupo en cuanto al potencial que existía al comenzar a escribir sus propias canciones y fue con esto que unos meses después de su grabación (que ocurrió entre Noviembre y Diciembre de 1965) y de su lanzamiento (Enero del 66), situándonos en la primavera de 1966, el grupo se metió a grabar Roger The Engineer, disco del que hablaremos más adelante, el cual salió en Julio de ese año, justo cuando el bajista Paul Samwell-Smith había decidido dejar al grupo para dedicarse exclusivamente a la producción musical y en su lugar entró Jimmy Page, que luego se cambiaría a la guitarra rítmica para grabar Happenings Ten Years Time Ago y Psycho Daisies, temas de los que también hablaremos más adelante.

Poco tiempo después, Jeff Beck se saldría del grupo y Jimmy Page tomaría su lugar como guitarrista, grabando así el disco Little Games, salido en 1967. En 1968 terminarían separándose y el resto es historia.

Roger The Engineer es un disco importantísimo, que se podría decir que marcó un antes y un después, pues estamos frente a una de las piedras angulares de lo que vino después y ante un álbum en donde el grupo en cuestión se consolidó como parte de los grandes innovadores no solo del rock, sino de la música popular en un tiempo donde la música académica había tomado el giro masturbatorio e incoherente del avant-garde y el jazz ante su imposibilidad de renovarse melódicamente, había tomado también un giro masturbatorio en la improvisación libre y lo modal, lo que finalmente había dejado a los músicos jóvenes el campo abierto para la innovación y la creatividad en la música popular, lo que finalmente terminó produciendo discazos como el Revolver y el Sargento Pimienta de los Beatles, el Forever Changes de Love, el Days of Future Passed de los Moody Blues, el Piper At The Gates of Dawn de Pink Floyd, el Their Satanic Majesties Request de los Rolling Stones, entre otros, y uno de ellos se podría decir que es Roger The Engineer, que a pesar de ser una obra cumbre que fue extremadamente influyente para todo lo que vendría posteriormente, es una obra incomprendida tanto por los "expertos" como por los que se autonombran "conocedores", quienes la tienen como una obra menor de la época, sin embargo, ya veremos más adelante el motivo de su importancia como obra.

Roger The Engineer resultó ser la culminación de lo que la banda había venido haciendo desde 1965 y su mayor esfuerzo creativo, pues es con este disco que su mezcla ecléctica de blues, rhythm and blues, rock and roll y rockabilly cincuenteros, folk rock, pop anglófilo, garage rock y raga rock toma la forma de un rock psicodélico diversamente colorido que incluye además de todas las influencias antes mencionadas, elementos de música medieval con cantos gregorianos, gospel, música tribal y freakbeat, haciendo de los Yardbirds, no solo uno de los primeros grupos psicodélicos de la historia, sino que también los hace de alguna manera pioneros del rock ácido en su forma británica, es decir, lo que vendrían a hacer grupos como Cream, la Experiencia de Jimi Hendrix y Ten Years After, pero de una forma menos tecnicista y más coherente, pues aquí se nota que no hay ningún exceso que finalmente se convertiría en la norma para el rock tiempo después (y que finalmente sería la justificación para el surgimiento del pub rock británico y el punk neoyorquino) y se nota un esfuerzo creativo e intelectual importante que finalmente terminó en un disco extraordinariamente compuesto y tocado, y bueno, su importancia radica tanto en la influencia que ejerció en lo posterior como en la calidad general, dejando en claro que los Yardbirds estaban ya en el olimpo del rock.

El disco inicia con Lost Woman, un blues psicodélico que estoy seguro de que serviría como plantilla para Cream, pues aquí se notan todos los ingredientes que tomaría aquel power trio para crear su sonido, sin embargo, aquí tenemos a mejores músicos y compositores (a excepción de Jack Bruce, quien era el alma del trío y un GRANDE), e igualmente algo que me llama la atención es como el riff y el tono del bajo de Paul Samwell-Smith evocan a un contrabajo (la magia de la pastilla Sidewinder) y e igual la armónica con fuzz de Keith Relf es también algo muy interesante para la época, ya que en aquel entonces, el fuzz era usado exclusivamente en la guitarra y aquí ya se escucha un uso distintivo del pedal para otro instrumento, mientras que la guitarra está acompañada con un ligero overdrive. Temazo.

Over, Under, Sideways, Down es uno de los temas más icónicos del grupo y posiblemente uno de sus mayores logros en combinar la psicodelia de tonos hindúes con una composición evocadora del viejo rock and roll cincuentero, e igualmente, es un tema que marcaría lo que se conocería como "Swinging London", aunque irónicamente, la letra es una crítica al estilo de vida de ese movimiento, por otro lado, tanto la composición como la instrumentación son magistrales y definitivamente merece ser llamada obra maestra, a pesar de que a muchos "listillos" les incomode.

The Nazz are Blue es el homenaje de Jeff Beck a Elmore James, por lo que podemos decir que estamos ante a un boogie rock potente que de nuevo remite a Cream o incluso a Ten Years After, pero con una ejecución más interesante e igualmente este fue el tema que le dio nombre a un joven grupo de Filadelfia en el que estaba un puberto Todd Rundgren.

I Can't Make Your Way es un tema de base folk, que estoy seguro que está hecho a modo de parodia u homenaje a Bob Dylan, aunque sin la voz aguardentosa y desafinada de este, además de que también tiene ese regusto a psicodelia de tintes hindúes que tanto identificó a los Yardbirds en su periodo con Jeff Beck, pero igualmente algo que quiero destacar son sus letras que otra vez guardan esta tendencia a la crítica social y su abierto rechazo a la superficialidad y al inútil estilo de vida de la clase media, y aquí sucede algo que yo llamo el "Efecto Ill Wind", pues estas letras quedan todavía mejor en el contexto actual que en el particular de su época. Temazo.

Rack My Mind es otra vez un homenaje a un viejo blusero, esta vez a Slim Harpo, y de nuevo Jeff Beck se luce en su trabajo de guitarra y otra vez está antecediendo al rock ácido, pues esto es blues psicodelizado completamente guitarrero que pone a Beck al nivel de grandes como Mike Bloomfield, John Cipollina, Jerry García, Jorma Kaukonen o Elliot Ingber y hace trizas a Eric Clapton a la hora de combinar los fraseos bluseros con una postura abiertamente psicodélica. Temazo.

Farewell es pop anglófilo de muy corta duración, que pone a los Yardbirds en una postura similar a la que se puede escuchar en grupos como los Kinks, Bulldog Breed, los Dave Clark Five o incluso a la primera época de Pink Floyd.

Hot House of Omagarashid es un tema un tanto experimental que incluye percusiones y cantos tribales sin ninguna palabra combinados con diversos efectos de estudio, incluso algo que suena como burbujas que al parecer fue hecho con algún tipo de oscilador.

Jeff's Boogie es otro homenaje, esta vez a Chuck Berry y se trata de un tema que está a medio camino entre el boogie guitarrero y el rock and roll cincuentero, mostrando de nuevo que los Yardbirds a pesar de ser ya un grupo pionero de la psicodelia y de haber creado algunas de las innovaciones más importantes de la época, no se olvidan del viejo blues y del rock and roll, pero con la diferencia de que mientras aquí en México se agarran de los patrones más trillados y aburridos que además están mal tocados y que con eso se agarran para decir que son "verdadero rock", los Yardbirds supieron manejar bien esas raíces sin caer en lo repetitivo, aburrido y trillado, por eso es que son un grupo infravalorado por los viejos.

He's Always There es psicodelia garagera guiada por el áspero fuzz de Jeff Beck y que tiene una atmósfera un tanto oscura y misteriosa que de alguna manera recuerda a lo que harían finalmente en Happenings Ten Years Time Ago, pero menos perturbada y de alguna manera me recuerda a los enormes Hunger, de quienes ya hemos hablado en el blog hace unos tres años atrás. Temazo.

Turn Into Earth es una especie de música medieval "modernizada" con instrumentación de rock, una atmósfera muy psicodélica y una sección rítmica que por momentos raya con lo jazzero, además de que tiene cantos gregorianos, lo que de alguna manera pone también a los Yardbirds como pioneros en el folk rock neo-medieval/renacentista que finalmente se convertiría en la impronta de Ritchie Blackmore en los últimos años (antes de reformar a Rainbow). Obra maestra.

What Do You Want? es garage psicodélico y uno de los rave-ups tan característicos de los Yardbirds, que los pone también entre los mayores representantes del breve y oscuro garage rock británico junto con los Them, los Troggs, los Sorrows y posiblemente también los Kinks.

Ever Since The World Began es el tema que cierra al disco original y este comienza con una introducción de gospel muy pausada y con mínima instrumentación para finalmente convertirse en un tema de rhythm and blues con el típico sello de los Yardbirds. Temazo y excelente cierre.

Happenings Ten Years Time Ago es el debut de Jimmy Page en el grupo y aún tiene la presencia del gran Jeff Beck en los solos, y es otra obra maestra, pero esta vez de una psicodelia cargada de oscuridad y paranoia, que por momentos se podría decir que se adelanta a lo que harían grupos como Mad River o incluso los mismos Doors, pero igualmente se adelanta a las sonoridades que agarrarían como sello propio los grupos de rock gótico de los 80's, e igualmente podríamos mencionar que sirvió de inspiración para los gringos Hunger para su temazo Colors de 1969.

Psycho Daisies es boogie psicodelizado muy enérgico, esta vez no sé si fue un homenaje, pero suena muy potente y muestra cuanta energía desprendía este grupo incluso en estudio.

Si no han escuchado esta joya olvidada, no esperen a hacerlo, es un disco obligatorio en toda colección.

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Blog inactivo hasta Julio

He decidido dejar inactivo el blog hasta Julio, ya que este mes me he sentido mal física y psicológicamente hablando, no puedo concentrarme, no puedo escuchar música, no puedo pensar claramente, me siento agotado, apático y deprimido, lo único que quiero es mantenerme aislado, por lo que el regreso a las actividades será hasta el próximo mes.

Gracias por su comprensión.

Love - Forever Changes (1967)

Hola a todos los lectores, me disculpo por la tardanza de no haber publicado ayer como prometí, pero estuve fuera de mi casa y cuando llegué estaba muy agotado para ponerme a escribir, sin embargo, el ganador de la encuesta que hice el Martes lo decidí posponer para la próxima semana, pues resulta ser que ayer encontré la versión SACD de esta obra maestra, y aunque yo no estaba familiarizado con ese formato y tampoco entendía como funcionaba, debo decir que quedé completamente impresionado y me hizo ver que el remaster del 2018 sonaba muy plano y comprimido, al punto de que la separación de los canales no se notaba mucho, por lo que esta versión en SACD me dejó una experiencia muy grata y decidí compartirla con ustedes junto con el mencionado remaster del 2018 como extra, ya que este último, tiene una mezcla alterna del disco y temas extra, igualmente tenía planeado subir el DVD, pero en última instancia decidí sustituirlo por el SACD que viene comprimido en una imagen de disco ISO que pueden reproducir fácilmente por medio de una herramienta para Foobar2000 que les dejaré en el JustPaste de las descargas. ¡Buen provecho!

Los orígenes de Love se encuentran en cuando el adolescente Arthur Lee (quien ya era un compositor brillante, según fuentes cercanas) fue invitado a ver a una de las bandas de garage de su escuela en la que participaba su vecino Johnny Echols como guitarrista, por lo que pronto se uniría y se harían llaman The American Four, que pronto cambiarían de nombre a The Grass Roots y no tardarían en conocer a Bryan MacLean, quien en ese tiempo fungía como roadie de los Byrds, resultó ser que era un músico y compositor brillante quien había sido un niño prodigio, por lo que Arthur Lee lo invitó a unirse a su nuevo grupo que combinaba tanto el garage como el folk rock, que en ese tiempo marcaban a la escena rockera de los Ángeles, California.

Pronto el grupo quedaría completado por el baterista Don Conka y el bajista Johnny Fleckenstein, sin embargo, no duraron mucho en el grupo y serían sustituidos por Alban "Snoopy" Pfisterer en la batería y Ken Forssi, no obstante, antes de siquiera poder conseguir un contrato discográfico, resultó salir otro grupo con el nombre The Grass Roots, por lo que Arthur Lee le cambiaría el nombre a Love y así, el grupo debutó en 1966 con un disco homónimo que estaba mayormente conformado por temas de garage rock, folk rock y algunos tintes de psicodelia primigenia, logrando tener una popularidad considerable en la escena angelina, y en ese mismo año, el grupo lograría su único sencillo que entró a las listas de popularidad de Estados Unidos en un relativamente modesto lugar número 33 de nombre 7 and 7 is, que terminaría siendo incluido en su segundo disco Da Capo, el cual ya muestra algunos chispazos de la genialidad que vendría para Forever Changes y tendría el debut del baterista Michael Stuart-Ware.

En 1967, el grupo decidió meterse a grabar su tercer disco que a petición del productor Bruce Botnick, tendría un sonido alejado del estridente garage rock de sus primeros 2 álbumes y estaría más orientado al folk rock, este disco se titularía Forever Changes y comenzaría a ser grabado en Agosto de ese año, sin embargo, los miembros del grupo no tenían ensayadas las nuevas canciones de Arthur Lee, por lo que los tuvieron que suplir The Wrecking Crew, el grupo de músicos de sesión más importante de la historia, sin embargo, todos los miembros de este grupo tuvieron que aprender nota por nota la forma de tocar de los miembros de Love, y esto llevó al grupo a irse a ensayar el resto de canciones que conformarían al disco, el cual fue terminado en Septiembre y fue lanzado el 1° de Noviembre de 1967, logrando un modesto número 58 en las listas de popularidad de Estados Unidos y un mucho mejor 24 en las del Reino Unido.

El grupo lanzaría un sencillo más en 1968 y la primera época de Love daría por concluida al separarse, después Arthur Lee encontraría nuevos miembros y grabaría 3 álbumes más, sin embargo, esos discos serán comentados en el futuro.

Love es uno de los grupos más importantes de la historia de la música popular, a pesar de que el reconocimiento les llegó muy tarde, cuando el grupo ya no existía y fue gracias a toda una oleada de jóvenes músicos de origen británico que a finales de los 80's hasta el amanecer de la siguiente década, tenían entre sus discos preferidos al Forever Changes, que había sido un disco que alcanzó a tener bastante éxito en el Reino Unido entre 1967 y 1968, llegando al número 24 de las listas de popularidad, pero el pleno reconocimiento como un clásico llegó hasta las épocas de la neo-psicodelia y el baggy e incluso uno de los grupos icónicos de esta última escena, los Stone Roses llegaron a afirmar que Forever Changes era el mejor disco de la historia (aquí, podemos disentir, pero sea o no el mejor, eso es lo que menos importa) y eso los hizo tener una amistad inmediata con su productor.

Por otro lado, aquí muchos podrán objetarme o incluso regañarme, pero la verdad soy un férreo crítico del purismo intelectual y además de todo, de los arbitrarios y anticuados consensos de los expertos, pues sufren a la hora de hacer un análisis musical sólido, teniendo como bases únicas a los tecnicismos, la popularidad y lo más equivocado de todo, tener solamente en cuenta la impresión que una obra pudo generar en su momento particular, lo que me hace pensar que todo este purismo intelectual posmoderno simplemente termina teniendo este giro elitista y torpe al querer seguir reivindicando lo "auténtico", en este caso, seguir reivindicando esa actitud completamente acrítica y consumista que tuvo la generación de los "Baby Boomers" frente a la música que les vendían las grandes disqueras y los medios de comunicación, sin embargo, yo aquí doy un salto políticamente incorrecto (al menos para el academicismo posmo y su reaccionaria reivindicación de las particularidades) para tomar de Hegel su idea de "universalidad" y de aquí reformular el significado de "obra maestra", pues la semana pasada recibí regaños por parte de una autoridad académica por las reseñas que escribí de los Animals, en donde catalogué al menos 10 temas como "obras maestras", y sus regaños fueron por no tener en cuenta que "lo único que puede hacer a una obra, una "obra maestra" es la popularidad que adquirió en su momento particular", lo que se me hizo que pecaba de insensato y deshonesto, pues si hay algo que debemos tener en cuenta con las grandes "obras maestras" de todas las artes, NO ES su particularidad, sino lo que siguen dejando después de tantos años de haber sido creadas, incluso si en su tiempo, lugar, circunstancia o contexto no se les conoció o se les consideró un trabajo menor, por lo que un grupo como Love nos confirma esta lectura de corte hegeliano, pues su reconocimiento llegó demasiado tarde, cuando la época de la psicodelia, el hippismo, el racismo contra los negros, la guerra de Vietnam, entre otras cosas, ya eran cosa del pasado y Forever Changes resurgió, para decir más de lo que incluso pudo decir en su contexto particular, por lo que aquí la pregunta correcta cuando vamos a analizar una obra, no debería ser la típica: ¿Cuál fue el impacto que generó la obra en su tiempo? Sino, ¿Qué es lo que tiene esta obra para decir después de tanto tiempo de su creación? Solo aceptando el rompimiento que una obra tiene con su particularidad, puede reafirmarse como "obra maestra" y Forever Changes definitivamente lo es.

Aquí una cita del prólogo de La Filosofía del Derecho:

"Al decir, aún, una palabra acerca de la teoría de cómo debe ser el mundo, la filosofía, por lo demás, llega siempre demasiado tarde. Como pensar del mundo surge por primera vez en el tiempo, después que la realidad ha cumplido su proceso de formación y está realizada. Esto, que el concepto enseña, la historia lo presenta, justamente, necesario; esto es, que primero aparece lo ideal frente a lo real en la madurez de la realidad, y después él crea a este mismo mundo, gestado en su sustancia, en forma de reino intelectual. Cuando la filosofía pinta el claroscuro, ya un aspecto de la vida ha envejecido y en la penumbra no se le puede rejuvenecer, sino sólo reconocer: el búho de Minerva inicia su vuelo al caer el crepúsculo." 

-Georg Wilhelm Friedrich Hegel

 Como dice el buen Slavoj Žižek, Hegel es un filósofo muy abierto y universal para leer, pues prácticamente su pensamiento se puede aplicar incluso a otras disciplinas que no son filosofía o política, como en este caso: la música, y es que si hay algo que puede explicar el resurgimiento de grupos y discos raros o que quedaron opacados por conjuntos mucho más populares en su tiempo es precisamente esta cita de Hegel, pues esos discos llegaron a la gente cuando la psicodelia, el movimiento hippie, el verano del amor, los movimientos estudiantiles del 68, los primeros festivales de música, la guerra de Vietnam, entre otros sucesos, ya estaban realizados y por lo tanto, ya eran historia, y estos discos, incluso si muchos no llegan a ser "obras maestras", con el resurgimiento que tuvieron y con que sigan dando de qué hablar, es afirmativo que han reafirmado su universalidad.

Por si no fuera poco, algo que también es muestra de su universalidad y que incluso dejó a Arthur Lee atónito fue que en el 2002, el parlamento británico reconoció a Forever Changes como uno de los mejores discos de la historia, por lo que podemos decir que el gran Arthur pudo morir con una sonrisa en la boca sabiendo que había creado un disco casi tan importante como el Sargento Pimienta en el 2005.

Procedamos con la reseña:

El disco comienza con la magistral Alone Again Or, tema compuesto por Bryan MacLean, el cual resultó ser un niño prodigio que empezó a componer sus propias canciones desde una tempranísima edad por medio de un piano de juguete. Alone Again Or fue originalmente compuesta como una canción de country, pero ante la imposibilidad de que ninguno de los integrantes sabía tocar el banjo y que el músico de sesión se estaba tardando muchísimo por cuestiones de tráfico para llegar a la sesión, Bruce Botnick (el productor) decidió ponerle atención a lo que estaba tocando el gran Johnny Echols y resultó ser que eran unas figuras de flamenco, por lo que Bryan terminó cediendo a que la canción tuviese un distintivo sabor español y para que este aumentara, Botnick terminó llamándole al trompetista de sesión Bud Brisbois -quien ya era conocido por haber colaborado en una infinidad de discos y además de todo, por haber colaborado con Herb Alpert y la Tijuana Brass- para que hiciese un solo al estilo del pasodoble taurino, por lo que podemos decir que estamos ante una de las primeras canciones de la música popular en la que se volteó a ver a la música española como influencia principal. Magnum opus.

A House Is Not a Motel es un tema que fue compuesto por Arthur Lee, el cual parece ser que tiene la inspiración de Burt Bacharach y Hal David, dos de los compositores preferidos de Arthur, especialmente en una canción que tiene un título similar (A House Is Not a Home), aunque honestamente no me suena muy similar, por lo que supongo que la influencia de ese tema se limita al título, sin embargo, la música está compuesta a medio camino del folk psicodélico y el rock ácido con un ligero tinte español, mientras que las letras van narrando desde una especie de fantasía psicodélica que al parecer se refieren a The Castle, la casa en donde vivía el grupo en sus inicios, situada en los Ángeles, California y además también incluye referencias a la guerra de Vietnam, las cuales están basadas en lo que un veterano le contó a Arthur en un bar de San Francisco y si no fuera poco, termina futurizando al predecir que el tema de la guerra que en ese tiempo era noticia se iba a convertir en un tema recurrente para las películas hollywoodenses. Por otro lado, la interpretación del grupo es magistral, con un Bryan MacLean que muestra maestría en la guitarra de 12 cuerdas y un Johnny Echols verdaderamente impresionante que suena psicodélico, estridente, apocalíptico, fresco y siempre fino y sofisticado. Obra maestra.

Andmoreagain es una preciosa balada de folk combinada con la finura del Brill Building, donde la influencia de Burt Bacharach vuelve a aparecer, así como también la de sus colegas Buffalo Springfield y su canción Nowadays Clancy Can't Even Sing, compuesta por Neil Young (quien también tuvo su colaboración en este disco como arreglista de The Daily Planet), mientras que la interpretación vocal de Arthur Lee suena mucho más cercana a Johnny Mathis que a cualquier cantante de rock de la época, por lo que también se puede decir que esta canción confirma su alejamiento del garage rock de los primeros 2 discos de Love y su envolvimiento completo en un sonido más influenciado por el folk, que básicamente fue resultado de una petición de Botnick al mismo Arthur, igualmente las letras son filosóficas y un tanto espirituales, mientras que en este tema no toca ningún miembro del grupo, sino The Wrecking Crew, el grupo de músicos de sesión más importante de los Ángeles. Obra maestra.

The Daily Planet está en el número 4 y se podría decir que estilísticamente se encuentra dentro de un pop psicodélico "más estándar" en comparación con los primeros tres temas, sin embargo, empiezo a notar aquí reminiscencias del gran Syd Barrett en la forma en la que Arthur Lee va describiendo su vida cotidiana en la ciudad de los Ángeles combinando imágenes perturbadoras con otras más naif y otras más rutinarias, en las que se incluyen accidentes de tránsito, ambulancias, una madre comprándoles a sus hijos soldaditos de juguete, comer chicle, comer helado, hacer juegos de palabras un tanto infantiles o las más rutinarias que uno se puede imaginar, como despertarse de la cama en un día más en el que te esfuerzas por hacer lo mejor posible, lo que convierte a Arthur en el equivalente gringo de Syd Barrett, pues ambos son grandes compositores y ambos usan al menos de forma parcial los mismos recursos literarios para sus letras, aunque Arthur Lee puede llegar a ser más oscuro y perturbador. Por otro lado, la música incluye algunas ligeras influencias hindúes en algunas partes e incluso las partes de guitarra que están tocadas por Johnny Echols llegan a sonar parecidas a una cítara, mientras que los que están tocando son The Wrecking Crew de nuevo. Extraordinario tema.

Llega otro tema de Bryan MacLean, esta vez Old Man, una preciosa balada romántica de folk con una de las letras más poéticas que he leído, en la que Bryan toca la guitarra acústica y canta con su voz de tenor lírico-ligero, la cual también es una voz más cercana a un crooner que a un cantante promedio de rock o folk, mientra que lo acompañan Ken Forssi en el bajo y Michael Stuart-Ware en un suave acompañamiento de hi-hat, mientras que atrás hay una orquesta que adorna a este Magnum opus que me ha llegado a sacar las lágrimas.

Para este grupo es muy poco tener ya 4 obras maestras en un solo lado y Arthur Lee nos trae tal vez el tema más icónico del disco junto con Alone Again Or, The Red Telephone, el cual es un tema verdaderamente precioso de pop barroco que incluye, guitarra de 12 cuerdas y clavecín, mientras que Arthur Lee nos muestra su faceta más politizada e psicótica (en un sentido totalmente psicoanalítico) en la que usa su usual mezcla de imaginería naif con otra perturbadora en la que menciona temas escabrosos para su época y él termina definiéndose como un ferviente crítico con los nacientes movimientos estudiantiles que alcanzarían su auge en 1968, especialmente en Francia y lo que se conoció como "Mayo Francés", por su reivindicación de la perversión (que finalmente derivó en una tecnocracia distópica y totalitaria de una pequeña burguesía pervertida, lumpenizada e híper-moralista) y con el movimiento hippie también, así como también muestra su inconformidad con la guerra de Vietnam y la segregación racial que se vivía en su país natal, así como también muestra al final un excelente guiño a la lucha de clases marxista al citar la frase de la obra teatro de Peter Weiss Marat/Sade de 1963 "¡Somos todos normales y queremos nuestra libertad!" y a la Biblia con "¡Todos los hijos de Dios tendrán su libertad!". Obra maestra.

El lado B abre con Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale que contrasta con la ominosidad y el escepticismo de The Red Telephone, con una tonada alegre y movida de tintes flamencos con una letra críptica sobre las calles que fueron de alguna manera, una especie de equivalente angelino a las calles de Haight y Ashbury en San Francisco o a la calle de Carnaby en Londres, Inglaterra, pues era el lugar donde se expresaba la contracultura en los Ángeles y donde también estaba localizado el famosísimo Whiskey A Go-Go, también debo decir que una de las frases finales de la canción (que además tiene una estructura rarísima que la hace aún más críptica) me sonó sospechosamente hegeliana, pues básicamente lo que dice es: "La luna es una escena común en mi pueblo, aquí donde todos tienen la cara pintada de café y si no sentimos que esa no es la forma correcta, entonces vamos a pintar a todos de gris". Mientras que la interpretación del grupo es excelente y me llama la atención como Arthur Lee en su tendencia a cantar como crooner, termina acompañando a la trompeta en su solo. Excelente tema.

Live and Let Live es más pop psicodélico con letras que por momentos son perturbadoras y en otras muestran gran conciencia política por parte de Arthur Lee, pues aquí se podría decir que a pesar de que usa toda una imaginería naif para narrar una letra perturbadora que al mismo tiempo de hacer referencia a los colonos europeos vestidos de azul, hace también referencia al reclamo de los Indios por formar parte de la universalidad (o como dice Zizek, "nosotros también tenemos el derecho a ser malvados"), por lo que de alguna forma hace una especie de profecía sobre cómo los descendientes de los movimientos políticos de esa época agarrarían una actitud paternalista y políticamente correcta que básicamente ejerce un totalitarismo paralizante para que esas "minorías" que aparentan defender, no puedan entrar a su propia universalidad e igualmente Arthur llama a cuestionar el motivo por el que los líderes quieren escribir sus reglas en el cielo". Por otro lado, la música es de nuevo, magistral y tenemos a un Johnny Echols que suena mejor que nunca. Obra maestra.

En el número 9 tenemos a The Good Humor Man He Sees Everything Like This, que sigue la misma tendencia de Arthur Lee a escribir canciones con influencia de Burt Bacharach, por lo que esta es otra balada pausada y de aires románticos que va describiendo toda una imaginería colorida que incluye colibríes cantando, niñas peinadas de colas, carruseles y campos floridos en el verano, cuando termina la canción de forma perturbadora, mostrando algo horroroso que nadie podía ver: El Verano del Amor estaba podrido y pronto el movimiento hippie iba a sacar lo peor de sí, otra vez una especie de pensamiento hegeliano en donde todo lo que tiene el potencial de volverse algo excelente termina convirtiéndose en una pesadilla. Magistralmente enfermo.

Bummer In The Summer es tal vez el tema más estándar en su composición de todo el disco, pues es un tema de psicodelia un tanto "countryficada" similar a Plastic Fantastic Lover de Jefferson Airplane en el que también se incluye influencia del talking blues, y de nuevo Arthur Lee muestra su escepticismo con el movimiento hippie y el Verano del Amor: ¡No hay nada de emancipador en ello, lárguense con sus perversiones a otro lugar, escorias totalitarias!

Para cerrar con broche de otro tenemos uno de los mejores cierres de la historia de la música popular, You Set The Scene, un tema que de nuevo tiene la influencia de Bacharach presente y también es aquí donde escucho algo reminiscente a lo que alguna vez dijeron los Beatles que querían que fuese el Sargento Pimienta, pues aquí abundan esas trompetas y orquestaciones que tenía en mente Paul McCartney cuando llegó a los estudios Abbey Road con el concepto del Sargento Pimienta, por otro lado, la canción está compuesta como una mini-suite de 4 movimientos, mientras que las letras de nuevo son crípticas y según lo que he leído se tratan de una serie metáforas sobre los viajes de LSD, por lo que es una letra difícil de entender, pero que tiene mucha poesía como es común en las letras de Arthur Lee. Obra maestra sin ninguna duda.

Solo quiero comentar un par de temas extra de la edición del 2018 para terminar:

Wonder People (I Do Wonder) es otro tema que muestra de nuevo la admiración que tenía Arthur Lee por Burt Bacharach, que incluso los metales incluidos aquí suenan a lo mejor de dicho compositor, esto es pop del brill building del más alto nivel, es una lástima que no se incluyera en el Forever Changes.

Your Mind and We Belong Together es pop psicodélico de filigrana con un sonido guitarrero, movido y un tanto rockero, pero con la misma finura y calidad compositiva del Forever Changes, aunque al final termina volcándose al rock ácido más guitarrero en donde Johnny Echols de verdad brilla y es donde uno puede entender como es que terminó convirtiéndose en un guitarrista de jazz justo cuando salió de Love poco después de lanzar este sencillo, por otro lado, es una lástima que esta alineación nunca pudiera juntarse, pero hubiese sido una maravilla que hubiesen acabado de grabar ese cuarto disco que traían en mente. Obra maestra.

Este no es solo un disco imperdible, sino que es un álbum obligatorio en cualquier colección de quien tenga las agallas de hacerse llamar "conocedor".

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Them - Discografía (1968-1970) y Truth - Truth of Them and Other Tales (1969-71)

Hace 10 años y 7 meses, publiqué la discografía de este grupo irlandés en su etapa post-Van Morrison, sin embargo, a este repost se le sustituyó un disco, ya que el álbum Belfast Gypsies, según la información que encontré, fue grabado por un grupo fraudulento que incluso tuvo problemas legales con Van Morrison y Alan Henderson por usar el nombre de "Them" y aún así lograron grabar todo un disco entre 1965 y 1966 que salió hasta el verano de 1967 exclusivamente en Suecia, cuando este grupo ya estaba disuelto y los Them originales no solo tenían una nueva alineación, sino que ya estaban restablecidos en Estados Unidos y grabando lo que sería su primer disco sin Van Morrison, por lo que decidí sustituir el disco de los Them espurios por el disco de los ex-miembros de la alineación psicodélica que se llamaban Truth y grabaron un disco en 1969.

Todos los discos están en FLAC, el homónimo de 1969 es un ripeo del vinilo original en 24/96, por lo que pesa más, todos los saqué de distintas fuentes que estarán acreditadas en el JustPaste de los enlaces.

En 1967, después de varios fracasos que tuvieron después de sus más grandes éxitos, los Them decidieron separarse pero no por mucho tiempo, pues el bajista Alan Henderson, que co-lideraba al grupo junto con el ahora solista Van Morrison, se quedó con el nombre de "Them" y decide reformarlo junto con el guitarrista Jim Armstrong (quien ya había estado en otra alineación del grupo), el tecladista y flautista Ray Elliot (quien también ya había estado en otra alineación), el baterista Dave Harvey (otro antiguo miembro) y el vocalista Kenny McDowell, esta vez el grupo resurge en el formato de la psicodelia y pronto son invitados a Estados Unidos por el productor Ray Ruff, quien se ofrece a producirles un sencillo a finales de 1967.

En Enero de 1968 sale Now-And "Them", disco que muestra al grupo en transición de su viejo garage rock y rhythm and blues a la psicodelia y que incluye la obra maestra Square Room, pronto, luego de hacer algunas giras por Texas y otros lugares de Estados Unidos, Ray Elliot decide salirse y regresarse a Irlanda del Norte, donde terminaría formando parte del grupo de folk psicodélico Trader Horne, formado por uno de los ex-miembros de los Them espurios y la primera vocalista de Fairport Convention Judy Dyble, de mientras, los Them hacen su completa transformación a la psicodelia con Time out! Time in for Them que es una mezcla entre rock ácido blusero, pop psicodélico y música clásica de la India.

En 1969, descontentos con la mala administración de Ray Ruff, Armstrong y McDowell se salen del grupo, regresando a Belfast en donde tocarían por un breve tiempo como Sk'Boo, pero pronto regresarían a Chicago y formarían Truth con el bajista Curtis Bachman y el baterista Reno Smith, que básicamente continuaron con el mismo sonido que se escuchó en los discos de los Them, mientras tanto Henderson se quedó con Ruff y recluyó a músicos de sesión, entre ellos al guitarrista Jerry Cole, así como también al guitarrista Jim Parker y al baterista John Stark, con quienes graba un par de álbumes en 1969 y 1970, editados por la disquera angelina Happy Tiger, en los que se muestra ahora a unos Them transformados en un grupo de heavy psych, y al no tener éxito, terminaron separándose en 1973.

Now-And "Them" (1968)

Now-and "Them" es el primer disco de los Them sin Van Morrison, sustituído por Kenny McDowell, y el tercero en la discografía oficial del grupo, grabado a finales del 1967 y lanzado en Enero de 1968.

Now-and "Them" es el disco que da inicio a la etapa psicodélica del grupo, sin embargo, aún sigue siendo un disco transitorio, pues aunque el material está mayormente influenciado por la psicodelia, aún se puede encontrar mucha variedad estilística, además de varios covers, por lo que podremos encontrar temas de pop psicodélico, blues, rhythm and blues, soul, garage rock y raga rock, mostrando un carácter similar a lo que significaron Rubber Soul para los Beatles o Aftermath para los Rolling Stones, sin embargo, hay ciertas irregularidades que impiden que este disco se convierta en una obra maestra completa, sin embargo, es el disco que les abrirá las puertas a algo todavía mejor.

El disco empieza con I'm Your Witch Doctor, un clásico tema de John Mayall y los Bluesbreakers el cual es un blues rock bastante movido y al cual el grupo no le hace gran modificación más que el inicio cuasi-tribal y algunas pequeñas partes de fuzz. Temazo.

What's The Matter Baby es otro cover, esta vez de la cantante Timi Yuro (quien poseía un registro de contralto bastante andrógino que le hizo ganarse el apodo de "la muchacha chiquita con voz gigante"), que además de todo, también sería grabada por los Small Faces en 1965. Se trata de un tema de soul bastante popero con metales que suena completamente sesentero. Temazo.

En el tercer tema tenemos a Time Machine, que fue escrita por la cantante y compositora de jazz Teri Thornton para el grupo y se trata de otro tema de soul pop con metales aunque con tinte más psicodélico. Muy buen tema.

Para el cuarto tema tenemos la obra maestra del disco: Square Room, un tema de raga rock que está instrumentado en la forma tradicional de una canción de rock con el extra de una flauta y violines, la cual fue inspirada por los Doors, quienes un año antes les habían abierto e incluso un caballeroso y cortés Jim Morrison se subió con ellos a palomear su clásico Gloria (que después sería grabado por los Doors), por lo que Square Room guarda muchas similitudes con The End, sin embargo, no se puede decir que sea copia de ese tema, al contrario, es un tema muy original y una de las mayores obras maestras del género junto con todas las contribuciones al subgénero de George Harrison con los Beatles, los Yardbirds, los Animales, Spirit, The Beat of The Earth, los Byrds, Quintessence, entre otros.

You're Just What I Was Looking For Today es una composición de la pareja Gerry Goffin y Carol King, quienes combinaban perfectamente lo comercial con lo refinado, melodioso y de gran calidad. Este tema fue versionado por gente como los Everly Brothers, Status Quo, The Yellow Payges y también los Them. Por otro lado, la canción es un sunshine pop psicodélico con metales que no sonaría completamente fuera de lugar en un disco de los Turtles o algún grupo del estilo. Temazo.

Dirty Old Man (At The Age of Sixteen) es un tema compuesto por Tom Lane (conocido por haberles compuesto temas a gente como las Mamás y los Papás, Cass Elliot y demás), la cual está hecha en una especie de mezcla entre garage rock y pop psicodélico sesentero con el riff de Gloria repetido todo el tiempo, lo que me pareció una medida innecesaria teniendo en cuenta que los Them tenían mucho más que ofrecer que esa canción, pero en fin, muy buen tema.

Nobody Loves You (When You're Down and Out) es un estándar del blues escrito por Jimmy Cox en 1923 popularizado por la gran Bessie Smith y versionado por miles de artistas a lo largo de los años, la versión de los Them tiene algunos ligeros cambios en la letra, el más notorio, haber cambiado "knows" por "loves" e igualmente algo que quiero destacar es la emotiva interpretación de Kenny McDowell, el cual le añade mucho carácter con su ronca voz. Extaordinaria.

Walking In The Queens Garden es otra de las tres obras originales del grupo presentes en este disco, la cual se podría definir como una canción típica de psicodelia británica primigenia que guarda mucha similitud con las primeras incursiones de los Yardbirds en el estilo e incluye un solo de guitarra fuzzeada con influencia hindú que simplemente suena excelente. Excelente.

I Happen To Love You es otra composición de la pareja Goffin/King, la cual fue grabada por numerosos grupos de la época, entre ellas la más destacada es la de los Electric Prunes que incluyeron en su segundo disco de 1967, sin embargo, mientras que originalmente fue concebida como una balada psicodélica, los Them la convierten en un garage al estilo de los Troggs -Wild Thing- pero con la inclusión de piano, metales y flauta. Temazo.

El disco cierra con un casi broche de oro con el medio tiempo Come To Me, la última de las 3 composiciones originales del grupo presentes en el álbum, que es un tema de pop psicodélico completamente comercial y romántico que incluye órgano, buenos coros, flautas, metales y un Kenny McDowell que suena muy bien. Temazo.

A pesar de ser un álbum transitorio que todavía incluye reminiscencias de su pasado con Van Morrison, por lo que no es un disco completamente psicodélico, sin embargo, ya se nota en la mayor parte de las canciones esta influencia y eso serviría como la semilla que finalmente daría como fruto lo que vendría después.

Time out! Time in for Them (1968)

Time out! Time in for Them es el segundo disco de la etapa psicodélica de la banda y el cuarto en la discografía general, aquí quedan reducidos a un cuarteto, ya que el tecladista y flautista Ray Elliot se había salido del grupo para regresar a Belfast, Irlanda del Norte, por lo que los Them toman una postura mucho más guitarrera y psicodélica en la que las canciones de rock ácido de base blusera están adornadas por un fuzz verdaderamente lisérgico, así como también hay canciones de pop psicodélico con influencias de jazz, folk y waltz y canciones de raga rock con cítara, tablas, tambura, címbalos, etc. Lo que hasta la fecha sigue siendo motivo de crítica para los fans puristas del grupo que alguna vez lideró Van Morrison, sin embargo, para los aficionados de la psicodelia, este disco es una de las mayores obras maestras olvidadas del subgénero -incluyéndome-, por otro lado, la mayor parte de las canciones están compuestas por la pareja Tom Lane/Sharyn Pulley, sin embargo, el grupo tiene un par de composiciones, una que comparte con la pareja y otra que está atribuida únicamente a ellos y otra que está compuesta por Don Dunn y Tony McCashen. 

Time out! Time in for Them huele a incienso, flores, patchouli y hachís así como también remite a mantas hindúes, luces fluorescentes y estroboscópicas, ropas coloridas y demás, es decir, es un disco que transpira a los 60's en cada uno de sus surcos, lo que a muchos "expertólogos" (les digo así porque en un programa solían burlarse de las secciones de "expertos" de los noticieros o programas de televisión) no les gustará, ya sea por su estúpido intelectualismo que no pueden aceptar nada que no sea "innovador" o "transgresor" o simplemente porque se les hace demasiado viajado y no le entienden, sin embargo, para los que gustamos de la psicodelia más ácida nos será toda una experiencia placentera.

 El disco abre con el tema casi homónimo Time out for Time In que es un pop psicodélico waltzeado bastante etéreo que incluye cítara también y unos coros completamente lisérgicos que recuerdan al mejor Strawberry Alarm Clock o incluso a Spirit. Obra maestra.

She Put a Hex on You es rock ácido blusero con fuzz omnipresente por parte de Jim Armstrong, una sección rítmica omnipresente, algunos efectos de vibrato extraños y un Kenny McDowell que suena más viajado que nunca, dándonos una buena lección de cómo debieron haber sonado los discos de Cream en estudio sin la blanda producción que tuvieron. Obra maestra.

Bent over You sigue con la misma línea del anterior, pero esta vez se incluye una guitarra rítmica con wah-wah, armónica y un McDowell que suena entre que está viajando en ácidos y está teniendo un orgasmo e igualmente los ecos de Cream, los Animals o los Yardbirds se hacen notar, este es uno de los dos temas del disco donde aparece el grupo como autor de la canción. Obra maestra.

Waltz of The Flies es pop psicodélico waltzeado al igual que el tema que abre al álbum pero sin cítara, así como también forma parte de la trilogía de canciones que hablan de artrópodos, esta es la primera que menciona a las moscas desde su título. Obra maestra.

Black Widow Spider está a medio camino entre el pop psicodélico y el raga rock, el cual incluye un trabajo magistral de cítara por parte de Armstrong y un excelente trabajo vocal de McDowell, y es el segundo tema de la trilogía de los artrópodos, esta vez hablando de la viuda negra. Obra Maestra.

We've All Agreed To Help es un tema de folk pop psicodélico que tiene guitarra rítmica acústica, guitarra de 12 cuerdas eléctrica, piano y buenas armonías vocales. Este tema no quedaría fuera de lugar en un disco de The Yankee Dollar, The Art of Lovin' o incluso de los Morning Glory, pues este era el estilo que manejaban aquellos grupos e incluso esas armonías vocales me recuerdan muchísimo a las de esos grupos, aunque sin las voces femeninas. Temazo.

Market Place suena a los Yardbirds en su periodo psicodélico e incluso el fuzz de Armstrong recuerda muchísimo al de Jeff Beck, por lo que no dudaría que este tema estuviese inspirado totalmente en aquel grupo inglés. Temazo.

Por fin hemos llegado al mejor tema del disco: Just One Conception, el cual es un tema completamente hindú incluso en su instrumentación, pues aquí hay cítara, tambura, tablas y címbalos, además de que la composición tiene una estructura de mantra, lo que sin lugar a duda hace de este tema, música de hare krishnas secularizada, ya que en efecto suena a eso, a los mantras de los templos de los krishnas pero con letras en inglés referentes a la experiencia psicodélica, por lo que me atrevo a decir que esta es posiblemente la mejor canción compuesta por los Them por mucho. Obra maestra de principio a fin.

Young Woman es psicodelia sesentera a más no poder que incluye un riff de guitarra de 12 cuerdas, fuzz, efectos de estudio y una atmósfera que suena propia de una fiesta hippie. Extraordinario.

The Moth suena al mejor Love combinado con algo de instrumentación griega (¿Bozouki?), algunos arreglos de cuerdas, también algo de guitarra fuzzeada y una composición muy fina y delicada. Obra maestra.

But It's Alright cierra con broche de oro este disco, el cual vuelve al rock ácido de base blusera con fuzz asesino, excelente sección rítmica y un vocalista que se desgañita al mejor estilo del soul y el rhythm and blues, además de que este tema está al nivel de lo mejor de Hendrix o Cream. Obra maestra.

De temas extra se incluyen las versiones de los sencillos de Square Room y Dirty Old Man, además del sencillo con las canciones Corrina y Dark Are The Shadows, por lo que las comentaré a excepción de las versiones recortadas de las mismas que salen en el Now-And Them:

Dirty Old Man suena mejor aquí que en el disco, pues es mucho más cruda, garagera y psicodélica, mientras que la del disco suena más popera y refinada, además de que incluye ciertas partes de guitarra fuzzeada que suenan excelentes y un final que al parecer incluye tablas.

Square Room en la primera versión del sencillo suena más orgánicas y los violines suenan mucho más, además de que Jim Armstrong improvisa sus líneas de guitarra y Kenny McDowell suena un poco tímido aquí, por lo que pienso que aquí la versión del LP es mejor, sin embargo, no deja de ser una obra maestra.

Corrina es un cover del clásico del gran Taj Mahal que está tocada en una especie de country blues psicodélico que incluye cítara eléctrica, guitarra eléctrica normal y un solo de guitarra acústica, sobre el que canta no estoy seguro de quién sea, pero cumple bastante bien, aunque a mi gusto no acaba de superar a la versión de Stoned Circus. Temazo.

Dark Are The Shadows suena entre country rock y rock ácido sanfranciscano que incluye guitarra de 12 cuerdas y buenos solos de guitarra. Muy buen tema.

Time out! Time in for Them es sin duda alguna una obra maestra perdida del rock ácido, un disco que tenía el potencial de convertirse en un clásico, no obstante, los malos manejos que hizo Ray Ruff como representante llevaron al grupo a pasar completamente desapercibido, sin embargo, este álbum ha sobrevivido a su tiempo y ha logrado tener un seguimiento de culto por parte de los aficionados de la psicodelia rara.

Truth - Truth of Them and Other Tales (1969-71)

En 1969, la nueva alineación de los Them se separó gracias a los malos manejos del representante Ray Ruff, por lo que todos regresaron a Irlanda y pronto Ray Ruff le habló al bajista Alan Henderson para que regresara a Estados Unidos para grabar dos nuevos discos bajo el nombre de Them, mientras que Jim Armstrong y Kenny McDowell tocaron por un breve tiempo con el nombre de Sk'Boo, pero pronto recibirían una oferta de un representante de Chicago para que crearan un nuevo grupo al que llamaron Truth, el cual terminó siendo completado por el bajista Curtis Bachman y el baterista Reno Smith, pronto se meterían a grabar una triada de temas para el soundtrack de una película junto con otros tres para un posible disco para Epic Records, pero los planes nunca se concretaron, el grupo terminaría separándose en 1970.

Las canciones de este disco fueron grabadas entre 1969 y 1970, pero las cintas fueron descubiertas hasta 1993 y no fueron editadas hasta 1996 con el nombre de Truth of Them and Other Tales.

El estilo de Truth es el mismo rock ácido que venían practicando los Them antes de su segunda separación, pero enriquecido con más influencias tanto de la costa oeste como el underground británico, por lo que al mismo tiempo que hay influencias de Grateful Dead y Quicksilver Messenger Service, también las hay de Traffic e igualmente noto ecos de Mighty Baby, Spirit, el Ritual y los Dug Dug's, por lo que estamos ante un disco de rock ácido guitarrero, melódico e inteligente que tiene buenos jams e incluye también elementos de raga rock, jazz, blues, por lo que hay flautas, cítaras, tamburas, tablas y demás instrumentos. Por otro lado, a pesar de que aquí estamos con un grupo verdaderamente magistral con canciones sublimes, la producción no me encantó, lo que me hace suponer que estas canciones simplemente fueron grabadas pero nunca recibieron ningún tratamiento apropiado, sin embargo, son las únicas grabaciones disponibles de este grupazo.

 

El disco empieza con Music is Life que suena al mejor Grateful Dead, es decir, al de la época psicodélica, incluso la ejecución de cada uno de los integrantes está al nivel de aquel grupo sanfranciscano, por lo que aquí tenemos junto con Mighty Baby, Man, Help Yourself, Crystalline/Axe, Dogfeet, entre otros, otro grupo británico que de verdad interpretó al sonido de San Francisco de forma magistral. Joya.

Le sigue 6 o' Clock Alarm empieza como un tema de pop psicodélico que incluye un poco de guitarra con slide y clavicémbalo que pronto termina derivando en un jam al estilo de Grateful Dead que incluye un solo de bajo ejecutado por Curtis Bachman y una guitarra con wah-wah viajadísima, dejando en claro que eran unos músicos de muchísimo nivel y que debieron haber sido muy populares. Obra maestra.

Mysterios es la viajada introducción para Music from Big Puce que es una especie de pop psicodélico con una estructura compleja que incluye un acompañamiento de guitarra psicodélica repetitiva con wah-wah, excelentes armonías vocales y un solo con slide. Extraordinario tema.

Country Funk es una breve introducción de bluegrass con armónica que da paso a Blackboard Words que esta vez suena al Grateful Dead de la época del Workingman's Dead y el American Beauty, lo que me hace estar casi completamente seguro de que este tema fue grabado en 1971, y básicamente se trata de una balada de country rock que curiosamente es muy buena, a pesar de que ese estilo no sea el que especialmente me fascine.

Sonic Sitar tal vez no necesita ser explicado, teniendo en cuenta el título, como sea, es un tema de raga rock que suena como una canción descartada del Time out! Time in for Them, sin embargo, tiene 2 diferencias mínimas, pero notorias, una de ellas es que es un tema instrumental y la otra es que aquí no hay tablas, ni tambura, sino algún tambor más común, guitarra y sí, también hay cítara y címbalos. Obra maestra.

High suena a otra canción descartada del Time out! Time in for Them, es decir, es un tema que mezcla el pop psicodélico con el rock ácido, el cual incluye excelentes armonías vocales, fuzz asesino, guitarra rítmica acústica y ciertas partes jazzeadas que curiosamente recuerdan a Quicksilver Messenger Service -Gold and Silver- e igualmente noto ecos de los Yardbirds y de la primera alineación de los Dug Dug's. Obra maestra.

Archimed's Pad es básicamente una versión instrumental y de jam de Square Room, que curiosamente suena todavía más parecido a The End de los Doors o incluso a Wind Chimes de Mad River que la versión original de los Them.

En el número 10 tenemos un tema llamado Getting Better, que por supuesto, nada tiene que ver con el de los Beatles, pero como sea, aquí suenan como una combinación del sonido de los Them con el de Truth, por lo que hay atmósferas de pop psicodélico combinadas con rock ácido sanfranciscano que recuerda a China Cat Sunflower de Grateful Dead. Excelente.

Circle 'Round The Sun es una balada de pop psicodélico que empieza con unas campanas extrañas y que en general tiene una atmósfera muy etérea. Excelente.

Ride The Wind es psicodelia jazzeada con la flauta transversa como instrumento principal que si bien recuerda a Traffic, igualmente suena a la psicodelia mexicana de la época de Avándaro, pues bien pudo haber sido firmada por Armando Nava de los Dug Dug's, Frankie Barreño del Ritual, la Revolución de Emiliano Zapata o incluso Manuel Olivera de los Spiders, lo único que no me encanta es que al parecer fue grabada como un demo o en vivo, por lo que la calidad de sonido no es muy buena, sin embargo es toda una obra maestra.

Castles In The Sand suena a lo que estaban haciendo grupos como Bulldog Breed -Austin Osman Spare- o Traffic, es decir, pop psicodélico con flauta, ejecutada por Ray Elliot, también ex-Them, aunque igualmente hay un solo por parte de Jim Armstrong (quien curiosamente fue votado como el tercer mejor guitarrista del mundo justo después de Jimi Hendrix y Frank Zappa y con buenas razones). Obra maestra.

Para cerrar con broche de oro tenemos October '68 (The Tears That You Cry) el cual tiene una introducción viajada que no sonaría fuera de lugar en los dos primeros discos de Pink Floyd o en el Their Satanic Majesties Request de los Rolling, para después convertirse en otra canción de pop psicodélico con flauta, aunque después termina convirtiéndose en una psicodelia oscura en la parte del solo de guitarra. Joya.

Si les gustaron el Now-and "Them" y el Time out! Time in for Them, no pueden perderse este disco.

Them (1970)

En 1969, después de la segunda separación de los Them que fue básicamente consecuencia de la mala administración de Ray Ruff, el bajista y miembro fundador Alan Henderson había regresado a Irlanda y Ray Ruff le pidió que regresara a Estados Unidos para grabar 2 discos bajo el nombre de Them para la pequeña disquera Tiger Lily, ubicada en los Ángeles, California, por lo que Henderson se vió obligado a hacer una alineación provisional con el guitarrista de sesión Jerry Cole -que también se encargó de parte de la voz principal, de algunas composiciones y otros instrumentos durante la grabación-, el baterista y cantante John Stark y el guitarrista Jim Parker -quienes no aparecen acreditados en el disco, pero se cree que participaron-, para grabar la tercera entrega de su periodo psicodélico y el quinto álbum de la discografía general del grupo, el cual salió en ese mismo año y básicamente muestra a los Them convirtiéndose en un potente, crudo y áspero grupo de heavy psych donde la guitarra fuzzeada de Cole cobra protagonismo.

El disco fue editado en Febrero de 1970, aunque grabado a fines del año anterior, justo cuando Alan Henderson fue convocado por Ruff para reformar al grupo y grabar 2 discos más.

Them es en general un disco de heavy psych hecho y derecho, sin embargo, también incluye breves momentos de country rock, algunas ligeras influencias del raga rock de la alineación anterior, algo de garage rock, rhythm and blues y hasta algunas baladas de corte más pop, por lo que a pesar de ser un disco enfocado mayormente en un solo estilo, no está peleado con otros.

El disco inicia con I Keep Singing, escrita y cantada por Jerry Cole -quien poseía una voz aguda y rasposa, perfecta para el heavy psych que estaba tocando el grupo en este tiempo-, básicamente es un tema de psicodelia pesada guitarrera que también incluye algunos ligeros elementos santanescos, por lo que es un tema curiosamente muy original para su tiempo y muy prendido que además de todo incluye una letra que llama a la gente a bailar y cantar con su "rock ácido" (sí, así le llamaban de forma genérica a todo lo que no fuera psicodelia estándar, aunque ahora sabemos que el verdadero "rock ácido" es en realidad mucho más cercano a la psicodelia estándar que a este subgénero áspero, sucio y pesado que desde los 90's se conoce como "heavy psych", incluso si la Wikipedia insiste en lo contrario). Temazo.

Lonely Weekends es una canción del cantante de country y rockabilly Charlie Rich, la cual está interpretada al estilo de Gloria, sin embargo también escucho cierta influencia de los Rolling Stones cuando volvieron al rhythm and blues -Jumpin' Jack Flash- y también incluye algo de fuzz en el fondo. Muy buen tema.

Take A Little Time, escrita por Roel Johnson de The Collage -un grupo de sunshine pop-, es posiblemente el tema más de relleno de todo el disco, pues básicamente es un country rock muy típico de la época y bastante comercial, lo que me hace tener la impresión de que lo grabaron más que nada para aumentarle la comercialidad al disco y así los pervertidos ejecutivos de la industria discográfica aceptaran lanzar el disco del grupo.

You Got Me Good es tal vez el tema que más recuerda a la alineación anterior por su coqueteo con el raga rock, pero a pesar de eso, sigue siendo un tema muy original, especialmente porque ese toque exótico se volvió especialmente raro para el heavy psych, que solía tener un mayor énfasis en una estructura mucho más cercana al hard rock que a la psicodelia ácida o a la experimental, además de que el registro de voz de Jerry Cole, que era de tenor lírico-ligero, tiene cierto acento exótico y peculiar que hace que este tema suene aún más original y eso sin mencionar que su uso del fuzz es magistral al igual que en los discos exploitation que grabó antes con The Animated Egg, The Id, The Generation Gap, 101 Strings, entre otros. Obra maestra.

Jo Ann suena como a una versión más ligera y garagera de Bolder Damn, es decir, esto es heavy psych con cierta influencia del último rock and roll cincuentero -especialmente se escuchan similitudes con temas como Oh Charlena de The Sevilles, que anacrónicamente aparece en película la Bamba de 1987, ambientada en los 50's-, en el que Henderson hace un gran trabajo en el bajo y Cole suena brutal, casi en los niveles de Blue Cheer o Frijid Pink. Temazo.

Memphis Lady -otra composición de Jerry Cole- suena a una combinación entre los Rolling Stones de 1968-69 con el nuevo sonido de los Them, que es una combinación que no suena para nada mala y funciona excelente, además de que la voz de Jerry Cole combina perfectamente. Temazo.

In The Midnight Hour de Wilson Pickett sigue sonando a soul pero combinado con los agresivos power chords y solos fuzzeados de Jerry Cole, lo que le da puntos al grupo de nuevo por originalidad y por sus arreglos que no son nada bombásticos, pero sí enérgicos y bailables. Muy buen tema.

Nobody Cares es otro tema más o menos flojo, aunque más interesante que Take A Little Time, ya que también suena a country rock bastante estándar, aunque la destaco por el trabajo de guitarra slide.

I Am Waiting es una canción de la dupla Jagger/Richards (tal vez de lo mejor que hicieron), la cual está interpretada más como una balada de soft rock comercial que estoy seguro que no sonaría fuera de lugar en una estación como la desaparecida Universal Stereo, además de que la interpretación de Jerry Cole en la voz es curiosamente muy buena, mostrando que no solo podía cantar de forma áspera, sino que también podía cantar baladas más suaves. Obra maestra.

El disco cierra con Just a Little que suena a una combinación del nuevo sonido del grupo con folk pop sesentero (algo así como The Letter de los Box Tops), los arreglos, la guitarra, la sección rítmica y la interpretación vocal son todos excelentes. Excelente cierre.

Aunque no es un disco perfecto y se trata de la primera incursión del grupo en el heavy psych, es un álbum excelente, que gana puntos por el excelente trabajo de Jerry Cole, que además de ser un excelente guitarrista, su uso del fuzz es especialmente interesante e igualmente la originalidad de la ejecución del grupo e incluso de las composiciones hacen que esta placa sea un trabajo esencial.

Them In Reality (1970)

La nueva alineación de los Them ahora sí queda consolidada como un potentísimo power trio de heavy psych. Algo que también hay que notar es que aquí ya no participa Jerry Cole, por lo que ese puesto es tomado por el guitarrista y cantante Jim Parker que junto con el baterista John Stark, quienes venían de un grupo texano relocalizado en los Ángeles, California llamado Armageddon (los cuales sacaron un disco muy interesante a principios de 1970, el cual sonaba como una combinación entre Grateful Dead y Cream), comparten la autoría de la mayoría de las canciones, por lo que estamos ante el primer trabajo del grupo desde 1966 en donde la mayor parte de las composiciones no fueron hechas por algunos compositores externos para que las tocaran ellos, sino que aquí se escucha un disco hecho por un grupo bien cuajado que no solo se dedica a tocar, sino a hacer sus propias composiciones y el único cover que aparece realmente es Baby Please Don't Go. Una lástima que este fuera el último disco que sacaran hasta 1979, cuando se reformaría el grupo con una combinación de ex-miembros y nuevos integrantes.

Them In Reality salió en Septiembre de 1970, editado también por la disquera Happy Tiger.

Them In Reality es un disco de heavy psych genuino que a pesar de no tener mucha producción y suene bastante lo-fi, es un álbum muy disfrutable y que muestra a un grupo que aún estaba en forma y tenía potencial de seguir grabando discos interesantes, sin embargo, la falta de ventas los terminó alienando de la industria discográfica y su fijación tecnocrática por el country rock y el rock sureño. Por otro lado, el álbum suena crudo, sucio, áspero y directo, no muy distinto a grupos como Grand Funk (primeros discos), Zekes, Bolder Damn, Morly Grey, Sainte Anthony's Fyre, James Gang (con Joe Walsh) o Frijid Pink, por lo que a pesar de que tiene toda la estética underground que incluye una producción precaria y un sonido más propio del underground gringo de la época, sin duda las canciones tienen ese tinte de "comercialismo", es decir, tienen esa parte pegajoza que bien las pudo haber convertido en hits medianos o al menos en canciones que fácilmente pudieron haber sido reproducidas en las estaciones de radio de FM de la época, ya que incluso se escucha un ligero tinte de country rock al estilo de CSN&Y -que incluye buenas armonías vocales- en algunos temas.

El disco inicia con una recreación de Gloria en versión de heavy psych funkeado que incluye fuzz y wah-wah, no muy distinto a lo que estaban haciendo Grand Funk en el Álbum Rojo o al único sencillo de los angelinos Zekes, también hay que mencionar que la voz de John Stark suena igual de áspera que la de Jerry Cole, pero menos aguda y más melódica, además de que la guitarra de Jim Parker suena asesina, como debe sonar la guitarra en el heavy psych. Temazo.

La nueva versión de Baby Please Don't Go me suena mejor aquí, no solo porque suene a heavy psych, sino que incluye un jam guitarrero con wah-wah que suena brutal y extiende al tema a casi 5 minutos, llevándola al paraíso psicodélico, incluso me atrevo a decir que la forma de tocar de Jim Stark me recuerda aquí a la de John Cipollina, por lo que no dudaría que el grupo haya tomado nota de los shows que solía dar el grupo antes de que se saliera Gary Duncan y de los primeros 2 álbumes. Obra maestra.

Laugh al mismo tiempo de sonar cruda y sucia (o lo que inglés llaman "woolly" y es por este tipo de producción lo-fi que suena así), suena melódica y comercial, lo que me hace pensar que lo que algunos suelen afirmar de que el heavy psych solo pudo quedarse en el underground por falta de "atractivo comercial" en las canciones es una completamente mentira, pues aquí tiene todo lo "amigable" que también tenían James Gang en ese momento, por lo que este tema tiene potencial comercial e igualmente me trae a la mente a los grandes Top Drawer y a Bolder Damn. Obra maestra.

Let My Song Through tiene aires de country rock e incluso el comienzo sospechosamente me suena a Sweet Home Alabama de Lynyrd Skynyrd -¿Se habrán inspirado en este tema?- y unas excelentes armonías vocales que comparten John Stark y Alan Henderson que curiosamente me recuerdan a Morly Grey al igual que la guitarra de Jim Parker me suena similar a la de Tim Roller, además de que tiene cierto potencial comercial para que mínimo estuviese en un lugar relativamente alto de las listas de popularidad o fuese puesta en las estaciones de FM. Obra maestra.

California Man y Lessons of The Sea siguen con la misma línea del tema anterior, es decir, heavy psych con tintes de country rock, comercialismo y excelentes melodías, de alguna manera me recuerdan al Strawberry Alarm Clock que grabó dos temas para la película Beyond The Valley of The Dolls en el mismo año que salió este disco de los Them, e igualmente la guitarra de Jim Parker en Lessons vuelve a recordarme a un John Cipollina versión heavy. Excelentes temas.

Rayn vuelve al heavy psych funkeado que incluye buena voz, armonías vocales, gran melodía y un excelente trabajo guitarrero de Parker, aquí vuelven a recordar a Grand Funk, Zekes y James Gang. Temazo.

Back in The Country suena a una versión menos agresiva y underground de Bolder Damn, incluso las armonías recuerdan al debut de aquella banda originaria de Florida o incluso también recuerda al segundo disco de The Damnation of Adam Blessing, pero sin la batería y el bajo tan brutales. Temazo.

Can You Believe? cierra el disco con broche de oro, pues es una canción acústica en la tradición del folk psicodélico sesentero con cierta similitud a los texanos Christopher -Magic Cycles-, aunque sin la flauta, además de que incluye excelentes armonías vocales que curiosamente recuerdan a los Music Emporium. Obra maestra.

Them In Reality es un disco obligatorio para todo aficionado del heavy psych, especialmente del gringo, pues aquí básicamente tenemos todos los ingredientes importantes para satisfacer a los que les gusta el heavy psych y para que este disco llegase a tener aunque sea un lugar relativamente moderado en las listas de popularidad, no obstante, a este grupo le jugó la mala suerte y tuvieron que vivir bajo la sombra de su ex-vocalista Van Morrison, sin embargo, a pesar de tener una producción de baja fidelidad -cosa que a muchos no les suele gustar-, las canciones son extraordinarias, los músicos son impresionantes y una gran muestra de lo que los "expertos" presentes tanto en la industria musical como en los medios de comunicación se perdieron por no considerarlo "auténtico", por lo que aquí digo en voz alta: ¡LARGA VIDA A LOS THEM!

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