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25 oct 2024

Ultimate Spinach - Ultimate Spinach (1968)

 Antes de continuar con la introducción, debo darles noticias tristes, pues el 7 de Junio de este año murió la gran Conny Devanney, la vocalista de los enormes Ill Wind y yo no pude enterarme hasta hace unos días, y la verdad es que es una de las cantantes que más he admirado en toda mi vida por su bellísimo y potente mezzosoprano lírico que adornó a las preciosas canciones de Ill Wind, por lo que por parte de su servidor, Guajolote Gonzales y de sus lectores, ofrecemos nuestro más sentido (y tardío) pésame a los miembros sobrevivientes de tan magistral agrupación y a su familia.

Descanse en paz Constance Ann Devanney (antes Cowley), 4 de Abril de 1944-7 de Junio del 2024.

La introducción para la entrada del día de hoy era para explicar como escribir y hacer algo exitoso cuesta mucho trabajo, y con "exitoso", me refiero a que salga bien, a que tenga la coherencia y el sentido necesarios para que el texto funcione y de como esto me ha dejado en un congelamiento creativo importante que me ha impedido actualizar el blog, no obstante, preferí hablar de algo mucho más importante y es el rol que debe tomar el crítico ante las obras musicales o de cine, de teatro, de artes plásticas, etc. Y sobre como la corrección política y su lógica demagógica, criptofascista y anti-intelectualista ha intentado eliminar a la crítica musical para darle paso a publicistas gratuitos que no se atreven a hablar mal de nada, ni de nadie, porque eso es sinónimo de meterse en problemas, de "ofender" al público, de "meterse" con los gustos de los demás, y sí, señores, eso se llama POPTIMISMO.

¿Por qué digo que hay que reinterpretar y re-pensar el concepto de "lo nuevo"? Primero porque como diría Ian-Bruce Douglas, el líder y fundador de Ultimate Spinach, la música en la actualidad es una mierda, pues se ha perdido la creatividad y el pensamiento independiente, es decir, la música popular se ha tecnocratizado tanto que ha perdido su intelectualidad, o como dirían Freud y Lacan, el inconsciente, pues no es coincidencia que la producción musical de la actualidad cada vez se parezca más a la de la pornografía, especialmente a las infames "tomas del dinero", donde el actor o los actores masculinos empiezan a masturbarse encima de la actriz hasta eyacular en su cara o en su boca, y esto, según los directores de estas películas, es para demostrar que el hombre no solo tiene el control sobre las mujeres, sino que además de todo, se muestra que de verdad está "excitado", aunque yo no estoy de acuerdo, y si bien hay parte de verdad en las acusaciones de algunas directoras pornográficas feministas, psicólogas y demás de que este acto de humillación puede estar simbolizando un ritual de violación y hasta de misoginia, este no debería ser el punto de la crítica, porque en parte es caer en el hipermoralismo pequeñoburgués de la corrección política y más bien hay que señalar que se trata de una perversión en el sentido más psicoanalítico de la palabra, pues es una prueba de como la pornografía es el género cinematográfico con más prohibiciones, restricciones y control, y la infame "toma del dinero" no es más que una fórmula que impide no solo a los directores usar su creatividad, sino que también al espectador se le prohibe el acceso a su imaginación, porque si todo está a la vista de todos, entonces no hay nada que dejar a la imaginación y probablemente el punto de partida más importante para la creatividad es precisamente, la imaginación, por lo que la pornografía es asquerosamente anti-intelectualista, no hay un verdadero arriesgue en ello, y la industria musical precisamente apuesta por lo mismo, pues si bien es cierto que ya lo hacía desde antes, como bien lo criticó Theodor Adorno, es por eso que los 60's (el periodo que empezó en 1963 y terminó en 1973) fue el mejor para la música popular, pues ahí fue la rebelión contra los malditos tecnócratas de la industria musical y ese fue el motivo por el que ese periodo nos dio cosas como la psicodelia, el progresivo, el hard rock, el blues rock, el glam rock, etc. No obstante, hemos vuelto a la época donde los tecnócratas tienen el control creativo absoluto de la música, por lo que se desprecia el aspecto creativo y artístico en favor de las fórmulas de mercadotecnia, es decir, lo que deja ganancias, y precisamente eso es lo que idiotiza a las masas, por más que existan estudios psicológicos que buscan "desmentir" este tipo de aseveraciones para justificar desde la mediocridad del "sentido común" -los prejuicios ideológicos socialmente aceptados- la inmensa producción de chatarra musical, alegando que si existen personajes como Raymix, que es un científico de la NASA, pero que es capaz de hacer electrocumbias nacas, entonces todo juicio o crítica que tengamos sobre la música, debe ser considerado no más que una mera opinión o peor aún, un prejuicio de una persona "intolerante", "cerrada", "racista" y demás, que no se atreve a aceptar la "multiplicidad" -es decir, el "todo vale"-, por lo que sí, voy a blasfemar en contra del intocable dogma cientificista y voy a decir que la música de mierda efectivamente estupidiza y no en el sentido en el que todos creen, sino en que efectivamente pudre al intelecto, nos conduce a una estulticia en la que ya no puede haber una acción que nos pueda llevar a la creatividad, es decir, lo "estimulante" de una música estulta como la electrocumbia, el reggaeton, el trap, el trival guarachero, la banda sinaloense, el norteño, la balada romántica naca y demás, NO estimula nuestra parte creativa, sino que estimula a un hedonismo estúpido, es decir, tiene un efecto similar al del opio, en el que siempre está esa maldita compulsión de querer más, por lo que sí, es goce puro y duro, y por lo tanto, es también un "opio del pueblo", pues funciona como un obstáculo para la creatividad, para que tomemos lo viejo y lo reinterpretemos para que solo así pueda surgir algo "nuevo" en el sentido tradicionalmente aceptado, y esta es la razón por la que "lo nuevo" ya no debería ser aquello que está recién hecho, sino aquello que puede cambiarnos la percepción sobre la música, lo que suena fresco, inventivo, creativo, interesante (y no, no me vengan a decir que eso es algo "subjetivo"), ingenioso, artístico y que rebosa en calidad, por lo que para el desmayo de críticos como Freddie DeBoer y Simon Reynolds, que siguen teniéndole fe al obsoleto dogma del progreso, es precisamente aquí donde entra la música que se suele comentar en este blog, es decir, música que puede tener entre 40 y 59 años de haber sido grabada, pero que permanece ignorada por las masas, porque las masas prefieren estar estupidizadas con tonadas oligofrénicas, facilistas y pegajosas, que no requieran de un involucramiento genuino con la obra, sino que sirvan como un entretenimiento inmediato, es decir, que nos pongan a "cantar" sus rimas infrainteligentes o a mover el culo de manera masturbatoria con ritmos frenasténicos, por lo que sí, es mucho más "novedosa" la música de grupos como Farm, los Beatles, Jimi Hendrix, Syd Barrett, Love, Ill Wind, Fifty Foot Hose, Can o Music Emporium que la asquerosa "música" de Taylor Swift, BTS, Bad Bunny, Rosalía, Natanael Cano o Peso Pluma.

Ahora, algo que habría que tocar es si la propuesta de Kelefa Sanneh de que nos merecemos "nuevos" prejuicios musicales es del todo correcta o no, y también hay que hablar de la narrativa victimista que propone que lejos de ser verdad, es más bien un acercamiento a ese viejo anti-semitismo nazi, algo así como cuando el despreciable Benjamín Netanyahu se atrevió a afirmar que fueron los palestinos los que les dieron la idea a los "pobrecitos" e "inocentones" nazis de exterminar a los judíos metiéndolos a cámaras de gas y quemando sus cadáveres, y que esto fue la consecuencia de que incluso existan rabinos israelíes que abiertamente defienden a Hitler, los nazis y al exterminio étnico de los judíos en la Alemania nazi, y es que el poptimismo, a pesar de que su propuesta de reconocer que el pop también puede llegar a ser arte puede sonar razonable y sensata, tal propuesta está lejos de lo que en la práctica significa el poptimismo, pues es precisamente en su anti-intelectualismo donde lejos de rebelarse de los viejos prejuicios musicales, no solo los siguen reproduciendo, sino que los ha juntado en una sola narrativa consistente pero infantilista y perversa, es decir, el poptimismo es análogo al tecnopopulismo en su reconciliación entre el populismo de derecha con sus prejuicios racistas, sexistas, xenófobos y chauvinistas con el hípermoralismo pequeñoburgués de la izquierda miserable y el totalitarismo ascéptico de los tecnócratas funcionando de manera demagógica con el fin de excluir la dimensión propiamente política de la sociedad: el antagonismo y el poptimismo hizo exactamente lo mismo al terminar excluyendo a la crítica misma, pues como correctamente señala el crítico español Héctor García Barnés en este y este artículo, con esa exclusión de la crítica, el espacio antes asignado a la crítica musical quedó desplazado por el "periodismo musical", que más bien funciona como una especie de publicismo por su total ausencia de crítica, es decir, no se atreve a emitir nada que se atreva a hablar mal del trabajo de un "artista" de pop, trap, reggaeton, música agropecuaria, etc. Todas son alabanzas al estilo de las viejas porristas de los equipos de futbol americano o de beisbol, y es que en este rechazo también queda patente que aquí también juega un papel esencial la lógica del "pensamiento positivo", es decir, lo que en términos más léperos llamamos "mierda de autoayuda", pues esa obsesión con evitar o excluir los sentimientos y los pensamientos "negativos" definitivamente también parte de esta misma lógica tecnocrática de despolitizar, es decir, de eliminar al antagonismo, y teniendo en cuenta que el "pensamiento positivo" es el encuentro entre la ética protestante y la ética budista, no nos debería sorprender que haga eco también de los viejos panteísmos, ya sea de los orientales o de los americanos, pues a pesar de que los panteísmos supuestamente se suscriban a una lógica monista ("todos somos uno"), siempre tiene la necesidad de algún tipo de maniqueísmo extremo, como son los casos del avaita vedanta y del budismo con "maya" o la ilusión, o el chamanismo sincrético de los mazatecos con el mal, esta es la misma lógica tanto del tecnopopulismo como del poptimismo, pues su lógica apunta a que la sociedad es una totalidad orgánica y "plena", es decir, que "naturalmente" no existen los antagonismos hasta que llega un intruso perturbador a destruir esa "armonía", esta también es la lógica del anti-intelectualismo que ve en el "elitista" o en el "intelectual", a un intruso malintencionado que busca destruir la "armonía" de nuestras vidas, no es por nada que por ejemplo, el rock psicodélico sea tan despreciado por la sociedad y hasta por algunos viejos críticos "rockistas", que sea vilipendiado como "música de drogadictos" o que haya gente que se atreva a decir la barrabasada de que ellos no pueden escuchar esa música al menos que estén bajo los efectos de alguna droga, y es que esto vuelve a tener analogía con el desprecio anti-intelectualista propio del "sentido común" hacia Hegel, Lacan y Heidegger como filósofos con una escritura "oscura" e "ininteligible", y que uno de los reclamos hacia la psicodelia ya sea por parte del "rockero" promedio y especialmente del "melómano" sea precisamente que carece de "accesibilidad" responde a esa misma lógica anti-intelectualista, pues lo que nos exige el rock psicodélico es hacer un esfuerzo intelectual por involucrarnos con la música para poder percibir su belleza, algo así como el reto que nos exigen las lecturas de Hegel, Lacan y Heidegger para poderlos no solo comprender o entender, sino para poderlos pensar, y esta es la razón por la que el poptimismo es peligroso, por su maniqueísmo extremo propio de su estructura totalitaria.

Ahora, ¿Por qué el capitalismo permite que exista el anti-intelectualismo? Esta es la pregunta que deberíamos hacernos cuando criticamos al poptimismo, y es que en esta época donde el capitalismo está más tecnocratizado que nunca y que además de todo, responde a la lógica neofeudalista de las corporaciones, es menester que la gente no se atreva a pensar porque solo así podría articularse una lucha política genuina, por lo que la lógica que describió Isaac Asimov en 1980 de "mi ignorancia es igual de válida que tu conocimiento" es inherente al funcionamiento mismo del capitalismo puro, y traducido al ámbito musical, este es un error frecuente hasta entre algunos críticos del poptimismo como es el caso del bloggero marxista Freddie DeBoer, con quien en muchos puntos estoy de acuerdo, pero definitivamente no en su insistencia en que la música es "subjetiva", precisamente porque en la lógica de este "argumento" se cae en el anti-intelectualismo, pues lo que termina pasado es que la crítica y la discusión musicales se terminan banalizando, es decir, al afirmar este subjetivismo, se cae en la lógica tecnopopulista de eliminar al antagonismo, es decir, a la crítica, pues con esto se cae en el argumento estúpido de "mi reggaeton es igual de bueno y valioso que tu música clásica", esta es la razón por la que el crítico debe defender a la calidad musical como algo inherente a la música y que las jerarquías de esta existen para darle sentido a la discusión, es decir, el verdadero compromiso del crítico debe ser la defensa del sentido, tal y como lo propone el compositor clásico holandés Eduard DeBoer (no confundir con el bloggero gringo Freddie), de otra manera, es reproducir la lógica del poptimismo.

Hace unos meses se me ocurrió trollear a un grupo completo de Facebook para sacar sus estúpidos prejuicios contra los Beatles, porque sí, hasta en el mundo "rockero" existen prejuicios estúpidos que no son más que producto de mediocres razonamientos propios del sentido común y por lo tanto, anti-intelectualistas, y la gran mayoría de los que comentaron, se enojaron tanto, que hasta algunos hicieron memes con mis fotos, y eso no tardó en llegar a mi familia, quienes me estuvieron reclamando que era "ofensivo" lo que estaba haciendo y que por eso me iban a dar una tunda en la vida real, que respetara los gustos de los demás, cosa a la que yo me niego rotundamente, pues precisamente ese "respeto" es una farsa y una hipocresía absoluta en el que no hay una convicción genuina, sino puro totalitarismo y además, lo que demuestra la gente que es capaz de golpear a un troll solo porque la "ofende" es que es demasiado débil, intolerante e impotente como para aceptar que existen los demás y que siempre habrá un antagonismo inherente a la sociedad en la que vivimos, por lo que no, "respetar" los gustos de los demás es solo una muestra más de lo tecnocratizada que está la sociedad y que precisamente el poptimismo es la retórica totalitaria que nos justifica como pobres víctimas reducidas a la nuda vida que estamos expuestas a una multitud de acosos potenciales por parte de algún intruso perturbador, es decir, estamos ante la lógica del nazismo aplicada a la cultura, por lo que sí, es necesaria la "ofensa", es necesario el antagonismo, es necesario introducir la dialéctica hegeliana-marxiana-lacaniana a la discusión cultural, solo así podemos deshacernos de este rígido hipermoralismo pequeñoburgués de ofenderse por la divergencia real (el antagonismo) y genuinamente politizar a la discusión musical sin tener que caer en lógicas hitlerianas, es decir, de lo que se trata es de politizar a la cultura, no de culturizar a la política como lo hace el poptimismo.

Nota: Este post será el primero de una serie de 3, ya que se trata de un boxset de los 3 discos de estudio de esta entrañable banda bostoniana contemporánea de otros grupos cocfx,  mo Ill Wind, Listening, The Freeborne, The Fort Mudge Memorial Dump, Orpheus, Quill, Chamaeleon Church, etc. Y la razón por la que decidí publicar los discos por separado es porque ahorita no tengo el tiempo para escucharlos de tirón y escribir las reseñas para tenerlos en un solo post, por lo que he optado por hacerlo por separado para hacerlo con paciencia, no obstante, incluí los escaneos del libro que viene con el boxset, el cual tiene fotos de la banda y toda su historia.

 Los orígenes de Ultimate Spinach datan de 1967, cuando el multi-instrumentista y vocalista Ian-Bruce Douglas junto con la cantante Barbara Hudson, el guitarrista rítmico Geoff Winthrop, el baterista Keith Lahtenein y el bajista Richard Nese forman a The Undeground Cinema, los cuales fueron representados por la empresa Amphion Management y junto con Ill Wind, la J. Geils Band y Streetchoir, se convirtieron en una de las bandas de la casa de la cafetería Unicorn, y en ese año llegaron a grabar unos tres demos en el estudio Petrucci & Atwell, los cuales fueron incluidos en la recopilación de Arf! Arf! Arf! New England Teen Scene: Unreleased! 1965-1968.

Conforme avanzó 1967, el grupo firmó contrato con Alan Lorber, el mismo que creó la fallida estrategia de mercadotecnica del "Bosstown Sound", con el fin de competir con la escena de San Francisco y poco después Ian-Bruce Douglas le cambió el nombre al grupo por Ultimate Spinach, nombre que vino de un viaje de LSD en donde el se oyó diciéndose a sí mismo "¡Soy la espinaca suprema! ¡Soy la espinaca suprema!" y en Septiembre de ese año, el grupo terminó firmando un contrato de grabación con MGM Records -quienes también tenían en sus filas a Eric Burdon y los Animals- y así grabaron su primer disco, de título homónimo, el cual salió hasta Enero de 1968, y así Ultimate Spinach hicieron una pequeña gira por todo Estados Unidos que de hecho incluyó un concierto en el Fillmore West de San Francisco con Big Brother and The Holding Company, no obstante, Ian-Bruce Douglas quedó insatisfecho con la administración y producción de Alan Lorber, a quien le apodó "el parásito" por su actitud dictatorial y por no dejarlo participar de manera completamente mañosa en en el proceso de mezcla del disco, además de que hizo el fiasco mercadotécnico del "Bosstown Sound", que no solo terminó afectando la reputación de Ultimate Spinach, sino también de otros grupos bostonianos como Ill Wind, The Freeborne, Listening, Orpheus, The Bagatelle, Quill, Bead Game, entre otros, pues especialmente los críticos musicales fueron duros con estas bandas, tachándolas como meras "imitaciones" de los grupos sanfranciscanos, a pesar de que las bandas bostonianas tenían su propio sello, y es aquí donde Alan Lorber dejó en claro que lo suyo era mucho más utilitario y aburguesado, pues la verdad es que no demostró mucho interés en el arte, sino que lo que vio fue una modita pasajera con la que podía lucrar y eso impidió que los grupos bostonianos gozaran de la popularidad necesaria, no obstante, los trabajos de estas bandas se convirtieron en clásicos de culto y con el paso del tiempo se les ha reconocido como bandas muy creativas, originales y de calidad, a pesar de la mala fama que les creó Lorber que aún sobrevive con algunos críticos como Richie Unterberger.

Ultimate Spinach es literalmente toda una experiencia lisérgica, y esta es la razón por la que la música de este enorme grupo de alguna manera sigue relativamente en la oscuridad, porque sí, no niego que entre nosotros, la fanaticada de la música psicodélica, esté considerado como un clásico indiscutible, pero con el público rockero general, los melómanos, los críticos, los musicólogos y los historiadores, es una historia muy distinta, y es que como he venido señalando anteriormente, existe un anti-intelectualismo muy arraigado no solo entre las masas, sino que los primeros en difundirlo son precisamente los expertos, y es que los expertos con su ciega confianza en el sentido común, lo único que terminan haciendo es seguir respaldando prejuicios ideológicos socialmente aceptados, y es aquí donde la desafortunada y estúpida frase de youtubers como La Cata Musical, Alvinsch, Shauntrack, Jaime Altozano y demás, de "escucha la música sin prejuicios", no solo es insuficiente, sino que también parte de un prejuicio específico que es el de desacreditar a toda crítica, evaluación y demás, como si se tratasen de meros prejuicios y no de algo esencialmente verdadero y que dota de sentido y coherencia al trabajo intelectual que requiere escuchar, analizar, evaluar y criticar a la música, y es que práctica y técnicamente NO existe tal cosa como escuchar la música con prejuicios, porque precisamente estos nos impiden involucrarnos genuinamente con la música y por lo tanto, con ellos, no escuchamos la música, solo nos creamos concepciones erróneas sobre ella, y cabría mencionar aquí que a diferencia de la típica definición de lo que es el prejuicio, yo afirmaré que el prejuicio no se basa únicamente en rumores o en algo indirecto, sino que nuestra experiencia directa juega un papel crucial en su orígen, precisamente porque los prejuicios no los experimentamos como si fuesen opiniones o juicios preconcebidos, sino que los experimentamos como si fuesen verdades naturales, evidentes empíricamente hablando y por lo tanto, como verdades irrefutables, por lo que no es una mera cuestión de "mi amigo me platicó" por sí sola, sino que nuestra propia experiencia ayuda a crearlos, casi siempre por un vulgar razonamiento de sentido común, y esto es precisamente lo que sucede con el rechazo a este tipo de música o incluso con eso de que "los Beatles están sobrevalorados", únicamente porque dentro de esta lógica tan obstusa y elemental, si los Beatles son universalmente considerados como un grupo importantísimo en los contextos social, cultural y musical por la enorme influencia que siguen teniendo, no es por otra cosa que por un caso de "sobrevaloración", es decir, este razonamiento parte de un individualismo precario, superficial e infantilista que solo afirma la diferencia por la diferencia, no por un ejercicio intelectual serio y profundo, y también está el argumento de que la música psicodélica solo puede escucharse bajo los efectos de las sustancias alucinógenas, y sí, como ustedes pueden notarlo, el anti-intelectualismo juega un papel importantísimo en esto, pues precisamente todas las conclusiones que surgen a partir ya sea de la falta de entendimiento o de algún razonamiento precario propio del sentido común, tienen en común la desconfianza hacia el intelecto y aquí les contaré una anécdota que recuerdo con chiste de hace unos 11 años, cuando hice una publicación en el Facebook donde afirmaba que la gente que despreciaba a los Beatles solo eran unos "esnobs" estúpidos -que sí, acepto que tal etiqueta fue algo ingenuo de mi parte- y alguien que tenía agregado de amigo empezó a comentar amargamente al respecto y terminó cayendo en un miserable y desafortunado comentario populista en el que afirmaba que como los Beatles eran europeos, pues evidentemente "estudiaron" y que por lo tanto, su música no era "del pueblo" como sí lo era la música preferida de esta personita, y es aquí donde sale a relucir el anti-intelectualismo, no tanto en mi ingenuidad de haber tildado a los anti-Beatles de "esnobs", sino precisamente en el descrédito de esta gente hacia los Beatles solo por supuestamente haber estudiado y por ser europeos, esto es precisamente lo que hace el anti-intelectualismo, desacreditar a cualquier gente por haber tenido alguna formación intelectual o académica al llamarlos "elitistas", como si el trabajo intelectual se tratase de alguna especie de "privilegio" frente a la estupidez masiva, y es por eso que el anti-intelectualismo también es deshonesto, porque privilegia a la imbecilidad, la vulgaridad, la mediocridad y a la ignorancia como si se tratasen de virtudes, y ve en el rechazo a estas, un prejuicio, cuando de hecho es la intelectualidad y el trabajo de esta lo que nos ayuda a detectar los prejuicios de la sociedad, y es ahí donde deberíamos recordar a Sócrates cuando fue envenenado por la democracia ateniense por supuestamente "corromper" a la juventud con su filosofía, y precisamente, música como la de Ultimate Spinach es la que más genera conflicto con la gente en estos tiempos porque la música psicodélica es algo así como la filosofía de Hegel o la teoría psicoanalítica de Jacques Lacan, y es aquí donde me permitiré parafrasear al catedrático colombiano John D. Hernández Rey, pues para genuinamente escucharla y entenderla se necesita una decisión, trabajo y coraje para enfrentarse y hasta luchar con el reto de escuchar e involucrarse con la música en cuestión, solo así puede surgir el entendimiento y hasta el gusto mismo por ella, y eso fue lo que me pasó durante mi adolescencia con muchos grandes discos del género que no pude entender, que me sonaban como auténticas ofensas al oído y al intelecto, no obstante, esa lucha con esos discos en la que yo los percibía como mierda fue el paso necesario para encontrarles el gusto, porque esa lucha significó que existía un interés genuino por mi parte por entenderlos, por encontrarles el gusto y esta es la razón por la que no solo rechazo completamente la hipótesis subjetivista de que la calidad musical solo depende de las opiniones subjetivas, sino que también la del gusto como algo subjetivista, así como también la hipótesis pluralista del gusto, precisamente porque con esas hipótesis se asume que el gusto es una facultad natural y que por lo tanto, es algo "espontáneo", cuando en realidad requiere de educación, trabajo y esfuerzo, para solo así elevarse a la categoría de "gusto".

La música de Ultimate Spinach se podría definir como una versión menos extraterrestre de Fifty Foot Hose y The United States of America o una versión mucho más refinada de Country Joe & The Fish, no obstante, algo que nos debería quedar en claro es que Ultimate Spinach no eran una imitación barata de estos grupos, ni nada por el estilo, a pesar de la insistencia de críticos como Richie Unterberger, pues a pesar de las similitudes estilísticas, Ultimate Spinach seguían sonando únicos en su propuesta, porque finalmente como buenos bostonianos, existe cierta herencia sintáctica británica en su música por el simple hecho de que el área de Nueva Inglaterra sigue teniendo una importante influencia británica y eso quedó impregnado en la música de grupos como Ultimate Spinach, Ill Wind, Listening, Orpheus, The Freeborne, Ford Theatre, Front Page Review, Quill, entre otros, no obstante, habría que aclarar que su música no suena británica, sigue sonando tan gringa como la de los grupos californianos, texanos y demás, lo que sucede aquí es que con los grupos bostonianos así como también con los canadienses y algunos del medio oeste que surgieron en los 60's, existió un enfoque más melódico y ordenado a la hora de componer y de tocar la música en contraparte con sus contemporáneos sanfranciscanos que tendían más a los largos jams, los angelinos que apostaban por un estilo más influenciado por el sunshine pop y el folk rock de los Byrds, los de Detroit que apostaban por un sonido más agresivo y pesado y los texanos que apostaban por un sonido más garagero, pero también más influenciado por otras sustancias como la mezcalina, y es por eso que dentro de la sintaxis musical gringa o norteamericana, existen lo que yo llamo sub-sintaxis o estilos, que no solo incluye a las que nacieron en Estados Unidos y Canadá, sino que también incluye a la mexicana, por el hecho de que al estar México tan cerca de Estados Unidos, este recibió toda la influencia de este país, pero las influencias también varían un poco al insertar tanto elementos autóctonos como elementos de música de protesta latinoamericana, y Ultimate Spinach definitivamente entra en lo que bauticé como el estilo "bostoniano-canadiense", pero volviendo a la música, el grupo logró crear un efectivo coctel psicodélico de influencias que incluye folk, música barroca, música clásica de la India, jazz, avant-garde, blues y rock, y también una instrumentación curiosamente variada que incluye además de los típicos instrumentos de rock, instrumentos como clavecín, osciladores, cítara -o sitar para los mamertos- y spoken word, cosas que también me hacen recordar al enorme Phil Pearlman y a su The Beat of The Earth, aunque en un contexto mucho menos sinfónico y ruidista, aunque eso sí, igual de viajado.

El disco comienza con Ego Trip, que es probablemente una de las canciones del disco que más comparten similitudes con sus contemporáneos californianos, particularmente con Jefferson Airplane por su composición, aunque también hay elementos que no sonarían tan fuera de lugar en los discos de The United States of America o Fifty Foot Hose, igualmente el órgano no deja de recordar a Country Joe & The Fish así como la voz de tenor lírico de Ian-Bruce Douglas que suena más a Country Joe McDonald, Paul Kantner o Jorma Kaukonen que a Marty Balin, igualmente debo decir que la breve introducción de spoken word realmente no me recuerda tanto a los Doors, sino más bien a Ill Wind (L.A.P.D). Temazo.

Sacrifice of The Moon (In Four Parts) es otro de esos instrumentales psicodélicos que siguen al legado de Mike Bloomfield en sus tiempos con la banda de Paul Butterfield, cuando sacaron su obra maestra East-West de 1966, no obstante, este tema no es realmente una copia, sino que va más allá al incluir elementos de música medieval, pop barroco y hasta bossa nova, lo que los pondría al mismo nivel que otros grupos de la época que sí fueron reconocidos por ser bandas con muchísimo talento como H.P. Lovecraft o Fever Tree. Y es con este tema que puedo ver el verdadero origen tanto de Shit City de la Revolución de Emiliano Zapata como de mucho del estilo de los Spiders. Obra maestra.

Plastic Raincoats/Hung-Up Minds es un ragtime en ácido que de nuevo me trae a la mente a Country Joe & The Fish, más que nada por el humor que maneja la banda, y algo curioso es que sí incluye un piano honkytonk de verdad o al menos eso parece. Espléndido.

Y aquí viene otra obra maestra, (Ballad of The) Hip Death Goddess, que de nuevo, vuelve a empezar con un fragmento de spoken word que vuelve a hacer eco de Ill Wind, y la composición en general parece como una versión gótica de los canadienses Reign Ghost en donde Barbara Jean Hudson suena como una Lynda Squires menos operática y más oscura, por su hipnótica monotonía influenciada por la música clásica de la India y todos los efectos que tiene la canción, que muchos me suenan a que fueron hechos con un theremín, así como también se escucha una cítara eléctrica Danelectro y unos solos de guitarra que me recuerdan muchísimo a Mad River (Wind Chimes) o a Fifty Foot Hose (Fantasy). No dudaría si algún músico de rock gótico de los 80's me dijera que esta canción fue una influencia importante.

Your Head Is Reeling es una canción muy, pero muy psicodélica, que de nuevo, incluye otra introducción de spoken word, pero esta vez con el elemento ruidista de The Beat of The Earth, que incluye feedback y una cítara genuina, mientras que el resto de la canción es todo un viaje en LSD en el que de nuevo, encuentro ecos de sus contemporáneos Ill Wind, por lo que efectivamente ya se nota la formación de esta subsintaxis bostoniana-canadiense, porque a pesar de que hay elementos que pueden recordarnos a las bandas californianas, definitivamente se nota una identidad distinta. Obra Maestra.

Tal vez el tema que suena más "estándar" de todo el disco sea Dove In Hawk's Clothing, pues se trata de uno de esos típicos temas gringos de rock ácido bluseado con mucha guitarra y órgano, sin embargo, es uno de los temas que más disfruto del disco, porque honestamente me gustan mucho este tipo de composiciones en donde se encuentran otros grandes temas de la psicodelia gringa como Not So Sweet, Martha Lorraine y Love de Country Joe & The Fish, Think de Linn County (cover de James Brown, curiosamente), Back Door Man (original del gran Howlin' Wolf) de Quicksilver Messenger Service, (You've Got Your) Head On Right del Devil's Kitchen, entre otras. Temazo.

Y llega otro instrumental con Baroque #1, que aunque no sea un tema estrictamente "barroco", porque esencialmente sigue siendo un tema instrumental de corte psicodélico medio jazzeado, pero al menos sí tiene algo de ello en su inclusión del clavecín y en el gariboleo que hace Ian-Bruce Douglas en su Farfisa, igualmente su melodía vocal definitivamente suena a Country Joe & The Fish y su canción The Masked Marauder, por lo que podría decirse que más que un plagio, es como una especie de homenaje. Obra maestra.

Funny Freak Parade es otro ragtime en ácido, aunque algo countrificado, porque de nuevo, tiene ese elemento que me recuerda mucho a sus contemporáneos Ill Wind y sus canciones de country, aunque con ese humor que caracteriza a Ultimate Spinach. Espléndido.

Para cerrar con broche de oro tenemos a Pamela, uno de los temas más psicodélicos del disco que incluye elementos barrocos, theremines, osciladores, cintas en reversa y sí, también una cítara tocando música clásica de la India, así como las bellas armonías de Ian-Bruce Douglas y Barbara Jean Hudson, una combinación muy extraña y única para la época, pero que curiosamente funciona muy bien. Obra maestra.

Antes de cerrar esta reseña, debo decir que a pesar de que aún prefiero su segundo disco Behold and See que además incluye su obra maestra Mind Flowers, con este debut el grupo demostró estar a la altura de cualquier grande de la psicodelia de la época, pero de nuevo, es lamentable que la estúpida campaña publicitaria de Alan Lorber, en su afán de querer competir con la escena de San Francisco, terminara mermando a toda una escena con tanto potencial creativo, porque eso sí, hay que aceptar que aunque Alan Lorber fuese un tirano y total estúpido a la hora de trabajar, definitivamente tuvo un muy buen gusto y un buen ojo para cazar talentos, y eso fue lo decisivo a la hora de llevar a grabar a grupos como Ultimate Spinach, The Beacon Street Union, Orpheus y demás, así como también hizo que las disqueras comenzaran a interesarse por los demás grupos bostonianos como Ill Wind, Listening, Quill, The Fort Mudge Memorial Dump, entre otros.

13 oct 2024

Nuevo cambio de sitios para subir discos

 Hace unos meses estuve usando un sitio de hosting llamado Fileroy que hasta hace poco permitía subir archivos para que estuviesen siempre disponibles para descargar, pero cambiaron sus políticas y lamentablemente ya no es así, por lo que he vuelto a cambiar de sitio y estoy volviendo a subir los discos.

Por su paciencia y comprensión, gracias.

22 jul 2024

Resubiendo discos

 Como ya sabrán ustedes, el sitio de almacenamiento que se había convertido en el preferido de la casa, Uloz.to terminó privatizándose por completo debido a una legislación de la Unión Europea en contra de la piratería, por lo que la mayor parte de los enlaces que habían sido publicados en este blog desde el 2014 aproximadamente, ya no están disponibles, no obstante, como yo sí tengo acceso a esos archivos, estoy resubiendo algunos de esos álbumes al nuevo sitio que se ha convertido en el consentido de este blog, que se llama Fileroy, igualmente veré si vuelvo a activar el canal de Telegram y buscaré un sitio más para que no vuelva a suceder esto.

Por su atención, gracias.

13 ene 2024

Listening - Listening (1968)

 
Tengo una relación bastante antagónica con Rate Your Music, porque si bien, en principio podría parecer una buena idea, no lo es en absoluto y sé que aquí algunos de ustedes me podrían reprochar el hecho de que vaya a decir esto cuando tengo un blog de música, pero lo que está mal con Rate Your Music es precisamente la apertura que tiene el sitio a que cualquier persona pueda dar su opinión, y ustedes se preguntarán ¿Y qué tiene de malo que la gente pueda dar libremente su opinión? ¿No es acaso una democracia en acción? La respuesta es un rotundo NO, de hecho, para parafrasear a Platón en su "alegoría sobre la caverna", la opinión o doxa al estar basada en la creencia, la experiencia y la ilusión, no tiene un fundamento sólido y es precisamente lo que mantiene a los esclavos en su prisión, es decir, el ejercicio de opinar nos hace creer que efectivamente estamos ejerciendo algún tipo de democracia y por lo tanto, nos oculta que estamos siendo presos de creencias, ideas, ilusiones, mentiras y prejuicios sin fundamento alguno que no son más que una forma de reproducir a la ideología dominante y justificarla, y aunque esto les suene demasiado político a algunos de ustedes, la opinión es demagogia pura y no debería sorprendernos que de la opinión nazcan posturas tan despreciables y ruines como la anti-intelectualidad y el anti-intelectualismo, que aunque estén relacionadas, NO son lo mismo, pues por un lado, la anti-intelectualidad es cuando se desconfía y se niega rotundamente el ejercicio intelectual de ponerse a pensar, cuestionar y criticar, y el anti-intelectualismo es la desconfianza y el descrédito a los intelectuales, es decir, es una forma de anti-elitismo asquerosamente demagógica y populista que afirma que los intelectuales son una élite privilegiada que busca limitar nuestra "democracia" con su pensamiento y conocimiento, y es aquí donde uno debe poner a ambos como productos de la demagogia más descarada, así como cuando el escritor Isaac Asimov criticó a la sistémica ola de anti-intelectualismo que empezó en Estados Unidos en el Siglo XX, la cual solía afirmar que "mi ignorancia es igual a tu conocimiento", y la pregunta aquí es: ¿Qué tiene que ver todo esto con Rate Your Music?, la respuesta es bastante larga y compleja, por lo que esta introducción se alargará bastante:

En una serie de artículos que escribí en mi otro blog En el jardín del Guajolote pude hacer un cuestionamiento directo a los "expertos", a la tecnocratización de la industria musical y a la confianza excesiva que se les da a estos. El problema con el "experto" es que es un fetichista del conocimiento, para él lo que vale es este y nada más, tiene una excesiva confianza en la empiria y la práctica frente a la teoría, y esto le impide pensar y cuestionar tanto a sus conocimientos como a sus saberes y sus prácticas, por lo que el "experto" o "tecnócrata" también suele tener a menudo una postura anti-intelectual, ya que lo suyo no es pensar filosóficamente, sino siempre tener respuestas o en pocas palabras, el "experto" es un pervertido de acuerdo al psicoanálisis, y esto es precisamente lo que sucede con Rate Your Music, al abrir directamente sus puertas a que todo el mundo pueda opinar, dota al usuario de una confianza perversa en que todo lo que sabe y conoce es correcto, es decir, que él tiene la respuesta, entonces no es de extrañar que la misma plataforma brinde a los usuarios toda una experiencia subjetivista y que a la hora de que los usuarios sean cuestionados, justifiquen sus errores con falacias, pseudo-argumentos subjetivistas o relativistas o con la estupidez de "es mi opinión, respétala", no debería sorprendernos que muchas de las reseñas de discos raros, que se supone que están hechas por coleccionistas con amplias colecciones de discos, siempre tengan errores garrafales a la hora de etiquetar la música, ya sea con etiquetas completamente fuera de lugar o con otras basadas en los propios prejuicios de los usuarios, un ejemplo notorio es este disco de los bostonianos Listening, al que en dicha página se le suele etiquetar de "rock progresivo" o "proto-progresivo" y hasta hay gente que atrevidamente lo ha llegado a comparar con los grupos británicos del género, todo esto bajo la excesiva confianza de que sus sentidos les darán la respuesta correcta, y es aquí donde vale la pena citar al filósofo francés Gilles Deleuze cuando dijo que "los argumentos de la propia experiencia privilegiada son argumentos malos y reaccionarios" y esto es precisamente cierto cuando se les da una excesiva confianza a nuestros propios sentidos, como si se tratasen de herramientas infalibles para conocer y entender al mundo, cuando de hecho, son todo lo contrario, y aunque esto suene político, aquí su universalidad es aplicada a la música, pues escuchar música no es simplemente una práctica que implique directamente al oído, sino que implica también hacer un ejercicio intelectual y crítico que va más allá de lo que nuestros sentidos puedan decirnos.

Lamentablemente la información sobre Listening es de escasa a una en la red, lo que sí sé es que se formaron en Boston en 1967 por el virtuoso tecladista, vibrafonista, compositor y cantante  Michael Tschudin, el baterista y cantante Ernie Kamanis y el bajista Walter Powers, más tarde completaría la formación el guitarrista Peter Mallick (más conocido por ser un guitarrista de blues que formó parte de la banda de Otis Spann), durante su breve existencia que duró hasta 1969, el grupo fue uno de los más destacados de la escena de Boston junto con Ultimate Spinach, Ill Wind, The Freeborne, Beacon Street Union, Earth Opera, Ford Theatre, entre otros, y en 1968 lanzaron su debut y único disco titulado homónimamente del que hoy estamos hablando.

Listening es una obra que es uno de los mejores ejemplos de la psicodelia bostoniana, precisamente porque muestra la enorme diferencia que había entre la escena de Boston con las de San Francisco, Los Ángeles, Texas y Detroit, y es que los grupos de Boston se dedicaron más que nada a crear una psicodelia mucho más trabajada y cerebral en cuanto a las melodías y la ejecución, contrastando con lo garagero de Texas, lo crudo y pesado de Detroit y la enorme influencia del folk y el jazz que tuvieron las escenas californianas, y es por eso que Listening suenan tan finos y sesudos al mismo tiempo, igualmente cabe destacar su eclecticismo que iba del heavy psych al pop psicodélico jazzeado y de la psicodelia con tintes latinos al rock ácido, sin tener que caer en barroquismos fuera de lugar o en experimentación excesiva y carente de dirección, igualmente cabe destacar que la ejecución de la banda es magistral, por lo que tenemos un disco muy completo y creativo que definitivamente está entre los mejores que he escuchado de la psicodelia gringa en general.

El disco comienza con You're Not There, una canción de heavy psych un tanto dramático muy típico de la época que me trae a la mente a muchas bandas, entre ellas a una rarísima originaria de Indianapolis, Indiana llamada Brand X que solo sacó un sencillo en 1970 con un par de refritos, entre ellos el de Come On Home del grupo de garage rock pre-Aorta The Exceptions, pero con la diferencia de que Listening sí componían sus propias canciones y además lo hacían de manera extraordinaria, ya que noto bastante elaboración sin caer en ningún vicio de la época, igualmente cabe destacar que el trabajo de órgano es espléndido, la sección rítmica cuadrada y con mucha fuerza, básicamente la encargada de darle la pesadez a la canción y por supuesto no puede faltar la guitarra psicodélica en el solo. Espléndida apertura y como dato extra, esta canción fue versionada por el grupo neoyorkino de heavy psych Odyssey en su debut y único disco de estudio titulado Setting Forth, editado tan solo un año después.

Le sigue Laugh At The Stars, que contrastando con el heavy psych de la canción anterior, aquí tenemos un delicado y fino pop psicodélico con tintes barrocos, excelentes armonías vocales, enormes cantidades de hammond y clavecín y la guitarra psicodélica obligatoria, esta canción es un excelente ejemplo de cómo la escena de Boston, en contraste con las de San Francisco, Los Ángeles, Texas y Detroit, tuvo un sello mucho más fino y enfocado a la cerebralidad melódica. Extraordinario.

El pop psicodélico fino sigue en 9/8 Song, pero esta vez combinado con algo de cool jazz, y aunque aquí no hay guitarra eléctrica, sí hay acústica, y en lugar de hammond, hay piano y vibráfono. El cruce perfecto entre The Freeborne, los Spiders y Bob Smith. Belleza.

Stoned Is es el clásico indiscutible de la banda, ya que se trata de su canción más conocida y además de todo, estamos ante uno de esos temas obligatorios para todo el que se diga fan o hasta "conocedor" de la psicodelia, pues es un tema de rock ácido con una sonoridad exquisitamente "pacheca" como diríamos aquí en México, en donde la mezcla de hammond con guitarra se encargan de darle toda esa sonoridad psicodélica tan especial así como la voz que me recuerda a Girl de los Beatles por los sonidos de inhalación. Obra maestra.

Forget It, Man! Es psicodelia más estándar que me recuerda a Lee Michaels (Carnival of Light) en sus momentos más ácidos por su combinación de órgano hammond con clavecín. Excelente.

I Can Teach You es rock ácido souleado con una ocasional sección de metales, un trabajo magistral de teclados y de nuevo, esa infaltable guitarra psicodélica en el solo. Excelente.

Volvemos al pop psicodélico en So Happy, que a mí en lo personal me suena a una combinación entre The Lovin' Spoonful, Love y los Cowsills que incluye un solo de guitarra que me suena al mejor Armando Nava en el Cambia, cambia. Este es el tema más "comercial" de todo el disco, pero no por eso carente de calidad, ya que este tema es también espléndido.

Cuando es un tema muy curioso e interesante que suena muy similar a lo que ya hacían en ese tiempo los angelinos Sweetwater con su combinación de pop psicodélico con elementos latinos y barrocos así como también vuelvo a notar que se adelantan tanto al sonido de Bob Smith en su obra maestra The Visit de 1970 como a la época de War con Eric Burdon y por si no fuera poco, incluyen una pequeña parte de letra en Español, que a pesar de que no está tan bien pronunciado, se agradece que lo hicieran. Espléndido.

Baby: Where Are You? Es tal vez el tema que más me recuerda a San Francisco, particularmente a Quicksilver Messenger Service, es decir, es un tema de rock ácido, aunque también cabe destacar que es probablemente una de las más psicodélicas del disco junto con Stoned Is y See You Again, porque incluye partes atascadas de phaser, incluyendo un breve solo de batería y por si no fuera poco, también incluye interludios jazzísticos que de nuevo me traen a la mente a sus contemporáneos The Freeborne o a los Spiders de mi país. Obra maestra.

Fantasy es un breve interludio de teclados con un sonido bastante tenebroso, pero que muestra la maestría de Michael Tschudin como tecladista.

El disco cierra con broche de oro con See You Again, un tema de puro rock ácido guitarrero, enérgico hasta la médula y aunque prácticamente no tenga letra alguna, el hecho de que Michael Tschudin esté repitiendo una y otra vez el título de la canción como si se tratase de un mantra, se me hace algo tan bellamente típico de la época y por si no fuera poco, esta canción tiene un solo de bajo y otro de batería. Otra obra maestra.

Si eres fan de la psicodelia gringa como yo, este disco es de escucha obligatoria, pues junto con los álbumes de Ill Wind, Ultimate Spinach, The Freeborne, Beacon Street Union, The Fort Mudge Memorial Dump, The Art of Lovin', Ford Theatre, Earth Opera, entre otros, este es uno de los mejores trabajos hechos de Boston, Massachusetts y uno de los mejores de toda la psicodelia gringa.

6 ene 2024

The Conqueroo - From The Vulcan Gas Co. (1987)

 
Muy feliz y próspero 2024 tengan todos ustedes, la razón por la que no pude actualizar el blog en las últimas semanas del 2023 fue porque intenté aplicar mi viejo modelo de trabajo bloggero en el que solía planificar todo desde una semana antes de publicar algo, y podía hacer eso precisamente porque antes solía invertir bastante tiempo en escuchar música, y por lo tanto, a la hora de seleccionar el disco semanal, podía darme el tiempo de ir escribiendo la reseña en el transcurso de la semana y además, de subir el disco, ahora, lamentablemente eso ya no funciona para mí, porque generalmente estoy ocupado en otra cosa y el tiempo ya no me rinde para trabajar como antes, por lo que hice el intento desesperado de crear dos encuestas para que ustedes, los lectores, votaran el disco de la semana, pero lamentablemente tampoco funcionó para mí, ya que eligieron un disco que no había escuchado lo suficiente como para reseñarlo, por lo que decidí descansar de mis esfuerzos en vano y por lo tanto, si no hubo post navideño, tampoco hubo de fin de año, y ahora que Enero está empezando, una de mis metas es precisamente volver a dedicarle tiempo a la música con el fin de hacer que esto vuelva a funcionar y además, hacer que la bonita tradición bloggera de subir piratería con extensas reseñas no muera.

The Conqueroo fue una de las primeras bandas psicodélicas en surgir del estado de Texas junto con los 13th Floor Elevators -que también eran de Austin-. Formados a fines de 1965, tomaron su nombre de una frase de la icónica Hootchie Cootchie Man del gran Muddy Waters ("John, the conqueror root"), pero con una deformación y su primera alineación estuvo conformada por Powell St. John -un personaje mítico porque justamente también colaboró como compositor con los 13th Floor Elevators- en la voz, armónica y kazoo "electrificado", el bajista Ed Guinn, el guitarrista Bob Brown y el baterista Tom Bright. The Conqueroo serían uno de los 2 grupos que aparecieron en el primer cartel musical psicodélico de Texas que data de Enero de 1966 y pronto el grupo se convertiría en uno de los más destacados e importantes de la escena, al punto que sería también uno de los grupos que inauguraron el Vulcan Gas Company -la primera sala de conciertos psicodélica de Texas- en 1967.

A pesar de la importancia capital y su prestigio como grupo, Texas siempre ha sido un estado conservador y retrógrada, y cuando la contracultura llegó a dicho estado, la primera reacción que hubo fue que aquellos greñudos con ropas coloridas, que tocaban música "rara" y consumían sustancias ilícitas, eran una "amenaza comunista en contra de los sagrados valores cristianos", por lo que grupos como los 13th Floor Elevators, The Conqueroo, Shiva's Headband, Red Krayola, The Golden Dawn, Bubble Puppy, entre otros, terminaran siendo perseguidos por la policía local, así como también los hippies locales terminaron siendo perseguidos o en reprimendas policiacas de manera idéntica a lo que sucedió en México después del Festival de Avándaro, cuando llegaba la tira a acabar con las tocadas en los hoyos fonquis y arrestaban a los hippies para raparlos y hasta tirarlos en lugares abandonados o meterlos presos, lo que provocó que The Conqueroo fuese un grupo inestable en cuanto a su alineación, pues por ejemplo, Powell St. John no pudo ser un miembro de tiempo completo y terminó emigrando a San Francisco, California a formar el grupo de blues Mother Earth, por lo que fue reemplazado por el guitarrista Charlie Prichard, igualmente el baterista Tom Bright terminaría saliéndose en el otoño de 1967 y sería reemplazado temporalmente por Daryl Rutherford que se saldría en 1968 para ser reemplazado por el baterista de jazz Gerry Storm -quien había estado con The Blue Crew-, sin embargo, tampoco duraría mucho, pues el grupo estaba cansado y atemorizado de terminar encarcelados o metidos en un hospital psiquiátrico como le pasó a su amigo Roky Erickson, por lo que decidieron partir a San Francisco, California y ahí conocieron al baterista Alvin Sykes, que los acompañó hasta su separación en 1970, y a pesar de que parecía prometedor su futuro ahí, terminó siendo un fiasco, pues lo que pudo haber sido su tocada para darles notoriedad terminó siendo un fiasco que les brindó mala reputación y por si no fuera poco, el grupo fue numerosas veces asaltado por los delincuentes del barrio en el que vivían, robándoles todo su equipo, cosa que finalmente hizo que terminaran separándose en 1970 en términos amigables, no obstante, Bob Brown formaría a una nueva encarnación del grupo en 1973 con la que se regresaría a Austin, Texas, pero de nuevo, la mala suerte les jugó en contra, pues el Vulcan Gas Company no existía más desde Agosto de 1970 y el Armadillo International Headquarters era un recinto más orientado al country rock que a la psicodelia, por lo que el grupo pronto tuvo que cambiar de nombre y de estilo, haciéndose llamar Texoid y tocando un soft rock al estilo de Steely Dan, cosa que no terminaría de cuajar y que finalmente aburriría a Bob Brown, quien terminó dándole fin al grupo a fines de los 70's.

From The Vulcan Gas Co. es una recopilación editada en 1987 por la disquera 5 Hours Back, la cual está conformada por diversas grabaciones del grupo hechas entre 1967 y 1968, entre ellas las 3 canciones de la autoría del bajista Ed Guinn que se grabaron en los estudios Pacific High Recording de San Francisco, California en 1968 que abren el álbum, el sencillo de 1968 grabado para la disquera texana Sonobeat en vivo desde el Vulcan Gas Company y otras grabaciones en directo que fueron grabadas en distintas fechas, cosa que hace de este disco algo muy completo e interesante para los que en verdad quieran conocer la psicodelia texana y a sus grandes exponentes.

El estilo de The Conqueroo se podría definir como un cruce entre el sonido texano y el sanfranciscano, pues por un lado tenemos ese sonido crudo y garagero pero siempre lisérgico que los relaciona con otros grupos texanos de la época como los 13th Floor Elevators, The Golden Dawn, Shiva's Headband, los Moving Sidewalks y American Blues, y por el otro tenemos los largos y ácidos jams guitarreros con bases de blues, folk, rhythm and blues y jazz que los conecta con grupos como Linn County, Mad River, Frumious Bandersnatch y Quicksilver Messenger Service, por lo que podríamos decir que The Conqueroo fue un grupo distintivo para la escena de Austin, Texas y es una lástima que al tener que huir a San Francisco debido al autoritarismo texano, no hayan pegado ahí, teniendo en cuenta que por su estilo, pudieron haberse vuelto muy populares en dicha escena al igual que A.B. Skhy, Linn County, Mad River, Devil's Kitchen o H.P. Lovecraft, grupos que ni siquiera eran originarios de California, pero que una vez que se instalaron en San Francisco, lograron gozar de bastante popularidad local.

El disco empieza de manera guitarrera con Passenger, la cual fue grabada en 1968 en los estudios Pacific High de San Francisco, con el nuevo baterista Alvin Sykes, y es notoria la influencia sanfranciscana, pues la composición me recuerda a Linn County y su rock ácido blueseado y souleado, mientras que la guitarra suena más al gran Stacy Sutherland en su momento más creativo (Easter Everywhere, Bull of The Woods) y la voz es una especie de cruce extraño entre Lawrence Hammond de Mad River y Spencer Perskin de la Shiva's Headband. Temazo.

Otro tema grabado en San Francisco es Banana and The Cat y que de nuevo, suena a cuánto absorbieron la influencia local, pues esta vez suenan a un cruce bastardo entre Mad River, los 13th Floor Elevators y los Mothers of Invention, pues se trata de una composición un tanto sombría y algo disonante que bien pudo haber estado en el primer disco de Mad River o en el Freak Out! de Frank Zappa. Extraordinario.

Words Are Not as Strange es otro de los temas grabados en San Francisco, esta vez es un blues lento de corte psicodélico, más deudor del blues de Chicago que del de Texas a mi parecer, pero con una omnipresente guitarra psicodélica.

1 to 3 vuelve al rock ácido guitarrero, esta vez con una grabación en vivo en el Vulcan Gas Company en 1968, y es un gran ejemplo de la gran energía que tenía la banda en sus directos, donde también hacían largos jams lisérgicos, haciendo eco de grupos sanfranciscanos como Quicksilver Messenger Service, Frumious Bandersnatch, Moby Grape, Jefferson Airplane, entre otros. Obra maestra.

Walking Blues de Robert Johnson ha sido versionada por miles de artistas y grupos, pero las versiones más memorables e interesantes son las de la Paul Butterfield Blues Band, Quicksilver Messenger Service y esta de The Conqueroo, que a pesar de que no sonó tan psicodélica como las otras, los arreglos son interesantes y la ejecución excelente.

Midnight Hour es una versión de In The Midnight Hour de Wilson Pickett, la cual es una de las canciones más texanas del disco, curiosamente, porque los arreglos me recuerdan muchísimo a los 13th Floor Elevators y su Monkey Island, e incluso la guitarra me suena a ese primer Stacy Sutherland tan influenciado por el surf y el rhythm and blues. Espléndida.

Con I've Got Time de nuevo estamos frente a un tema de rock ácido bastante largo y guitarrero, con una duración de más de 8 minutos, que me recuerda muchísimo a los Them y su obra maestra Time Out, Time In For Them! de 1968, aunque también noto ecos de la ruidosa guitarra de James Gurley de Big Brother and The Holding Company. Obra maestra.

Get Out of My Life, Woman es uno de los estándares del rhythm and blues más versionados de la historia y que tuvo un especial cariño entre las bandas psicodélicas gringas, destacando especialmente a Iron Butterfly, quienes versionaron la canción en su debut Heavy de 1968, y aquí The Conqueroo hicieron otra versión, que suena más a rock ácido blueseado. Esta canción fue grabada en el mismo concierto que la anterior. Espléndido.

I Think About It se supone que fue grabada en vivo en el Vulcan Gas Company en 1967 o 1968, aunque curiosamente, tiene una mejor calidad de sonido que las anteriores. Aquí el grupo aún no sonaba tan sanfranciscano y más bien sonaba a un típico grupo texano de garage rock psicodélico, aunque con un énfasis mayor en la guitarra que otros de sus contemporáneos. Excelente cierre.

En una carpeta extra puse las versiones del sencillo de Junio de 1968 para Sonobeat Records de I've Got Time y 1 to 3, que según están grabadas en vivo en el Vulcan Gas Company, pero en realidad ese recinto simplemente fue usado como estudio temporal para grabar este sencillo, de ahí que la calidad de sonido sea muy superior a la de las versiones del LP. También cabe destacar que son versiones mucho más cortas que las presentes en el LP, que esas definitivamente sí fueron grabadas en vivo, de ahí que la calidad de sonido deje tanto que desear.

Aunque sea un disco un tanto inconsistente en general, ya que se trata de una recopilación construida desde distintas fuentes y por lo tanto, la calidad de audio varíe muchísimo, las canciones en general son excelentes y la interpretación del grupo es enérgica y llena de vida, aunque eso sí, me atrevo a decir que en las cuestiones creativas no lograron estar al mismo nivel que los 13th Floor Elevators o que los grupos sanfranciscanos de la época, no obstante, From The Vulcan Gas Co. es un documento muy interesante y totalmente recomendado para los fanáticos de la psicodelia gringa.

14 dic 2023

H.P. Lovecraft - Dreams In The Witch House: The Complete Philips Recordings (2005)

 
Muy buenas tengan todos ustedes, ya ha pasado más de un año que no he publicado nada tanto por la versión original de Blogger como por la extensión de Wix y lamentablemente las circunstancias jugaron más en mi contra que a mi favor y es que por un lado, no pude encontrar la inspiración para ponerme a escribir algo bueno, aunque lo intenté varias veces, siempre con resultados a medio hacer y que no me terminaban de convencer, igualmente a principios de año, mi viejo disco duro dejó de funcionar, por lo que perdí mucha música que hasta la fecha no he podido recuperar del todo, y eso también hizo que el tiempo que solía invertir en escuchar música se redujera considerablemente, además de que con el fin de la pandemia, he tenido la oportunidad de salir más a menudo y eso me ha restado tiempo, pero por si no fuera poco, mi computadora que compré justo antes de que el COVID-19 llegara a México, empezó a fallar y eso se debió a la tarjeta base, cosa que me costará algo de dinero arreglar, ya que las tarjetas base no son precisamente muy baratas que digamos, pero al menos es algo que se puede cambiar, por lo que tengo que usar una MacBook vieja y desactualizada de mi mamá, que sí, a pesar de que me ha complicado ciertas cosas, pues es lo que tengo y con esto estoy trabajando, por lo que a pesar de todo lo que podría tener en contra mía, tendré que ingeniármelas para poder actualizar el blog de manera más constante.

Los orígenes de H.P. Lovecraft datan desde 1966, cuando el cantante de folk George Edwards fungía como uno de los cantantes de sesión de la disquera Dunwich, Edwards ya tenía experiencia al ser un trovador bastante nómada al estar rondando por Chicago, California y Florida, y ya había tenido al menos un sencillo que no tuvo ningún éxito, no obstante, grabó un nuevo sencillo con los músicos del grupo de garage rock local The Rovin' Kind y además de todo se le unió su viejo amigo Dave Michaels, un cantante entrenado en bel canto con un poderoso rango de 4 octavas y registro de tenor lírico ligero, a quien conoció mientras tocaba en un trío de jazz y lounge que tocaba en un Holiday Inn de Chicago.

El sencillo salió bajo el alias de H.P. Lovecraft en lugar de salir como un sencillo de George Edwards, gracias a que los dueños de la disquera eran admiradores incondicionales del trabajo del escritor de terror Howard Phillips Lovecraft e incluso la disquera Dunwich se llamó así gracias a un cuento de Lovecraft. Edwards y Michaels, entusiasmados por el nombre y porque la familia del escritor autorizó que lo usaran, decidieron formar una banda estable con el nombre y en Marzo de 1967 hicieron las audiciones para reclutar a los miembros, que resultó en el reclutamiento del guitarrista Tony Cavallari, el baterista Mike Tegza y el bajista Tom Skidmore, quien no duró mucho en la alineación y fue sustituido por Jerry McGeorge, quien había sido uno de los guitarristas del grupo de garage rock los Shadows of Knight, por lo que pronto, con George Edwards y Dave Michaels como las fuerzas creativas del grupo, empezaron a desarrollar una mezcla de folk rock con psicodelia, con un repertorio que consistía en composiciones originales y refritos de canciones tradicionales de folk. El sonido de la banda estaba marcado por las armonías vocales de George y Dave, quienes hacían un trabajo que recordaba al de Jefferson Airplane, así como también su folk rock psicodélico recordaba a aquella banda sanfranciscana y fue a mediados de 1967 cuando entraron al estudio a grabar su primer disco de larga duración, que llevaba un título homónimo y salió al mercado hasta Octubre de ese año, y aunque el disco no tuvo gran éxito en las listas de popularidad nacionales o internacionales, sí logró bastante popularidad en Chicago, San Francisco y Los Ángeles, al punto que H.P. Lovecraft tuvieron que hacer una gira por la costa oeste y pronto se convirtieron en uno de los grupos preferidos de los hippies californianos.

Una vez bien consolidados como un grupo relativamente popular en la costa oeste de Estados Unidos, también tuvieron que hacer una gira por la costa este, tocando en el Boston Tea Party de Boston, el Electric Factory de Filadelfia y el Café Au Go Go de Nueva York, donde alternaron con Blood, Sweat and Tears. Al cumplir con las giras, se reestablecieron en Marin County, California en Febrero del 68 y pronto tuvieron que seguir tocando en el Fillmore y el Winterland con Traffic, así como también en el coliseo Utah State Fairgrounds de Salt Lake City con los Youngbloods y Buffalo Springfield, en el Whisky A Go-Go con Colors y en Palm Springs con la banda de blues de James Cotton.

Después de 8 semanas de haberse mudado a California, Jerry McGeorge se salió del grupo y apareció con ellos por última vez en sus conciertos en el Kaleidoscope de Los Ángeles en los días del 12 al 14 de Abril del 68 y en su lugar entró el bajista Jeffrey Boyan, quien había estado en otra banda de su natal Chicago, Illinois llamada Saturday's Children y eso sirvió como un gran cambio, ya que Boyan era un bajista mucho más completo que McGeorge y además también cantaba, y así H.P. Lovecraft logró alternar con grupos como Jefferson Airplane, y la magia de esta alineación logró capturarse por primera vez en el disco en vivo Live May 11, 1968 que salió hasta 1991 por Sundazed en Estados Unidos y Edsel en Inglaterra.

En Junio de 1968 fue hora de grabar un nuevo álbum y para eso se trasladaron a Los Ángeles, para grabarlo en los estudios I.D. Sound, la producción del disco estuvo a cargo de su representante George Badonsky y la ingeniería por el británico Chris Huston, quien fue parte fundamental para el disco, ya que la banda había estado extremadamente ocupada en las giras y no tenían material nuevo para grabar, por lo que Huston les ayudó a componer e improvisar en el estudio, así como también fue quien añadió los efectos psicodélicos al disco, y así el grupo pudo completar H.P. Lovecraft II, salido en Septiembre del 68, disco que mostró una expansión creativa del grupo, no obstante, el disco volvió a tener ventas muy bajas como para entrar en las listas nacionales y eso provocó que Dave Michaels se saliera del grupo a fines de ese año y finalmente H.P. Lovecraft se separaran definitivamente en Enero de 1969.

Michael Tegza se fue a tocar con Bangor Flying Circus, grupo con el que logró sacar un disco en 1969 y luego se reunió con George Edwards, quien había vuelto a ser un trovador y además, ya tocaba con su nombre real, Ethan Kenning, y formaron a Lovecraft, quienes sacaron un solo disco en ese año titulado The Valley of The Moon, el cual, suena a una psicodelia más estándar y menos compleja que la de H.P. Lovecraft, además de tener las típicas tendencias al funk y al country rock de la época. Tegza volvería a formar una nueva versión del grupo llamada Love Craft, que sacó un disco en 1976 y esta versión tocaría funk. Igualmente George y Dave se suelen juntar a menudo para tocar juntos.

Dreams In The Witch House: The Complete Philips Recordings es una recopilación editada por Rev-Ola en el 2005, la cual recopila todas las grabaciones del legendario grupo chicagüense para Dunwich Records, incluyendo el sencillo que grabó George Edwards en 1966 bajo el pseudónimo de H.P. Lovecraft y los dos álbumes lanzados en 1967 y 1968 respectivamente.

El disco abre con Wayfaring Stranger, una canción tradicional de Estados Unidos que data del siglo 19, sobre un alma quejumbrosa hablando sobre su vida, el autor de la letra en Inglés es completamente desconocido, no obstante la melodía data de 1666 y fue compuesta en Alemania con el nombre de Ich bin ja nur ein Gast auf Erden y su letra original estaba basada en los salmos 39:12 y 119:19 de la Biblia. La letra en Inglés (Wayfaring Stranger) fue publicada por primera vez en 1858 en una colección de himnos y canciones espirituales de Estados Unidos hecha por Joseph Bever, y un dato curioso es que Wayfaring Stranger fue conocida como "el himno de la prisión Libby", ya que un soldado agonizante prisionero en Libby, escribió la letra en la pared de su celda. Por otro lado, la música es folk rock psicodélico, muy similar a lo que ya hacían Jefferson Airplane. Temazo.

Let's Get Together es uno de esos himnos hippies de toda la vida... Al menos para los gringos, ya que en México no pegó, pero como sea, Let's Get Together ha sido versionada cientos de veces, pero podemos destacar entre sus versiones a las de los Youngbloods, The Yankee Dollar, los Dave Clark Five, los We Five, Jefferson Airplane, la de su autor Dino Valenti y la de H.P. Lovecraft, quienes grabaron una versión más alegre y con una instrumentación más compleja al incluir flauta, órgano Farfisa y la típica instrumentación de rock, así como las armonías vocales de Edwards y Michaels. Excelente.

I've Been Wrong Before es otro cover, esta vez de Randy Newman y está hecho en clave de una refinada y pausada psicodelia que incluye flauta dulce, órgano y un final con timbales, además de las exquisitas armonías vocales. No dudaría que esta fuese una influencia importante en los Spiders. Extraordinaria.

Drifter vuelve a sonar a Jefferson Airplane, es decir, es un tema más rocanrolero y enérgico que los anteriores, que además incluye más adornos de guitarra y las armonías vocales recuerdan todavía más a las de Grace Slick, Marty Balin y Paul Kantner, y lo mismo se podría decir de The Bag I'm In, que cabría destacar que ambas canciones son refritos de los cantantes de folk Travis Edmonson y Fred Neil, admirados por George Edwards y Dave Michaels. Temazos.

The White Ship es probablemente la obra maestra del debut y una de las obras más acabadas del grupo, por lo que no es de sorprenderse que esta fuese la canción que cautivó a los hippies californianos en el otoño de 1967, pues se trata de una canción basada en el cuento corto el Barco Blanco del escritor H.P. Lovecraft y que musicalmente es una exquisitez sonora, pues se trata de un tema compuesto a ritmo de bolero español y lleno de barroquismo, con una rica instrumentación que incluye campanas, órgano, un drone de feedback guitarrero, clarinete y clavicordio, además de las acostumbradas armonías vocales de George y Dave que son oro molido, poniendo a H.P. Lovecraft en el nivel de cualquiera de los grandes grupos de San Francisco y de Boston.

Country Boy & Bleeker Street es otro refrito de Fred Neil y que vuelve al rock ácido guitarrero de Jefferson Airplane, aunque esta vez me recuerda más al After Bathing At Baxter's que al Surrealistic Pillow o el Takes Off. Temazo, especialmente por las armonías vocales.

The Time Machine es un vaudeville psicodélico con Dave Michaels en la voz principal, la música en general me recuerda a muchas bandas de la época, entre ellas a The United States of America, los Beatles, los Animals, The Freeborne y a Mount Rushmore, quienes grabaron temas de corte similar. Espléndido.

That's How Much I Love You, Baby (More or Less) es otro refinado tema de suave psicodelia jazzeada, en el que de nuevo noto ecos de The Freeborne, quienes también tenían mucha influencia del jazz. Extraordinario.

Gloria Patria es básicamente un canto gregoriano en Latín y de nuevo, el grupo muestra sus capacidades tanto vocales como musicales, estando por encima del promedio. Excelente cierre.

H.P. Lovecraft II abre con Spin, Spin, un tema del cantautor de folk Terry Callier, que parece una combinación entre Jefferson Airplane y Sixto Rodriguez pero con mayor finura por su instrumentación que incluye piano y arreglos de cuerda a cargo de Dave Michaels. Espléndido.

It's About Time es otro tema de Terry Callier y al igual que el anterior, el sonido de Jefferson Airplane sigue presente, pero esta vez se hace mucho más complejo y con reminiscencias del Pink Floyd de Syd Barrett (Interstellar Overdrive) y de los largos jams de Quicksilver Messenger Service (The Fool, Calvary), así como también hay arreglos de cuerdas que también recuerdan a los Moody Blues y a The Mandrake Memorial, además de efectos electrónicos, mostrando que el grupo podía hacer cosas bastante complejas pero bien hechas, sin caer en los excesos incoherentes en los que ocasionalmente podían caer grupos como Vanilla Fudge o algunos grupos británicos de rock progresivo. Obra maestra.

Blue Jack o' Diamonds es folk psicodélico de la autoría del nuevo bajista Jeff Boyan, quien reusltó ser un excelente bajista, un buen cantante y un excelente compositor también, la canción tiene reminiscencias medievales y un excelente solo de clarinete tocado por Dave Michaels. Obra maestra.

Electrallentando es una composición de George Edwards, pero esta vez tiene un caracter más experimental y psicodélico, aunque conservando sus raíces en el folk, por lo que este tema es mayormente acústico, con excepción de los arreglos de órgano, piano, e igualmente tiene campanas tubulares de cristal, timbales y está lleno de efectos psicodélicos que recuerdan a las mejores obras de Ultimate Spinach. Obra maestra.

At The Mountains of Madness probablemente sea una de las pocas y primerizas obras del space rock gringo junto con May The Circle Remain Unbroken de los 13th Floor Elevators, lanzada un año después, además de mostrar una notoria influencia de Syd Barrett (Interstellar Overdrive, Astronomy Domine) y del material más psicodélico de Jefferson Airplane (The House at Pooneil's Corners) con el extenso uso del feedback guitarrero por parte de Tony Cavallari y de los efectos psicodélicos por parte de Chris Huson, igualmente las armonías vocales suenan mejor que nunca y la batería es toda una chingonería. Una obra maestra sin dudarlo y una de las piezas más psicodélicas de toda la historia.

Moebius Trip es probablemente la canción que más recuerda al debut, por su fina y sofisticada tendencia jazzística que recuerda a That's How Much I Love You, Babe (More or Less), aunque con la diferencia de que suena mucho más psicodélica gracias a Chris Huson. Temazo.

High Flying Bird es un clásico sesentero que fue versionado infinidad de veces, pero las versiones que más destaco son las de Ill Wind, Jefferson Airplane, los Wizards from Kansas y la de H.P. Lovecraft, la cual está a cargo de Jeff Boyan en la voz principal, demostrando de nuevo que es un muy buen cantante. Temazo.

Nothing's Boy es una pieza experimental y terrorífica muy corta que da paso a Keeper of The Keys, una canción del dúo de folk rock Brewer & Shipley, la cual está tocada a modo de un medio tiempo muy contundente y aquí Dave Michael es el cantante principal. Temazo y un excelente cierre.

De temas extra tenemos el primer sencillo lanzado con el nombre de H.P. Lovecraft, que está lejos de sonar psicodélico, pero definitivamente son canciones de folk rock de muy alto calibre y que ya muestran chispazos de lo que se convertiría el grupo posteriormente, igualmente viene las versiones del sencillo de The White Ship y Keeper of The Keys.

H.P. Lovecraft es un discazo que a pesar de que por momentos suena mucho a Jefferson Airplane al punto de sonar como una copia, lo que irónicamente, los hace más originales de lo que muchos podrían pensar -lo que realmente es la "originalidad" es aquello que se apega a sus orígenes y H.P. Lovecraft definitivamente suenan como Jefferson Airplane, e incluso Dave Michaels tiene un registro muy andrógino que notoriamente suena como Grace Slick por momentos-, es un disco excelente en general y un excelente comienzo para una de las bandas psicodélicas más importantes de Estados Unidos, no obstante, la obra maestra del grupo es su segundo disco, H.P. Lovecraft II, por su experimentalidad y por la calidad de las canciones que definitivamente fueron un avance creativo importante para la banda, creando así uno de los mejores discos psicodélicos de la historia, igualmente cabe destacar que en este segundo disco, Dave Michaels ya no suena tanto a Grace Slick, por lo que ambos están completamente recomendados.

13 dic 2023

OutsideInside Music en Telegram

Hace unos días, Uloz, el sitio donde estaban almacenados algunos de los discos publicados por aquí, quedó completamente privatizado gracias al paquete de la Ley de Servicios Digitales de la Unión Europea, que con la excusa de que busca proteger a los usuarios, no es más que la misma cruzada de siempre de los imperios del mal -las corporaciones- en contra de la piratería, que como deberíamos tener en claro: la piratería es una forma de comunismo y en donde se encuentra uno de los potenciales para abolir tanto al capitalismo como a su esquema corporativo/neofeudal y el hecho de que las corporaciones sean en la actualidad feudos digitales, la piratería es aquello que los señores feudales digitales van a querer abolir a toda costa.

La cruzada contra la piratería no es nueva y empezó con la modernidad misma, cuando se crearon mañosamente las leyes de "propiedad intelectual" y "derechos de autor", que lejos de haberse creado para realmente proteger el trabajo intelectual, más bien se crearon con un fin coercitivo, es decir, de censurar a las voces críticas a cambio de "protección", no obstante, la piratería encontró una forma de hacerse y distribuirse con el surgimiento de los "bootlegs", que generalmente eran grabaciones inéditas o en vivo de grupos populares que no estaban oficialmente disponibles, igualmente en la URSS, existieron los discos grabados en radiografías, como forma de escuchar lo que venía del occidente ante el veto del gobierno a la música occidental, pero la cosa no termina ahí, con la era digital, la piratería encontró la forma de distribuirse de manera mucho más general, ya fuese con el CD o por vía del Internet, de ahí empezaron a surgir las primeras plataformas P2P, entre ellas Napster, que se vió envuelta en una enorme polémica gracias a la desafortunada demanda de Mierdallica hacia la plataforma por haber filtrado un demo de una canción suya y así, Lars Ulrich quedó como un idiota útil de las corporaciones y su cacería de brujas, después el tipo tuvo que retractarse y ver con mejores ojos a las descargas gratuitas de música, pero el daño ya estaba hecho.

Desde finales del 2011, se habló sobre un proyecto de ley llamado Stop Online Piracy Act o más conocido como SOPA, que a pesar de que fue rechazado en el Congreso de Estados Unidos, sí trajo consecuencias catastróficas para la piratería en Internet y es que en Enero del 2012, el FBI cerró Megaupload y gracias a esto, muchos sitios como FileServe, FileSonic, Hotfile, entre otros, también tuvieron que cerrar sus puertas, por lo que inevitablemente, muchos blogs también desaparecieron, ya fuese porque el gobierno gringo los denunció para que los cerraran o porque muchos vieron a los blogs como algo inviable frente a la censura impuesta por el congreso gringo, y esto está lejos de terminar, pues dos trampas que tuvieron que hacer muchos sitios de alojamiento de archivos fue convertirse en almacenamientos en la "nube" y por lo tanto, tuvieron que adoptar un esquema feudal para que los usuarios tengan que pagar con el fin de tener mayor espacio y de que sus archivos no sean borrados en un límite de tiempo, y la otra que hicieron fue crear a las plataformas de streaming como Spotify, Deezer, Tidal, Amazon Music, Apple Music y demás, en donde también existe un esquema feudal de tener que pagar una renta mensual por disfrutar de sus servicios de mierda.

OutsideInside Music se las ha visto negras desde ese invierno del 2012, ha cambiado una infinidad de veces de sitios de alojamiento, y otra vez se repite la misma historia, por lo que he tenido que buscar nuevos sitios, y a pesar de que he encontrado unos cuantos, la incertidumbre sobre si esos sitios van a mantenerse activos y si no sucumben a la presión de las corporaciones y las industrias sigue intacta, por lo que he decidido abrir un canal de Telegram y ahí he empezado a compartir contenido, no obstante, para poder bajarlo, van a tener que registrarse en Telegram, descargar la aplicación en sus respectivos y después unirse al canal para recibir las actualizaciones, ya que en estos días estaré subiendo bastante contenido.

22 nov 2022

Quicksilver Messenger Service - Quicksilver Messenger Service (1968)

 
Muy buenos días tengan, camaradas, antes de empezar la reseña, debo avisarles que he decidido inaugurar una extensión en Wix de este blog, la cual estaré actualizando, si no me agarra la flojera, semanalmente y los posts que estén allá, también estarán aquí, ya que este blog tiene bastantes años funcionando y pues siendo que ustedes ya están familiarizados con esta versión de Blogger, pues por ahora lo manejaré así, ya después, posiblemente empiece a publicar otras cosas allá y otras acá, aunque no estoy tan seguro, ya que le veo mucho potencial a Wix, ya que me está pareciendo que su interfaz es igual de amigable que la de Blogger, pero tiene bastantes más y mejores funciones, lo que me está empujando a seguir con Wix, no obstante, con lo que sí tengo dudas es de volver a activar la versión de Wordpress, por su interfaz asquerosamente compleja y su nula flexibilidad en cuanto al diseño de las plantillas, pero si gustan que vuelva, díganmelo en los comentarios.

Sin más que agregar por el momento, comencemos:

Antes de pasar a la historia del grupo, debo platicarles cómo es que descubrí a Quicksilver Messenger Service y resulta ser que la primera vez que escuché algo de su música fue por allá en el 2008, cuando compré un DVD recopilatorio en el tianguis de Tepito de puros grupos californianos, el cual recuerdo que tenía una bonita portada psicodélica y ahí venían un par de canciones de Quicksilver en directo, grabadas en Julio de 1971, cuando el Fillmore West cerró sus puertas para siempre, y esta alineación NO era la clásica, sino una de las alineaciones que encabezaban el guitarrista Gary Duncan y el cantautor Dino Valenti, no obstante, les perdí la pista, aunque no se me olvidaba el nombre del grupo, porque lo solía ver mencionado en posters psicodélicos y en la bibliografía especializada en rock, y fue hasta fines del verano del 2010, cuando opté por buscar sus discos en estudio y la verdad es que no tenía ni la menor idea de qué me iba a encontrar en sus discos, yo lo único que sabía es que Quicksilver Messenger Service era uno de los grupos especializados en el rock psicodélico, particularmente en su variante más viajada y enfocada en los jams, bautizada por el gran Ken Kesey y sus Merry Pranksters como "rock ácido", y desde ese preciso instante que escuché sus primeros dos discos, me empecé a volver fan del grupo y es que uno de los motivos por los que encontré tan fácil escuchar su música era porque ya tenía una buena experiencia escuchando a grupos mexicanos como la Revolución de Emiliano Zapata, el Ritual y los Dug Dug's, que en algún momento, hicieron material de corte similar al de Quicksilver y un tema que particularmente me atrapó fue The Fool, jam de más de 12 minutos del que ya hablaremos más adelante.

En Febrero de 1964, un acontecimiento que cambiaría para siempre el curso de la música popular fue que los Beatles se presentaran en el show de Ed Sullivan en Nueva York, Estados Unidos y los jóvenes músicos gringos que apenas estaban llevando a flote sus carreras solistas como cantautores de folk acústico al tocar en mítines y en universidades de corte izquierdista, enseguida sintieron como los Beatles cambiaron las coordenadas de la música popular, como si se tratara de una especie de repetición de la revolución de Octubre y dos de estos jóvenes músicos -los cuales no se conocían, al parecer- que enseguida entendieron que el futuro estaba en el rock fueron Chet Powers (alias: Dino Valenti) y David Freiberg, y fue Dino Valenti, oriundo de Chicago, Illinois, que al haber estado activo en San Francisco, California, se hizo amigo de un joven guitarrista que llevaba años en el mundo del rock, pero que no la había podido hacer y tenía que vivir en un coche destartalado en el que vendía collares artesanales creados por él mismo, su nombre: John Cipollina, y la idea que Dino tenía en mente cuando formó el grupo era que iba a ser un grupo de rock con guitarras inalámbricas diseñadas para sostener las guitarras, mientras que también iban a tener toda una sección rítmica conformada por mujeres vestidas como indias, cosa que le interesó no solo a John, sino que también a Skip Spence (quien después se convertiría en el primer baterista de Jefferson Airplane y en uno de los guitarristas de Moby Grape), al cantautor David Freiberg y al guitarrista Gary Duncan -quien había estado en el grupo de garage rock The Brogues-, sin embargo, al día siguiente de comentarle la idea a John Cipollina, Dino fue arrestado por posesión de marihuana y la alineación de ese grupo apenas estaba tomando forma cuando Skip Spence y David Freiberg -un viejo amigo de Dino- se unieron y poco después también se uniría Gary Duncan, no obstante, al grupo le faltaba un baterista y por recomendación de Marty Balin, quien era dueño de The Matrix, el club donde ensayaban, le sugirió a Skip Spence pasarse a la batería, aunque al parecer, no duró mucho tiempo como baterista y fue suplido por Greg Elmore -un viejo compañero de Gary Duncan en The Brogues- y pronto también se uniría el guitarrista rítmico Jim Murray -un viejo conocido de John Cipollina-, por lo que la alineación original de Quicksilver Messenger Service quedaría bien formada y el grupo debutaría en Diciembre de ese mismo año en la fiesta de navidad del grupo de comedia The Committee, sin embargo, aún les faltaba algo: Tener un nombre y en una reunión surgió su peculiar nombre en un ejercicio creativo en el que se vió involucrada la astrología:

A Jim Murray y David Freiberg se les ocurrió el nombre. Yo y Freiberg habíamos nacido el mismo día (24 de Agosto), Gary y Greg habían nacido el mismo día (4 de Septiembre) y Murray era Géminis. Tanto los Virgo como los Géminis son regidos por Mercurio, y otro nombre de Mercurio (en Inglés) es "Quicksilver". Entonces, Mercurio es el mensajero de los dioses y Virgo es el sirviente, así que Freiberg dijo: «Oh, Quicksilver Messenger Service»

-John Cipollina

Y así, Quicksilver Messenger Service se convirtió en uno de los grupos más populares y más importantes de la naciente escena de San Francisco, la cual se caracterizó por mezclar sus influencias provenientes del rock and roll, el blues, el folk y el jazz dentro de un contexto influenciado por la contracultura creada por los beatniks y el consumo de sustancias psicodélicas como el LSD y la marihuana, y entre sus exponentes más importantes, se encontraban también The Charlatans, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Moby Grape, Big Brother & The Holding Company, Country Joe & The Fish, entre otros, por lo que Quicksilver Messenger Service se volvió en uno de los grupos más recurrentes en los recién creados recintos musicales como el Carousel Ballroom (luego transformado al Fillmore West), el Avalon Ballroom, el Winterland y The Matrix, lugares en los que se acompañaba a la música del grupo con baile y con un show de luces psicodélicas, así como también la publicidad estaba basada en un Art Nouveau visto desde una perspectiva de los viajes de ácido, y tan importantes fueron, que los invitaron a tocar en el Festival Internacional de Pop de Monterey, celebrado en Junio de 1967, justo para darle la bienvenida al "Verano del Amor". En ese mismo año, Jim Murray decidió salirse del grupo para irse a la India a estudiar cítara, por lo que el grupo quedó reducido a cuarteto y algo que le faltaba a la banda para triunfar era un disco, por lo que se vieron finalmente obligados a firmar un contrato con Capitol Records y comenzarían a grabar lo que sería su primer álbum a fines de 1967, completándolo a principios de año y saliendo al mercado en la primavera de 1968, no obstante, el grupo ya había grabado un par de temas para el soundtrack de la película Revolution, el cual fue editado por United Artists.

Se podría decir que Quicksilver Messenger Service es el arquetípico disco de rock ácido sanfranciscano, sin embargo, lo que lo hace distinto a otros discos de la misma escena es que mientras Jefferson Airplane y Big Brother & The Holding Company le apostaron a una versión más "domesticada" o "estandarizada" al adaptar sus canciones a la duración estándar y al escribir canciones con estribillos más o menos pegajosos que acercaban a ambos grupos al pop, así como Grateful Dead podían desenvolverse en unos jams de corte muy experimental y que podían acercarse a la música concreta por momentos, Quicksilver Messenger Service solían tener una muy marcada influencia del blues, el jazz y el flamenco, por lo que sus canciones están cubiertas con un aura mística y algo dramática que evocan siempre tanto a las películas del Spaghetti Western como a la arquitectura medieval española, todo esto bajo el influjo de las drogas psicodélicas, igualmente algo que debo mencionar es que los jams de Quicksilver Messenger Service, en comparación con los de Grateful Dead, estaban altamente planeados, es decir, eran casi composiciones.

El disco abre con Pride of Man, una vieja canción de protesta del cantautor Hamilton Camp, que bajo sus metáforas de corte bíblico esconde un mensaje en contra de la guerra y las armas nucleares, y el hecho de que Quicksilver la incluyeran en su primer disco se remonta al hecho de que David Freiberg la solía tocar cuando él aún era un cantante de folk, y Quicksilver Messenger Service supieron darle un tratamiento psicodélico que curiosamente también incluye algunos discretos arreglos de metales muy en la línea de Electric Flag, las excelentes y dramáticas armonías vocales de David Freiberg (baritenor) y Gary Duncan (tenor dramático), la siempre precisa y cuadrada batería de Greg Elmore y por supuesto, la esplendorosa y lisérgica Gibson SG de John Cipollina. Temazo de pies a cabeza.

Le sigue Light Your Windows, una composición propia de David y Gary, que sigue la misma tendencia de ese rock ácido de corte dramático que el corte anterior, aunque esta vez con más influencia del jazz, y de nuevo, todos los integrantes destacan en lo que mejor saben hacer. Espléndido.

Dino's Song es como dice el título, una composición de Dino Valenti (quien cabe mencionar, también fue el compositor del himno hippie Let's Get Together, versionado por una infinidad de grupos y artistas, entre ellos Jefferson Airplane, los Youngbloods y The Yankee Dollar) y es la canción que rompe con el dramatismo de las canciones anteriores y le trae una parte de alegría hippie algo popera al disco, que algo que me extraña es que no la eligieran como tema del primer sencillo del grupo, ya que curiosamente, suena bastante "comercial" y tenía todo para volverse como mínimo, un éxito mediano que pudo haber entrado a las listas de popularidad, pero bueno. Esta canción la interpretaron también en el Festival de Monterey en Junio de 1967, por lo que fue una excelente inclusión en el disco, teniendo en cuenta que tenía menos de un año que el grupo había estado en dicho festival. Excelente.

Y por fin llegamos al primer jam del disco, Gold and Silver, que muestra a un Quicksilver en una faceta más jazzística e influenciada por Dave Brubeck y su icónica Take Five, aunque cabe destacar que tampoco se olvidan de su característico sello psicodélico y rocanrolero que queda patente en los solos de Gary Duncan y John Cipollina que van avanzando a lo largo de la canción, y es con este tema que dejan bien en claro el motivo por el que sus presentaciones en directo eran tan aclamadas y amadas por los hippies. Obra maestra.

It's Been Too Long es de nuevo, rock ácido alegre con una estructura de blues, compuesto por el gran Nick Gravenites, aunque atribuida al representante del grupo Ron Polte por razones contractuales, en donde de nuevo, David Freiberg y Gary Duncan se lucen por sus armonías vocales, Greg Elmore por tocar siempre cuadrado y preciso y John Cipollina con sus arreglos y solos psicodélicos que lo posicionaron como uno de los mejores guitarristas de la escena sanfranciscana y también, como uno de los guitarristas de rock más injustamente olvidados de los 60's. Espléndido.

Por fin hemos llegado al final del disco, que no podía cerrar de mejor manera que con un jam de más de 12 minutos que se titula The Fool, y es aquí donde Quicksilver nos muestran que no simplemente era grandes instrumentistas, sino, grandes improvisadores de una mentalidad altamente psicodélica que lograron mezclar de manera elegante y magistral, lo viajado y lo atmosférico con lo refinado, lo dramático, lo sesudo y lo épico, que curiosamente, esto último es la mejor descripción que encontré para esta magistral obra en la que convergen las influencias del flamenco y de los soundtracks de Ennio Morricone bajo la estética del rock ácido más guitarrero, el cual está comandado por las guitarras de Gary (primera parte) y John (segunda parte), así como también Greg Elmore demuestra ser capaz de hacer patrones rítmicos complejos pero siempre sólidos y precisos sin caer en excesos patéticos, así como también algo a destacar es que David suena muy arabesco en su interpretación vocal y por supuesto, no podemos olvidarnos de la rica instrumentación que tiene este tema, el cual incluye piano, guitarras acústicas, panderos, coros femeninos y un solo de viola tocado por David Freiberg. Y así finaliza uno de los mejores discos de los 60's, con una verdadera joya olvidada. Obra maestra de principio a fin.

P.D. Algo que olvidé mencionar es que este disco había sido publicado por primera vez en el blog en Enero del 2011 junto a la mayor parte de la discografía del grupo, no obstante, esta es la primera vez que se publica este disco en un formato sin pérdidas por aquí.