The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)

It was 50 Years Ago Today... Bueno no, el disco fue lanzado el 1 de Junio de 1967 en Inglaterra y al otro día en Estados Unidos, sin embargo, todo el mundo sabemos que este es posiblemente el mejor disco de la historia no solo del rock, sino de la música popular y que ha cumplido medio siglo de haberse lanzado.

El Club de la Banda de los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta representa según muchos críticos musicales, historiadores, periodistas y demás como la cumbre de la música psicodélica, un auténtico homenaje a Alicia en el País de las Maravillas, no solo por el diverso contenido musical que va desde el vodevil, la música de burlesque, la música clásica del norte de la India e incluso la música clásica del periodo barroco hasta diversos estilos de la música psicodélica como el pop psicodélico, el rock ácido y los inicios del heavy psych (mucha atención con Good Morning, Good Morning y las homónimas del álbum), sino por su colorida portada donde están presentes celebérrimos personajes como el todólogo u hombre del renacimiento (como le dice mi maestro, Fernando Ramírez) Aleister Crowley (el tipo hacía casi de todo, no solo magia de mil colores), el padre de la doctrina comunista Karl Marx y uno de los compositores más grandes de la música clásica contemporánea Karlheinz Stockhausen y donde por supuesto se da fin a todo atisbo de la primera época de los Beatles y aparecen tanto unas esculturas de cera que representan esa época donde estaban de gira y finalmente a los Beatles en aquel entonces vestidos con trajes militares coloridos y con bigotes, aquí hay un parte-aguas no solo en épocas del grupo, sino en toda la música popular contemporánea.

Y pues para hacer un poco de historia, vamos a hablar del contexto en el cuál se grabó el disco y lo que representó no solo en su momento, sino en la historia.

Era Agosto de 1966, los Beatles estaban fastidiados de esas fanáticas de la edad del pavo que se la pasaban gritando como estúpidas, habían tenido problemas en Japón, Filipinas y sobretodo en el retrógrada y conservador país de Estados Unidos, su disco Revolver (ya publicado por acá) acababa de salir y decidieron terminar las giras en el Candlestick Park de San Francisco, el 31 de Agosto de ese año.

Y bueno, en ese año la psicodelia ya estaba bien consolidada, grupos como Cream, los Byrds, los 13th Floor Elevators, los Blues Magoos, The Deep, Jefferson Airplane, los Electric Prunes, los Seeds, Love y Frank Zappa con sus Madres de la Invención ya andaban haciendo de las suyas, también estaban los grupos que aún no habían debutado como Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead, Big Brother and The Holding Company, Country Joe & The Fish, The Charlatans y demás que cobrarían relevancia en 1967 y 1968 respectivamente, además de que los Beatles ya estaban creando composiciones con atisbos psicodélicos desde el Rubber Soul de 1965 y ni se diga del Revolver donde la experimentación lisérgica está explícita.

En Septiembre del 66 decidieron darse un descanso y en este periodo que duró hasta Noviembre de ese año, John Lennon se fue a Almería, España a filmar una película dirigida por Richard Lester llamada How I Won The War y Ringo Starr lo acompañó, George Harrison se fue a la India a aprender a tocar la cítara y también a aprender sobre filosofía hindú y Paul McCartney se quedó en Londres junto a George Martin para componer, grabar y producir la música para la película The Family Way y poco después se fue de vacaciones a lugares como Kenya y Portugal.

John Lennon regresó a principios de Noviembre de 1966 y el día 9 de ese mes conoció a la artista vanguardista Yoko Ono en la Galería Índica, con quien se casaría en 1969, esta mujer (odiada por mucho pendejo) sería la que le daría un verdadero doctorado en cultura contemporánea a John Lennon, con esto John se convertiría en un hombre muy culto.

El 24 de Noviembre los Beatles regresan al estudio, tres estaban rasurados como siempre y Paul McCartney aparecía con bigote para ocultar las cicatrices que le dejaron un accidente de motocicleta que sufrió en la navidad de 1965 al querer ir a visitar a su primo y empezarían a grabar Strawberry Fields Forever, la cual Lennon compuso en España durante el rodaje de How I Won The War.

 

Cuando terminaron de grabar y mezclar Strawberry Fields Forever se fueron por una vieja composición de Paul McCartney al estilo del charlestón y del Vodevil de los años 20's, la cual compuso a los 16 años y llegó a tocar en varias ocasiones en los tiempos de la Caverna cuando sus amplificadores explotaban con la que improvisaba rimas para divertir a la gente mientras él la tocaba en el piano, sin embargo McCartney le hizo una letra como regalo de cumpleaños a su papá y la tituló When I'm Sixty Four y finalmente grabaron Penny Lane entre fin de año y principios del 67.

Los Beatles en Febrero de ese año lanzarían el primer sencillo con doble cara A con las canciones Strawberry Fields Forever y Penny Lane que estaban pensadas para un disco conceptual sin título que hablara sobre su juventud en Liverpool, sin embargo a insistencia de la EMI Parlophone tuvieron que lanzarlas en un sencillo y resultó ser que fue el primer sencillo Beatle que no llegó a los primeros lugares del Reino Unido gracias a una intrascendente canción de un cantante llamado Engelbert Humperdinck llamada Release Me que llegó al primer lugar, mientras que el sencillo del cuarteto llegó al segundo, sin embargo, ¿Quién carajos se acuerda de Release Me?, es más, Engelbert Humperdinck (como buen cantante plástico del momento) está olvidado, mientras que aún se sigue escuchando la limpísima y bellísima tonada de Penny Lane en el mundo en el mundo entero al igual que el otro portento de obra llamado Strawberry Fields Forever. Son obras tan trascendentales, innovadoras y frescas como la música de Mozart o de Bach.

En Enero de 1967 se empezaron a grabar y mezclar las canciones que terminarían en el disco original salido en Junio al igual que dos canciones que no se incluirían, Only A Northern Song de George Harrison que terminaría en la película Yellow Submarine del 68 y una pieza avant-garde llamada Carnival of Light que hasta la fecha no ha sido publicada, pero Paul McCartney ha asegurado en repetidas ocasiones que la quiere lanzar, pero que no ha obtenido el permiso ni de Ringo Starr, ni de las esposas de los Beatles difuntos. También cabe destacar que mientras estaba de viaje en Kenya, a McCartney se le ocurrió la idea de una banda imaginaria dando un concierto imaginario, sin embargo esto aún no tenía vida cuando empezaron a grabar el disco que aún no tenía título y que tenía la idea de hablar sobre la infancia de los miembros, sin embargo a mitad de la grabación llegó Paul McCartney con la canción Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y le explicó a George Martin que quería hacer el disco con un alter-ego donde ellos ya no fueran los Beatles y así es como tuvo vida el concepto del disco.

El 21 de Abril de 1967 se terminaría de grabar y mezclar las canciones y en menos de una semana terminaron grabando su siguiente placa que se tituló Magical Mystery Tour que fue acompañada de un surrealista y colorido filme para televisión. El álbum saldría el primero de Junio (aunque algunos digan que el 26 de Mayo) y ahí todo cambiaría para el mundo, sería el punto clave de la época psicodélica, el hippismo, la luminosidad, los pelos largos, las drogas alucinógenas, el pacifismo, la liberación sexual, las ropas multicolor y demás.

Y ahora sí, vamos al análisis musical:

Si Revolver es un disco implícitamente psicodélico y experimental donde cada canción es una obra maestra, el Sargento Pimienta es la cumbre de todo ello, no hay desperdicio en ninguna canción, ni siquiera en los temas "menores" como Lovely Rita, Getting Better y Good Morning, Good Morning, cada tema es memorable, trascendental, fresco, innovador y creativo.

El álbum inicia con la homónima, que tiene como introducción varios ruidos en homenaje al gran John Cage y finalmente entra una guitarra rugiente tocada por George Harrison la cual se asemeja de cierta forma a lo que estaban haciendo sus colegas Eric Clapton y Jimi Hendrix en aquel año, pero también tenemos aquí algunos atisbos de lo que hoy llamamos "heavy psych" que tiene como emblema a gente como Blue Cheer, Black Sabbath, Iron Butterfly, Hawkwind, Sir Lord Baltimore y Blue Oyster Cult, sin embargo, la gente se olvida que los Beatles, primeros en hacer esto y lo otro o lo que sea también aportaron su granito de arena en el desarrollo del hard rock, antes de su controversial Helter Skelter de 1968, también cabe destacar que esta banda imaginaria no solo tiene un buen par de potentes guitarras rocanroleras, sino una sección de metales y a un público imaginario estremecido con su desgarrador rock ácido y finalmente la Banda de los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta le da la bienvenida a Billy Shears (interpretado por Ringo Starr) con la canción With a Little Help From My Friends que es un exquisito tema de pop con una voz melancólica y que contiene cierta referencia no solo a una pequeña ayuda de los amigos del narrador, sino que también hacia el consumo de las drogas psicodélicas.

Y aquí se para el concepto para pasar a Lucy In The Sky With Diamonds, un tema inspirado por un dibujo del hijo de Lennon llamado Julian que le dedicó a su amiga y compañera de clases Lucy O'Donnell a la cual representaba como una niña volando en un cielo con diamantes. Esta canción, alta en su contenido psicodélico, es un auténtico homenaje a Alicia en el País de las Maravillas, una colorida locura sin desperdicio alguno. Muy poco después de haber salido, la BBC la censuró por supuestamente tener referencias al LSD. Sin embargo, aunque la letra sea un auténtico viaje ácido, hay que decir que los niños están tan fascinados por lo colorido y fantástico como un hombre bohemio, contracultural, psicodélico y hippie viajando por las galaxias de su mente, los niños van más allá de la razón y de la realidad, por eso es que cuando uno es niño es tan creativo cuando dibuja, pero también es tan difícil responderle cuando hace preguntas a los adultos.

Después sigue Getting Better que sigue dentro del canon sonoro del rock psicodélico, la cual refleja muy bien el pensamiento del verano del amor en sus letras, que van de acuerdo con el cambio gradual de un individuo que al principio era agrio, amargado, violento y machista con su mujer hacia un pensamiento optimista y utópico que estaría reflejado en el movimiento hippie concentrado principalmente en San Francisco, California.

Fixing A Hole, un tema que empieza a alejarse de tanto alucine y tiene como influencia el vodevil y la música de salón de Inglaterra, sin embargo se escucha ahí una guitarra distorsionada y lisérgica también. Por ahí leí que esta canción fue inspirada en el efecto de la marihuana.

Y llegamos a una de las obras maestras del disco: She's Leaving Home, ¿Qué puedo decir de esta magistral obra?, para empezar que muestra a Paul McCartney en su momento cúspide, es aquí donde McCartney se atreve a dejar su refinado y bello pop y también su rocanrol para crear una obra de música sinfónica que sería elogiada por músicos clásicos y de hecho uno le reclamó a George Martin que por qué no la hizo por lo menos una suite de más de 10 minutos, a lo que este contestó: Los Beatles son un grupo de rock que está experimentando con otras cosas y es por eso que She's Leaving Home tiene una duración tan corta. También hay que hablar sobre la letra, que hace referencia a esa juventud burguesa que estaba aburrida de su monótona vida atiborrada de objetos materiales y que finalmente se largaron de sus casas para irse al barrio de Haight-Ashbury en San Francisco a convertirse en hippies.

Y llega una obra de música circense, el rock y el pop aquí siguen sin estar presentes, ahora todo son carruseles, fenómenos, gente deforme, elefantes, bufones, malavares, clavadistas y payasos antiguos, todo plasmado bajo un concepto influido por el consumo de drogas blandas y sus efectos en la psique de John Lennon. Being For The Benefit of Mr. Kite fue inspirada por un cartel que encontró John Lennon en una tienda de recuerdos durante la filmación del video promocional de Strawberry Fields Forever y bajo un estilo similar al de Bob Dylan de copia y pega, surgió la letra para la canción.

Y llega George Harrison con una única composición: Within You, Without You, que es un tema inspirado en la filosofía hinduísta y en las enseñadas de varios gurus como Paramahamsa Yogananda y Sri Mahavatar Babaji, mientras que en la música no colabora ninguno de los Beatles, es tan solo Harrison con los mejores músicos hindúes del momento. Within You, Without You fue sugerida por él después de que George Martin y Paul McCartney se negaran a incluir Only a Northern Song (en aquel entonces llamada The Title Song) en el tracklist final del disco. Obra maestra.

Llega When I'm Sixty-Four, un tema que compuso Paul McCartney a sus escasos 16 años de edad, inspirado por la música con la que creció (vodevil, music hall, música de cabaret, música de burlesque, swing y estándares de jazz) gracias a su papá, James McCartney. Esta canción la tocaba desde los días de la Caverna, cuando los amplificadores explotaban y él la tocaba para divertir al público mientras improvisaba los versos. Para aquel entonces, le cambió la letra como regalo de cumpleaños para su padre que cumplía 64 años y terminó siendo incluída en el disco.

Lovely Rita es una pequeña obra que mezcla la música de burlesque y la parafernalia psicodélica del momento. Inspirada por una dama de tránsito que multó a McCartney, este le hizo la canción a modo de mofa. Pink Floyd quienes grababan al mismo tiempo su debut The Piper At The Gates Of Dawn se inspiraron en todos los efectos y pujidos que hacen aquí los Beatles para crear su obra Pow R. Toc H.

Llega Good Morning, Good Morning y otra vez aparece el rock en su máximo esplendor, con una guitarra distorsionada tocada por Paul McCartney y siempre bajo la estética del rock ácido. Y a pesar de ser un tema de menor calibre frente a la mayoría, John Lennon incita a la gente a despertar diciéndoles "¡Buenos días!, ¡Despierta!", esto por supuesto es una referencia a crear consciencia política entre los jóvenes que los escuchaban en aquel entonces y estos terminaran por rebelarse del sistema.

Se despide la Banda del Sargento Pimienta con una canción que es guitarrera a más no poder, esta es la esencia del rock ácido y de los inicios del heavy psych, para darle bienvenida a A Day In The Life, toda una catedral no solo para el rock, sino para la música popular.

A Day In The Life ha sido elogiada por muchos de los mejores músicos del rock (especialmente del progresivo), por tener una batería que dialoga con la voz de John Lennon, cosa que en aquel entonces era inusual en el rock mientras que en el free jazz de John Coltrane y Miles Davis se hacía constantemente, también por sus disonancias que parecen un homenaje a Julían Carrillo y su sonido 13 y un final tocado por tres pianos y un clavicordio que representa al accidente automovilístico del hombre del que se narra en la letra. También cabe destacar que A Day In The Life es un tema monumental y que es un antecedente directo del rock progresivo, este tema da a entender que los Beatles estaban en su máximo esplendor como músicos y compositores, y sin embargo existe gente inculta e ignorante que dice que son basura y que están sobrevalorados, pero como siempre, el vulgo lo que escucha es el material menor pero más pegajoso de la banda como She Loves You, Yesterday o Let It Be, aunque existan monumentos como este, Tomorrow Never Knows, Strawberry Fields Forever y I Am The Walrus.

Tara Browne, heredero de la fortuna Guiness que falleció en un accidente en Diciembre de 1966 y de donde fue inspirada A Day In The Life.

Para finalizar la reseña, quiero hablar sobre Strawberry Fields Forever, Penny Lane y Only a Northern Song.

Strawberry Fields Forever surge en Almería, España, donde John Lennon se encontraba rodando How I Won The War. Inspirado por su niñez y su lugar preferido que era un orfanato llamado Strawberry Field, Lennon compuso el tema y creó un demo que se puede encontrar tanto en la Antología como en bootlegs, y resulta ser que este fue el primer tema que grabaron los Beatles en Noviembre de 1966 para su disco que aún carecía de título. Según Lennon, quién estaba pasando por difícil periodo de cambio cuando la escribió se sentía solo y para él, la canción fue un "psicoanálisis musical". También cabe destacar que la letra tiene referencias al surrealismo y a los viajes de ácido, así como su concepto música que se encuentra dentro de la psicodelia un tanto obscura.

Penny Lane por su lado es un tema impecable de pop psicodélico que según Paul McCartney es donde más se refleja su influencia en el disco Pet Sounds de los Beach Boys. Es un pop refinadísimo, con una composición bellísima y de nivel poético sublime sobre el barrio de Penny Lane que solían visitar los 4 en su infancia, también cabe destacar que al igual que Strawberry Fields Forever, tiene referencias al consumo de LSD y Marihuana.

Only a Northern Song es la gran ausente del Sargento junto a Strawberry Fields y Penny Lane, y pues resulta ser que Harrison compuso este tema hastiado de las giras imparables, de las fanáticas locas, de recibir muy pocas regalías por parte de la editora Northern Song y recordando también los viejos tiempos en su natal Liverpool, también hecha bajo la estética de la psicodelia más colorida y experimental. Lamentablemente, los egos de Paul McCartney, George Martin y John Lennon hicieron todo para que no se incluyera en el disco y no fue escuchada hasta 1968 cuando salió la película Yellow Submarine.

Y así concluye este análisis, crítica y reseña del que posiblemente es el mejor disco de la música popular contemporánea.

Cambiando de tema, aquí les dejo todo un buen paquete del Sargento Pimienta:

1. El disco original de 1967 en estéreo y mono remasterizado en el 2009

2. El Bootleg de Purple Chick que circula en torrents por el internet del 2007 que incluye todo el disco original, los sencillos, las canciones que no se incluyeron (Only A Northern Song) y tomas alternas

3. La nueva edición del disco que incluye una nueva mezcla en estéreo y la mezcla monoaural original de 1967 con varias tomas alternas y la inclusión de nuevas mezclas de Strawberry Fields Forever y Penny Lane, solo que sin el DVD, ni el Blu-Ray, esos ya se los subiré después, porque pesan mucho.

Todo en flac con portadas y demás, por supuesto.

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The Beatles - Revolver (1966)

Antes de empezar a hablar de esta obra maestra de todos los tiempos que seguramente es parte de "la nueva música clásica" como dice el gran José Agustín, quiero decirles abiertamente a los putos de la DMCA que me la pelan y a los "hipsters" snobs y mamoncitos que vienen acá a bajarse discos de grupos obscuros que en su momento no los conocieron ni en su casa (porque esa se volvió la costumbre del blog, postear discos raros de psicodelia) para sentirse eruditos y bien "underground" también me la pelan, pues este blog no empezó como uno especializado en el rock psicodélico, sino que yo tenía la idea de postear discos archimegarecontraconocidos como este, los de Jimi Hendrix, Black Sabbath, Led Zeppelin, Iron Butterfly y demás, sin embargo la DMCA no paraban de borrarme los enlaces de descarga y de mandarme las entradas a borrador, por lo que tuve que conformarme con postear discos raros y evitar poner cosas de grupos que todos conocen porque la industria disquera te puede hasta andar borrando tu blog, tus cuentas de Youtube y tus cuentas de los servidores donde subas material protegido por estos cabrones, sin embargo aquí les va este clásico de clásicos.

Por otro lado, quiero desearles un feliz y prospero año nuevo aunque todo pinte de lo peor por lo menos aquí en nuestro México lindo y jodido con lo de los gasolinazos, el narcotráfico, la corrupción y demás, pero bueno, por lo menos tenemos esta obra maestra para no sentirnos de la mierda en los peores momentos (¡Bendito sea Dios por habernos traído a los Beatles y a otros monstruos del rock!)

Sobre cual es el mejor disco del Cuarteto de Liverpool, hay una discusión que nunca terminará, pues aunque vengan y molesten con que eran basura y no se qué tanto, déjenme platicarles, pinches incultos de mierda, que los Beatles dentro de la música popular de los últimos años tienen una de las discografías más consistentes, pues durante su primer periodo que se basó mayormente en el beat, el pop, el rhythym and blues y el rock and roll tuvieron muy buenos discos, incluso si hoy para los oídos de los roqueritos satánicos y rudos esos álbumes suenan ñoños, acaramelados y bobalicones, ninguno de esos álbumes fue malo, al contrario, y en su mejor periodo que duró de 1965 a 1970 sacaron oro molido en donde podemos escuchar música psicodélica, pop, blues, hard rock, soul, folk y demás cosas que las tocaron con una calidad casi insuperable, pero bueno dejémonos de estupideces y vayamos al grano.

El álbum abre con Taxman, un tema en donde ya se respira rock psicodélico del más guitarrero, de hecho se podría decir que aquí George Harrison se adelanta al rock ácido de los siguientes años debido a los solos de guitarra ejecutados por Paul McCartney, y por supuesto, es indudable que Harrison escuchó a James Brown a la hora de crear este tema, por lo que los aires del funk primigenio y el soul están a la orden del día mientras que las letras son una corrosiva crítica hacia las políticas de aquel entonces que hasta la fecha no han cambiado gran cosa y nos siguen cobrando los impuestos a como dé lugar, y lo más curioso de esto es que Harrison fue el primero en romper con las condiciones del representante Brian Epstein sobre hablar de política, 2 o 3 años antes (tomando en cuenta Think For Yourself de su disco anterior Rubber Soul, canción que según Harrison pudo haber estado dedicada al gobierno) de que John Lennon se convirtiera en el Beatle contestatario, pacifista e izquierdoso con temas como Revolution o Give Peace a Chance, sin embargo hay gente que le hace más caso a Lennon porque era bastante más hocicón que Harrison, pero la historia es la historia, y ustedes pueden comprobar que George fue contestatario y abiertamente crítico hacia el gobierno antes que John, del que por cierto debo decir que generó toda esa consciencia política una vez que se empezó a juntar con la artista vanguardista japonesa Yoko Ono y el resto es historia.

Después le sigue la hermosa Eleanor Rigby de Paul Mascarney (así como le dice el comediante mexicano Polo Polo) que está acompañada de unos extraordinarios arreglos orquestales dirigidos por el genio George Martin. Se trata de un tema que habla de la gente solitaria que vive una vida de mierda y que nadie comprende, en pocas palabras, de la gente marginada a la que todos ven como loca por no estar de acuerdo con lo que dicta la sociedad. Un temón de pies a cabeza.

Para el tercer track nos llega I'm Only Sleeping del gran John Lennon que es una oda a la hueva, a lo somnoliento y al sueño pesado, de ese que no quieres que te jodan y que te dejen completamente desparramado en la cama, con una música en la que se nota que estuvieron consumiendo LSD a la hora de componer la rola y especialmente se nota en esas guitarras en reversa que de hecho nos remiten a la India, finalmente era la época en que todos ellos andaban metidos en los pedos del hinduísmo, la filosofía budista y todos esos rollos. Maravilla de canción.

Llega otra vez el gran George Harrison, pero esta vez con un tema nada ortodoxo para su momento, pues si ya había experimentado con la cítara en Norwegian Wood de su disco anterior, aquí en Love You To, George intenta meterse de lleno a la música clásica del norte de la India, sin embargo la influencia psicodélica aún se respira en las guitarras fuzzeadas que se escuchan en algunas partes, por lo que aquí tenemos un claro ejemplo de lo que algunos llaman "raga rock" que es la fusión del rock y la música clásica hindú. Uno de los mejores temas de todo el álbum. Obra Maestra.

Here, There and Everywhere es uno de los clásicos temas de Paul McCartney, popero y suave, con armonías vocales excepcionales, una gran rola, sin duda.

Llegamos a uno de los temas más clásicos del grupo, el Submarino Amarillo o en inglés Yellow Submarine, compuesta por Mascarney bajo el concepto de una canción para niños que la pudiera cantar nadie más, ni nadie menos que Ringo Starr, y pues la rola no solo es un ejemplo de que los Beatles estaban incursionando en cosas completamente ajenas al rock o al pop de su momento como la música infantil, sino que también estaban en medio de una etapa experimental, pues para la grabación usaron un montón de cosas como cadenas viejas, cubetas de metal y demás cosas para imitar los sonidos que uno podría escuchar en un submarino verdadero o incluso en un barco, además de tener referencias explícitas al consumo de ácido lisérgico (LSD).

Para concluir el lado A del álbum original de 1966, tenemos otra composición de John Lennon que tiene mucha similitud con otra rola que se grabó en las mismas sesiones pero que fue editada como el lado B de un sencillo llamada Rain. She Said, She Said es una canción ultrapsicodélica que ya suena muy cercana al rock ácido de los próximos años (entiendase: 1967-principios de los 70's), pues es una psicodelia muy ácida y guitarrera con cierto influjo hindú corriendo por ahí, según por lo que he leído, Lennon se inspiró en una conversación que tuvieron él y Harrison con Peter Fonda, en donde este les platicó que había sufrido de un accidente casi fatal de niño que le perforó el estomago y que estuvo casi muerto, por lo que les dijo "Yo sé como es estar muerto" y John respondió "Me siento como si nunca hubiera nacido, no quiero saber como se siente estar muerto, ¿Quién te metió toda esa mierda en la cabeza?", por lo que John hizo esta rola inspirado en esa charla, aunque al final tuvo que cambiarle el título para evitar obviedades. Otro temazo.

Llega el Lado B con una composición de Paul McCartney, Good Day Sunshine que como siempre es optimista y popera, es un pop refinadísimo como le gusta a Mascarney, un gran tema, aunque no de mis favoritos.

Para el tema número 9 tenemos And Your Bird Can Sing que es una conmovedora melodía de pop psicodélico guitarrero con bellas armonías vocales por parte de John Lennon y Paul McCartney, inspirada supuestamente en la cantante Marianne Faithful que en aquel entonces era novia del legendario Mick Jagger. Otro temón.

Y otra vez regresa Paul McCartney con tal vez, su mejor tema del disco, la hermosa y conmovedora For No One que tiene bellísimos arreglos de cuerno francés y una letra desgarradora sobre el desamor que sentía por su ex-novia Jane Asher en aquel 1966. Magistral.

Y de nuevo Lennon con Doctor Robert, un tema psicodélico que incluye secciones de armonio y unas guitarras bien viajadas que habla sobre este personaje al que han identificado con Robert Zimmerman (o mejor conocido como Bob Dylan) quien les dio a probar la marihuana por allá en 1964, otros afirman que era el individuo que les dio a probar el LSD a John Lennon y a George Harrison por allá en 1965 y otros dicen que se trataba de un doctor neoyorkino que llevaba métodos poco ortodoxos y que John leyó esta noticia en 1966, de manera paradójica, Lennon fue a una consulta con él por allá a fines de los 70's, y aunque la verdadera identidad del Doctor Robert sigue siendo un misterio, definitivamente se refiere a las experiencias que los integrantes tuvieron con el ácido lisérgico y otras drogas. Canción 5 estrellas.

Y regresa George Harrison con un magistral tema llamado I Want To Tell You, que sigue con las tendencias lisérgicas de los otros temas y con la influencia hindú que ya traía Harrison desde el Rubber Soul que se escucha especialmente al final de la canción cuando Paul McCartney canta un melisma con todo el estilo de la música clásica de la India, todo parece ser que es otra de las inspiraciones de George que le vinieron a partir de las experiencias que tuvo con el LSD.

Estamos casi en el climax del disco y Mascartney nos trae otro tema, Got To Get You Into My Life que viene cargado de la influencia del soul y el rhythym and blues de la Motown con esos metales que por unos años se adelantan al brass rock de bandas como Tower of Power, Chicago, Blood Sweat and Tears y un montón de bandas mexicanas que aparecieron en los 70's como Bandido, la Tinta Blanca, Peace & Love y Love Army. Por otro lado la letra es una declaración de amor incondicional de parte de Paul McCartney hacia la hierba dulce o mejor dicho, la Cannabis.

Llegamos al clímax del álbum, a una de las más grandes composiciones que hizo John Lennon en toda su carrera, además de ser tal vez, la más ambiciosa que pudo haber hecho. Tomorrow Never Knows se encuentra entre las canciones más viajadas de toda la historia del rock además de ser uno de los experimentos más atrevidos de su momento, esto es psicodelia en su máxima expresión, con una fuerte influencia en la música clásica de la India y con mucha experimentación sonora con diversos efectos que van desde cintas en reversa hasta un montón de instrumentos, al punto de encontrarse con la música concreta. No tiene desperdicio.

No tengo más que decir, la historia todos nos la sabemos y también todos sabemos que Revolver es una de las obras maestras que se quedarán por toda la eternidad al igual que la música de Bach, Mozart, Bethoveen, Chopin, Tchaikovsky, Wagner, John Cage, Stockhousen, Xenakis y otros colosos de la música, por lo que esto recibe el nombre de "la nueva música clásica", y por si no te convences de ello, pon este disco y escucha la maravilla que es.

También quiero decirles que aquí les estoy posteando las versiones remasterizadas del 2009 tanto en Estéreo como en Monoaural, por lo que lo podrán disfrutar del disco no solo en gran calidad (FLAC), sino que también remasterizado.

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The Third Power - Believe (1970)

Ahora sí, ya era hora de un nuevo post en este, su blog preferido, y pues ustedes se preguntarán ¿Dónde andaba ese Guajolote?, déjenme contarles que por fin he conseguido mi iniciación dentro de los Hare Krishnas, tengo un nombre espiritual en sánscrito que me dio mi Guru (pronunciación correcta en Sánscrito: Gúru y no Gurú) Srila Bhakti Aloka Paramadvaiti Swami Maharaj que es: Ananta Shesha Das (en español: Sirviente de Ananta Shesha), y pues al estar tan metido en esto, pues mis horas de escuchar música se han reducido de manera considerable y pues esto también significa que no he podido tampoco hacer una reseña, pero más vale tarde que nunca.

Hoy les traigo este disco que seguramente algunos de ustedes conocen, se trata de un power trio de Detroit que en su momento fue muy famoso en su localidad, tanto que los consideraron la respuesta de Detroit a Cream, y ustedes si ya lo escucharon, ya sabrán por qué, y pues este, su único disco de 1970, pasó completamente desapercibido en aquel entonces, pues entre que la disquera Vanguard no le hizo promoción alguna debido a que los ejecutivos les pareció demasiado crudo y pesado para la línea que llevaba la disquera (Folk y blues), aunque para ser sincero, esta no me la creo, pues ahí grabaron también otros grandes de Detroit llamados The Frost y eran bastante más crudos y duros que The Third Power, los cuales tienen varias canciones que entran puntualmente dentro del pop psicodélico, y los críticos (como dice el gran Armando Nava: Esos críticos que no saben nada de rock) dijeron que era una mierda y que sonaban igual de ruidosos que el Grand Funk (concuerdo en esto último, pero personalmente pienso que el Grand Funk son unos chingonazos), sin embargo el disco entre los coleccionistas de psicodelia y hard rock es un álbum de culto.
The Third Power se formaron en 1967 en Detroit, Michigan y su duración fue hasta 1972. En 1968 llegaron a sacar un sencillo que está incluido en esta edición que les posteo hoy como tracks extras y su único álbum titulado “Believe” fue editado en Mayo de 1970, el cual se podría definir como una mezcla de heavy psych con influencias de Cream y Hendrix y pop psicodélico sesentero.

El disco abre con la monumental “Gettin’ Together” que es un tema de heavy psych al más puro estilo Hendrix, con un gran trabajo de guitarra por parte de Drew Abbott (no por nada terminó siendo el guitarrista de Bob Seger, del que luego hablaremos en este blog), el demoledor bajo Gibson y la voz de Jem Tergal y la sección rítmica de Jim Craig.
Le sigue "Feel so Lonely" que todavía continúa con cierto sentimiento hendrixiano aunque un poco menos potente que el tema anterior, además de que podemos destaca la voz de Tergal sonando a través de un parlante Leslie.
En la tercera canción nos encontramos con la bellísima y delicada "Passed By" y la colorida "Lost in a Daydream" que se podría decir que son puro pop psicodélico sesentero, y aunque he leído reseñas en donde afirman que este disco no es tan bueno por tener canciones como estas dos junto con las de heavy psych, yo la verdad, difiero, pues pocas veces he escuchado a un grupo del estilo de The Third Power al que le salgan canciones de corte tan suave y refinado de manera tan extraordinaria.
Después sigue un número gigantesco de heavy psych al igual que el primero llamado "Persecution" que nos recordará tanto a Hendrix como a Cream, los Who y hasta me atrevo a decir que a Grand Funk, es decir, pura potencia, pura demolición al más puro estilo de Detroit al igual lo es ""Comin' Home" con sus demoledoras lineas distorsionadas de bajo tan a lo Mel Schacher y ese riff de guitarra que se repite a lo largo de la canción. ¡Pura dinamita!
En el número 7 tenemos la balada "Won't Beg Anymore" que se podría decir que me recuerda a Cream, Christopher y Mountain en sus momentos más suaves, esto no es pop psicodélico, pero es una balada un tanto suave e instrospectiva como "In Your Time" de los texanos Christopher, aunque con una parte festiva en el medio.
Casi llegamos al final del álbum original de 1970 con el bellísimo tema titulado "Chrystalline Chandelier" el cual es una rola acústica de corte similar a "Passing By" y debo decir que esta canción guarda mucha similitud a "¿Dónde está A.N.?" de los Dug Dug's, es decir, una psicodelia acústica en la que las lineas de bajo están impregnadas de lisergia, aunque a diferencia con la del gran grupo nacional, esta rola sí está cantada.
Para cerrar el álbum original tenemos "Like Me, Love Me" que vuelve al heavy psych de los otros grandes temas, con esos riffs machacantes provenientes de la guitarra de Drew Abott y el bajo distorsionado de Jem Tergal, además de que las voces tienen muchas, muchas agallas, por lo que vuelvo a repetir, esto es verdaderamente demoledor y es lo que significa el sonido de Detroit, y casi al final viene un track oculto que es una canción tradicional de navidad pero tocada de manera psicodélica, es decir, con cintas en reversa.
En los bonus tracks de esta edición viene su primer sencillo de 1968 en el que vienen las rolas "We, You, I" y "Snow" que son un tanto garajeras, no son como lo que viene en el disco de 1970.

En fin, espero que disfruten este gran álbum.

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Wildfire - Smokin' (1970)

Portada de la re-edición en LP de Shadoks Music, la cual me pareció mejor portada que la del CD.

Después de un descanso de un poco más de 1 mes, regreso con ustedes con este álbum que tenía tiempo que no lo escuchaba de manera seria y en estas últimas escuchadas debo decir que me gustó más que antes, por lo que he decidido traérselo con su debida reseña como es de costumbre en este, su blog preferido, OutsideInside Music.

Wildfire se formaron en 1969 en la localidad de Laguna Beach, California, con al parecer, dos de las cenizas de un grupo de surf y doo-wop de principios de los 60's llamado Phil and The Flakes, el cual estaba liderado por nadie más, ni nadie menos que el gran Phil Pearlman (que es más conocido por sus extraordinarios proyectos psicodélicos The Beat of The Earth, The Electronic Hole y Relatively Clean Rivers), sin embargo el grupo se localizó en Austin, Texas, por lo que llegaron a alternar con grandes como Shiva's Headband y Johnny Winter, aunque igualmente se dice que llegaron a tocar con Blue Cheer en su natal California por allá en 1969.

Este, su único disco que en realidad fue un demo editado de forma privada y en un tiraje de muy pocas copias, fue grabado en los estudios Sonobeat en 1970 (donde un grupo llamado Mariani -en el cual tocaba un jovencito Eric Johnson- también grabaron su único disco llamado "Perpetuum Mobile" en el mismo año) en Austin, Texas. Al parecer "Smokin'" fue editado en el mismo año.

Según lo que leí en su página web oficial, el guitarrista Randy Love era fan de Jimi Hendrix y quería sacar el tono de este, por lo que estuvo dañando su amplificador Fender Showman, por lo que su papá le iba a comprar un Dual Showman como los que llegó a usar en varias ocasiones Hendrix, sin embargo conoció a Pat Quilter y este le construyó un amplificador de transistores de 200 watts de potencia que sonaba como uno de bulbos, al parecer inspirado por los mencionados Fender Dual Showman, luego el bajista Danny Jamison también tendría el suyo.

Ahora sí a hablar de la música contenida en el álbum.

Smokin' tal y como lo sugiere el título (en español, "fumando") es un disco de heavy psych a la orden del día, cargado con bastante funk y esa suciedad tan característica de varios grupos gringos de la época, se podría decir que aquel clásico power trio originario de Flint, Michigan que aquí gozó de una inmensa popularidad en los 70's llamado Grand Funk Railroad fue la principal fuente de inspiración para Wildfire, sin embargo también hay influencias de Hendrix (como lo dije arriba), Moby Grape y hasta Blue Cheer, cabe destacar que también me recordaron parcialmente a otros grupos contemporáneos como Fields, Josefus, The Frost, Bliss, The Third Power y hasta Banchee.

El disco abre con "Stars in The Sky" que me parece que es un homenaje a Jimi Hendrix y su infravalorada obra maestra "Love or Confusion" del '67, pues incluso las letras tienen bastante similitud, los siguientes temas se van más hacia las aguas del Grand Funk Rairload que sacó esos grandes discos de hard rock y heavy psych como Grand Funk, Closer to Home, On Time, The Live Album, Survival y E Pluribus Funk, sin embargo Wildfire suenan todavía más psicodélicos que el mencionado power trio de Flint, Michigan, seguramente por esos tintes tan típicos de la costa oeste que se notan en su ácida guitarra que acompaña a cada tema del álbum.

Mis temas preferidos son la rocanrolera y enérgica "Let It Happen", la funky "Don't Look For Me", "What I Have Got Now" y la extensa "Quicksand" que dura 11 minutos donde improvisan tanto el guitarrista como el bajista, aunque cada tema del disco es excelente, por lo que los fans del Grand Funk no se querrán perder esta única placa de este conjunto Californiano radicado en Texas salida por allá en 1970, pues es una excelente pieza de heavy psych con pinceladas de funk y del rock ácido californiano sesentero.

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Blue Mountain Eagle - Blue Mountain Eagle (1970)

Pues ya se pasó el año nuevo y ya estamos en Marzo, ¿Cómo la ven? Y pues ahí tenía ciertas sorpresitas que iba a publicar desde Octubre del año pasado, pero entre que anduve muy metido en un taller sobre psicodelia, anduve persiguiendo a unas chavas, después tuve que lidiar con una fuerte depresión durante 2 meses seguidos y también me estoy metiendo en el rollo de los Krishnas, por lo que se me ha complicado seguir publicando desde Septiembre, sin embargo ya estamos de vuelta como es la buena tradición de este blog, traerles psicodelia de altos vuelos en FLAC y con reseñas propias dirigidas al público hispano-hablante, y aunque tal vez muchos de los grupos que han visto por aquí son seguramente muy conocidos por ustedes y otros visitantes, pues en la mayoría de blogs que encuentren es raro encontrar reseñas de los autores de las entradas, sino que las toman de páginas o blogs que encuentran en la red y aquí trato de ofrecerles tanto el audio en alta calidad (ya que el Mp3 baja considerablemente el volumen del archivo, además de enterrar los instrumentos y de distorsionar el audio) con el arte escaneado más las reseñas en español, en fin, hoy les traigo a este excelente grupo angelino que al igual que muchos otros de su época solo sacaron un álbum y desaparecieron repentinamente de la escena, sin embargo su único material es de gran calidad musical y es por eso que se merece estar entre los grupos que se han publicado por aquí, y pues espero que disfruten tanto el disco como la reseña que hoy les ofrezco.

Blue Mountain Eagle se formaron en 1968 en los Ángeles, California, justo cuando los legendarios Buffalo Springfield se separaron para seguir sus propios caminos y uno de los miembros decidió crear a un completamente nuevo Buffalo Springfield con una alineación prácticamente diferente y por consiguiente los nombró "The New Buffalo Springfield" e hicieron algunas presentaciones bajo ese nombre, cuando sus ex-compañeros (entre ellos el canadiense Neil Young y también Stephen Stills) se enteraron y les molestó que usara el nombre, por lo que al parecer decidieron poner una demanda y el grupo fue obligado a cambiarse de nombre, haciéndose llamar finalmente "Blue Mountain Eagle", bajo este nombre grabaron su único álbum que fue editado por Atco en 1970, el cual viene empacado con una bonita portada psicodélica que es una foto del grupo tomada con efecto infrarrojo además de tener efecto de espejo, lo cual aumenta lo viajado en la cubierta.

La música del grupo ha sido descrita en varios sitios de la red como "heavy psych", sin embargo creo que eso no puede estar más alejado de la realidad, pues la música del grupo carece de esos riffs duros y de esa actitud que tenían las agrupaciones de dicho estilo. Si hay una manera perfecta de describir la música de Blue Mountain Eagle definitivamente sería rock ácido con algunas leves pinceladas de country rock y de folk, muy similar a lo que hicieron sus antecesores Buffalo Springfield o a lo que estaban haciendo bandas más o menos contemporáneas como The Fraternity of Man, Savage Resurrection, The Electronic Hole o incluso Grateful Dead, es decir, con abundante fuzz en las guitarras y esas atmósferas tan ácidas y viajadas que nos remitirán a los 60's cuando el hippismo, el consumo de LSD, los happenings y los festivales al aire libre estaban a la orden del día, por decirlo de otra manera, esto es psicodelia en su estado más puro y viajado.

"Love is Here" es sesentero por donde se le vea, con esa atmósfera tan hippie y viajada, ese fuzz tan abundante y ácido y las armonías vocales tan típicas de la Costa Oeste, igualmente lo es "Yellow's Dream" que es una balada muy hippiosona y viajada, luego se viene "Feel Like A Bandit" que es más movida que las anteriores y tiene cierto aire blusero, mientras que "Troubles" está más del lado del country rock de principios de los 70's y de hecho el riff es casi idéntico al de "Sweet Home Alabama" de Lynyrd Skynyrd, por lo que se ha teorizado que el gran Ed King pudo haberlo tomado de aquí, después sigue "Loveless Lives" que vuelve a lo del principio: rock acidísimo con el fuzz a la orden del día, "No Regrets" es una balada como la segunda canción, aunque un poquito más dura, con esas armonías vocales excepcionales sello de la Costa Oeste, "Winding Your String" y "Sweet Mama" regresan de nuevo a la pachequez aunque le bajan un poco al LSD en estas rolas, "Promise of Love" es otra baladita como "No Regrets" y "Yellow's Dream", mientras que "Trivial Sum" combina tanto las influencias de country rock como el rock ácido sello de la banda, por lo que es un tema muy movido y finalmente tenemos un muy buen "bonus track" (tema extra) que solo salió en su momento en sencillo, llamado "Marriane" que es medio blusero y country.

En fin, un excelente álbum y recomendado a todos los fans de la psicodelia más ácida.

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Stoned Circus - Revisited (1970) [Repost]

Y regreso, esta vez con un disco que ya ha sido posteado anteriormente en su blog preferido y uno nuevo, pero primero este, que puede que algunos de ustedes ya conozcan debido a que está flotando por ahí en varios blogs.

Puede que a los que les guste la psicodelia refinada y académica no les guste este álbum, pues se trata de un disco básico y directo, sin arreglos complejos, ni nada de eso, sin embargo a los que les gusten (como a mí) grupos psicodélicos con féminas en la voz Jefferson Airplane, Haymarket Square, December's Children, Reign Ghost, Ill Wind, Big Brother & The Holding Company, The Neighb'rhood Childr'n etc. Será muy de su agrado.

Según lo que sé es que el grupo fue formado en la ciudad de Kansas por allá en Diciembre del '68 y pudieron abrirle a gente del calibre de la Steve Miller Band, Chicago, Strawberry Alarm Clock, Dawn, Richie Havens y los Guess Who en sus conciertos, aunque la banda tuvo corta vida que fue desde 1968 hasta el '71.

Este álbum fue grabado en los estudios Cavern de Kansas en 1970 (Mismo estudio donde grabaron los Wizards from Kansas y los Bulbous Creation), con dos alineaciones diferentes, ya que el primer tecladista se salió del grupo a mitad de sesiones.

La música del grupo por supuesto que suena a San Francisco en los 60's, es un rock ácido contundente y con todo el sabor de aquellos años, por decirlo de otra manera, música para hippies.

La voz de la vocalista Nancy Lake me suena muy parecida a la de Gloria Lambert de Haymarket Square y por supuesto que no puede faltar la obvia influencia de Grace Slick y Janis Joplin, las divas hippies de aquel entonces, mientras que la voz de Johnny Isom me recuerda a la del vocalista de December's Children, la cual suena cruda y jipiosa al mismo tiempo, mientras que su forma de tocar la guitarra por supuesto nos recordará a Jorma Kaukonen y a otros grandes del sonido de San Francisco, mientras que por detrás está un órgano hammond, un bajo algo distorsionado y una batería básica, pero que tiene onda y le da sabor a la música del grupo.

Los temas que yo personalmente destaco son "Try Love", "New World", "Trust", los covers de "Baby, I'm Gonna Leave You", "Corrina" y "Ain't That a Love" (aquí nombrada como "Whole Lotta Love") y mi preferida, "Sweet Lovin'", aunque los demás temas también son excelentes, incluso el jam instrumental que es el menos bueno en general de todo el disco.

Un disco que no debe faltar en la colección de cualquiera que diga que le gusta la psicodelia gringa de los 60's y 70's.

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Sweetwater - Sweetwater (1968)

Después de una semana regreso con este disco que a lo mejor muchos de ustedes ya conocen o tal vez me equivoque, pues se trata de una de las olvidadas del festival de Woodstock (que por cierto, la semana pasada se cumplieron 46 años de haberse celebrado), aunque en Estados Unidos gozaron de bastante popularidad, especialmente por haber estado en el famosísimo festival, por su cover de "Motherless Child" y porque su ex-vocalista Nancy Nevins fue atropellada por un conductor borracho en Diciembre de 1969, hecho que le dejó dañadas las cuerdas vocales permanentemente, por lo que no pudo completar los siguientes álbumes de la banda, y a pesar de eso, Nevins grabó un álbum solista en el '75 y se reunió con dos de sus antiguos compañeros de Sweetwater para presentarse en el Woodstock '94.

Sweetwater se formaron en 1967 en los Ángeles, California, luego de haber presenciado el festival de Monterey (acontecido al norte de California en Junio de ese año), según cuenta Nevins. El grupo obviamente está influenciado por Jefferson Airplane, especialmente por la joven (en aquel entonces tenía 17 años) y bella vocalista Nancy Nevis quien posee una voz muy similar a la de Grace Slick, aunque por supuesto se notan también las influencias de los también angelinos Love (liderados por el genio Arthur Lee, por supuesto), pues incluyen toda una mezcla de instrumentos que incluye violoncelos, flautas, clavicordios, congas, violines y piano eléctrico, además, pocas veces hacen presencia las guitarras en este debut, por lo que en su tiempo su instrumentación fue considerada un tanto inusual para una banda de rock psicodélico, ya que por lo general incluían los instrumentos más comunes del rock n' roll (guitarra, bajo, batería y ocasionalmente órgano).

Sweetwater debutaron en 1968, con este álbum homónimo, el cual se podría decir que es una mezcla de rock ácido/psicodélico con elementos de jazz latino, folk, sunshine pop e inclusive algo de barroquismo, y a pesar de que la instrumentación es un tanto rara para una banda de la época, el grupo logra acoplar de manera perfecta los instrumentos, tanto que uno no se dará cuenta de que las guitarras y los pedales de fuzz solo aparecen en 2 o 3 cortes del álbum.

En fin, un gran disco en mi opinión que no debe faltar en ninguna colección de los que dicen amar la psicodelia.

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Creedence Clearwater Revival - Creedence Clearwater Revival (1968)

Tal vez pueda verse como algo raro que un grupo que en general estuvo más ligado hacia el country rock y otras cosas afines que a la psicodelia y que además en México se le haya sobrevalorado mucho en la era de Avándaro haga gala en este blog que está dedicado casi exclusivamente al mundo psicodélico de los 60's y 70's, pero este debut vale la pena que sea mencionado, ya que pocas veces se le hace mención, además de contar con un sonido muy ácido e influenciado por otros grandes de la época también originarios de San Francisco como lo son Quicksilver Messenger Service, Country Joe & The Fish, Moby Grape y Grateful Dead, aunque después tomarían otro camino como lo dije al principio, debo decir que lo hicieron de una manera excelente y no por nada son tan importantes hoy en día, además este no es un blog de hipsters o de imbéciles a quienes les preocupa mucho lo "underground" y "comercial" en la música, los grupos chingones lo son, sin importar su popularidad o su fama, ¿Quién está de acuerdo conmigo?

En fin, el Cridens (como les dicen aquí en México) era una excelente banda y que su toque tan especial radica en la sencillez de su música, pero siempre habrá gente imbécil que no sepa apreciar algo que no tenga "virtuosismos", "locuras" o que no sea "revolucionario e innovador", pero los que ya los conozcan y les gusten los Creedence por sus rolas más conocidas como "Down on The Corner", "Green River", "Born on The Bayou" etc. Y a los que les guste la escena de San Francisco que tanto proliferó en los 60's, no pueden pasar por alto este álbum.

No aportaré datos biográficos de los Creedence porque seguramente la mayoría conoce su historia, así que me enfocaré en el disco y su contenido, nada más.

1968 fue un gran año para la psicodelia junto con el famosísimo año anterior 1967, pues este trajo a la luz discos de gran calidad entre ellos los debuts de The Fraternity of Man, Quicksilver Messenger Service, Ill Wind, Blue Cheer, Iron Butterfly, The Art of Lovin', Haymarket Square, Gandalf, Savage Resurrection, SRC, Mad River, Plastic Cloud, Neighb'rhood Childr'n, The Yankee Dollar, Steppenwolf, Mount Rushmore etc. Y por supuesto no hay que olvidar que salieron obras maestras del estilo como el "Anthem of The Sun" de Grateful Dead y el "Cheap Trills" de Big Brother & The Holding Company, solo por mencionar unos, y los Creedence para debutar recurrieron al rock ácido que estaba de moda en Haight-Ashbury en aquel entonces, aunque lo aderezaron con ciertos elementos de rhythm and blues, soul y country que finalmente se convertirían en parte integral del grupo en sus siguientes discos.

En todo el disco nos vamos a encontrar con cintas en reversa, efectos psicodélicos y largos jams que tienen gran deuda con John Cipollina, Barry Melton, Jerry Miller, Sam Andrew y Jerry García, aunque por supuesto John Forgety no es tan virtuoso como ellos, sin embargo hace un gran trabajo en la guitarra lider, la cual la hace sonar realmente pacheca con su tremolo y sin la necesidad de agregar fuzz o mucha distorsión, sin embargo los temas suenan ácidos y directos.

El cover de Screamin' Jay Hawkins "I Put a Spell on You" que es precisamente el tema que abre al álbum lo tocan de una manera viajadísima y hasta hicieron un clip promocional (video en nuestros días) que tenía un montón de efectos psicodélicos, completamente coherente con la música, igualmente el otro cover de "Suzie Q" de Dale Hawkins (que aquí gozó de mucha popularidad en su versión corta) probablemente fue inspirado en la versión que tocaban Quicksilver Messenger Service en sus directos, además de presentar una guitarra al más puro estilo del gran Cipollina, también cabe destacar las pachequísimas "Gloomy" y "Walk on The Water" con todo y sus cintas en reversa, mientras que las otras canciones también muestran deuda no solo con la banda que grabó el "Happy Trails" en el Fillmore West y Fillmore East en 1968, sino también con Country Joe & The Fish, Moby Grape y en menor medida con Grateful Dead y los 13th Floor Elevators.

En fin, un disco que no debe faltar en la colección de alguien que se hace llamar "gran conocedor" del rock.

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Christopher - Christopher (1970)

Desde que les traje el álbum de Dogfeet, no he actualizado este blog, debido a que no había estado escuchando muchos discos completos, pero en este viaje que me di hacia Veracruz, me llevé unos cuantos compactos que tengo por ahí, entre ellos este de este grupo texano relacionado con los ya postedos por aquí Josefus (el ex-baterista de estos últimos tocó en algunos tracks), y pues decidí volverlos a escuchar, pues al principio no me acababan de convencer en algunos temas, sin embargo en estas últimas escuchas, pude encontrarles por fin pude agarrarles (bien) el gusto. También cabe destacar que estos NO son los mismos Christopher que lanzaron un disco en 1969 llamado "What'cha Gonna Do" que además tiene un estilo completamente distinto.

El grupo originalmente se llamaba United Gas y se formaron en 1968 en Houston, la alineación original consistía en Richard Avitts (guitarrista), Doug Walden (bajista y pianista) y Doug Tull (baterista, después se pasó a Josefus). Ellos tocaban un estilo basado en la improvisación libre y fueron considerablemente populares en clubes locales y en las Vegas, después conocieron al productor Ron Kramer y se trasladaron a Los Ángeles, California, donde empezaron a crear su propio sonido y a empezar a tocar en más lugares, incluyendo en el famoso Sunset Strip y en varias fiestas donde el LSD abundaba, e incluso llegaron a abrirle a Taj Mahal y a Three Dog Night. Durante este tiempo firmaron con la pequeña subsidiaria de la RCA, Metromedia Records, la cual le pidió al grupo que cambiara su nombre a Christopher para que no los confundieran con los californianos Pacific Gas and Electric, y empezaron las sesiones del grupo, donde por este tiempo Doug Tull se intentó suicidar (se cortó las venas), además de que sufría una grave adicción a las drogas, por lo que terminó fuera del grupo y el se regresó a Texas para re-formar United Gas que finalmente terminarían siendo Josefus en 1970, por lo que finalmente terminó siendo reemplazado por los bateristas John Simpson y Terrance Hand para completar las grabaciones que saldrían a la luz hasta el '70.

El disco tuvo una cantidad limitada de 1000 copias impresas y una escasa difusión, y se regresaron a su natal Texas para seguir como United Gas, y por este tiempo se llegaron a presentar en un programa de televisión de Houston, aunque al poco tiempo se separaron y este álbum fue lo único que al parecer grabaron, pero a pesar de todo, su única placa es una verdadera joya del rock psicodélico gringo y es por eso que hoy se los traigo a este blog.

La música de Christopher es principalmente rock ácido/psicodélico con bases de blues, jazz, soul y folk, sin embargo también hay momentos que nos acercan al hard rock melódico, por lo que se podría decir que son una combinación de grupos como Cream, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, H.P. Lovecraft, Spirit, Corpus, Josefus y Blue Mountain Eagle, pero esto tampoco significa que sean copias de estos grupos, para nada, por supuesto que comparten muchos rasgos con estos sobretodo con Cream (la voz de Doug Walden es imposible que no recuerde al gran Jack Bruce, además de que las lineas de bajo que se escuchan en varias de las canciones me remiten a dicho trío inglés) y Jefferson Airplane, pero Christopher al mismo tiempo tienen su propio estilo.

Entre sus canciones podemos encontrar psicodelia con mucha influencia californiana como "In your Time" que me recuerda bastante a Blue Mountain Eagle, Grateful Dead y Relatively Clean Rivers, blues ácido con una marcada influencia en Cream como "Dark Road", "Wilbur Lite" que parece un híbrido entre dicho power trío inglés y bandas sanfranciscanas como Jefferson Airplane y Quicksilver Messenger Service, "The Wind" y "Burns Decision" que tiene cierto desliz funky, soul en "Beautiful Lady" (Según el difunto Doug Walden, su vocalista principal, esta canción fue escrita de último momento para tener una canción más o menos pegadiza entre su repertorio, aunque realmente no concordara con el estilo original de la banda), folk psicodélico y atmosférico en "Magic Cycles" y por supuesto, heavy psych en rolas como "Lies" que suena marcadamente a los futuros Josefus (¿habrá sido grabada todavía con Doug Tull?), "Disaster" (Que suena extremadamente similar a "The House at Pooneil Corners" de Jefferson Airplane) y "Queen Mary".

En fin, una joyita de la psicodelia gringa de fines de los 60's, y la recomiendo totalmente a los que les guste este tipo de música.

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Peace and Quiet - Peace and Quiet (1971)

Tercer disco por hoy, uno del que había leído criticas positivas por unos y por otros había leído críticas algo negativas, además de que la portada es algo engañosa para el estilo que trae el disco y que aparte a los "trues" de la psicodelia no les parece un disco psicodélico, y siguen insistiendo en que estos tipos de Miami tocaban rock sureño y rock progresivos, cuando en realidad su estilo es un hard rock lisérgico típico de su época con una voz demasiado parecida a la de David Coverdale de Deep Purple e incluso los órganos nos podrían remitir a dicho quinteto inglés (larga vida a DP), mientras que las guitarras fuzzeadas nos podrán recordar a lo mejor del heavy psych de estados unidos.

No puedo poner mucha información, porque no la tengo, sin embargo lo que sé es que se formaron en Miami, Florida en 1969 y que solo sacaron este disco en 1971.

"Peace & Quiet" es un disco de heavy psych y hard rock, con influencias tanto inglesas como estadounidenses, en donde podremos encontrar guitarras con mucho fuzz, una voz que se parece muchísimo a la del mencionado Coverdale, pero más agresiva y con más agallas y un hammond que nos recordará tanto a Jon Lord y Ken Hensley como a "Pigpen" McKernan de Grateful Dead.

El disco abre con "You Can Wait Till Tomorrow", una pesadísima canción de heavy psych con un machacante riff de guitarra fuzzeado, un hammond chingón y una voz con muchas agallas. ¡UN TEMAZO!
Le sigue "Margo's Leaving Song" que tiene un sonido deudor con Deep Purple, Bloodrock, Vanilla Fudge y Uriah Heep, mientras que los violines podrían haber estado firmados por la Shiva's Headband, Piel de Pueblo o High Tide.
Viene "Country Thing" que bien hubiese podido caber en el "Anthem of The Sun" de Grateful Dead, pero obvio con un sonido más pesado. De los preferidos míos sin duda alguna.
"Hear my Love" sigue con la linea de los temas anteriores, aunque con una onda más baladezca y con unas armonías vocales que tienen aires country.
"Black Mountain" tiene una atmósfera más alegre que sus antecesoras, que si bien vuelve el sonido influenciado por Deep Purple y Uriah Heep, el guitarrista en esta rola suena similar al de Morly Grey.
Y viene el cierre del disco, un instrumental guitarrero heavy psicodélico de 8 minutos que supuestamente fue hecho como una especie de "Meddley" de canciones de carícaturas, por eso el título. Excelente cierre de disco, gran tema.

Excelente álbum sin duda alguna, con grandes músicos y muy muy buenas canciones.

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Repost: Truth and Janey - No Rest For The Wicked (1976)

Reseña publicada anteriormente en el blog del buen Poseído del Alba (Alias Jimi Hendrix).

Truth and Janey fue una banda estadounidense formada en Cedar Rapids, Iowa en 1969, llamada así por el disco de Jeff Beck "Truth" y al apellido de su líder Billy Lee Janey. Esta primera alineación estaba formada por Billy Lee Janey en la guitarra y las voces, Steve Bock en el bajo y John Fillingsworth en la batería, este siendo sustituido al año siguiente por Denis Bunce.

En 1972 lanzaron un sencillo con las canciones "Midnight Horseman", composición propia del grupo y un cover de los Rolling Stones, "Under my Thumb". Al año siguiente lanzaron un segundo sencillo con la composición propia "Straight Eight Pontiac" y "Around and Around" de Chuck Berry en su propia etiqueta Wheel.

En 1976 decidieron lanzar su primer LP que se tituló "No Rest For The Wicked" en la etiqueta Montrose, después en 1978 lanzaron otro larga duración titulado "Just a Little Bit of Magic" y se separaron. Después en 1988 se lanzó un disco en vivo que fue grabado en 1976 que en el 2001 lo re-editaría con el nombre de "Erupts!" (próximamente se publicará aquí y en El Jardín de las Delicias Psicodélicas).

"No Rest For The Wicked" para algunos podría parecerles el típico disco de hard rock de mediados de los 70's con tendencias al heavy metal y glam metal de los 80's o al edulcorado y blando AOR que empezaba a reinar en estas épocas, pero nada de eso hay aquí, Truth and Janey en efecto eran hard rock pero mezclado con fuertes tendencias psicodélicas y algo de blues-rock, que en ocasiones de cierta manera llega a adelantarse a ese subgénero noventero que mezclaba tanto el heavy psych de estas épocas como grunge, rock alternativo y hasta algo de doom metal al que llamaron "stoner rock".

El sonido del grupo es potente, pesado, sucio y lisérgico sin llegar a ser viajadísimo como el de otros de sus contemporáneos como Terry Brooks & Strange, Jeff Liberman, JPT Scare Band, Sweet Toothe o Euphoria, sin embargo el sonido psicodélico está siempre presente a lo largo del disco, a pesar de no contener pedales fuzz, ni largas improvisaciones, ni atmósferas pachequísimas, el grupo conserva la esencia de grupos como Highway Robbery, Corpus, Totty, Unison, The Damnation of Adam Blessing, Primevil, Stray, Buffalo, Sir Lord Baltimore, Help entre otros.

El disco abre con "Down The Road I Go" con un riff machacante de guitarra y bajo y unas guitarras muy heavy psicodélicas.

Después sigue "The Light", que es uno de mis temas preferidos, que tiene un magistral riff que no le pide nada a los grandes del hard rock de la época y la canción en general sin duda podría entrar entre los mejores temas de heavy psych de todos los tiempos.

Se viene un cover del bluesman Willie Dixon, "I'm Ready", en donde el grupo se atreve a coquetear con el boogie rock de la época, sin llegar a ser descaradamente simplones como varios grupos de dicho subgénero.

Llega la suite compuesta por 3 temas del grupo, "Remember", "A Child" y "Building Walls" que tiene un intro sospechosamente similar al de "Child in Time" de Deep Purple, sin embargo después el grupo vuelve a caer dentro de lo que mejor saben hacer: heavy psych, sin embargo, creo que esta canción es la que hace que algunos maletiqueten a la banda como "progresiva" o "con tendencias progresivas", debido a que es una suite de 3 canciones, pero la verdad es que no creo que lo sea, esta canción en lo personal me parece que tiene ciertas cosas en común con Primevil en sus momentos más "jammeros".

Llega el tema homónimo del disco "No Rest For The Wicked" que nos recordará por momentos a sus contemporáneos Totty y Poobah, o incluso a sus no tan contemporáneos Stray, Head Machine y Blue Cheer, pero más suaves, en donde las guitarras psicodélicas de Janey vuelven a hacer de las suyas con un riff machacante y unos excelentes solos. Otra de mis preferidas.

"It's all Above Us" la primera balada del disco, en donde el grupo apuesta por un sonido más suave que el de las otras canciones, recordándonos así a los grandes texanos Corpus quienes hicieron un extraordinario álbum de heavy psych y blues-rock en 1971 titulado "Creation a Child" e incluían muy bellas baladas como esta de Truth and Janey. Mi favorita junto con "The Light" y la anterior.

Se viene otro cover, "Ain't No Telling" de Mississippi John Hurt, otro gran bluesman, en donde el grupo vuelve hacer de las suyas, haciendo un cover ligeramente funky, similar en estilo a Help.

Para cerrar el disco llega la segunda balada del grupo, "My Mind", que además de tener una muy buena letra, nos recordará en ocasiones a Totty, Primevil y a Corpus, además de que vuelve a la misma formula que la mencionada "It's all Above Us", otro baladón.

Vámonos a los bonus tracks:

"Midnight Horseman" tiene aires funkys, mientras que la influencia de Hendrix y Beck se hacen notar a lo largo del tema.

"Under my Thumb" otro de esos covers heavys de los Rolling Stones que se hicieron en los 60's y 70's, y por cierto, excelente.

"Around and Around" sigue con la misma fórmula de hacer covers pesados de los Rolling.

"Straight Eight Pontiac" el grupo vuelve a coquetear con el boogie rock, sin embargo, siguen siendo mucho mejores que muchas bandas de dicho subgénero.

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